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60年代にデビューして今なお現役で活躍し続けるバンド、ローリング・ストーンズのドラマー、チャーリー・ワッツ(Charlie Watts)が24日、ロンドンの病院で家族に看取られて天上へ旅立ちました。80歳。死因は公表されていません。ストーンズの音楽は、曲づくりを担うミック・ジャガー(Vo)とキース・リチャーズ(Gt)の存在がもちろん大きいのですが、リズム・セクションの要であったチャーリーという存在があって初めて完成したと誰もが認めています。(Photo (C) AP & Asahi shimbun)。 私は、1998年の「ブリッジ・トゥ・バビロン」ツアー(3月21日、京セラドーム大阪)で見た貴方の姿が目に焼き付いています。決して目立たず、派手ではなく、淡々とドラミングし続ける貴方の姿が…。RIP. チャーリー、貴方のことはずっと忘れません!
2021/08/27
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【2005年7月17日の記事の再投稿です。原則として、当時書いたままの文章を再録しています】 キリンのお茶「茶来」のCMに、芸能界に復帰した中山美穂が登場している。ミポリンには特別興味はない私だが、バックに流れている曲を聴いて、思わず「あぁ、懐かしいなぁ…。いい曲だなぁ…。でも、40歳以下の人はこの曲、誰の曲か分からないだろうなぁ…」と独りつぶやいていた。 曲名はCM画面の片隅にも出ている通り、「地球はメリー・ゴーランド」。1972年、GARO(ガロ)という3人組のグループが出した2枚目のシングル曲(デビューアルバム=写真左=にも入っている)である。GAROと言ってもすぐピンと来ない人でも、「『学生街の喫茶店』を歌っていたグループ…」と言えば、思い出されるかもしれない。 GAROは、1971年にデビューした。堀内護(愛称「マーク」、当時22歳)、日高富明(同「トミー」、同21歳)、大野真澄(同「ボーカル」、同22歳)の3人からなるグループ。当時は「フォーク・ロック」というジャンルに入っていたかと思う。アコースティック・ギターによるコーラス・バンドで、カバー曲以外の、オリジナル曲づくりも自分たちでこなした。 当時、同じくギター・バンドをやっていた私にとっても、GAROはお手本でもあり、目標でもあった。彼らの曲もよくコピーし、歌った(写真右=GAROが残した唯一のライブ・アルバム。CS&Nなどの洋楽を演奏したライブ音源も、ぜひCD化してほしいが…)。 当時GAROは、単に「フォーク・グループ」と呼ばれることが多かったが、私は今でもこの言い方には馴染めない。高いコーラス・ワークとギター・テクニックを誇った彼らは、メジャー・デビュー前から、「和製CS&N(クロスビー、スティルス&ナッシュ)」とも言われ、注目されていた。実際、彼らが目指していたのも、フォークとかいう狭いジャンルにとらわれない音楽だった。 デビュー・アルバムでは、曲づくりやコーラスで、その素晴らしい才能があちこちに垣間見れる。初期の頃は、冒頭で触れた「地球は…」のほかにも「1人で行くさ」「涙はいらない」など、音楽的にもレベルの高い、クオリティの高い曲が多かった。しかし、大ヒットという訳にはいかず、GAROは一部の熱狂的なファンの間での存在だった。 それが一転したのが1973年、3枚目(4枚目説も)のシングルとして発売された「学生街の喫茶店」の大ヒットだった。実は当初、この曲は「美しすぎて」というシングル曲のB面だった。それが、GAROの「大衆化路線」を目論むレコード会社やプロデューサーの方針で、発売直前、B面の「学生街…」がA面に差し替えられたという(このためジャケットの裏面の歌詞では、A面は元の「美しすぎて」のままだった)。 この曲をつくったのは、すぎやまこういちという当時の売れっ子作曲家・編曲家だった(代表曲にタイガースの「花の首飾り」、ヴィレッジ・シンガースの「亜麻色の髪の乙女」などGS<グループサウンズ>に数多くの曲を提供していた)。GAROのメンバーは、この「歌謡ポップス」のような曲を、最初あまり歌いたくなかったと聞く。しかし、デビュー間もない3人に大レコード会社、大作曲家に抵抗できるはずもなく、言われるがまま「学生街…」がA面として売り出された。 それが幸か不幸か、それがオリコン・チャートで1位になり、70万枚を超える大ヒットになってしまった。その年のNHK紅白歌合戦にも出場し、この曲を歌わされることになる。そしてそれ以後、GAROと言えば、「学生街…」というレッテルが付いて回った。もともと洋楽志向だった3人にとって、「歌謡ポップス」のグループのように見られるのは、辛い現実だったに違いない(写真左=GAROのアルバムはほとんどが廃盤になっていて、現在はこのベスト盤のみが発売されている)。 GAROはライブなどでは、思い切り、洋楽のカバーや洋楽をルーツにしたオリジナル曲を歌っていたが、テレビではやはり、「『学生街…』を歌ってください」ということになる。しばらくは我慢していた3人だが、結局は、「これは僕らの求めていた音楽ではない」と気づく。そして、12枚のシングルと8枚のオリジナル・アルバムを残して、3年後の1976年に解散。3人はそれぞれの道を歩むことになる。 マークは、その後3枚ほどソロ・アルバムを出したが、その後は芸能界から姿を消した。しかし、90年代半ばからは再び音楽活動も再開し、様々なユニットでアルバムも出した。だが、残念ながら2014年12月、病気(胃がん)のため65歳で亡くなった(この箇所は2015年に追記)。 トミーは解散後、ロック・バンドを結成し、ライブ活動をしていたが、皆さんもご存じのように、1986年、飛び降り自殺をして、36年の短い生涯を終えた。音楽的な行き詰まりが原因とも聞くが、本当のところは分からない(私も詳しいことは知らない)。 ボーカルは、レコード・プロデューサー、ディレクターに転じて、現在も音楽業界にいる。7、8年前にはテレビに出て、「学生街…」を1人で歌っていたのを見たことがあるが、私は切なくて、悲しくて、途中でチャンネルを変えてしまった(自分たちの音楽の原点を壊してしまった曲を歌うことに、心に抵抗はないのだろうか)。 実質5年余の活動で音楽界から消えた伝説のバンド、GARO。その解散も、トミーの死も、私は今でも残念でならない。もし彼らが「望む道」を歩んでいたら、きっと、60代の今も現役で活躍しているCS&Nのように、息の長いバンドになっていたにかもしれない。彼らを間違った運命へ導いたレコード会社の幹部やプロデューサー、そしてGAROのために「学生街…」をつくったすぎやまこういちなる作曲家を、私は今も恨む。こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2020/05/23
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元はっぴいえんどのギター&ヴォーカル・大滝詠一さんが30日に亡くなったというショッキングなニュース。まだ65歳の若さだったという。 朝日新聞デジタルによれば、30日午後5時半ごろ、自宅で果物を食べていたところ、急に倒れ、家族が119番通報。青梅市内の病院に救急搬送されたが、解離性動脈瘤で死亡が確認されたという。 うらんかんろがバンドをやっていた頃、「はっぴいえんど」は、CSN&Y(クロスビー、スティルス、ナッシュ&ヤング)と並んで、僕らの目指す目標だった。彼らの曲のコピーにもよく取り組んだ。 鼻にかかったような、大滝さんのあの個性的な声がとても好きだった。それがもう、永遠に聴くことができなくなってしまった。はっぴえんどの復活を願っていただけに、残念で、残念でならない。心からご冥福をお祈りいたします。
2013/12/31
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本日は、新生フェスティバルホール(大阪)でキース・ジャレット・トリオ公演でした。トリオは結成30年ですが、今回が最後の日本公演だということです。ベースのゲイリー・ピーコックも78歳。さすがに老けたし、衰えもあります。トリオ休止はやむを得ない選択だったのでしょう(ちなみに、ドラムのジャック・ディジョネットは70歳、キースは68歳)。 今回も、アップテンポの曲やバラードからブルースまで、バラエティに富んだセットでとても楽しませてくれました。トリオとしては最後の日本ということで、アンコールも3回演奏するなど、キースは大サービスでした。 それはそうと、ステージでキースの生のMC(声)を初めて聞きました。イントロを弾き始めたと同時に拍手が聞こえたので、突然、演奏を中止。「How do you know what song is ?」=「(弾き始めたばかりなのに)曲を知ってるんかい?」と、客席に向かって話しかけました。キースは、有名なスタンダード・ナンバーでも即興で、まったく違う感じに弾き始めることが多いので有名で、そういう意味も込めた彼なりのジョークなんですが、こんなお茶目なキースも初めて見ました。 キース、貴方と出会って僕は幸せでした。貴方とビル・エバンスと出会わなければ、僕は、(無謀にも)ジャズ・ピアノを弾くことはありませんでした。キース、貴方に心から感謝です。30年間、本当に有難う! 【追記】昨夜のキース・ジャレット・トリオの大阪公演(2013.5.12.)での演奏曲目が何だったのか、プロモーターである「鯉沼ミュージック」のHPで、次の通り、公表されました。 All of You、Django、The Bitter End、The Old Country、Straight No Chaser、Last Night When We Were Young、Conception、I Thought About You、One For Majid、I Fall In Love Too Easily <アンコール>Bye Bye Blackbird、Answer Me, My Love、Things Ain't What They Used To Be の計13曲でした。 このトリオのCDはすべて持っていて、半分くらいの曲は聴いたことがある僕ですが、曲を聴いてすぐ曲名が浮かんだのは、恥ずかしながら2~3曲しかありませんでした(笑)。レパートリーがめちゃ多いキースだから、仕方がないのかも…。こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2013/05/12
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大西ユカリさんが成田一徹さんを偲ぶ会(2013.1.27.@神戸)で歌ってくれたThat Lucky Old Sunは、以前にも書いたように、1940代に生まれたゴスペルソウルの名曲なので、いろんな有名歌手がカバーして歌っています。 レイ・チャールズ、ルイ・アームストロング、アレサ・フランクリン、フランク・シナトラ、ボブ・ディラン、ジョニー・キャッシュ、ウイリー・ネルソン、ポール・ウイリアムズ…等々。 だから、偲ぶ会の後、私はYou Tubeで探していろんな歌手が歌っているバージョンを聴いてみました。でも、はっきり言って、昔のビッグな有名歌手だから、いい感じに仕上がっているとは限りませんでした。 とくにディランのは、原曲がほとんどわかりません(笑)! 私が好きなのは、ポール・ウイリアムズのバージョンくらいです(久保田真琴の日本語バージョンも、結構好みだけれど…)。 で、結論として私は、偲ぶ会でユカリさんが歌ってくれたバージョン=写真左、当日の熱唱の様子=が一番好きです。バンドとブラスが入ったユカリさんのCDバージョンもいいけれど、生ピアノだけのアコースティック・バージョンで歌い上げた、あの偲ぶ会での魂の熱唱が最高です。PS. 嬉しいことに、会場にいた某君が録音してくれた音源があり、後日、You Tubeにアップされました。お時間があれば、ぜひご覧くださいませ! → 【That Lucky Old Sun by Yukari Ohnishi】(なお、バックの画像は、申し訳ありません、当日の静止画です)。・こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2013/02/09
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この写真、何だか分かりますか? 私が、「成田一徹さんを偲ぶ会」(2013.1.27.@神戸)で大西ユカリさんの献歌「That Lucky Old Sun」のピアノ伴奏をした際、実際に使っていた譜面です(余談ですが、ピアノはあのスタンウェイのグランドピアノでした!)。 偲ぶ会が終わった後、ある方に見せたら、とても驚かれました。「五線譜じゃない! おたまじゃくしがない!」と。 そうです。実は、私はほとんど楽譜が読めません。だから、いつも使う楽譜には、基本(歌い手さんや自分が歌う)歌詞とコードしか書いていません。 いつもピアノBar・Mで伴奏している時も、弾き語りしている時も、だいたい歌詞付きのコード譜だけでやっています。コードは長年の練習のお陰でほとんどが頭に入っていて、鍵盤上ですぐに位置(や指の形)が分かるので、ピアノ伴奏は基本はコードで弾いています。 もちろん、ただコードでジャーン、ジャーンと弾くだけでは芸がないし、面白くないので、実際には、右手は分散和音(アルペジオ)の様々なバリエーションで弾いたうえで、“おかず”というつなぎの音を挟んだりしています。 左手も、単にルート音(主音=Cならド)だけでは面白くないので、主音と5度、主音と♭セブンスを組み合わせたり、同じコードでも分数コード(C/G、E♭/B♭とか)にして変化をつけるようにしています。 ギター弾きからピアノ弾きに転じ、独学で勉強したため、苦肉の策で始めたコード弾きですが、コードさえ記されている楽譜なら初見ですぐに伴奏ができるので、今ではこのやり方に徹したことに後悔していません。何よりも今回、偉大な歌姫・大西ユカリさんの伴奏が出来たのですから。
2013/02/04
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オープン前の新生フェスティバル・ホール(大阪・肥後橋)の見学会があったので、行ってきました。真新しいステージにも立たせてもらいました。「天から音が降ってくる」とも評される素晴らしい環境です。 ホールのこけら落とし公演は、来年4月のイタリア・オペラですが、舞台に立つと、うらんかんろもいつか、ここでライブできたらいいなぁ…なんて、大それた夢を一瞬抱いてきました(まぁ、実現の可能性はゼロに近いですが…(笑))。 おそらく現代日本の最先端の音響工学・技術を結集した最高のホールでしょう。早くライブの聴衆となって、ナマ音に触れてみたいです。とりあえず、来年5月にあるというキース・ジャレット・トリオが狙ろうと思っていますが、さて、チケットがとれるかなぁ…。 こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2012/12/06
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うらんかんろの大好きな洋楽のデュオに、エブリシング・バット・ザ・ガール(Everything But The Girl 以下EBG)がいました(残念ながら、2000年に事実上解散してしまったようですが…。 → 以前、EBGについて書いた日記です)。 アコースティックなサウンドで、とてもおしゃれな曲をつくる二人でした。一時期、僕はめちゃくちゃはまって、よく聴いていました。 解散した後、音沙汰がなかったEBGですが、久々にボーカルのトレーシー・ソーン(Tracey Thorn)がアルバムを出しました。それもクリスマス・アルバム。 喜び勇んで早速買いました。でも、聴いてみての感想は、正直言ってがっかりでした。そもそも選曲がいまいち(安心して聴けるのは「Have yourself a Merry Little Christmas」くらい)。 バックの演奏も薄くてアレンジも平凡。12曲中、2曲はオリジナルですが、それもいまいち。トレーシーはこれで本当に満足したのでしょうか。期待が大きかっただけに、落胆は大きいです。やはり、EBGはあの名盤「ランゲージ・オブ・ライフ(The Language Of Life)」(1990年発表)はもう超えられないのでしょうか。本当に残念です。こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2012/11/28
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日本のフォーク、ロック、その黎明期を振り返る ◆歌謡曲、演歌、民謡しかなかった邦楽の世界に いま振り返ると、1960年代後半から70年代後半の約10年間は、日本の音楽シーンにとっては、とても重要な時期だったように思います。 60年代後半、それまで歌謡曲、演歌、軍歌、民謡くらいしか聴かれなかった邦楽の世界に、まずフォークというジャンルの音楽が登場します。70年代に入るとフォークは、フォーク・ロックという方向へ発展し、そして初めて日本語で歌うロックが生まれ、その後「ニュー・ミュージック」という新たなジャンルが生まれていくという、まさに新感覚の邦楽の黎明期でした。 この60年代後半から70年代初めにかけては、「米国の音楽に負けるな!」と、情熱あふれる若いアーチストたちが数多くデビューし、職業作詞家・作曲家に頼らず、自分たちの感性でメロディーや詩をつくり、歌うアーチスト(シンガー・ソングライター)が輝きを持ち始めた時代でした(歌謡曲の世界でもその後、職業作曲家が洋楽のセンスを織り込んだ和風ポップスの曲を生みだしてゆきます)。 先日、ある友人から、当時の音楽シーンはどういう状況だったのかを尋ねる質問を受けました。そこで、私の記憶や印象に今も残り、多大な音楽的影響を受けた歌手、グループを、当時のレコードレーベルも含めて、そして私自身の音楽遍歴も交えて振り返ってみました(データは一応Wikipediaなどで確認しましたが、正確性の保証はありませんので、悪しからずご了承ください)。 ★1965~69 ◆まずフォークから始まった 1960年代後半、日本にフォーク・ブームが起きます。そのきっかけとなったのは、60年代半ばに米国から伝わったPPM(ピーター・ポール&マリー)やジョーン・バエズ、ブラザース・フォー、ボブ・ディラン、キングストン・トリオらのレコードでした。小学校5年生で初めてギターを買ってもらった私が、まず始めたのもPPMの曲のコピーでした。 まもなく日本ではマイク真木が歌う「バラが咲いた」(1966年)やブロードサイド・フォーの「若者たち」(同)、森山良子の「この広い野原いっぱい」(1967年)が大ヒットし、大学ではカレッジフォーク・ブームが起きて、フォーク・ソング同好会やサークルが次々と誕生していきました。 加山雄三がフォーク路線を狙って「旅人よ」を出したのもこの頃でした(ビートルズも64、65年頃には日本で人気を得ていましたが、ビートルズから直接影響を受けて誕生した、オリジナルを歌う歌手やバンドというものは、残念ながらこの頃まだ登場しなかったと記憶しています)。 一方、関西では、思わぬ形でフォークが注目を集めるようになります。1967年12月、京都の大学生3人(加藤和彦、はしだのりひこ、北山修)からなるフォーク・クルセダーズ(通称フォークル)というグループがメジャー・デビュー。デビュー曲の「帰ってきたヨッパライ」は爆発的にヒットし、オリコン初のミリオン・セラーとなりました。 このコミック・ソングのようなデビュー曲は、私はあまり好きではありませんでしたが、その後の発表された、「悲しくてやりきれない」「イムジン河」「青春は荒野をめざす」はお気に入りで、友人と一緒にやっていたフォーク・バンドでもレパートリーにしていました。当初「1年限りのプロ活動」を公言していたフォークルは、68年10月に解散しました。 (加藤は解散後、サディスティック・ミカバンドやソロ歌手としてあるいは作曲家として活躍したが、2009年に自殺。はしだの「その後」は本稿の「はしだのりひことシューベルツ」で後述。京都府立医大の学生だった北山は、解散後は芸能界とは距離を置き、九州大学医学部教授も歴任、精神科医・エッセイストとして現在も活動している) ◆反戦・平和、そしてプロテスト・ソング 1968年になると、ベトナム反戦運動や反安保闘争がさらに活発化してきます。フォーク歌手のなかにも、娯楽的な歌詞から一線を画し、社会的、政治的メッセージの色濃いプロテスト・ソングを歌う人が増えてきました。曲も自分たちでつくるシンガー・ソングライターが次々と登場してきます。 69年には、「URC(アングラ・レコード・クラブ)」という関西フォークを発信する独立系レコードレーベルが誕生します。URCは社会性の強いアーチストを発掘したのが特徴でした。この頃、活躍し始めた歌手やグループには、高石ともや、五つの赤い風船、中川五郎、岡林信康、高田渡、斎藤哲夫、遠藤賢司、加川良らがいました。このなかで、私が一番好きだったのは岡林信康です。 岡林のセカンド・アルバム「見る前に跳べ」とサード・アルバム「おいら、いち抜けた」は今でも、凄い名盤だと思います。後に“路線転向”した岡林ですが、この頃は反戦・反権力をメインテーマにしていました(「見る前に跳べ」では、後の、はっぴいえんどがバックをつとめていました)。当時、大阪の「春一番」ライブや、中津川のフォークジャンボリーは「フォークの聖地」として人気を集めていました。 ★1970~73 ◆日本語を初めてロックに載せたはっぴいえんど 70年安保の混乱と熱気が去った後、様々な音楽が生まれ、その中から大瀧詠一、細野晴臣、鈴木茂、松本隆の4人からなるバンド、はっぴいえんどがバンドとしてメジャー・デビューを果たします(70年8月、当初はURCレコードから発売、のちベルウッド)。 はっぴいえんどはご承知のように、「日本語をロック音楽に乗せて歌った初めての本格バンド」と位置づけられています。1stアルバム「はっぴいえんど」(1970年発表)と2ndアルバム「風街ろまん」(1971年発表)は不滅の名盤だと思います。私は、「風街ろまん」発売直後のライブを大阪・難波の高島屋ホールで聴く幸運な機会が持てましたが、大瀧詠一亡き今、とても貴重で少し自慢できる思い出です。(少し個人的な話で恐縮ですが、ちょうどこの頃、私の参加していた3人編成のギター&コーラス・バンド「木の葉がくれ」も結成されました。はっぴいえんどの音楽は私たちの心をとらえ、当初は、その曲のコピーに熱心に取り組みました。洋楽では、もっぱらCrosby, Stills, Nash & Youngのコピーをよくしてましたが、その後、自分たちでオリジナル曲もつくるようになり、それは2枚のアルバムに結実しました)。 一方、旧来のフォーク路線でも、第二世代の歌手たちが登場してきます。1969年、吉田拓郎、泉谷しげる、海援隊らを世に出す「エレック・レコード」という会社が設立されます(しかし、エレックは放漫経営がたたって76年に倒産します)。 ◆「学生街…」が大ヒットしたガロの悲劇 この頃デビューした歌手・グループで、前述以外では、どんな人たちが記憶に残っているかといえば、次のような面々です。ガロ、ザ・ディラン2(セカンド)、赤い鳥、六文銭、あがた森魚、はしだのりひことシューベルツ、ブレッド&バター、はちみつぱい、RCサクセッション等々(ブレッド&バターは今でもまだ現役で活動してます)。 このなかで、私がとくに好きだったのはガロとザ・ディラン2、赤い鳥、シューベルツでした。 ガロは1971年、「日本のCrosby, Stills & Nash」を目指して結成された、コーラスを重視した3人編成のバンドでしたが、72年にリリースしたシングル盤の「学生街の喫茶店」(当初「美しすぎて」というシングル盤のB面用の曲だったのがレコード会社の意向でA面に差し替えられた)が大ヒットしてしまったのが不幸の始まりでした。 ガロにはその後、歌謡曲っぽいイメージが付きまとい、テレビで歌わされるのは「学生街…」ばかり。本人たちも不本意だったのか、わずか5年で解散してしまいました(メンバーの1人日高富明は1986年に自殺。もう一人のメンバー堀内護も2014年病死、現在は大野真澄だけが健在です)。 ディラン2は、60年代末、西岡恭蔵、大塚まさじ、永井ようの3人が当初「ザ・ディラン」の名で結成し、活動していました。彼らのオリジナル、「プカプカ」「サーカスにはピエロが」は今でも凄い名曲だと思います。メンバーのうち、西岡は1971年に脱退し、「ディラン2」自体も74年に解散します。 西岡恭蔵はグループ脱退後、ソロ歌手として精力的にライブハウスなどで活動していましたが、残念ながら1999年、その2年前に先立った妻の後を追うように自殺してしまいました…(涙)。残るメンバーだった大塚まさじ、永井ようは現在もそれぞれソロで精力的に活動し、時折り一緒にステージに立っています。 ◆「翼をください」は今や教科書にも 5人グループだった赤い鳥は「竹田の子守唄」でデビューし、ヤマハの「ライトミュージック・コンテスト」で優勝します。当初はフォーク路線でしたが、その後、紙ふうせん(2人)とハイファイ・セット(3人、現在は解散)に分裂してしまいました(赤い鳥時代の「翼をください」と「忘れていた朝」は今も大好きな曲です。「翼をください」は今では教科書にも載っていますね)。 「風」が大ヒットしたシューベルツは、フォークル解散と同時に、はしだのりひこが結成したバンドでしたが、メンバーの突然死もあって解散。はしだはその後、クライマックス(「花嫁」が大ヒット)、エンドレスと次々グループを換えながら音楽活動を続けました。晩年はパーキンソン病を患い、闘病生活をしながら時折りソロ活動も続けましたが、2017年、72歳で亡くなりました。 はっぴいえんどは1972年に解散。URCからその版権を引き継いだのが「ベルウッド・レコード」(1971年設立)でした。当時の「ベルウッド」のアーチストとしては、ほかにはっぴいえんど解散後ソロになった大瀧詠一や、山下達郎、大貫妙子らが目立っていました。 ◆1974~77 ◆数多くのスターを生んだポプコン 井上陽水、吉田拓郎、泉谷しげる、小室等の4人が1975年、「フォーライフ・レコード」を設立します。ただし、経営方針をめぐるゴタゴタもあって、印象に残るような実績はあまり残せずに、2001年に会社は解散しました。 一方、ヤマハが1967年~71年に開催した「ライト・ミュージック・コンテスト」と、1969年に始まった「ポピュラー・ミュージック・コンクール」(通称「ポプコン」)からは後にメジャーになるアーチストが巣立っていきます。 ポプコン出身で目立っていたのは、中島みゆき、オフコース、チューリップ、小坂明子、八神純子らです(チャゲ&飛鳥もポプコン出身ですが、注目されるのはもう少し後です=1979年の「ひとり咲き」でメジャー・デビュー)。 中島みゆきは現在でも息長く活動中。オフコースのメンバーだった小田和正やチューリップのメンバーだった財津和夫はその後、ソロ歌手(シンガー・ソングライター)として活動し、現在でもなお名曲をリリースし続けています。 ◆ユーミンの衝撃デビュー ポプコン出身以外で衝撃的なデビューを果たしたのは、1972年に登場した荒井(現・松任谷)由実です。彼女の音楽は、コード進行やメロディーが当時としては、とてもおしゃれで、斬新でした。フォークでもロックでもない新しい感性の音楽分野は、まもなく「ニュー・ミュージック」と呼ばれるようになりました。 デビュー・アルバム「ひこうき雲」(1973年発売)と、セカンドの「ミスリム」(1974年発売)は、やはり日本の音楽史に残る名盤だと思います。昔、荒井由実時代のライブを天王寺野外音楽堂で聴けたことは、今でも私の自慢の一つです。 かぐや姫が人気を得たのもこの頃(1973~74年)ですが、個人的には、私たちのバンドの音楽的志向と少し違っていたので、「神田川」(73年発売)や「赤ちょうちん」(74年発売)はあまり好きではありませんでした(唯一、「妹」=74年発売=は好きでしたが…)。また、かぐや姫解散後、伊勢正三らがつくった「風」のシングル「22才の別れ」も結構好きで、聴いていました。 1973年にデビューした、名古屋出身の「センチメンタル・シティ・ロマンス」も都会的なセンスあふれる大人のロックを創り出すバンドで、現在でも息長く活動を続けています。 ◆ロック史上に輝く名盤「ソングス」 1975年、大瀧詠一は独自の「ナイアガラ・レーベル」を設立します。このレーベルからは、シュガー・ベイブ(山下達郎、大貫妙子らが中心となったグループ、76年に解散)やソロでの山下達郎、佐野元春、杉真理らが育ち、メジャーになっていきます。 この頃、私は邦楽では、荒井由実時代の4枚のアルバム(上記の2枚&「コバルト・アワー」=1975年発売、「14番目の月」=1976年11月発売)と、73年にデビューしたセンチメンタル・シティ・ロマンスの1stアルバム(75年発売、タイトルはバンド名と同じ)、それに75年4月に発売されたシュガー・ベイブのデビュー・アルバム「ソングス」を、レコードの針が擦り切れるほど聴いていた記憶があります。 「ソングス」は今聴いても素晴らしく、日本のロック史に輝く名盤と言っていいと思います。とくにこのアルバム1の名曲「ダウンタウン」はその後、エポら多くのアーチストによってカバーされています。 以上、駆け足でしたが、日本のフォーク&ロック黎明期の10年を振り返ってみました(でも、急いでまとめたので、誰か大事なアーチストを忘れていないかなぁ…)。 (文中敬称略)【おことわり】ロカビリーやGS(グループ・サウンズ)はなぜ“無視”したのかと言われそうですが、ロカビリーについては60年代前半までがピークだったことに加えて、米国音楽の翻訳・模倣音楽であるため、日本人によるオリジナルとは言えないというのが理由です。 また、GSは基本的に歌謡曲の延長線上に誕生し、曲も職業作詞家、作曲家に頼っていたグループが多かったので、あえて触れませんでした(ブルーコメッツは作曲も取り組んでいましたが、曲の雰囲気はフォークでもロックでもなく、歌謡曲がポップに発展したものと僕は考えています)。こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2012/09/24
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最近You Tubeで、うらんかんろがよく聴いている楽曲です。メジャー・デビューはしていませんが、「木の葉がくれ」というグループ。 1974~75年に発表された曲です。ジャンルで言えば、フォーク・ロックでしょうか。今聴いても、心地よくて、あまり古くささを感じないような…(少なくとも、うらんかんろはそう思います)。 もしよかったら、一度聴いてみてください(6つに分けて、計12曲がアップされています。ご参考までに下記に、You Tubeへのリンクを紹介しておきます)。 1.ロッキン・チェア/悲しみの気配 2. 湖 3. ふたり/君のための詩/ヘイ・ムッシュ・ランボー 4.Dancing All Night Long/今日は日曜日 5.春の日/オールド・タイムス 6.終章/テラスの思い出こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2012/09/04
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真夏にクリスマスソングの話題もちょっと季節外れでヘンですが、お許しください。以前、2005年12月25日の日記でも触れたのですが、桑田佳祐が松任谷由実と共作した幻の名曲に「キッシング・クリスマス(Kissin' Christmas)」というのがあります。 1986年のテレビのクリスマス特番のためにつくられた曲(一緒に歌っているアーティストは多数!)ですが、僕は今でもこれが一番好きなクリスマスソングです(たまに、ピアノで弾き語っています)。ぜひCD化してほしくて、サザン・オールスターズの所属事務所の「アミューズ」やサザンが契約してるビクター・レコードに、何度も返信用はがきを同封して手紙を書いたりしました。 しかし、返事はいつもつれないものでした。「テレビの特番用につくったものなので、CD化して市販する予定はございません。悪しからずご了承ください」でした。 もう一度聴きたいなぁと思っていたところ、20年ほど前、幸運にも、たまたま知人を通じて大阪の有線放送会社がシングル・レコードになった音源(経緯は不明です)を持っていることを知りました(B面はなぜかチャゲ・アスの曲でした)。 そして、その知人を通じて有線会社の方にお願いして、個人的にカセットテープに録音してもらいました(その後、MDにもダビングして音源は保存)。このテープとMDは、本当に、僕の宝物と言っていいものでした。 僕の「キッシング・クリスマス」との歴史は、そこで止まってしまったとずっと思っていました。ところが、です。このたび発売された桑田佳祐のソロ・ベストアルバム(2枚組+ボーナスCD)に、な、なんとその「キッシング・クリスマス」が収録されているのです! 実は、まだ購入はしていませんが(近いうちには買う予定)、店頭で早速、26年ぶりによみがえった「キッシング・クリスマス」を聴きました。デジタル化したクリアな音&声は感動ものです。長い間の夢が、ようやく実現した喜びと、26年間待ち焦がれた自分自身の歳月を思い起こして、少しグッとくるものがありました。 皆さんも、ぜひ聴いてくださいませ。僕の愛するベスト1・クリスマスソング「キッシング・クリスマス」を(※CD写真はTower Record HPから引用しました。御礼を申し上げます)。こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2012/07/19
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ホイットニー・ヒューストンさん急死とのニュース。大好きな歌手の1人でした。彼女のアルバムはほとんど持っていました。日本公演にも行きました。彼女の曲を歌伴することも多かっただけに、とてもショックです。 → http://digital.asahi.com/articles/TKY201202120088.html?ref=comkiji_kanren
2012/02/12
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「プリンセス・プリンセスが16年ぶりに再結成、東日本大震災の復興支援のため決意」という嬉しいニュースを聞きました! ここだけの話、昔、ファンクラブに入っていたほど好きなバンドでした。その音楽性は高く評価していました。解散してもう16年なんですね。歳月を感じます。 今回は、期間限定の再結成らしいです。ライブ行ってみたいけど、仙台と東京だけの公演とあっては、無理でしょうねぇ。できれば、テレビでも放映してほしいなぁ。
2012/01/06
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トップページの「おすすめCD」を、かなり久しぶりに(すみません!)更新いたしました。2011年秋リリース、トニー・ベネット(Tony Bennett)の「デュエッツ(Duets)2」です。このアルバム、最近、結構お気に入りでよく聴いていまーす!こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2011/12/22
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毎年、クリスマスの季節が近づくと、様々なクリスマス・アルバムが旧作も含めてCDショップの棚に並びます。うらんかんろはそうした中から、ここ10年ほど、毎年1~2枚クリスマス・アルバムを買って楽しんでいます。 今年新たに買ったのは2枚。1枚は、米国を代表するシンガー・ソングライターとして50年以上ものキャリアを誇るキャロル・キングの新作です。意外なことですが、キャロルはこれが初めてのクリスマス・アルバムなんです。 アルバムのタイトルは「クリスマス・キャロル(A Christmas Carole)」。これはもちろん「Carol」と彼女の名前「Carole」をひっかけたネーミングですが、米国盤のタイトルは「Holiday Carole」なので、日本向けに変えたみたい(そのままでも良かったのに…)。 今回のアルバムでは、娘のルイーズ・ゴフィンがプロデュースを担当。曲目はクリスマスの定番曲(なかでも「My Favorite Things」と「Have yourself A Merry Little Christmas」は出色!)が中心ですが、ルイーズが書き下ろした曲も収録されています。 一番驚いたのは、キャロルの声があの不朽の名作「Tapestry」に帰ったような若々しい雰囲気になっているのです。あの温かくて素敵なハスキー・ボイスは今も健在です(来年は70歳になると言うのに!)。キャロルのファンだけじゃなく、クリスマス・アルバム好きの方にもほんと、お薦めの1枚です! もう1枚は、米国のヴィンス・ガラルディ(Vince Guaraldi)というジャズ・ピアニストが、漫画「ピーナッツ」のテレビ用アニメのために録音した、ピアノトリオでのクリスマスソング・アルバム。 彼は、「ピーナッツ」キャラクターのために、これ以外にも何枚ものクリスマス・アルバムを発表していますが、ビル・エバンズにも通じるリリカルなピアノタッチが心地よく、素晴らしいのです。 ジャケットがも可愛いし、クリスマスの定番曲を多く集めて、どの曲もとても聴きやすいアレンジ(「エリーゼのために」は余計だけど…)。なかでも「The Christmas Song」「Christmas song is here」は名演! ガラルディは残念ながら、1976年に48歳という若さでこの世を去ってしまいました(だから、このアルバムは1988年の再編集盤ですが、録音は当然76年以前です)。 タワー・レコードのチラシでは、先般、ジャズ・ボーカルのアルバムを出した歌手のJUJUさんが「私の中ではクリスマスの定番! オトナが少しコドモに戻れる気がするアルバム」と、お気に入りの1枚に挙げていました。ちなみにタワーではなんと今1000円!で売ってます。 ※CD写真はTower Record HPから引用しました。御礼を申し上げます。こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2011/12/18
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【マイ・ベスト・ロックアルバム(上)】から続く↓ 11.Mud Slide Slim and the Blue Horison(James Taylor) ジェームス・テイラーは米東海岸ボストン生まれのシンガー・ソングライター。だが、音楽的にはウエスト・コースト系に分類され、アコースティック・ギターがメインの優しい曲が特徴だ。最初はなぜかビートルズのアップル・レコードからデビューしたが、この頃はパッとせず。米ワーナー・レコードから再デビューしたアルバム「Sweet Baby James」で一気にブレイクした。僕はこの「Sweet…」も好きだが、1枚を選ぶならこのセカンド・アルバム「Mud Slide Slim…」を選ぶ。1971年発表。 12.Harvest(Neil Young) 鼻が詰まったような特徴ある声で知られるニール・ヤングは、カナダ出身のシンガー・ソングライター。多作で数多くのアルバムを出しており、ハードロックからアコースティックなバラードまでレパートリーは幅広いが、音楽的なベースは彼もウエスト・コーストにある。1972年に発表したこの「Harvest」は彼の最高傑作で、名曲「Heart Of Gold」が収録されている。しかし彼もイーグルス同様、自身の最高傑作を超えるようなアルバムはその後生み出せていない。 13. White Album(Beatles) 1位、4位、5位と3枚も選んでいるし、もうビートルズはいいんじゃないかという意見もあるだろう。しかし僕はあえて、このホワイト・アルバム(1968年発表で、2枚組)を入れておきたい。個性あふれる、多彩な曲のごった煮という印象もあるが、スタジオにこもってあれこれ実験的に取り組もうとしていた、まだ仲の良かった最後のビートルズの姿がここにはある。「Back In The USSR」「Obla di Obla da」「While My Guitar Gently Weeps」「Blackbird」「Birthday」「Julia」「Mother Nature's Son」など名曲ぞろいで、お買い得だ。 14. Crosby, Stills & Nash(Crosby, Stills & Nash) 3位に入れたCSN&Yの「Deja Vu」の1年ほど前(すなわち、Neil Youngがメンバーに加わる前の1969年)、Crosby、Stills&Nashのクレジットで制作したデビュー・アルバムである。それまでのロックバンドはメイン・ボーカルがいて、後のボーカルは添え物だったが、CS&Nは3人が対等にコーラス(ハーモニー)をこなすという画期的なロック(ボーカル)グループだった。うらんかんろが参加していたアコースティックのギター・バンドが目標としていたグループでもあり、「青い眼のジュディ」など収録された名曲のコピーに励んだ日々が懐かしい。 15. Beggar’s Banquet(Rolling Stones) ビートルズと並ぶビッグな存在、ローリング・ストーンズ。黒人のブルースに根差したロックを今日でも追求している。ストーンズは実に数多くのアルバムを発表しているが、アルバムとしての完成度で言えば、玉石混交だと僕は思う。しかし、その中でもこの「Beggar's Banquet」(1968年発表)は専門家の評価も高く、個人的にもとても好きなアルバムだ。「Let It Bleed」や「Sticky Fingers」も好きなので迷ったが、これを選んだ。なかでも「悪魔を憐れむ歌「ストリート・ファイティング・マン」がいい。ストーンズが一番元気だった頃の名盤と言って過言ではない。 16.Northern Lights Southern Cross(The Band) ボブ・ディランのバックバンド的存在にしか見られていなかった、The Bandがバンドとしての実力とセンスを見せつけたのがこのアルバム。その完成度は目を見張るばかりだ。評論家やコアなファンの評価は高かったが、残念ながらセールス的には大ヒットとはならなかった。それでも僕はこのアルバムが大好きだ。「It Makes No Difference」「Ophelia」など佳曲ぞろいで、聴きあきない。1975年発表。17. The Stranger(Billy Joel) ビリー・ジョエルも僕がピアノにのめり込むきっかけとなったアーチストだ。彼の代表曲「Honesty」は今も僕の愛唱曲。このアルバムにはタイトルともなっているヒット曲「Stranger」や「素顔のままで(Just the way you are)」も入っていて、社会人になりたてのの頃、僕は毎晩のように家や車の中で繰り返し聴いた。そんな懐かしい思い出がよみがえる、素敵な一枚である。1977年発表。18. Silk Degreest(Boz Scaggs) ウエストコースト・ロックも、このボズ・スキャッグスが登場してさらに洗練度が増してくる。そして、その後ボズの音楽はAORと呼ばれるようになる。1976年発表のこのアルバムは夏のビーチで聴くのもよし、二人だけの夜に楽しむのもよし。「Harbor Lights」「Low Down」「Georgia」「We're All Alone」など素敵な曲がてんこ盛り。おしゃれなジャケットも大好きだ。19. Bobby Caldwell(Bobby Caldwell) ボズ・スキャグスがAORの先駆者だとしたら、ボビー・コールドウェルはAORをさらに洗練させて完成型にした功労者だろう。彼の生み出した音楽は、「ブルー・アイド・ソウル」とも呼ばれた。この代表作は名曲ぞろいで、BARでのBGMにも最高に合うが、日本盤はなぜか「Evening Scandal」という意味不明の邦題が付いている。1978年発表。20. Saturday Night Fever(Beegeesほか) 70年代後半のディスコブームに乗った映画(ジョン・トラボルタ主演)のサントラ盤=1977年発表。アルバムには、ビージーズのほか数多くのアーチストが参加しているが、一番多い6曲を提供しているビージーズがアルバム全体のカラーを決めているのは間違いない。このアルバムのビージーズの曲からはビック・ヒットが数多く生まれ、ビージーズ自身もそれまでのソフト&スローな曲が多い路線を変更せざるを得なかった。ただ、僕自身はディスコ調の曲も素晴らしい出来だと思うが、やはりスロー・バラードの「愛はきらめきの中で(How Deep Is Your Love)」が一番好きだ。 【追記】こうして上下2回にわたってベスト20をみてきたが、アルバムの発表年でみると、1965年のRubber Soul に始まり、1967年=Sgt.Peppers、1968年=White Album、Beggar's Banquet、1969年=Abbey Road、Crosby,Stills & Nash、Led Zeppelin2、1970年=Deja Vu、Bridge Over Troubled Water、1971年=Tapestry、Mud Slide Slim、1972年=Harvest、1973年=Goodbye Yellow Brick Road、1974年=Late For The Sky、1975年=Northern Lights Southern Cross、1976年=Hotel California、Silk Degrees、1977年=Stranger、Saturday Night Fever、1978年=Bobby Caldwell…と、ほぼ15年の間に集まっている。すなわち、うらんかんろの音楽的嗜好・感性はこの60年代後半から70年代後半という時期に固まっていったということが、自分自身で改めて確認できたことも面白かった。 ※CD写真は基本的にTower Record HPから引用しました。御礼を申し上げます。こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2010/08/23
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友人から「お前のベスト・ロックアルバムを教えてくれ」と言われました。普段はあまり考えたこともなかったのですが、いい機会なのでベスト20を選んでみることにしました。選考の基準にしたのは、アルバムの収録曲に駄作が皆無かほとんどなく、繰り返し聴いてもあきないという点です。言葉を換えれば、「アルバムトータルとしての完成度、レベルの高さ」です。 従って、例えば、エルトン・ジョンだと、僕が一番好きな曲は「Your Song」ですが、選んだアルバムには入っていません。同様に、ビリー・ジョエルで一番好きな曲「Honesty」も「下」で紹介するアルバムの収録曲ではありません。さて、うらんかんろが選んだベスト20とは--(上下2回に分けて紹介します)。1.Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Beatles) この「Sgt.Pepper's…」を1位とすることに異論のある人はそういないだろう。様々な音楽雑誌のアンケートやランキングで、何度も1位に輝いている名盤中の名盤。1967年の制作・録音なのに、今聴いても古くささがまったく感じられない。1曲、1曲のクオリティの高さ、アルバムの曲の流れ、トータルとしての完成度、どれをとっても奇跡のようなレベルに達している。ビートルズが一番輝いていた頃の最高傑作と言っていいだろう。これを聴かずして、ロックを語ることなかれ、だ。 2.Tapestry (Carole King) 2位には、僕は迷わずこれを選んだ。キャロル・キングはシンガー・ソングライターの草分け的存在。60年代初めから作曲家としてすでに名声を確立させ、70年代からは歌でも我々を魅了し続けてくれる。名曲「You Got A Friend」の入ったこの「Tapestry」(1971年発表)も、ロックアルバムのベストランキングで必ずベスト10に入る不朽の名作だ。駄作が1曲もなく、僕は今でも、年に何度も心地よく聴いている。68歳の今も現役バリバリで活躍を続けるキャロルに乾杯!3.Deja Vu(Crosby, Stills, Nash & Young) 米ウエスト・コースト系ロックが好きな僕は、今回のランキングでもその系統のアーチストを数多く選んでいる。ウッドストック・コンサートで衝撃的なデビューを果たしたこの4人組みのCSN&Yは米(Crosby, Stills)、カナダ(Young)、英国(Nash)の混成チーム。だが、多国籍だからこそ、このような複雑で素晴らしいアコースティック・サウンド&コーラスワークが生み出せたのではないかと思っている。アルバムの中でも「Our House」が大好きで、うらんかんろのBarでの愛唱歌でもある。1970年発表。 4.Rubber Soul (Beatles) 「Sgt.Pepper's…」より2作前、1965年に発表されたアルバム。収録曲では「Michelle」「Drive My Car」「Norwegian Wood」「In My Life」などが有名だが、トータルとしての完成度でも「Sgt.Pepper's…」に決して負けない。何よりも、ビートルズがその音楽的センスをどんどん発展・充実させていった軌跡が最もよくたどれるアルバムだと思う。Goergeが作った「Think For Yourself」もあまり目立たないがもっと評価されていい佳曲だ。5.Abbey Road(Beatles) 1969年発表。ベスト5にビートルズを3枚も入れるのはやり過ぎと言われるかもしれないが、発売と同時に買ったLPに初めて針を落とし、「Because」に始まるB面の9曲のメドレーを初めて聴いた時の衝撃は今でも忘れられない(「Come Together」「Something」「Oh,Darling」「Here Comes The Sun」など収録された他の名曲もかすむほど…)。偉大なグループが解散前に見せた最後の輝きがこの1枚だったのかもしれない。同時期に録音したアルバム「Let It Be」よりも、僕は好きだ。 6.Bridge Over Troubled Water (Simon & Garfunkel) サイモンとガーファンクルは現在でも音楽活動を続ける息の長いデュオ。フォークっぽい音楽でデビューしたので、ロックに含めるのに抵抗のある方もいるだろうが、彼らが音楽的な影響を与えた世界(アーチスト)を考えると、やはりロックだろう。デュオで何枚もアルバムを出している彼らだが、その存在を偉大ならしめたアルバムはこれに尽きる。全世界で数千万枚も売れた理由は説明せずとも、聴けばよく分かる。個人的には「明日に架ける橋」のピアノを一生懸命コピーした懐かしい思い出がよみがえるアルバムだ。1970年発表。7.Goodbye Yellow Brick Road (Elton John) エルトン・ジョンは僕にピアノという楽器に挑戦するきっかけを与えてくれた人だ。名曲「Your Song」と出合うことがなければ、僕はきっと一生ピアノを弾いていなかったと思う。60年代末にデビューしたエルトンも、今なおエネルギッシュに活動するアーチストの1人。多作な彼はたくさんのアルバムを出しているが、完成度の高さではやはり、これが一番(当初は2枚組LPで発表された)。エルトンというアーチストの多彩な、幅広い音楽性を感じさせてくれる。1973年発表。 8.Led Zeppelin 2 (Led Zeppelin) Zeppelinも、活動期間は短かかったけれど、ロックの音楽史では欠かせないグループだ。名曲「天国への階段(Stairway To Heaven)」のほか、素晴らしいアルバムを数多く残している(1st~4thのアルバムは特に良い!)が、トータルの完成度という点で僕は、1969年発表の、このセカンドアルバムを推す。学生時代、買ったLPを文字通り針が擦り切れるほど聴き込んだ。「Heart Breaker」のギターフレーズもよくコピーした。 9.Hotel California (Eagles) イーグルスは70年代半ばから活動を始めた米ウエスト・コースト出身のバンド。ウエストコースト・サウンドの軽快で、メロディアスという特徴をよく体現している。グループがブレイクするきっかけとなったのがこのアルバム(1976年発表)。イーグルス最大のヒット・アルバムになったが、残念ながら、彼ら自身その後、このアルバムを超える一枚は生み出せなかった。アルバムタイトルとなった1曲はもちろん、どの曲も印象的な素晴らしい曲ばかり。 10.Late For The Sky (Jackson Browne) ジャクソン・ブラウンも70年代から活動を始めたウエスト・コーストを代表するシンガー・ソングライター。イーグルスやジャクソン5にも曲を提供していた。素朴な味わいある声、アコースティックなサウンド、親しみやすいメロディーで知られる。大ヒットした曲もないし、爆発的に売れたアルバムもないけれど、コアなファンに支えられて60代に入った今も地道に音楽活動を続けている。1974年発表のこの「Late For The Sky」はそんな彼の最も評価が高いアルバムだ。【マイ・ベスト・ロックアルバム(下)】に続く ※CD写真は基本的にTower Record HPから引用しました。御礼を申し上げます。こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2010/08/22
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少し前の話で恐縮ですが、ひょんなことから、大塚まさじのライブに行ってきました=写真。大塚まさじと言っても、今では「それ誰?」と言う人が多いかもしれません。 1970年代前半ですが、大阪に「ディラン」、そして「ディラン2(セカンド)」【注】というフォーク・バンドがいました(後者はバンドと言っても2人のデュオですが…)。関西中心に活動していたので、全国的にはそれほどメジャーだったバンドではありません。 しかし「おれのアンコはタバコが好きで、いつもプカプカプカ~」というフレーズで有名な「プカプカ」は全国区のヒット曲になりました。 大塚さんは「ディラン」「ディラン2」の中心メンバーだった人で、還暦になった今も、ソロでライブハウスを中心に活動し続けています(しかし残念ながら、同じメンバーだった西岡恭蔵氏は今はもういません)。 ライブは大阪・本町のライブハウスでありました。大塚さんは、ディラン時代のヒット曲「サーカスにはピエロが」や「プカプカ」を始め、懐かしい歌をたくさん聴かせてくれました。ほのぼのとした雰囲気で、心地よい歌でした。 当たり前ですが、この夜の聴衆には50~60歳代の方が目立ちます。70年代に青春を過ごした人たちです。みんな、大塚さんの歌を懐かしそうに聴きながら、時には一緒に口ずさんでいます。 この夜のライブには、素敵なゲストが2人いました。1人は田川律さん=写真右上の右側。田川さんと言えば、御歳75歳。ニューミュージック・マガジンの伝説的な編集者として、音楽評論家として、さらにユニークな歌手としても知られています。 もう1人は写真家で、映画監督もこなす、関西の才人・糸川耀史さん(ちなみに糸川さんも今年75歳!)=写真左。糸川さんはライブの中休みで、70年代に自身で撮られたミュージシャンの写真の数々をスライドショーで上映してくれました(映像の中には、あの山口百恵やはっぴいえんどもいました!)。 田川さんはソロで歌った後、大塚さんとも一緒にステージに上がり、渋い歌を聴かせてくれました。「80歳まで元気で歌うぞ!」と力強く宣言されていましたが、この元気さがあればまだまだ大丈夫でしょう。 大塚さんは、今は丹波に住まいを構え、全国を旅しながらライブハウスを回る生活です。そのピュアで、あったかい音楽は健在です。西岡さん亡き後、本物の「サーカスにはピエロが」や「プカプカ」を伝えられるのは、大塚さんをおいて他にはありません。これからも末永くこの名曲を歌ってほしいと心から願います。大塚さん、田川さん、糸川さん、素敵な夜を有難う!【注】「ディラン2」の「2」は、本来の表記はローマ数字ですが、楽天ブログではローマ数字の使用が禁止されていますので、かりに「2」と表記します。ご容赦を。こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2010/05/01
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我が家のオーディオのメインのスピーカーはSONY製で、中くらいの大きさ(高さ36cm)なのですが、もう20年近く使ってきて最近はさすがに音の出が悪くなり、更新しようということになりました(えっ、20年もなんて使い過ぎだって?)。昨日、ヨドバシへちょっと下見に行ったのですが、SONYは最近はもうあまりスピーカー製造に力を入れていないせいか、あまり種類がありません。 スピーカー売り場で幅をきかしていたのは、ボーズ、ヤマハ、デノン、ケンウッド、JBL、タンノイ、パイオニア、マランツなどですが、どうも置き場所の関係で高さ36cm未満のサイズで探してみたのですが、値段が適当なのがありません(予算は一応2台で7万円以内)。 ボーズもいいのですが、縦置きにするので横書きのロゴが縦になってしまうのが不細工で気乗りしません。ヤマハはデザインに凝りすぎて、台形をしているのがちょっと気に入りません。値段もやや高めです。 そんな中で、僕の目を引いたのは、DALIというデンマークのメーカーの製品「LECTOR2」(定価7万3500円)と、Bowers & Wilkins(通称「B&W」)という英国のメーカーの製品「685」(定価9万2400円)です。値段も手頃(どちらも値引き後の価格が2台で約6万円。B&Wの方が値引き率がいい!)ですし、大きさもほぼ希望のサイズで、デザインもなかなか良いのです。 店員さんに聴くと、「どちらもヨーロッパでは有名なメーカー。向こうでは映画館や音楽スタジオでよく使われている」とのことですが、これまで僕はずっと国産党だったので、少し迷っております(ちなみにDALIはデノンが、B&Wはマランツがそれぞれ代理店です)。 ブログの友人の皆さんで、このDALIとB&Wのスピーカーのこと、詳しい方はいらっしゃいますか? もしいらっしゃれば何かアドバイスをいただければ幸いです(今は最終的には、この2社から選ぶことになるような予感がしています)。 【追記】その後、ある友人から「ドイツのALR/JORDANの『ENTRY・M』というスピーカーもなかなかいいよ」と教えられました。この機種も候補の一つにしたいと思います。
2009/12/31
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我が家から歩いてもそう遠くないところに、「甲子園会館」=写真左=という石造りの、趣のある建物があります。ことし「国の登録有形文化財」にも指定され、地元住民にも親しまれている建物です。 建物はどこかで見たような印象がある、ホテルのような外観です。それもそのはず、この建物は1930年(昭和5年)に、「甲子園ホテル」として建てられました。 当時としては、最先端をゆく豪華な洋風ホテルだったそうで、「阪神間の社交場」として、人気を集めたと言います。 設計者はあの旧「帝国ホテル」本館(現在は愛知県犬山市の明治村に移築)を設計したフランク・ロイド・ライト(1867~1959)の愛弟子で、遠藤新(えんどう・あらた、1889~1951)という建築家でした(遠藤は他には「自由学園目白講堂」など優れた学校建築を残しました)。 遠藤は、旧帝国ホテルのデザインを参考にしながら設計したため、外観や内装などはかなり似た造りとなっています。戦前は、「東の帝国、西の甲子園」と並び称されたそうです。 しかし、甲子園ホテルは戦況悪化とともに廃業。1944年に海軍病院となり、敗戦後は米軍に接収され将校宿舎となりました。 米軍撤収後は国の管理となり、1965年(昭和40年)に地元・西宮の武庫川学院という学校法人に払い下げられました(写真右は、裏側から見た甲子園会館。建物裏には広い庭園が広がっています)。 武庫川学院は現在、この建物を「甲子園会館」と名付け、同学院が運営する女子大の生活環境学部建築学科のキャンパス(教室)として使っているほか、時折、建物を地域住民に開放してコンサートなどを開いています(写真左=建物の柱一つとっても手の込んだ装飾が施されている)。 前置きがだいぶ長くなりましたが、この甲子園会館で先日、地域住民を対象にしたクラシックの無料コンサートが開かれるというお知らせがあり、甲子園会館の内部をまだ見たことがないうらんかんろも楽しみでお邪魔してきました。 コンサート会場は、ホテル時代は宴会場・ダンスホールだった場所(西ホール)ということです。200人程度のキャパですが、見る限りは立ち見も含め300人近く集まっている盛況ぶりです(写真右=玄関ロビー。明治村で見た旧帝国ホテルの雰囲気にそっくりでした)。 出演者は、武庫川学院の音楽学部の学生たち(ソリスト)と民間のプロ・オーケストラ(小編成です)。プログラムも嬉しいことに、僕の大好きなモーツアルトが中心です。 まず、歌劇「ドン・ジョバンニ」からのアリアを、学生たちが交代で歌いました。モーツアルトの曲だから、とても耳に心地よい、きれいなメロディです。曲と曲の合間には司会役の教授らしい方が、曲の内容を丁寧に説明してくれるので理解を助けてくれます。 アリアの後は、ウエーバーのクラリネット協奏曲。ウエーバーとモーツアルトは無関係のように見えますが、司会者が「モーツアルトの奥さんコンスタンツェは、ウエーバーの姪(めい)なので、実は親戚なのです」と意外な事実を教えてくれました。 フィナーレはモーツアルトの「ピアノ協奏曲17番」=写真左。大きなホールで聴くピアノ協奏曲もいいですが、このような小ホールで聴くのは演奏者の息づかいまで感じられ、最高です。 おそらくモーツアルトが生きていた時代は、こういう小編成で、室内で音楽を楽しんだのでしょうが、僕らも昼下がりの数時間、至福のひとときを貰いました。武庫川学院さん、有難う! 武庫川学院は今後も年に数回、この甲子園会館でこうした地元住民向けの無料コンサートを開いていくとのことです。嬉しいですね。またお邪魔できるのが楽しみです。こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2009/10/25
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2回続けて訃報について記さないといけないのが、とてもつらいです。元フォーク・クルセダーズで、サディスティック・ミカ・バンドのリーダーでもあったミュージシャン・加藤和彦さん(62)=(写真 ( C )朝日新聞社 )=が軽井沢のホテルの部屋で自殺したとのニュース! ショックで言葉を失いました。 フォークルのコンサートには昔、何回も行ったし、アマチュア時代の「フォークル」解散を記念してつくった限定版のアルバムも持っているくらいなのに…。彼の、おしゃれな曲づくりのセンスには敬服していたし、ギター・テクニックには、随分勉強させられました。 なぜ、自殺したのか? 孤高の芸術家、ミュージシャンには他人には分からない悩みがあれこれあったのか…? それにしても、自殺なんて…。自ら命を断つなんて…、悲しすぎます、切なすぎます。 私生活では3度(福井ミカさん→安井かずみさん→中丸美千絵さん)の結婚&離婚・死別と波乱多い人生でしたが、最近では、アルフィーの坂崎さんと「和幸」というユニットを組んで、精力的に活動していました。 作曲家としては全盛期を過ぎたとは言え、彼にはまだまだ活躍できる舞台があったはずです。それなのに、なぜ、なぜ、なぜ? 答えが聞きたいよー、加藤さん。
2009/10/17
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いさかか旧聞で申し訳ありませんが、1960~70年代に活躍した米国のフォークグループ「ピーター、ポール&マリー(PP&M)」のマリー・トラバースさんが9月16日、がん(白血病という話です)のため、米コネティカット州の病院で亡くなられました。72歳でした。 マリーさんは、ケンタッキー州ルイビル生まれ。グループは60年代前半にニューヨークで結成され、「風に吹かれて」「パフ」「花はどこへ行った」「500マイル」「天使のハンマー」「我が祖国」などのヒット作を送り出しました。「風に吹かれて」はボブ・ディラン作でしたが、この曲がきっかけで日本でもディランの存在が知られるようになりました。 PP&Mは民主党支持者で、ベトナム反戦運動や、黒人差別撤廃を求めた公民権運動にも精力的に取り組んだミュージシャンでした。「悲惨な戦争」など反戦的なメッセージソングを積極的につくり、若者に大きな影響を与えました。今でも反戦集会や市民集会では、「我が祖国」がよく歌われますが、これもPP&Mがそのきっかけをつくったものでした。 小学生でギターを始めた僕が最初、ギターの練習の課題曲としてよくチャレンジしたのがPP&Mでした。「悲惨な戦争」でアルペジオを習い、さらに「パフ」でツー・フィンガー、「くよくよするな」でスリー・フィンガーのピッキングを覚えました。 マリーさんの担当はギターでなく、ヴォーカルでした。そしてPP&Mの歌は3部のハーモニーのコーラスであることが多かったのですが、その中で「芯を貫いていた」のは彼女のしっとりとした歌声でした。 マリーさんのパートを男声で歌うのはしっくりこない感じもしたのですが、僕はよくPP&Mの曲をギターで弾き語りしました。PP&Mを手本にしっかりスリー・フィンガーを練習したおかげで、後に自分のバンドでCSN&Y(クロスビー、スティルス、ナッシュ&ヤング)の曲を演奏した時、おおいに役に立ちました。 PP&Mの生の歌声は中学生の頃、当時の大阪府立体育会館でのコンサートで聴きましたが、音響がいまいちの会場もものともせず、素晴らしい曲の数々を聴かせてくれて、ますますギターやPP&Mの曲にのめり込んだものでした。当時のほっそりしたマリーsんの姿(晩年はおばちゃん体型になりましたが(失礼!))は今も目に焼き付いています マリーさんの存在なくして、PP&Mというグループはあり得なかったと僕も思いますし、多くのファンも同じ思いでしょう。僕にとっても、PP&Mとの出会いなくして、今の音楽の素養もなかった訳ですから、彼女には、ただただ感謝するしかありません。 マリーさんはグループ活動休止の後も、終生、国内外で人権擁護活動に力を注ぎました。そんな真摯で、ヒューマンな人間性には頭が下がる思いです。72歳は、天に召されるにはまだ若すぎる歳です。彼女の歌声がもう聴けないと思うと本当に切ない気持ちになります。今はただ、心からご冥福をお祈りしたいと思います。こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2009/10/03
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以前、2005年7月3日の日記でも書いたけれど、アコースティック・ギターを練習し始めた頃、ギターという楽器の面白さを一番教えてくれたお手本は、サイモン&ガーファンクルのポール・サイモンだったと思います。 そのサイモン&ガーファンクルのコンサートに、13日(京セラドーム大阪)行ってまいりました。67歳になる同じ歳の二人は「二人でツアーをやるのはおそらく最後」と公言しています。聴衆は当たり前かもしれないけれど、ほとんどが40~60歳代。 僕にとっては1982年、S&Gとしての初来日コンサートを、今は無き大阪球場で聴いて以来、27年ぶりの出逢いです。ほぼ休みなしで約2時間15分。60代後半とは思えないエネルギッシュな二人に僕はただ感動するだけ(写真左=13日の大阪公演での二人 ( C )朝日新聞社 )。 ポールの華麗なギター・テクニックは相変わらず素晴らしいし、アートは、さすがに昔のような澄んだ高音は出ませんが、心に響く優しい歌声は健在でした。アートはサービス精神旺盛で、「オオサカ、オオキニ~!」と大阪弁でのMCも。アンコールも2回やって、計5曲も聴かせてくれました! 僕はこの夜、「この世の見納め」のつもりで、二人の姿と歌声をこの目と耳に焼き付けました。ポールとアート、素晴らしい音楽の贈り物の数々を本当に、本当に有難う! 貴方たちと同じ時代に生きることのできた幸せを僕はしみじみと感じています。 ちなみに、この夜の歌の「セットリスト」です(当初、ポールやアートのソロの曲で名前が分からないのもありましたが、当夜のコンサート行かれた様々な方がブログで曲名情報を記されて、それを参考しながら完成させることができました。ブロガー万歳! 皆様に感謝でーす!)(写真右=今回のジャパン・ツアーのパンフレットの表紙)。 Old Friends~Bookend's Theme、冬の散歩道、I Am A Rock、America、Kathy's Song、Hey School Girl、Be-Bop-A-Lula、Scarborough Fair、Homeward Bound、Mrs Robinson、Slip Sliding Away、コンドルは飛んで行く、Bright Eyes(アートのソロ)、A Heart In New York(同)、Perfect Moment~Now I Lay Me Down To Sleep(同)、Boy In The Bubble(ポールのソロ)、Graceland(同)、Still Crazy After All These Years(同)、The Only Living Boy In New York、My Little Town、明日に架ける橋 【アンコール1】Sound Of Silence、The Boxer 【アンコール2】The Boxer Reprise、Leaves That Are Green、Ceciliaこちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2009/07/13
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ほかのテーマで日記を書こうと思っていたら、早朝、とんでもないニュースが飛び込んできた。あのマイケル・ジャクソンが急死したという…。まだ50歳という若さ。僕は言葉を失った。だから、とり急ぎマイケルへの思いを綴る。 「King of Pop」の称号は得たが、スキャンダルにまみれた人生だった。巨万の富は得たが、家庭生活はお世辞にも幸せとは言えなかった。 貧しい家庭に生まれ、子供の頃からショー・ビジネスの世界に放り込まれ、学校にも行けなかった。兄弟・姉妹以外、本当の友達はいなかったかもしれない。 それでも、彼の才能は開花した。歌、作詞・作曲、ダンス。どれをとっても比類なきものを生み出していった。その「メッセージ」は同世代の心をつかんだ。 「I'll Be There」「I Want You Back」「Billie Jean」「Thriller」「Beat It」「Bad」「Man In The Mirror」「Black Or White」…。その個性とセンスあふれる楽曲は僕らを魅了した。 うらんかんろは、ソロになって最初の1987年の日本公演を幸運にも見ることができた。「スリラー」を出して絶頂期の頃。まもなく出る「バッド」のマイケルの歌とダンスに釘付けになった。これぞ、本当のエンターテイナーだと僕は思った。 でも、ツアーに追われる彼の、オフでのどこか、もの悲しい表情に同情もした。大阪でも、ほとんどホテル・ニュー・オータニの部屋に缶詰で、指名した焼き鳥屋の主人が作ってくれた「豆腐ステーキ」をとても喜んだという話を後に聞いた。 小さい頃から私生活の自由がまったくなかったマイケルは、本当に幸せだったのか。それは誰にも分からない。毀誉褒貶はいろいろあったが、それでも、僕のマイケルへの評価は変わらない。彼はやはり唯一無比の才能だった。 「ウィー・アー・ザ・ワールド」に代表されるようなチャリティにも、終生かかわった。もし同性愛的、幼児愛的な趣味があったとしても、子供が大好きなマイケルが虐待だけはするわけがない、と僕は今でも信じている。 マドンナがコメントしていたように、彼の音楽は永遠に生き続けるだろう。50歳を過ぎたマイケルが、たとえ、ぼろぼろの姿を僕らの前にさらそうとも、音楽を創り続けていくところを、見たかった。それも今は叶わない。 今はただ、稀有な「ポップ・ミュージックの天才」の夭折をただ悼むしかない。地上では得られなかった幸せな時間を、天に召されたマイケルはいま得ているだろうか?(写真はいずれもAP。下は「Jackson5」時代。手前右がマイケル)。こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2009/06/26
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あと10日ほどでクリスマス。クリスマスと言えば、クリスマス・ソングということで、以前にもこれをテーマに何度か日記=05年12月25日の日記 & 07年12月12日の日記=を書いたことがあります。 ところで、本日は12月に入って、マイブームな1枚のCDを紹介。「クリスマス イン ボッサ(Christmas In Bossa)」。クリスマスに常夏の国の音楽であるボサノバなんて合わないような気もするけれど、これが不思議とこの季節にも合うのです。 毎年、この季節になると同様のボサノバ・アレンジのクリスマス・ソングCDが発売されます。これまでにも何枚も聴いたけれど、心に残る、しっくり来る1枚はありませんでした。しかし今回のは、試聴してすぐに「これはいい!」と思った1枚。歌、演奏、選曲、アレンジともに上質で、おすすめです。 曲目をざっと紹介しておくと、All I Want For Christmas Is You、Last Christmas、Happy Chrismas, War Is Over、Jingle Bells、Silent Night、The Christmas Song、White Christmas、Joy To The World、Santa Claus Is Comin' To Town、Let It Snow、Radolph, the Red-nosed Reindeer、Sleigh Ride、Winter Wonder Land の全13曲。古今のポピュラーの名曲、人気曲ばかりです。 歌っているアーチストは、マルセラ・マンガベイラ、モニーキ・ケッソウズ、リズ・メセネス、モンセラ、セシリア・デール、ボブ・トステスら。恥ずかしながら、ブラジル音楽に詳しくない僕は初めて聞く名前ばかりですが、歌も演奏も上手い人ばかりで、実に心地よい1枚。タワー・レコードでも「おすすめ」盤としてたくさん平積みしていただけのことはあります。 ちなみに、オリコンが今年の冬、10~40代の男女1000人にアンケートをした「好きなクリスマス・ソング」のベスト10は、(1)クリスマス・イブ (2)いつかのメリー・クリスマス (3)ラスト・クリスマス (4)恋人達のクリスマス (5)恋人がサンタクロース (6)メリクリ (7)クリスマスイブRap (8)ハッピー・クリスマス (9)クリスマスキャロルの頃には (10)シンデレラ・クリスマス でした(6はBOA、10はキンキキッズですが、僕全然知りません(笑))。 僕はと言えばやはり、ことしの冬もBar・Mで過去のスタンダードなクリスマスソングを弾き語りしながら、その良さを再発見しているところです(「Let It Snow」なんかがお気に入り!)。さて、皆さんは今年の冬、どんなクリスマスソングを聴きますか? ※CD写真はTower Record HPから引用しました。御礼を申し上げます。こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2008/12/14
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最近音楽の話をあまり書いてなかったので、久しぶりに洋楽のことなど。 近頃よく聴いているグループに「マルーン(Maroon)5」(写真左)がいる。最近メジャーになってきた米国のバンドでは、個人的にはメロディー、演奏のクオリティの高さや個性的な歌でとても好きなグループだ。 もちろん本国でも十分評価されている。2002年のデビューアルバム「Songs About Jane」(写真右下)は、ロックにソウル、ファンク、R&Bなど様々なテイストを織り込んだような奥行きある曲が人気を集め、1000万枚ものセールスを記録。グラミー賞最優秀新人賞を含む数々の賞に輝いている。 1994年にカリフォルニア州ロサンゼルスで結成された4人組バンド「カラーズ・フラワーズ」が前身。しかし、インディーズ・レーベルからアルバムを出したが商業的には成功せず、一時バンド活動も休止状態になった。 その後、ボーカルのアダム・レヴィーン、キーボードのジェシー・カーマイケル、ベースのミッキー・マデンの3人が中心となって、メンバーを再編成。2001年、ギターのジェイムス・バレンタインの加入を得て、新たに5人編成のバンドで活動を再開させ、名前も「マルーン5」と変えた(ドラムスは2006年にメンバー交代)。 活動休止中にニューヨークで得た数多くの刺激やインスピレーションの結果、アダム(バンドの作曲を主に担当)は、マルーン5が目指す方向性について、ロックの枠にとらわれない、様々なジャンルが融合したような厚みのある音楽に求めることに決めた。 新しいプロデューサーのもと出来上がったデビューアルバムは、ハリウッド映画のサントラで使われたこともあって注目を集め、シンプルでヘビーなロックバンドが全盛だった2001年当時、その完成度の高さからあっという間に人気が沸騰した。 また、2007年発売のセカンドアルバム「It Won’t Be Soon Before Long」(写真左下)も、デビューアルバムをしのぐ完成度ですでに400万枚以上を売り上げたほか、ファースト・シングル「メイクス・ミー・ワンダー」は、初の全米1位を獲得するなど、「2枚目のジンクス」など吹き飛ばす勢いを見せた。 そして日本でも、ノエビア化粧品やトヨタVITZのCMで彼らの曲が使われたこともあって、ますますファンの輪は広がった(マルーン5って知らないと言う貴方も、きっとCMでは曲を聴いたことがあるはず)。 僕はことし2月に、念願だった彼らのライブを大阪城ホールで観た。まだ2枚しかアルバムを出していないために、ステージではこれまでの発表したほとんど曲を演奏してくれたのは嬉しかった。 残念なのは、その後3枚目のアルバム制作の話が伝わってこないこと。海外アーチストの場合、4年~8年くらいアルバムを発表しない人やグループも珍しくないが、マルーン5はまさに「今が旬」のバンドである。早くさらに進化した3枚目を聴きたいと願うのは、僕だけではないだろう。 僕は、マルーン5の曲はまだ1曲も弾き語りをしたことはない。どの曲もひとくせあってピアノだけでは歌いにくい曲ばかり。アレンジを相当考えないと難しい。でも、いつか1曲はレパートリーに入れてみたいと願っている。こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2008/11/30
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ひょんなことから、昨夜、連れ合いと一緒に大阪城ホールでのB’Zのコンサートへ行って参りました。僕にとっては初めての生B’Zです(連れ合いはファンクラブに加入しているので、プラチナ・チケットが若干手に入りやすいのだそうです)。 感想を記すと。演奏上手い(とくに松本クン、日本ではいま一番上手いギタリストだろうなぁ…)、歌上手い(稲葉クン)で、言うことなしです。曲は知らない曲が3分の2くらいありましたが、十分満足! 松本クンは大阪出身の関西人なので親近感も沸く。稲葉クンも岡山(津山)の出身だから関西に近い。でも、MCはあまり得意じゃないのかなぁ…、若干シャイなお喋りでしたね。 ライブの演出も、とても凝っていました。開演前から、7、8人のパフォーマーが客席(アリーナやスタンド席とも)のあちこちに登場し、コントをして聴衆を乗せる(写真左=会場前入り口前に貼ってあったコンサートのポスター)。 最後、開演直前にセットのやぐら(鉄製のジャングル・ジムのようで、高さ20mくらいもある!)に駆け登って、ロープで降りて幕を破って、そのままオープニング(1曲目)に突入するなんて…。 セットも凄いカネかけてるー。(屋内のホールなのに)火薬もいっぱい使う! さすがアーチストでの高額所得者! ファンを喜ばせるにはカネを惜しみませんね。楽曲のクオリティの高さももちろんですが、20年もトップを走り続けている理由がなんとなく分かります。 約2時間半のコンサートに十分堪能いたしました。素人ミュージシャンである僕が(ピアノで)弾き語りできるB’Zの曲と言えば、残念ながら「Alone」と「いつかのメリークリスマス」の2曲しかありませ~ん。 B’Zの曲のピアノでの歌伴はチョー難しいというか、無理です。ピアノの歌伴で再現できない難曲が多すぎます(素人にも歌いやすい曲をもっと作ってくれよー、松本クン)。 コンサートの後は、ホールから歩いて行ける京橋(ローカルな地名ですみません)のイタリアン・バールで余韻に浸り、小腹を満たした後、早々に帰宅しました(あすは、日曜と言うのに仕事で朝早くからまた福山出張なんで…。はしごできずにあぁ残念…)。
2008/07/13
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先週の金曜(16日)の夜、まもなく建て替えのために閉館となる大阪フェスティバル・ホールでのコンサートに行ってきた。ジャズの歴史そのものとも言える、ソニー・ロリンズを聴くために…(写真左=今回の日本ツアーのポスター)。 ソニー・ロリンズと言えば、ジョン・コルトレーンと並ぶジャズ・サキソフォンの代表的な奏者。1930年9月生まれだから、御歳77歳。1950年にデビューし、マイルス・デイビスら名だたるミュージシャンと共演しつつ、半世紀以上過ぎた今なお、第一線で活躍する稀有な存在である。 ロリンズは、3年前の2005年の来日公演が「最後のワールド・ツアー」と言われていたので、もう一度来日するとは予想外だった。今回のツアーのタイトルは、それを意識したのか「I’m Back」。もうツアーからは引退すると言っていたので、「復活」をアピールしたかったのかもしれない。 しかし年齢が年齢(77歳)である。僕は、「おそらくはもう最後の来日で、今回を逃すと二度と生ロリンズは見られない」と思って、万難を排してコンサートへ足を運んだ。 約2700人が入る会場はほぼ満席。今回のツアーでロリンズは5人(トロンボーン、ギター、ベース、ドラムス、パーカッション)のバックバンドを従えていた。ベースはやはり50年来の友であるという、ボブ・クランショー。 ロリンズはしばしばピアノレス・バンドが好きと言われているが、今回もピアノレス。音の厚みに若干問題があるというピアノレス・バンドだが、コンサートではギターがしっかりピアノの代わりを果たし、トロンボーンは時には弦楽器(ストリングス)のようにしっかりとロリンズのサックスをサポートしていた。 正直言って、ロリンズのアルバムはそんなに聴いた訳じゃない。全発売アルバムの10分の1くらいかもしれない。しかし、それでも彼のテナーは僕の心を十分につかんで離さない。御多分にもれず、僕も「サキソフォン・コロッサス」(写真右上)という彼の最も有名なアルバムから聴き始めた。 それから、「テナー・マッドネス」「ビレッジ・ヴァンガードの夜」(写真左)「アルフィー」(写真右下)などと聴きつないだ。とくに、「アルフィー」の中のタイトル曲「アルフィーのテーマ」は僕の大好きな曲の一つ。 ロリンズの素晴らしさはジャズだけにとどまらず、ラテンやボサノバ、ロックとのコラボレーションを積極的に展開し、彼自身の演奏にもジャズだけにとらわれないスタイルを確立したこと。スティービー・ワンダーの曲「Isn't She Lovely?」を取り上げたり、ローリング・ストーンズのアルバム「刺青の男」に参加したこともある。 ステージのロリンズは、歩き方こそ年相応によろよろしていたが、ひとたびサックスを吹き始めると、それこそ「テナーの帝王」に変身した。音には往年の力強さはないが、一言で言えば「円熟」。心から歌い上げるような表現力の豊かさは、決して衰えを感じさせなかった。 約2時間10分のコンサート。生けるジャズの伝説、ロリンズを目の前で見て、聴いて、僕はこの夜至福のひとときを満喫した。もちろん、あの「セント・トーマス」もやってくれた(写真左=ロリンズをまだ知らない方の入門編には「ベスト盤」がおすすめ)。 ソニー、本当に有難う! 貴方と貴方の音楽を知り合えて、僕は幸せです。どうか体を大事にしてこれからも元気で、テナーを歌い上げてほしい。 【2008.5.16.のセットリスト】Sonny,Please、 They Say It's Wonderful、 In The Sentimental Mood、 Someday I'll Find You、 Nice Lady、 Serenade、 St.Thomas、 Why Was I Bornこちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2008/05/18
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先日、ダン・フォーゲルバーグの追悼日記を書いたばかりなので、気が引けますが、やはりここは記しておかなければ、自分が納得いきません(年の瀬になぜか、僕に馴染みのミュージシャンの訃報が続きます)。 ジャズ・ピアニストの巨星、オスカー・ピーターソン(Oscar Peterson)が母国カナダで亡くなったというニュースが、昨日(26日)の朝刊各紙に出ていました。享年82歳でした=以前、ピーターソンについて綴った日記。 ジャズ・ピアニストには意外と長命の人が多いのですが、晩年のピーターソンは脳梗塞の後遺症や腎不全で苦しみ、十分に演奏活動ができなくてほんとに気の毒でした。日本には昨年久しぶりにやって来て、新進女性ピアニストの上原ひろみと共演したのが最後の来日でした。 僕にとってのピーターソンはエバンスやキースと並んで、大きな影響を受けたピアニストの一人です。彼の超絶的なテクニックにはとても及ぶ術(すべ)はなかったけれど、原曲のメロディーやイメージを大切にしながら弾く彼の演奏は、とても参考になりました。 彼の出した名盤で、ジャズ入門者の定番アルバムにもなっている「プリーズ・リクエスト」は昔それこそ、針が擦りきれるほどレコードを聴きました。「イパネマの娘」や「酒とバラの日々」の演奏などは、真似できる部分はコピーさせてもらいました。 ただ個人的に一番好きなのは、「ナイト・トレイン」というアルバムに入っている「ジョージア・オン・マイ・マインド」です。数多くのピアニストが弾いている名曲ですが、ピーターソンの演奏を上回る感動にはいまだ出会っていません。 親日家でよく来日してくれましたが、僕は残念ながら、生の演奏を聴く機会はありませんでした。来日中に唯一聴いたのは、テレビの音楽番組「ミュージック・フェア」に出演していた際の演奏です(3曲ほど弾いていました)。 常に笑顔でドラムやベースとアイ・コンタクトをとりながら、体を揺らせて楽しそうに演奏する姿がとても印象的でした。あの笑顔と、もう逢えないのかと思うと、悲しいと言うしかありません。オスカー、ほんとに有難う! 天国でも楽しくピアノを弾いてください。こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2007/12/27
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17日付の日刊紙朝刊に米国の、あるシンガーソング・ライターの訃報が載っていました。ダン・フォーゲルバーグ(Dan Fogelberg)=写真左。死因は「進行性前立腺がん」とありました。まだ56歳の若さでした。 ダン・フォーゲルバーグは70年代前半にデビュー。いわゆるウエストコースト・ミュージシャンの一人でしたが、アコースティック・ギターを生かした、爽やかな音使いで知られた歌手でした。 デビュー・アルバムの「Home Free」はあまり注目を浴びませんでしたが、2作目の「Souvenirs」(写真右下)は、楽曲のクオリティの高さもあって、200万枚の大ヒットとなりました。 何よりも話題となったのは、レコーディングの際、ギターやピアノ、ドラムス、ベースなどすべての楽器やコーラスを一人でこなす多彩ぶりでした当時の彼のキャッチ・コピーは「ひとりCSN&Y」だったと記憶していますが、初めて聴いた時の衝撃は今も忘れられません。 その後79年には、全米1位となったシングル「Longer」をおさめたアルバム「Phoenix」を発表。その人気を不動のものとしました。 70年代の米ウエストコーストと言えば、イーグルス、ジャクソン・ブラウン、ジェームス・テーラー、キャロル・キングら今も活躍するビッグネームが次々と世に出ました。 フォーゲルバーグは当然、同世代の彼らと大きな影響を与え合いました。僕もギターバンドをやっていた20代前半には、彼のアルバムのよく聴いて、音づくりのヒントをもらいました(写真左=75年発表の3作目「Captured Angel」も完成度は高かった)。 2004年には「Full Circle」を発表。まだまだ現役で頑張っていた息の長い人でしたが、その頃からがんと診断され、闘病生活を送っていたということです。まだ50代半ば。ほんとに残念です。豊かな才能の死を心から悼みたいと思います。こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2007/12/22
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あと10日余でクリスマス。と言うより、気の早い街では、11月の半ばからクリスマス・ソングが鳴り響いています。年々クリスマス・シーズンの到来は早くなってきているような気がします。 ご無沙汰していてすみません。いろいろと訳があって、ちょっと日記をさぼっておりました(別に体調が悪いということではないのでご心配なく)。 2年前にも、クリスマス・ソングをテーマにして書いたことがあります=05年12月25日の日記。「好きなクリスマス・ソングは何か」というテーマでした。 今年はふと、いわゆる「スタンダード」と言われるクリスマス・ソングについてもっと知ってみたいと思い立って、ピアノであれこれ弾いて、歌っています。 「The Christmas Song」「White Christmas」「Here Comes Santa Claus」「Rudolph, the Red-nosed Reindeer」「Have yourself A Merry Christmas」「Silent Night」「Frosty, the Snow Man」「Santa Claus Comin' To Town」「Let It Snow」…等々。 多くの人たちに愛されて、長く歌い継がれているクリスマス・ソングにはやはり、理由があります。シンプルだけれど、メロディーも歌詞も、味わい深い、素敵なものばかりです。なかでも「The Christmas Song」は一番のお気に入りです(写真=Nat King Coleが歌ったものが有名です)。でも、うまく歌いこなすのには、まだまだ練習が必要です(笑)。 そして70年代以降に発表され、今では定番クリスマス・ソングの仲間入りしているポップスにも、素晴らしい曲があります。ワムの「Last Christmas」、ジョン・レノンの「Happy Christmas(War Is Over)」、ポール・マッカートニーの「Wonderful Christmas Time」の3曲も、(自分では歌わないけれど)好きです。 そんなスタンダード・クリスマス・ソングの素晴らしさを再発見している昨今です。年内にはBar「M」で少し披露してみたいと思っています。皆様にも素晴らしいクリスマスが訪れますように! こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2007/12/12
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大人になってから、僕が独学でピアノを始めるようになったきっかけは、ジャンルは違うが、5人のアーチストによる影響が大きい。 ビル・エバンス、エルトン・ジョン、ビリー・ジョエル、ポール・マッカートニー、そしてキャロル・キングの5人である。エバンスは僕がピアノに興味を持ち本格的に練習し始めた頃にはもう亡くなっていたので、悔しいけれど生の演奏は聴いたことはない。 エルトン、ビリー、ポールの3人はライブに行ったので生の演奏に接することができた。長年あこがれ続けながら、いまだ一度も生の歌声、ピアノに触れたことがないのがキャロル・キングだった(写真左=真ん中がキャロル・キング) シンガー・ソングライターとして60年代から活躍を続けるキャロルは、90年に来日公演をしたのを最後に日本には来ていない。ことし65歳。もう日本には来ないのかもしれないなぁと半ばあきらめていた僕だった。 そのキャロルが嬉しいことに日本にやってきた! 残念ながら単独公演という形ではなかったが、ヒップホップ・ソウルのメアリー・J・ブライジ、ヒップホップ&ラップのファーギーという若手ともに、「3 Great American Voices」と銘打ったコンサートで来日した(なぜこの3人の組み合わせなのかという疑問も残るが…)。 僕は日本ツアー初日の11月5日(月)に行ってきた。場所は大阪城ホール。残念ながら客席は7割程度の入りだったが、僕にはそんなことはどうでもいい。30年近くあこがれ続け、切望し続けた生キャロルが見られる(聴ける)のだから。 どういう構成でやるのかなのか思っていたら、いきなり、キャロルが一人でステージに現れた。「コンバンワー、オオサカ!」と言って、いきなり1曲目を弾き始めた。曲はあの偉大なアルバム「タペストリー(つづれおり)」(写真右下=全世界で6000万枚も売れ、今なお人気のロングセラー)から「Beautiful」。 そして、第一部はすべてキャロル・オンリー。演奏は途中からバックに、アコースティック・ギター2人が入るだけというシンプルなもの。でもバックがシンプルでも、キャロルの歌声の存在感があれば、そんなことは全然問題にならない。 キャロルは約1時間、11曲も歌った。僕はただただ彼女の歌声とピアノに聴き惚れた。この後出てきたファーギー、メアリー・J・ブライジを挟んで、最後のアンコールでは、キャロルが再び大きな拍手に迎えられて登場した。 キャロルら3人は、「Dancing In The Street」(ミック・ジャガーとデヴィッド・ボーイのデュエットで知られる)、「Natural Woman」(これもタペストリー収録の彼女の代表曲)の2曲を歌った(ただし、日本ツアー初日とあって、3人の歌はバラバラ。いかにもリハーサル不足という印象だった)。 ファーギーもメアリー・J・ブライジも歌は文句なしに上手い。しかし、存在感という点では、やはり50年近い芸歴を持つキャロルには勝てない。何度聴いても「タペストリー」というアルバムは偉大だと思う。もし無人島へ3枚だけアルバムを持っていってよいと言われたら、僕は間違いなく「タペストリー」をその1枚に選ぶ。 キャロルは、僕がまだ観ていないビッグ・ネームの最後の一人だった。コンサートを観終えて、僕は満足感と虚脱感が入り交じった複雑な気持ちに襲われた。生キャロルを観た幸せは、とても言葉ではうまく言い表せない。キャロル、本当に有難う。僕はあなたが大好きです。You make me feel like a natural man!【11.5.のセットリスト】=キャロル分のみ →Beautiful、Welcom to my living room、Where you lead、So far away、Up on the roof、Smackwater Jack、Will you love me tomorrow? Love makes the world、Sweet seasons、You've got a friend、I feel the earth move、アンコール=Dancing in the street、A natural woman【追記】まだ生キャロルを聴いていない方で、ぜひ観たいという方は「3 Great American Voices」の日本公演はまだ12日(月)、13日(火)=いずれも日本武道館=もあります。当日券もきっとあると思うので、万難を排して急いでください!こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2007/11/10
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カラオケというものをやらなくなってからもう10年以上になる。他人の歌(それも演歌がほとんど)を密室で無理矢理聴かされるのが嫌なのに加えて、伴奏に厚みがないのも嫌いな理由だ。 演歌以外だったら、歌の上手い人ならまだいいのだが、すべてがそんな人とは限らない。なかには聴くに堪えない人もいるし、そんな相手に対して偽善的な拍手をするのは苦痛だ。 だから、基本的にカラオケ・ボックスやカラオケ・スナックのお誘いはお断りしている。スナックやラウンジに業務上、どうしても付き合いで行かなければならない時は、できるだけ聴かないように、歌わないようにしている。 そんな僕だけれど、先日、「洋楽しばりで、カラオケ・ボックスに行きませんか?」とお誘いを受けた。迷ったのだが、洋楽オンリーなら久しぶりに行ってみようかと思って誘いに乗った。 誘ってくれた方(2人)がともに30代だったということもあった。最近の30代の人たちはどんな洋楽の歌を歌うのだろうか、自分とのジェネレーション・ギャップはどれくらいだろうか…等々、少し興味が沸いたからだ。 3人でビア・パブで喉を潤した後、時間を惜しんで大阪キタ、お初天神近くのカラオケ・ボックスへ。連れて行ってくれた方によると、「ここは大阪で一番洋楽の曲数の多い店」なのだそうだ(確かに多い! 曲目リストの本が電話帳2冊分くらいの厚さがある!)。 で、この夜僕らが歌った曲は以下の通り。いやぁー歌った、歌った。約2時間半。終わってみると、なんと35曲(3人だとすぐに順番回ってくるから大変だー)。 I Won’t Last A Day Without You、These Dream、 Your Song、 Desperade、 Is This Love? Jolie、 Alfie、 A Thousand Miles、 New York State Of Mind、 Tonight I Celebrate My Love、 Best Of My Love、 End Of The Road、 Africa、 Spinning Wheel、 Our House、 Top Of The World、 Breakout You’ve Got A Friend、 Endless Love、 Without You、 End Of Innocence、 Mr Bojangles、 Up Where WE Belong、 Stranger In Moscow、 Song For You、 Magic、 Who’s That Girl? In My Life、 Stay Gold、 Back In The High Life Again、 Lately、 Smile、 After Love Was Gone、 We Are All Alone このうちの3分の1の曲を僕が歌った。こんなにたくさん歌ったのは、ほんと15年ぶりくらいかなぁ…。ただし、お店は「公称10万曲」とか言ってたが、僕が歌いたかった、Tom Waitsの「Old 55」やJackson Browneの「Late For The Sky」「Rock Me On The Water」はなかったのが、とても心残り。でも結構楽しんだから、行って良かったという証かな。 ほんと久しぶりのカラオケだったが、伴奏はやはり薄い。最近は「打ち込み」で電子的に作っているのが多いせいか、温かみのない伴奏というのか。この伴奏なんとかならんでしょうかねぇ。やはり僕は、個人的には生オケがいいなぁ…。こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2007/07/12
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ジャズを初めて聴き始めた70年代後半、僕よりジャズに詳しい同僚が教えてくれたピアニストの1人が、マッコイ・タイナー(McCoy Tyner)という人だった。 そして、その彼が「このアルバムはきっと気に入りますよ」と教えてくれた素晴らしいアルバムが、「バラードとブルースの夜(Nights Of Ballads And Blues)」(写真左、1963年発表)。 そのアルバム(レコード、当時はまだCDはなかった)には、サテン・ドール、ラウンド・ミッドナイト、ブルー・モンク、酒とバラの日々(Days Of Wine And Roses)等々…。 今ではジャズ・スタンダードの定番と言える曲がたくさん詰まった名盤。独身時代、北陸の金沢という雪国で暮らしていた僕にとって、仕事に疲れ帰宅したアパートの寂しい夜を癒してくれた思い出深い1枚でもある。 マッコイ・タイナーは1938年米国フィラデルディア生まれ。15歳でジャズ・バンドを結成し、59年、21歳の若さで、あの伝説のサックス奏者、ジョン・コルトレーンのコンボに迎えられたような素晴らしい才能を開花させた。 タイナーはその後、62年には初のリーダー・アルバム「インセプション」をリリース。その後も、ソロや様々なユニットで数多くのアルバムを発表してきた。代表作には「リアル・マッコイ」「リーチング・フォース」「サハラ」など。 僕自身は「バラードと…」のアルバムの後、ビル・エバンスやキース・ジャレット、オスカー・ピーターソンに関心が移ったため、タイナーとは疎遠になっていた。 そんな僕が7年前の2000年、久しぶりに出合ったタイナーのアルバムが「夜は千の眼を持つ(A Night Has A Thousand Eyes)」(写真右)(以前、トップページの「おすすめCD」でも紹介した)。 これはCDショップでたまたま買ったのだけれど、スタンリー・クラーク(B)、アル・フォスター(Ds)というテクニシャンの2人を従えてのアルバム。だが、久しぶりに聴いたタイナーの演奏に、僕は腰が抜けるほど驚いてしまった。はっきり言って凄い! 名曲ぞろい! タイナーはこのアルバムを制作した時は60代前半。しかし、聴けば分かってもらえると思うが、タイナーの弾きっぷりは、衰えを見せるどころかとても元気で軽やかで、今風のノリなのだ(スタンリー・クラークのベースも凄いが…)。 タイナーはことし69歳になるが、昨年には「イルミネーション」と題したオリジナル・アルバム(写真左)を発表。老いを感じさせない精力的な活動を繰り広げている。 ジャズ・ピアニストは、例えばハンク・ジョーンズのように、高齢になっても相変わらず活躍し続けている人が多い。僕は、タイナーもまだまだ元気である限り頑張ってほしいと願っている。 ※CD画像はTower Record HPから引用・転載しました。感謝いたします。こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2007/01/15
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いま、とてもハマっている曲があります。Mr.Children(ミスター・チルドレン)の最新シングル「しるし」(11月15日リリース=写真はジャケット)。 前作「箒星(ほうきぼし)」から約4ヶ月ぶりのシングルで、日本デレビ系のドラマ「14才の母」の主題歌なのですが、これがまた素晴らしい極上のバラードなのです。 僕はあいにくドラマの方は観ていません(もう終わったのかな?)が、主題歌は発売早々、オリコンのシングル・チャートで首位を独走しているとか。 最近はいささか凝り過ぎた曲づくりが目立っていたミスチルでしたが、「しるし」の切ないほど、美しいメロディーは初期のバラードにも似た、原点に帰ったような雰囲気があります。 ブログなどでは「しるし」をめぐるミスチル・ファンの書き込みも目立ちますが、そのどれもが「これは最高の1曲だ」「涙が出て止まらなかった」と誉めちぎっています。 哲学的とも言えるような歌詞。ミスチルの詞は他の曲でもそうですが、桜井クンしか書けない独特の世界があります。あんな発想や言葉の選び方は彼にしかできません(字余りで歌いにくいんです(笑))。歌詞の一部(全文引用するとたぶん著作権法違反になるので)を紹介すると――。 しるし(桜井和寿作詞・作曲) 最初からこうなることが決まっていたみたいに 違うテンポで刻む鼓動を互いが聞いている どんな言葉を選んでも どこか嘘っぽいんだ 左脳に書いた手紙 無茶苦茶に丸めて捨てる 心の声は君に届くのかな 沈黙の歌にのって ダーリン ダーリン いろんな角度から君を見てきた そのどれもが素晴らしくて 僕は愛を思い知るんだ 「半信半疑=傷つかないための予防線」を いま、微妙なニュアンスで 君は示そうとしている 「左脳に書いた手紙」とか「半信半疑=傷つかないための予防線」なんてフレーズは桜井クンでなければ書けないでしょう。素晴らしいメロディー・メーカーであるとともに、唯一無比の詩人である桜井クンに拍手です(ちょっとホメ過ぎかな?)。 振り絞るような歌い方がまたいいんです。胸にぐっと迫って、聴いていて惚れ惚れしてしまいます。「しるし」はミスチルの曲のなかでも、きっと最高の1曲になるのではないかと僕も信じています(ちなみに7分を超す超大作!)。 いい曲ならば自分で弾き語りして歌いたい僕。しかし、キーを変えながら何度がトライしましたが、駄目です。ギブアップです。原曲のキーはC♯、半音下げて歌いやすいCに移調しましたが、出だしはいいものの、「ダーリン、ダーリン」の歌詞で始まるサビが高すぎて、音(声)が出ません。 思い切ってキーをGに変えたら、今度はサビは何とかなるものの、出だしの部分は音が低すぎて、曲がサマになりません。要するに、この「しるし」、音域がめちゃくちゃ広い歌なのです。 テレビの音楽番組で、この「しるし」を歌っているミスチル&桜井クンを何度か見ましたが、首の血管が浮き上がり、声がひっくり返る寸前くらいのハードな歌でした。「プロの桜井クンにして斯様に難しい曲を、素人である僕に歌いこなせるはずがない」と納得して、無謀な挑戦はやめました。 そこで、たってのお願いです。この「しるし」をBar「M」で、僕の歌伴で歌ってくださる方を募集中です(笑)。キーは、貴方が一番が得意なキーに合わせます。我こそはと思わん方はコメント欄でご返信を!【追記1】お陰様でアクセスがまもなく10万ヒットを超えそうです。「泣いたり笑ったり 不安定な思いだけど それが君と僕のしるし」(「しるし」の歌詞から)。このブログはさしずめ、訪れてくれる皆さんと僕が共同で作り上げている「しるし」かもしれません。今後とも末永くよろしくお願いいたします。【追記2】12月17日午前6時41分、10万ヒットを超えました。皆さまに感謝でーす!(「キリ番」を踏んだのは、残念ながら僕のブログ友だちではありませんでしたが…)。こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2006/12/17
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2005年11月20日、ビートルズの"ニューアルバム"「LOVE」(写真)がリリースされました。洋楽アルバム・チャートでは早速ベスト10に入る人気です。グループを解散して36年も経っているうえ、メンバー4人のうち2人もがもう他界しているのに、「ニューアルバムだって?」と疑問を思う人もいるかもしれません。 ビートルズについて言えば、未発表分も含めると膨大な音源が残されていて、既発表曲でも未発表テイクが多く、音の悪い海賊盤が氾濫していることでも知られています。ファンの一人としては、公式音源できちんとした未発表バージョンをリリースしてくれることを望んできました。 1995年には、80年に亡くなったジョンの未発表曲に残りの3人が演奏やコーラスで協力した「フリー・アズ・ア・バード」を、96年には同じ方法で「リアル・ラブ」という新曲を出してくれました(プロデューサーはジェフ・リン)。 その後、2003年にはデビュー後の長い間、彼らのプロデューサーをつとめたジョージ・マーチンの手によって、名アルバム「レット・イット・ビー」のオリジナル演奏の音源を使った「レット・イット・ビー・ネイキッド」が発表されたのは記憶に新しいところです。 以来、3年ぶりとなるこのアルバム「LOVE」は、なんと26曲入りというボリューム!。ことし80歳を迎えるジョージ・マーティンと、その息子のジャイル・マーティンが共同制作したものです。ただし、ニュー・アルバムと言っても、まったくの新曲があるわけではありません。 もともとこのアルバムの曲は、ラスベガスで行われた「シルク・ドゥ・ソレイユ」という劇団の音楽ショーのために、ビートルズの残した膨大な音源を使って制作され始めたのですが、ポールやリンゴの発案で最終的に一つのアルバムとして発表するようになったということです。 慣れ親しんだビートルズの複数の名曲が1曲にうまくリミックスされ、再アレンジされて、時にはまるで別の曲のように生まれ変わっています。一言で言えば、名曲の「音のコラージュ」という雰囲気。意外性の面白さと言ってもいいと思います。 ただ100点満点であえて点数を付けてば、結果的にあまり雰囲気が変わっていない曲も結構あるので、87点くらいでしょうか(第一印象では90点以上だったんだけど…)。ただ、もともとが素晴らしい名曲ばかりです。リミックスだという先入観抜きで初めてビートルズを聴く人には、きっと95点以上は付けられるアルバムだと思います。 結論として、ビートルズの音楽を知り尽くしたジョージ・マーチンにしても、名曲をいじって別の曲のように仕立て直すのは限界があったということでしょうね。さて、ヒマな僕が、じっくり聴いたうえで全26曲についてコメントすると――(ただし、僕は「ビートルズおたく」ではないので、間違いがあればどなたかご指摘ください)。 1.Because 「アビー・ロード」(1969)収録曲。完全なアカペラ・バージョンですが、曲自体の雰囲気はあまり変わりません。 2.Get Back~3.Grass Onion 言わずと知れた「レット・イット・ビー」(1970)の代表曲。冒頭に、「ア・ハードデイズ・ナイト」のイントロ、「ジ・エンド」のドラミングなどをうまくつなぎ合わせて、「ゲット・バック」の本編へ導入しています。曲中でも、「グラス・オニオン」「アイ・アム・ザ・ウオルラス」など計13曲の断片がうまくコラージュされているから、探してみるのも面白いです。 4.Eleanor Rigby~Julia 前者は「リボルバー」(1966)に収録。バックはストリングスをやや強調したアレンジ。でも、もともとストリングスが印象的な曲だったので、さほど新鮮さはありません。後者は「ホワイト・アルバム」(1968)でジョンがボーカルをとっている名曲ですが、これは短いインストルメンタルだけのバージョン。 5.I Am The Walrus 「マジカル・ミステリー・ツアーズ」(1967)に収録。前半はオリジナル・バージョンとあまり変わりませんが、後半はいろいろ細かい仕掛けも。 6.I Wanna Hold Your Hand 1963年,5枚目のシングル。冒頭と終わりの歓声のコラージュ以外、あまりオリジナルと変わりません。 7.Drive My Car ~ The Word ~ What You're Doing これのメドレーというか、3曲のコラージュはめちゃ良く出来ています。このアルバムの中でももっとも完成度は高いです。まるで新しい曲みたいです。 8.Gnik Nus 「アビー・ロード」収録の「サン・キング」を逆回転したら、こんなおもろい曲になりましたというのがミソ。タイトルはもちろん「Sun King」のつづりを逆にしたものです。 9.Something ~ Blue Jay Way 前者は言わずとしれたジョージの代表曲です。オリジナルはよく知っているから、耳を凝らしてよく聴いてみましたが、どこがオリジナルと変わってんのかよく分からなかったです。すみません。ひょっとして、後者の曲をラストにつなぎ合わせただけ? 10.Being For The Benefit Of Mr. Kite ~ I Want You ~ Helter Skelter 3曲のミックスですが、「ヘルター・スケルター」はあまり目立っていません。でも出来はなかなかいいです。3曲以外にも、いろいろ混じっています。 11.Help 1965年発表、5枚目の同名アルバムのタイトル・ナンバー。ほとんどオリジナル・バージョンに近いです。 12.Blackbird ~ Yesterday 前者の有名なギター・イントロに、名曲中の名曲の後者をつなげたものですが、ちょっと安易かなぁという印象です。これをコラージュというのはちょっと辛いかなぁ。 13.Strawberry Fields Forever これはまったく新バージョン。デモ・テープでの弾き語りを導入部分にし、他にもいろんなテイクをつなぎ合わせているようです。「イン・マイ・ライフ」のや「ピギース」、「ペニー・レイン」「ハロー・グッドバイ」など有名な曲の間奏や歌のさわりをうまく混ぜ込んでしていて、面白い。こんな遊び心が大好きです。完成度も高くて、技能賞ものかな。 14.Within You Without You ~ Tomorrrow Never Knows 前者はジョージのインド指向を映した代表曲(「サージェント・ペッパーズ」=1967=収録)。あまりいじりようがないのでしょうねぇ…。後者は、「リボルバー」のなかの実験曲。さてこのメドレーの試みは成功とみるかどうか。 15.Lucy In The Sky With Diamonds 「サージェント・ペッパー」収録の名曲。オリジナル。・バージョンとは別テイクを基にしたアレンジなのか、それともオリジナル・バージョンを少しいじっているのかはよく分かりません。若干、変わった雰囲気に仕上がっていますが、オリジナルの域は出ていません。 16.Octopus's Garden 「アビー・ロード」収録。リンゴがボーカルをとった曲。冒頭の伴奏は「ホワイト・アルバム」の「グッド・ナイト」を重ね合わせていますが、これがなかなかいいです。「イエロー・サブマリン」の断片もうまくコラージュされています。 17.Lady Madonna 1968年発表のシングル。僕も大好きな曲の一つです。面白いアレンジで仕上げています。「ヘイ・ブルドッグ」の伴奏とこれほどうまくかみ合うとは驚き! これは成功例だと思います。 18.Here Comes The Sun ~ The Inner Light 前者は「アビー・ロード」に収録されたジョージの代表曲。パーカッションに少しインド風の味付けがしてあるのは、ジョージへの敬意の表れでしょうか。後者は次曲へのつなぎのような位置付けです。 19.Come Together ~ Dear Prudence ~ Cry Baby Cry 1曲目は「アビー・ロード」収録で、言わずとしれたジョンの代表曲。意外なほどオリジナル・バージョンに近いです。どこがコラージュなの? と思ったら最後の方で、2曲目(「ホワイト・アルバム」収録)がからんできました。3曲目は次曲へのつなぎです。 20.Revolution 1968年、シングルで発表された「ヘイ・ジュード」のB面。ジョン主体の曲ですが、僕は結構この曲が好きです(現役時代、4人でバンド・スタイルできちんと演奏しているプロモーション・ビデオはこの曲くらいでしょうね)。ギターの音のひずみ具合がオリジナルと少し違うので、別テイクかもしれません。 21.Back In The USSR 「ホワイト・アルバム」の1曲目に収録されたビートルズの代表曲。これもあまりオリジナルとは変わっていません。さすがのマーチン親子もこれだけ曲数があると最後の方はお疲れで、少し手抜きしたのかなぁ…。 22.While My Guitar Gently Weeps これはまったく新しいバージョン。ジョージのアコースティック・デモ・バージョンに、新たにアレンジし、録音したストリングスを重ねています。原曲の良さは生かしつつ、うまく仕上げているけれど、まったく別の曲になったかと言えば、原曲のメロディーがあまりに素晴らしいので、その域は出ていません。 23.A Day In The Life 「サージェント・ペッパー」収録の名曲。オリジナル自体が、ジョンとポールがそれぞれに作った別の曲をジョージ・マーチンがうまくくっつけた曲です。もともとがかなり実験的なことをいろいろやっているので、それをまたコラージュするのは難しかったようで、アレンジも基本的にはオリジナルを踏襲しています。 24.Hey Jude 1968年発表のシングルで、ビートルズのシングルで最も売れた曲とか。これもほとんどオリジナル・バージョンです。各楽器パートの録音レベルは少し変えているようですが、あまり変わったという印象はありません。ラストで、ポールのベース・ソロを際立たせていますが、これがなかなかいいです。 25.St. Pepper's Lonely Hearts Club Band(Reprise) ヘイ・ジュードのラストがフェイド・アウトしていくのに重なって曲が始まりますが、曲自体は、これもオリジナル・バージョンに近いです。 26.All You Need Is Love ラストは1967年発表のシングル。オリジナルとは違うテイクで、ベースが冒頭から入っています。ラストもオリジナルとあまり変わり映えしなくてはファンに怒られると思ったのか、マーチン親子はこの曲では、「ペニー・レイン」他の名曲の断片をたくさんコラージュしています。曲の最後は、いつのまにか「グッド・ナイト」に曲が変わって終わります。・こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2006/12/06
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英国リバプール生まれのビートルズがアメリカへ進出し、飛ぶ鳥を落とす勢いでファンを獲得していった60年代半ばのこと。このままでは英国人に音楽チャートは占領されてしまうと、米国の音楽ビジネス業界が立ち上がった。 そして、ビートルズに対抗するポップロック・グループをオーディションで誕生させようと、1965年9月、応募してきた約400人の若者から4人が選ばれた。 デイビー・ジョーンズ(Davy Jones ヴォーカル)、マイク・ネスミス(Mike Nesmith ギター)、ピーター・トーク(Peter Tork ベース)、ミッキー・ドレンツ(Micky Dolenz ドラムス)という4人。 約1年間、歌や演奏、そして演技のトレーニングを積んだ後、66年10月、彼らはモンキーズ(Monkees=写真左。(C)公式HPから)という名前でデビューした。 デビュー・アルバムは「The Monkees」(写真右下)だったが、日本では収録曲の邦題タイトルから「恋の終列車(Last Train To Clarksville)」と名付けられた。 モンキーズはレコードとともに、自分たちの名を冠したテレビ番組「ザ・モンキーズ・ショー」もスタートさせた。コメディ仕立てのドラマと歌を交えた番組だったが、これは全米だけでなく、日本でも結構人気番組となった。 初期に彼らが出したシングルは、次々とヒットした。「恋の終列車」「モンキーズのテーマ(Theme from The Monkees)」「アイム・ア・ビリーバー(I'm a Believer)」「スター・コレクター(Star Collector)」「デイドリーム・ビリーバー(Daydream Believer)」「すてきなヴァレリ(Valleri)」…。 なかでも、1967年11月に発売された5枚目のシングル「デイドリーム・ビリーバー」(写真左)は、全米1位の大ヒット。世界で500万枚近いセールスを記録したというこの曲は、その親しみやすいメロディー、完成度の高さもあって、今ではモンキーズの代表曲というより、ポップスのスタンダード・ナンバーにもなっている。 モンキーズは日本にも68年秋にやって来てコンサートを開いたが、テレビで観た僕の印象は、演奏の実力も備えたビートルズとは違って、武道館という大きなキャパの会場では見劣りする稚拙な演奏だった。 その後、ある雑誌で読んだ暴露話によると、実は、ステージの裏で隠れてバックバンドが演奏していて、モンキーズ自体はほとんど演奏していなかったという(いわゆる「音パク」?)。真偽のほどは定かでないが、あの稚拙な演奏も本人たちじゃなかったとは…、日本のマーケットがなめられていたということか。 しかし、演奏技術はともかく、デイビーの歌は魅力的だったし、彼らに提供された楽曲は素晴らしいものが多かった(写真右=最近の4人。みんなええオッサンになってます。(C)公式HPから)。 ボビー・ハート、ニール・ダイヤモンド、キャロル・キングという当時、アメリカでも最高のソング・ライターたちが彼らのためにとっておきの曲を贈った。その名曲の数々は、今も色あせることはない。 モンキーズは、マイクやピーターが音楽性の違いなどを理由に次々と脱退し、1970年6月に正式に解散。グループとしてはわずか4年の短い活動だったが、8枚のアルバムと12枚のシングルを残した。 モンキーズを知らない人でも、「デイドリーム・ビリーバー」を知っている人は多い。「デイドリーム…」は、僕も大好きな曲の一つで、Bar 「M」でもよく弾き語りで唄う。 1980年代には、コダックのCMで「デイドリーム…」が使われたこともあって、再びリバイバル・ブームが起こった。昔のレコードもCDで再発されるようにもなった(写真左=ベスト盤は何種類か出ているが、これもその一枚)。 メンバーたちは80~90年代、グラミー賞やアメリカン・ミュージック・アウォードなどに久しぶりに登場し、ライブ・パフォーマンスを何度か見せてくれたこともあった(一度だけは、マイクも含めて4人で出てきた)。 マイクを除く3人は、その後何度か再結成をくり返し(最近では2001年に)、コンサートも開いているが、最近の音沙汰はあまり聞かない。おそらくは全員、60歳前後だろうが、どうしているんだろうか。 短命だった音楽活動には、人為的に作り出されたグループの悲哀も感じる。だが、娯楽性と完成度の高さを兼ね備えた、親しみやすい曲を数々送り出し、ポップ・ミュージック・ファンの裾野を広げたという意味で、モンキーズの功績は大きいと、僕は思っている。【追記】(2020年5月)4人のメンバーのうち、デイビー・ジョーンズは2012年2月(67歳)に、ピーター・トークは2019年2月(77歳)にそれぞれ死去。現在ではマイクとミッキーのみ健在ですが、公の場にはほとんど姿を見せていません。こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2006/11/09
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ジャズのヴォーカル・アルバムでは聴くのは女性歌手が多くて、男性歌手のアルバムはわずかしか持っていない。別に男性を毛嫌いしているわけじゃないんだけど、ジャズの歌ものは、なぜか女声の方がしっとりくる。 そんな男性ジャズ・ヴォーカルだが、トニー・ベネット(Tony Bennett)だけは別格で、アルバムをいくつか持っていて、比較的よく聴く。 ベネットはあまり奇をてらった歌い方をしない。原曲のメロディーを大切にしながら歌う、正統派のジャズ歌手と言ってもいいだろう。 だから、安心して聴ける彼のアルバムは、ジャズ・ヴォーカルの入門アルバムとしてはぴったりかもしれない。 1926年8月、米国ニューヨーク生まれというから、ことし80歳。10歳の時からステージに立っていたというから、音楽生活はなんと70年! 「霧のサンフランシスコ」(写真右下=同名のタイトルのアルバム)という大ヒット曲の生みの親。そして、80歳にしてなお精力的な音楽活動を続ける偉大なエンターテイナー。その彼が、超豪華なデュエット・アルバムをつくってくれました。 10月24日に発売されたばかりの国内盤(タイトルもそのものずばり「Duets:An American Classic」)=写真左上=を、早速買い求めました(輸入盤には歌詞が付いていません。だから買うなら絶対国内盤!)。 この「Duets」、1曲を除いてすべてデュエット。とにかく共演しているアーチストの顔ぶれが凄い! 長いキャリアもあって、他のアーチストから尊敬されているベネットだからこそ実現できたアルバムだろう。 ポール・マッカートニー、バーブラ・ストライサンド、ジェームス・テイラー、エルトン・ジョン、ビリー・ジョエル、セリーヌ・ディオン、ダイアナ・クラール、スティービー・ワンダー、エルビス・コステロ、スティング、ボノ、ジョージ・マイケル…と、まだまだいるんだけど書ききれないので、あとはCDを見てください。 曲は、ベネットが長年歌ってきた美しいスタンダードからの選曲だから、文句なし。唯一、スティービー・ワンダーとは、スティービーの曲「For Once In My Life」を歌っているけれど、これがまためちゃいい感じに仕上がっている。 ベネットは全編とてもリラックスした感じで歌っている。歌の合間には、共演者にジョークを飛ばしたりと実に楽しそうな録音。その雰囲気がまたいい(円熟っていうのはこういうのを言うんだろうなぁ…)。 しかも20曲も(輸入盤は19曲)入っていて、定価は2520円だから、凄いお買い得感! ジャズ好きな方はもちろん、日頃ジャズを聴かない方でも、きっとお気に入りの1枚になること保証します。 最後に一つ。ベネットと言えば、以前にブログのトップ・ページで紹介したビル・エバンスとのヴォーカル・アルバム「The Tony Bennett/Bill Evans Album」(写真左)も不朽の名盤。名曲「My Foolish Heart」をこれほど美しく歌い上げた歌手を、僕は他には知らない。まだ聴いていない方はぜひこちらもどうぞ! 80歳にしてなお輝き続けるトニー・ベネット。何歳になっても音楽への情熱を失わず、新しい挑戦をする。僕も、彼みたいなおじいちゃんになりたいなぁ。こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2006/10/28
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好きなジャズの曲の「ベスト30」には、必ず入るであろう名曲の一つに、「Misty(ミスティ)」がある。「Look at me…」という歌い出しで始まる美しいスロー・バラード。 この曲を演奏し、歌わないジャズ・ミュージシャンはまずないというほどの有名な歌であり、今ではジャズ・スタンダード曲の定番中の定番(写真左=「Misty」の初演が収められたアルバム「Plays Misty」)。 そして、この曲をつくったエロル・ガーナー(Erroll Garner)というジャズ・ピアニストは、大げさな言い方をすれば、この1曲だけでジャズの歴史に名を残すことになった。 1921年6月ペンシルベニア州ピッツバーグ生まれ。1954年、ガーナー33歳。レコーディングのため、ニューヨークからシカゴに向かう飛行機の機内、ガーナーは窓の外に見える虹にインスピレーションを得て、あるメロディが浮かんだという。それが「Misty」だった。 ただ、これも有名な話なのだが、正式な音楽教育を受けたことのないガーナーは楽譜の読み書きがほとんどできなかった(もっとも60年代以前に登場した黒人ジャズ・ピアニストには、貧しさが故に、音楽教育を受けられず、ほとんど独学でピアノを習得した人が少なくない)。 ガーナーは機内で浮かんだメロディーを必死で覚えて、シカゴで泊まったホテルのピアノで早速完成させたという。そして、よほど気に入ったのだろう。その「Misty」はアルバムの1曲目に選ばれ、タイトルも「Plays Misty」となった(写真右=実物のガーナーは結構男前です)。 発売されアルバムと名曲「Misty」は評判を呼び、翌年には早速、ジョニー・バークという人が詞を付け、59年にはジョニー・マティスが歌って大ヒット。ガーナーの名も広く知られることになった。 ほとんど独学でピアノを習得したガーナーの弾き方は独特。左手のバッキングに、少しタイミングをずらしたように入る右手のソロ(「ビハインド・ザ・ビート」というそうだが…)(写真左=1955年発表の「Concert By The Sea」も名盤として知られてます)。 もたもたした演奏という印象を持つ人もいるが、これはガーナーならではのスイング感とも言える。素朴で枯れたようなタッチとノリの良さは、他のどんなピアニストにも出せない味わいだ。 ガーナーは77年、56歳で死去した。僕がジャズを聴き始めるようになる直前だったので、彼の名前を知ったのも、その後随分たって後。「Misty」初演の入ったアルバムを聴いたのも、恥ずかしながら90年代に入ってからだ。 「Misty」はしばしばソロで弾く、大好きな1曲だ。ヴォーカルの人や、トランペットの人と一緒に演奏したこともある。もちろんガーナーの味わいにはとても及ばないけれど、いつか、少しでもガーナーっぽい「Misty」が弾けたらと願っている。こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2006/10/13
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ビートルズやストーンズのように超ビッグなアーチストにはならなかったけれど、たった1曲でロック・ファンの心をつかみ、音楽の歴史に名を残した人たちがいる。 例えば、ギルバート・オサリバンなら「アローン・アゲイン」、ニルソンなら「ウイズアウト・ユー」(元はと言えば「バッド・フィンガー」の曲のカバーだったのだけれど)、レオン・ラッセルなら「ソング・フォー・ユー」というように。 だが、上に挙げたようなアーチストが単なる「一発屋」とは違うのは、他にもスマッシュ・ヒットはいくつか放っているし、ロックの世界で、自分たちの音楽ジャンル(存在感)をしっかり確立したこと。 そんなアーチストの一人に、僕も好きなアル・クーパー(Al Kooper)がいる。アル・クーパーの代表曲と言えば、「アイ・スタンド・アローン(I Stand Alone)」(写真左上=「I Stand Alone」収録の同名のアルバム=1969年発表)を挙げるファンが多いかもしれないが、僕にとっては、「ジョリー(Jolie)」(1972年発表。写真右=「ジョリー」収録のアルバム「赤心の歌(Naked Songs)」)がそれである。 「ジョリー」は3年ほど前、ソニーのデジカメ(サイバーショット)のCMで使われ、結構話題になったので、曲を聴けばきっと知っている人は多いと思う。とても甘く、美しいアップテンポのラブ・ソング。80年代、車の中でこの曲ばかり聴いていた時期もあった。皆さんにもぜひ聴いてほしい素晴らしい名曲だ。 アル・クーパーは1944年2月、ニューヨーク生まれ。作曲家にしてミュージシャン、プロデューサー。小さい頃からピアノを習い、その後ギターも習得。10代後半には早くも、キーボード&ギター・プレーヤーとして注目を浴びるようになった。 アルの存在をなんと言っても有名にしたのは、あのボブ・ディランの不朽の名曲「ライク・ア・ローリング・ストーン」のバックで弾いた印象的なハモンド・オルガンの演奏。「ライク・ア・…」のバックにあのオルガンの音がなかったら、あれほど大ヒットしただろうかとまで、僕は思う。 スタジオ・ミュージシャンとして、ライブでのセッション・ミュージシャンとして知られるようになったアルは、その後はマイク・ブルームフィールド、ジミ・ヘンドリックス、ストーンズら様々なアーチストとも共演を重ねる(写真右=ブルームフィールド、スティーブン・スティルスとのセッションをおさめた名盤「Super Session」=1968年発表)。 そして1968年、アルは、「ブラッド・スウェット&ティアーズ」という歴史に残るブラス・ロックのバンドの結成に参加し、デビュー・アルバム(写真左上)でも重要な役割を果たす。しかし、アルはこの1枚のアルバムでグループを脱退。また長い音楽遍歴の旅に出る。 70年代に入って、アトランタで「サウンド・オブ・サウス」というレコード会社を設立したアルは、その後、「レーナード・スキナード」というサザン・ロックのバンドをデビューさせたりしたが、80~90年代は目立った音楽活動は聞こえてこなかった(写真左=これもロック史に残る名盤の一つ「フィルモアの奇蹟」=1969年)。 アルは、大都会の陰影とか寂寥感を表現する音づくりがとても得意だ。ジャンル的にはロックに分類されているが、(聴けばよく分かると思うけれど)その独特のサウンドのなかには、ブルースやソウル、ジャズ、クラシックなどさまざまな音楽のエッセンスが溶け合っている。 好きな1曲なら必ずと言っていいほど、マイ・ピアノBar「M」で一度は弾き語ってみる僕だが、アルの曲はなかなか手強い。「ジョリー」はメジャー・コードの曲なのだが、確か歌い出しが4度のコードから始まる複雑なコード進行。ピアノ一本の伴奏だと、盛り上げるのが結構難しい。だから一度だけ歌って、今のところお蔵入り。 不思議なことに、半世紀近い音楽キャリアを持つアルは、なぜか一度も日本の土を踏んでいなかった(日本にもたくさんのファンがいるというのに…)。そのアルが03年、初めて来日し4カ所でコンサート(小さいクラブやホールだったが)を開いた(写真右=アル・クーパーをとりあえず知るにはこのベスト盤「Al's Big Deal」=1975年発表=がおすすめ。「Jolie」ももちろん収録!)。 僕は残念ながら行く機会を逃したが、おそらく往年の名曲の数々を初めて日本のファンの前で披露したのだろう。どなたかご覧になった方がいればどんな曲を歌ったのかなど聴いてみたいのだけれど…(ライブ映像がDVD化されないかなぁ…)。 アルは昨年には30年ぶりのソロ・アルバム「ブラック・コーヒー(Black Coffee)」(写真左)をリリースした。今年御歳、62歳になるが、音楽への情熱はまだまだ衰えていないようで、嬉しい。こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】 ************************************************************************【追記】昔(10数年前)弾いてみてあまり上手くいかなかった「Jolie」の弾き語りに、先日、マイ・ホームグラウンド・ピアノBar「M」で再度挑戦しました。すると、今回はなかなかうまくいきました。アップテンポにもうまく乗れたような感じ。歳月を経てピアノの技量が上がったのか? それとも、英語の歌の歌い方のコツをつかんだのか? キーはオリジナルと同じGmで歌いましたが、ちょっと高い感じだったのでFmかF#mに下げるかどうか、迷っているところです。さらに練習を重ねて完成させたい曲の一つです。
2006/09/21
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8月9日の日記で書いた米国の偉大なジャズ・ピアニスト、デューク・ジョーダン氏(写真)が、なんと8月8日にデンマークのコペンハーゲン(ジョーダン氏は1978年以来コペンハーゲン在住)で亡くなっていたという事実を知りました。享年84歳。死因は分かりません。 ブログの友人B・Gさんが、別のブログからの情報として、取り急ぎ教えてくれました。日本の一般紙はまだキャッチしていないのか、きょう(8月13日)現在、私の知る限りまだどこも報じていないようです(その後、A紙の14日付夕刊に死去の知らせが載りました。Y紙は15日の朝刊で報じました)。 しかし、ジョーダンの死を伝える海外の報道(HPなど)を読む限り、間違いないようです。デンマークの米国大使館も確認しているとか…。GoogleやYahooで、「Duke Jordan」「Died」と入れて検索すれば、さらに多くの情報に接することができます。 9日の日記でジョーダン氏のことを取り上げたのはまったくの偶然ですが、今となってみれば「虫の知らせ」と言うか、とても不思議な気がしてなりません。こんなことって、あるんですね…。 敬愛するジョーダン氏の訃報に、ただただショックで、僕は言葉もありません。元気だと聞いていたので、またもう一度日本にやってきてライブをしてくれると信じていたのですが、その夢はもう叶わなくなってしまいました。 今はただ、ジャズの歴史に残る偉大なピアニストをしのぶとともに、きょうは「Flight To Demmark」を聴きながら、冥福をお祈りしたいと思います。合掌。こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2006/08/13
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ジャズを聴き始めた頃、ビル・エヴァンス、オスカー・ピーターソンと並んで、針が擦りきれるくらいよく聴いたピアニストのレコードがある。とくに、深夜に聴くのが好きだった。A面からB面、終わればまたひっくり返し、A面に戻るということを何度も繰り返した。 その人の名は、デューク・ジョーダン(Duke Jordan)。そして、アルバムのタイトルは「フライト・トゥ・デンマーク(Flight To Denmark)」(1973年発表=写真左)と言った。 このレコード、誰が私に教えてくれたかは忘れた。しかし、初めて聴いた時の感激は今も忘れられない。テクニックを駆使するタイプでもない。一音、一音がゆったりと心に沁み入るという感じ。聴き終わった後も、心地よい余韻がしばらく漂う。 デューク・ジョーダンは、1922年米ニューヨーク生まれ。高校生の頃からバンドを組み、高卒後、すぐプロとして活動を始めた。そして、1946年、弱冠24歳の時に、あのチャーリー・パーカーのグループに参加。その後自らのトリオで1955年、初のアルバム「Trio And Quintet」(写真右)を発売する。 その後50年代末、ジョーダンは米国を離れ、フランスへ向かう。故郷を離れた理由は定かでない。新たな音楽スタイルを欧州に求めたと説や、米国内の人種偏見に嫌気をさしたという説もあるが、いずれにしろ、ジョーダンが渡欧しなければ生まれなかったアルバムが「フライト・トゥ・デンマーク」である。 マッツ・ヴィンディング(ベース)、エド・シグペン(ドラムス)という最高のメンバーにサポートされた、ジョーダンはこのアルバムで、哀調を帯びた、実に味わい深い曲を次々と聴かせてくれる。名曲「No Problem(邦題「危険な関係のブルース」)をはじめ、「Glad I Met Pat」「How Deep Is Ocean」のほか、「Green Dolphin Street」などスタンダードの名曲も織り交ぜて。 ジョーダンは1970~80年代、たびたび来日し、コンサートを開いた。当時地方都市で仕事をしていた僕は、残念ながら生演奏に接することはできなかったが、先日ブログの友人、B・Gさんから、「88年頃、徳島のライブハウスで演奏をした」という凄い話を聞いて驚いた(地方都市も結構まめにまわってくれてたんだ!)。 しかも、この時のジョーダンは凄く機嫌が良くて、なんと自ら歌まで歌ったとか。ジョーダンの歌なんて、ほとんど誰も聴いたことはないだろう。小さなライブハウスならではの幸運。その場にいなかった僕は、ただただ悔しい(写真左=1960年発表のアルバム「Flight To Jordan」も名盤です)。 「エヴァンスやキースが目標」の素人ピアノ弾きとしては、ジョーダンは少し理想のスタイルとは違うが、それでも、美しいメロディーを紡ぎ出す技はとても参考になる。唯一、演奏する曲はあの「No Problem」だが、シンプルがゆえに、歌うように、リズムに乗って弾くのは結構難しい曲だ(写真右=1983年発表のアルバム「Plays Standards」)。夢は「Glad I Met Pat」のような素敵なワルツを弾きこなすこと。 今年84歳になるジョーダンだが、これまでに生み出したアルバムはそう多くない。おそらく20枚もないだろう。それでも、「Flight To Denmark」を生みだしたことで、ジョーダンはピアニストとして、そして作曲家としても、永遠に輝き続ける。 ジョーダンは今も一応、現役ピアニストとして、欧州を中心に演奏活動を続けているという。往年の輝きはもうないかもしれないが、機会があれば、あの歌心あふれる、枯れたピアノタッチに触れてみたいという気持ちは今も募っている。【追記】デューク・ジョーダン氏はこの日記をつづっていた日(欧州の現地時間では8月8日)、デンマーク・コペンハーゲン郊外の自宅で亡くなられました。享年84歳。なんという偶然にただ驚くばかりです。心からご冥福をお祈りいたします。8月13日の日記で続報を記しています。 ※CD画像はTower Record HPから引用・転載しました。感謝いたします。こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2006/08/09
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70年代初め、日本に米ウエストコースト・ロックを伝えた「アサイラム」というレコード会社があった(今も存続しているのかな?)。ジャクソン・ブラウン、イーグルスらアサイラムが紹介したアーチストで、その後ビッグになった人(人たち)は多い。 そのアサイラムが同じころ売り出したアーチストにトム・ウェイツ(Tom Waits)という男がいた。ギターも弾くが、主にピアノで弾き語るシンガー・ソングライター。だが、日本で彼の歌を聴くには輸入盤を手に入れるしかなかった。 輸入盤と言っても、今と違って2700円~3000円くらいした時代。しかも試聴を簡単にさせてくれる輸入レコード店などなかった。アーチストについての情報は、洋楽に詳しい友人か、レコード店の店長から得るしかなかった。 僕はある友人から「一度聴いてみろよ。面白いから」と教えられ、彼のデビュー・アルバム「クロージング・タイム」(写真左上)を輸入盤で買い求めた(国内盤はまだ発売されていなかった)。 第一印象は、「何だこのしわがれ声は…」というもの。でも、メロディーは素朴で心地よく、歌い方も郷愁を感じる、とてもいい味わい。とくに1曲目の「OL’55」が素晴らしかった。一目惚れという感じで、セカンド・アルバムの「土曜日の夜」(The Heart Of Saturday Night)=写真右=も買い求めた。 ちょうどその頃、75年か76年だったかと記憶しているが、トムが来日した。大阪・厚生年金会館でコンサートをするというので僕は駆けつけた(ただし、大ホールではなく中ホールだったが…)。 ステージ中央にグランドピアノが1台置かれ、記憶では、バック・バンドはウッド・ベースとドラムスの2人だけというシンプルな音づくり。バックはいたけれど、ほとんどはトム一人の弾き語りだったように思う。でも、心地よくて、味わいのある、いいコンサートだった。 トムはMCもほとんどなく、淡々と歌い続けていく。ヘビー・スモーカーのトムはステージ上でも煙草をプカプカ(今なら問題になるだろう)。トムはもちろん「OL’55」も披露してくれた。興に乗って、一人社交ダンスなんて芸も披露していたなぁ…。 しかし、4枚目のアルバム「スモール・チェインジ(Small Change)」から、トムの音楽性は変化し始める。音づくりや歌い方はジャズっぽくなり、声自体の「しわがれ度」もさらにアップしていった(90年代以降にトムを聴き始めた人が、デビュー盤を聴いたら、同一人物とは思えないくらい驚くだろう)。 さすが、僕はこのトムの変化にはついていけず、その後のトムのアルバムを長い間買うことはなかった。久々に買ったのは、今回、トムのことをブログで触れようと思って、参考に買い求めた初期の頃が中心のベスト・アルバム「USED SONGS:ザ・ベスト・オブ・1973-1980」(写真左)。 久々に聴いたトムだけれど、やはり僕の気持ちは変わらなかった。僕にとっては、「クロージング・タイム」と「土曜日の夜」のトムが、僕にとって一番輝いていたトムだった。 名曲「OL’55」は今もトムの代表曲で、ポップスのスタンダードにもなっている(イーグルスもカバーしている)。僕も弾き語りのレパートリーに入れていて、時々歌う。何度歌ってもいい曲だ。 トムはその後もアルバムを出し続けているようで、2004年にも「Real Gone」というファンクぽいアルバム(写真右)も出した。熱烈な固定ファンは今でもいるようだが、僕にとっては、4枚目以降のトムは別人のようにも見える。 トムはもう25年くらい来日していない。米国内でも、公の場での音楽活動はほとんどしていないという。今年12月で57歳になるトム。ネットでのトムのファンサイトでは「再来日要請署名」なんて活動も行われている。でも、僕はもうトムのライブには行かないだろう。僕にとってのトムはもう「クロージング・タイム」がすべてだから。こちらもクリックして見てねー!→【人気ブログランキング】
2006/07/25
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エブリシング・バット・ザ・ガール(Everything But The Girl、以下「EBTG」と略す)。トレーシー・ソーンとベン・ワット、1984年にデビューした英国の夫婦デュオ。 CDショップでは一応、ロックに分類されているEBTGだが、その音づくりは特定のジャンルに収まらず、ジャズやフォーク、ポップス、ボサノバなど、様々な香りをミックスしたような、不思議なサウンド。 アコースティックな雰囲気とエレクトリックな味わいをうまく融合させた演奏は、とても洗練されていて、かつシンプル。そんな演奏に乗ったトレーシーのアンニュイな歌が、少しけだるい雰囲気もあって、心地よい。 何がきっかけで、このEBTGを聴き始めたのかはよく覚えていない。たぶん、FMでかかっていたのを聴いて、すぐにCDショップに走ったのだと思う。それくらい、僕にとっては心惹かれるサウンドだった。 最初に買ったのは、88年発表の「アイドルワイルド(Idle Wild)」(写真左上)。様々なワールド・ミュージックの香りをにじませながら、シンプルな音にこだわったアルバムは、それまでのどのグループにもないものだった。 休日の昼間、何にもせずにただゆっくり、のんびりと過ごしたい時や、メランコリックな気分に浸りたい時などに、まさにぴったりの音楽。「ヒーリング・ミュージック」なんて言い方を最近はするけれど、EBTGはその先駆けだったような気もする。 次に買った90年発表の「ランゲージ・オブ・ライフ(The Language Of Life)」(写真右上)は、EBTG初めての米国録音なのだが、まさに珠玉の曲ぞろい。僕はひと頃、毎晩のように繰り返し繰り返し、連れ合いから「よく飽きないわねぇ」と言われるほど、このアルバムを聴いていた。 駄作が1曲もないというアルバムって、滅多にないものだが、これはロック史上でも、そんな1枚だろう(クロスオーバーな音づくりが売りのEBTGを、ロックというジャンルに含めるのは若干抵抗あるが…)。(写真左=93年発売のベスト・アルバム「Home Movies」) 曲も演奏もいいが、バック・ミュージシャンが凄い。スタン・ゲッツ(テナー・サックス)、マイケル・ブレッカー(同)、ジョー・サンプル(キーボード)、オマー・ハキム(ドラムス)、ジョン・パティトゥッチ(ベース)等々、そうそうたるメンバー。 ETBGはその後のキャリアで計15枚のアルバムを発表。個人的には復活を信じて、何度もアルバムを聴き続けた。だが、やはりこの「ランゲージ…」の大ヒットがかえって重圧になったのか、残念ながら、「ランゲージ…」を超えるアルバムは生み出せなかったと思う。 個人的には、92年の来日公演を見られなかったのをとても後悔している。トレーシーのヴォーカルとベンのアコースティック・ギターに、ベース、サックス、キーボード、ドラムスの計4人のバックバンドだけというシンプルだけれど、素晴らしいコンサートだったという。 90年代前半はおそらく、EBTGが一番乗っていた時期だったろう。返すがえすも、見逃したのが残念でならない。最近は、ベスト盤やリミックス盤「Adopt Or Die」(写真右)=05年発売=を出したくらいで、オリジナル・アルバムは96年以来、もう10年も音沙汰がない。 トレーシー、ベンはともに1962年生まれの44歳。引退するような歳でもないし、音楽活動をやめたという話も聞かないけれど、どうしてしまったのかなぁ…?こちらもぜひ見てねー!→【人気ブログランキング】
2006/06/17
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いささか旧聞になって恐縮だが、やはり書いておかなければならない。今月6日、米アリゾナ州フェニックスで、一人のミュージシャンが亡くなった。 ビートルズやローリング・ストーンズらと共演し、様々なジャンルで数多くのヒット曲を生んだキーボード奏者、ビリー・プレストン<Billy Preston>(写真左)。まだ59歳の若さだった。ビリーは、慢性的な腎不全を患い、2002年に腎臓移植手術を受けたが、その後に再び腎機能が低下して、人工透析を続けていたという。 1946年、テキサス州ヒューストン生まれ。10代の頃からゴスペル音楽活動を始め、その後R&Bやソウルの分野でも活躍するようになり、1960年代初めにはレイ・チャールズやリトル・リチャードなどと共演した。 ビートルズとの出会いは、60年代後半。ビートルズのジョージ・ハリスンがビリーのコンサートを観たのがきっかけ。ジョージから誘いを受けたビリーは、アルバム「レット・イット・ビー」の録音にキーボード奏者として参加し、あのアップル・ビル屋上のコンサートにも出演。「5人目のビートルズ」とも呼ばれた。 その後、アップル・レコードから2枚のアルバムと4枚のシングルを発表し、ソロ活動では「神の掟(That’s the way God planned it)」などのヒット曲を出したほか、ローリング・ストーンズのアルバム「スティッキー・フィンガーズ」(1971)の録音にも参加した。 1971年にはA&Mへ移籍。72年に発表された「アウタ・スペース」は全米2位まで上がる大ヒットを記録した。この曲でグラミー賞の「ベスト・ポップ・インストゥルメンタル」を受賞した(写真右=アルバム「神の掟」は、ビートルズのつくったアップル・レコードから発売された)。 僕がビリーの存在を知ったのは、やはり、「レット・イット・ビー」が最初だった。あのフェンダー・ローズの音なくして、名曲「レット・イット・ビー」や「ゲットバック」は気の抜けたビールのような演奏になっていただろう。 ビリーとビートルズ・メンバーとの交友は、解散後も長く続いた。大きなイベントがあるたびにビリーは律儀にバックをつとめ、2002年11月に開かれたジョージの追悼コンサートでも舞台に上がり、元気な姿を見せていた(写真左=2005年10月に撮影されたビリーとリンゴ・スター)。 僕は残念ながら、生のビリー・プレストンの演奏を観たことはない。でも、ビリーの姿やその気さくで明るいキャラクターは、映画やテレビで焼き付いている。ジョージが亡くなり、ビリーが逝き、一つの時代が終わったような気もする。 ミック・ジャガーは「ビリーは才能にあふれた、すばらしいミュージシャンだった。レコーディングでもステージでも、見事な演奏だった。彼がいなくなって、本当に寂しい」と、その死を悼んだという。私もまったく同じ気持ちだ。今はただ、心から冥福を祈りたい。こちらもぜひ見てねー!→【人気ブログランキング】
2006/06/13
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この人をジャズ・ピアニストと呼んでいいのかどうか迷う。ジャズだけにとどまらず、ロック、ブルース、ヒップホップ、R&B、ファンク…。デビュー以来、半世紀近く経ってもなお、さまざまな分野との垣根を超えた演奏活動を精力的に続ける。 ハービー・ハンコック(Herbie Hancock)。米イリノイ州シカゴ出身。1940年4月12日生まれだから、先日ちょうど64歳になったばかり。同じピアニストでは、チック・コリアとほぼ同世代で、キース・ジャレットよりは少し年上にあたる。 ハービーは小さいころから天才と言われた。7歳でピアノを始め、11歳で地元の交響楽団と共演するなど注目されてきた。その後、10代で音楽と電子工学で修士号を取得したという彼は、10代後半からジャズ・クラブなどで演奏を始め、1963年、21歳のとき、いまも名盤の誉れ高い「Takin’ off」(写真左)で名門ブルーノート・レーベルからデビューした。 このデビュー・アルバムに収められた「ウォーターメロン・マン」は大ヒットして、ハービーの名前は一躍全米で知られるようになり、マイルス・デイビスのバンドにも抜擢される(余談だけれど、「ウォーターメロン・マン」は、後年サントリーのウイスキーのテレビCMでも使われ、注目を浴びた。ハービー本人も確か出演していたと記憶している)。 ハービーは、その後も「処女航海(Maiden Voyage)」(65年)=写真右、「スピーク・ライク・ア・チャイルド(Speak like a child)」(68年)=写真左=などの名盤を生み出す。 前者は、海をテーマに、壮大かつ神秘的な音づくりに挑んだコンセプト・アルバム。奥行きがあって、クールなジャズは、時代を先取りしていた。後者は、ピアノ・トリオに加えて、ホーン・セクションを配し、子どものピュアな世界を表現した名盤。ロマンチックなジャケット写真の素晴らしさは、ジャズの名盤の中でも群を抜く。 1973年、ハービーは突然、ジャズ・フュージョンという分野に新境地を切り開き、問題作「ヘッド・ハンターズ」を世に問う。この頃からハービーは、電気的な音づくりに傾倒し始める。10年後の83年には、名曲「ロック・イット」を収めたアルバム「フューチャー・ショック」(写真右)を発表する。 モダンジャズの枠から大きく飛び出したハービー。そんな姿に失望したファンは離れていったかもしれないが、ハービーはそんなことにはお構いなしで、以降も、ジャズとそれ以外の分野の音楽との間を行ったり来たりする。行き来するというより、「異分野の融合」に、休みなく挑み続けたと言った方がいいかもしれない。 それでも、ハービーがスタンダード・ジャズを忘れたわけではない。95年には、スタンダードやイーグルス、サイモン&ガーファンクルの名曲を取り上げたアルバム「ニュー・スタンダード(New Standards)」写真左)を、98年にはジョージ・ガーシュインの名曲ばかりを集めた「ガーシュインズ・ワールド」を立て続けに発表。それまでハービーをあまり知らなかった新たなファンを開拓した。 ちなみに、僕がたまにピアノで挑戦するハービーの曲は「カンタロープ・アイランド」(「エンピリアン・アイルズ」というアルバムに収録のノリのいい名曲。)、そして、「処女航海」「ウォーターメロン・マン」くらい。ただしどれも難しくて、まだ未完成。そのうちに、どれか1曲くらいは完璧なものに仕上げたいのだけれど…。 60歳を過ぎても、ハービーの「進化」は止まらない。昨年発表した「ポシビリティーズ(Possibilities)」(写真右)は、スティングやポール・サイモン、クリスティーナ・アギレラら豪華なヴォーカリストたちと共演した、贅沢なコラボレーション・アルバム(ハービーを知らない人にもオススメです)。 どの曲でも、ハービーは実に伸び伸びと楽しそうに伴奏していて、一言で言えば「聴いていてとても気持ちのいい」アルバム。タイトル通り、ハービーの新たな「可能性」を実現した傑作と言っていいだろう。還暦を過ぎてもなお、新しい音づくりを追求し、変わり続けるハービーには目が離せない。人気ブログランキングへGO!→【人気ブログランキング】
2006/04/26
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大物ロック・ミュージシャンは、これまで結構取り上げてきたつもり。もちろん、世代的なこともあって、60-80年代にデビューしたミュージシャンが多かったが…。誰か抜け落ちていないかなぁと考えていたら、大事な伝説的な大物を忘れていた。 1941年5月24日(歳は違うが、なんと僕と1日違い!)、米ミネソタ州生まれ。本名ロバート・アレン・ジマーマン。 シンガー・ソングライターの草分けとも言える歌手。デビュー当時は、フォーク歌手と呼ばれた。しかし、彼のその後の軌跡は特定のジャンルの枠にとらわれない幅広いものだった(写真左=ディランのデビュー・アルバム=1962。名曲「時代は変わる(Times,they are chagin')」「When the ship comes in」が入っています) ボブ・ディラン。今年65歳にして、いまだ現役。40枚以上のアルバムをマイペースで出し続け、ライブ・ツアーも瀬力的にこなす。クラプトン、ストーンズ、ジョージ・ハリスン、ジャズのキース・ジャレット…とディランの曲を取り上げてきたミュージシャンは数え切れない。 ディランとの出会いは、ギターを弾き始めた小学6年の頃。僕はPPM(ピーター、ポール&マリー)の曲をよくギターでコピーして練習していた。そのなかでも好きな曲は、なぜかディランの曲が多かった。 「時代は変わる(Times, hey are changin')」「風に吹かれて(Blowin' the wind)」「くよくよするな(Don't thnk twice ,it's alright)」「When the ship comes in」。いずれも今やフォークのスタンダードにもなっている、素敵な名曲ばかり。 PPMは演奏していなかったが、その後、多くのミュージシャンがカバーした「Like A Rolling Stone」も大好き。とくにストーンズのアコースティック・バージョンは最高!(写真右=セカンド・アルバム「フリー・ホィーリン」=1963年発表。「風に吹かれて」「くよくよするな」を収録)。。 そんな曲を作詞、作曲したボブ・ディランという男はどういう人間なんだ? それが僕の出会いのきっかけだった。そして、ディランが当時出していたアルバムを聴き始める。はっきり言って、歌はうまくない。せっかくいい曲を書いているのに、わざと下手に歌っているんじゃないかという、ぶっきらぼうな歌い方。でも、曲はやはりいい。 その後、ディランはエレクトリック・ギターに持ち替えたり、レゲエやカントリー、ゴスペル、ブルースなどさまざまな音楽に傾倒し、実験的なアルバムを次々と発表し続けた。ザ・バンドやグレイトフルデッドらを従えてのツアーにも力を入れた(写真左=69年発表の「Nashville Skyline」。ジョニー・キャッシュとのデュエット「北国の少女」が秀逸! ジャケットで笑っているディランも珍しい)。 そうした姿勢に、フォーク歌手としてのディラン像を求めた初期のファンは離れていったが、また新しいファンも生まれた。80年代以降のディランの音楽活動は少し停滞気味になるが、それはディランが商業音楽でもはややるべきことを見い出しにくくなった結果かもしれない(写真右=70年発表の「Self Portrait」。このアルバムに収録の「マリーへのメッセージ」は最高です)。 85年のあの「ライブ・エイド」では、キース・リチャーズ、ロン・ウッドを従えてのトリオで、トリをつとめた。88年には、ジョージ・ハリスン、ジェフ・リン、トム・ペティ、ロイ・オービソンらと「トラベリング・ウェルベリーズ」を結成、話題を呼んだが、このバンドはオービソンの突然の死によって、1年足らずで自然消滅してしまう。 92年にはデビュー30周年記念のコンサートをマジソンスクエア・ガーデンで開く。ディランを慕う数多くのミュージシャンが集まった。このライブは、選曲も演奏も実にいい。DVDになって市販されているはずなので、ぜひ一度観て聴いてほしい(写真左=全米1位に輝いたアルバム「Planet Waves」=1974)。 その後のディランははっきり言って、音楽的にはぱっとしない。と言うよりそれをディランに求めるのは酷だろう。日本にも時たま来日し、コンサートをするが、客の入りはどうなんだろう。ぶっきらぼうで、なげやりな印象の強いディランだが、ライブでは結構、聴衆に話しかけたりする。でもボソボソとした英語だがら、聞く方はほとんど分からない。 ディランの曲はピアノ向きではないので、僕はBARではほとんど弾かない。それでも時々、お遊びであの超名曲「ライク・ア・ローリング・ストーン」や「時代は変わる」を弾き語ったりする(お客さんの反応はいまいちだけれど…)。ともに何度聴いてもいい曲だと思う(写真右=とりあえずディランを知りたいと思う方はこのベスト盤がオススメ。1と2があります)。 ここ数年のディランは、英米の大学から名誉博士号を授与されたり、詩人としての才能を評価されてノーベル文学賞の候補に名前があがったりと、その手の話題が多い。でも、音楽はやめた訳ではないディラン。音楽誌のインタビューでも、まだまだアルバムづくりは続けていくと語っている。 僕個人としてはまぁ、これからもマイペースでやって、適度に話題を提供してほしいと願っているが、音楽的にはもうさほど期待はしていない。と言うか、60―70年代のあの名曲を残しただけでも、ディランはもう十分に、音楽界に貢献したと思っているから。人気ブログランキングへGO!→【人気ブログランキング】
2006/04/14
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イタリアというのは不思議な国だ。誰にもつくれないようなスポーツ・カーや家具やファッションを創るセンスを持つ。料理もそのバラエティに富んだ独創性で、揺るがぬ人気を誇る。 お酒の世界ではワインのイメージが強いが、実は、イギリス以外では、世界有数のスコッチ・ウイスキーの消費量を誇る国。どんでもないモルト・コレクターもいる(例えば、あの自慢のコレクションを本にしてしまったザカッティのような…)。 そして音楽の世界では、カンツォーネやオペラだけでなく、意外なことにジャズを愛する人も多くて、優れたジャズ・プレーヤーも輩出している。そのなかでも、おそらくピアニストとして、いま最高峰にいる(と僕が思っている)のが、エンリコ・ピエラヌンティ(Enrico Pieranunzi)。 ピエラヌンティとの出逢いは、大阪・梅田のタワー・レコードの売り場。CDのそばに貼られていた紙(ポップ)に、「ビル・エバンスを思わせるリリシズム。とにかく素晴らしいバラードの名曲ぞろいです」と宣伝文句が書かれてあった。 騙されたと思ってもいいと、僕は早速そのアルバム「Special Encounter」(写真左=2005年発表)を買った。ピラヌンティ以外のメンバーは、エバンスとも一緒に演奏活動をしたことがあるポール・モチアン(ドラムス)に加えて、チャーリー・ヘイデン(ベース)。 真新しいレコードに針を最初に針を落とすときの興奮は、このCD時代には少ないが、1曲目を最初のフレーズを聴いた瞬間から、僕の心はもうその美しいメロディーに魂を奪われたようになった。 2曲目も、3曲目も、ほとんどの曲が素晴らしい、駄作がないアルバムというのはほんとに久しぶりだった。同時に、こんな素敵なピアニストを今まで知らなかった自分を恥じた(写真右=ピエラヌンティのもう一つの名盤「The Chant Of Time」=96年発表。同じ雰囲気のジャケットのアルバム「The Night Gone By」とともにオススメです)。 ピエラヌンティは1949年、ローマ生まれというから、今年57歳。プロデビューは1968年、19歳の時というが、注目され始めたのは80年代になってから。キャリアは結構長い、若干遅咲きのピアニストだけれど、イタリアではもうベテランの部類に入るのだろう(写真左=YAMAHAのシンセDX-7を駆使し、ジャズに挑んだ「Moon Pie」=87年発表=も話題に)。 ピエラヌンティの特徴は、やはり何と言ってもその耽美的な叙情性、そして流麗なピアノタッチ。しばしば「エバンス派」の1人と形容されるが、確かに、そのピアニズム(ヴォイシングやフレージンング等)には、エバンスの影響を色濃く感じられる(本人はそう言われるのを嫌がるかもしれないが…)。 そして、スタンダード曲はもちろん粋な解釈で聴かせてくれるのだが、オリジナル曲のメロディーがこれまたいい。耳に忘れられない美しいメロディーを創る才能は、これまたエバンスに匹敵すると言っていいだろう(ラテン系のイタリア人=陽気なノリという先入観を見事に裏切ってくれた)。 最近はもっぱら、このピエラヌンティにはまっている。静かな深夜、灯りを暗めにして、彼のアルバムを聴くときの心地よさと言ったら、例えようがない。エバンス的魅力を持ちつつ、現代的なセンス、軽やかさも持ち合わせるピニスト。貴方もこの至上の幸福感をぜひ体感してほしい。人気ブログランキングへGO!→【人気ブログランキング】
2006/03/30
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洋楽に本格的に親しみ始めたのは60年代末だった。その頃、ビートルズやローリング・ストーンズはすでにメジャーになっていたが、その陰に隠れて、あまり目立たない存在だったけれど、ビージーズ(写真左)も結構好きでよく聞いていた。 一発屋で終わるか、息の長いバンドになるか、それとも鳴かず飛ばずで終わるか、バンドの運命もいろいろだけれど、ビージーズほど、長いキャリアの中で、ピークを何度か繰り返したバンドも数少ないだろう。 バリー、ロビン、モーリスの3兄弟(弟のロビンとモーリスは双子=あまり似てないから二卵性かな)。60年代のデビュー当時はほかにもメンバーはいたみたいだけど、基本的にはこの3人がコアとなってバンドを維持し続けた。 僕が最初にビージーズを知ったのは、彼らの初期の大ヒット曲「マサチューセッツ」(1967年=写真右)。その魅力は一言で言って、ファルセットによるハーモニー。声質が似ているので、完璧なまでに美しい。 イギリス出身で、オーストラリアでバンド・デビューした彼らが、「なんでアメリカのマサチューセッツやねん」と幼な心にも妙な感じがしたが、曲は馴染みやすい素敵な曲で、全米でも大ヒットした。 その後、しばらくスマッシュ・ヒット止まりだった彼らだけれど、数年後に「小さな恋のメロディー」という映画の主題歌(71年=写真左)を提供し、これが大ヒットとなり、ビージーズ健在なりとアピールした。しかしながら、また「不遇の時代」がしばらく続き、次に彼らが注目を浴びるのは、70年代末になってから。 ディスコ・ブームをうまくとらえた77年の映画「サタディー・ナイト・フィーバー」(ジョン・トラボルタ主演)の音楽を全面的に担当したのがビージーズだった。この映画のサントラ盤(写真右)もミリオンセラーとなり、アルバムからは「恋のナイトフィーバー」「ジャイブ・トーキン」「愛はきらめきの中に」(写真左下)などが大ヒットした。 それまでビージーズを知らなかった若い世代の人気も得て、ビージーズは完全に復活した。この「サタディー…」は、それまでのビージーズ・ファンの一部には不評だったが、結果的にビージーズの幅広い音楽性を立証した形にもなった。いまだにビージーズと言えば、ディスコ・ミュージックを思っている世代も多いが、それもやむを得ないかも…。 その後のビージーズはさほど大きく注目されることはなかったが、それでも、アルバムは出し続けたし、ライブ活動にも力を注いだし、決して音楽の表舞台からからは引退することはなかった。グラミー賞授賞式などでのライブで時々登場する彼らを見て、ほんとに嬉しかった。 そんな僕に、ショッキングなニュースが2003年1月に飛び込んできた。弟のモーリスが腸閉塞のため、53歳の若さで急死したという。新聞でそのニュースを読んだ僕は、にわかには信じられなかった。 3人によるファルセット・トライアングルがもう見られないという事実は、「ビージーズの終わり」を意味する。そう思うと、心底悲しい気持ちになった(バリーは「ビージーズとしての活動はやめる」という発言をその後撤回したが、それでもモーリスが抜けたビージーズは、僕はビージーズとは思えない)。 ビージーズはその後、表だった音楽活動からは遠ざかる。しかし、モーリスの死という悲しみを乗り越えて、バリーやロビンもようやく本格的に音楽に取り組もうという気持ちに目覚めたようだ。今年2月には、米フロリダ州で糖尿病患者のためのチャリティ・コンサートに出演。近いうちにアルバムも製作すると語っていた。 ことし60歳のバリー、57歳のロビン。まだまだ老け込むには早い歳だろう(ミック・ジャガーだって、62歳でまだまだ現役だよ)。モーリスのためにも、ぜひもう一度歌ってほしい。人気ブログランキングへGO!→【人気ブログランキング】
2006/03/09
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久々にジャズの話題に戻る。ジャズ・ピアニストとしては、以前、ビル・エバンス、 キース・ジャレット、 オスカー・ピーターソンを取り上げた。この3人は今も僕の憧れの人であり、永遠の目標。 そして、エバンスやキースとくれば、次はやはりチック・コリア(写真左)を取り上げざるを得ない。1941年生まれのチックは、キース(1945年生まれ)やハービー・ハンコック(1940年生まれ)らとほぼ同世代。同じ頃デビューして、3人とも今日まで、第一線で精力的に活躍し続ける。 僕がチックを聴き始めたのは遅かった。初めて聴いたレコードは、ご多分に漏れず、名盤「リターン・トゥ・フォーエバー」(写真左中=1972発売)。それも、聴いたのは発売から数年経ってからだった。 「クロスオーバー」という言葉を生むきっかけとなったこのアルバムは、センセーションを巻き起こし、驚異的なセールスを記録した。その華麗な指さばき、斬新な音づかいは、今も新鮮だ。 出会いがこのアルバムだったから、ジャズと言うより、どちらかと言えば、フュージョンのキーボーディストのような印象が強かった。そして、ジャズに詳しい友人から、実はジャズ・ピアニストとしても凄い人なんだということを教わる。 彼から教えてもらい、当時聴いたアルバムは、例えば、「ナウ・ヒー・シングス、ナウ・ヒー・ソブズ」(写真右上=1968年)や「ピアノ・インプロヴァイゼーション」(1971年)、 「マッド・ハッター」(1978年)。「ナウ・ヒー…」はリーダー・アルバムとしては2枚目だが、実質的にチックの出世作と言っていいアルバム。今もジャズの名盤の1枚として、必ず名前が挙がる。 チックのピアニズムは素晴らしいし、有名なスタンダードを弾いても実に自由奔放。シンプルなように見せて、実は結構お遊びもする。原曲のフレーズはどこへいったのかと思うくらい、大胆なアレンジ。一時はフリー・ジャズにもはまっていた。 その後、チックは「エレクトリック・バンド」を結成し、ピアノよりもキーボードを弾くことの方が多くなった。時代の一歩先を行くようなサウンド、アレンジには、僕は正直言って、あまり付いていけなかった。 だがチックはやはり、ジャズ・ピアニスト。その後も、キーボードに戻りつつ、ピアノから完全に離れることはなかった。1989年発売の「スタンダーズ・アンド・モア」(写真右)で、アコースティック回帰したチックは、「自分の原点はアコースティック・ピアノだよ」と言うかのように、2000年にはソロでのスタンダード・アルバムもリリース。 チックの素晴らしさは、その音楽性の幅広さ。モーツアルトのコンチェルトを弾くかと思ったら、フュージョンやソウル、ロック分野のミュージシャンとの共演も欠かさない。昨年のグラミー賞授賞式のパフォーマンスでは、ラッパーのEMINEMと共演し、度肝を抜かせた。 チックはその自由奔放な演奏が故に、僕にはほとんど手が届かないピアニスト。エバンスや、キースの一部の曲は、まだ僕でも頑張れば手が届くものはある。しかし、チックの真似は無理だと僕はあきらめている(写真左下=2003年に発売されたチックの音楽活動40周年記念コンサートのライブCD。豪華ゲストとの共演が話題に)。 チックはことしで音楽活動45周年。誕生日(6月12日)が来れば65歳だが、願わくは、これからも素晴らしいフレーズを紡いでいってほしい。次回、ブルーノートのような小さなライブハウスにやってきたら、生チックを一度見て(聴いて)みたいとも思っている。人気ブログランキングへGO!→【人気ブログランキング】【追記】出張で2日ほど留守をします。コメントへのお返事は遅くなるかもしれませんが、お許しください。
2006/02/16
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