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昨日聴きに行った関西フィルの「悲愴」からいろいろと触発されるものがあった。「この部分はこんな感じだったよな」などと思い出しながら、スコアを眺めてみた。

私の場合、弦楽器を弾くこともあって、どうしても弦楽器の弾き方や音にどうしても注目してしまう。舞台横の席だと、どうしても弦楽器の音がダイレクトにきこえてきてしまうので、全体のブレンド具合を最高の条件で聴くというわけにはいかなかったが、今回はそれを逆手に取って「一緒に弾いているつもり」で聴いていた。

プロとアマチュアの演奏で最も違うと感じるのは、弱音が指定されている部分の処理だ。p（ピアノ）の指定があっても、旋律を担当する楽器の音質はとてもクリアだし、決して縮こまった音にはなっていない。それぞれのパートが役割をきっちり理解した上で演奏されていることがよくわかる。われわれがやっていてよくあるのは、「pって書いてあるから」といって、どうしても音が小さくなってしまうことだ（これは理解しているはずの自分でもたまにやってしまう）。弓を飛ばして弾く音も、絶妙のバランスだ。

もう一つ違うのは、1小節の拍が味気なく一定になってしまう（メトロノームにひたすら合わせたときのように）という場面がないことだ。それぞれの音の持つ役割に応じて自由自在の「ゆらぎ」が作り出されている。これは、その場面で必要なエネルギーに応じたもので、聴いている方としてもとても自然に感じる。作り手としては理解していなければならないことなのだろうなと感じた。そのためには、弾く側が「ひるまない」ことも大事だろう。

演奏中に感じたことを少し書いてみよう。第1楽章の第2主題や、第4楽章の中間部は、「これぞ悲愴！」という場所だが、こういうところがやはりすごい。

第1楽章については、特に1回目に弱音器付きで「優しく、壮大に、たくさん歌って」という指示があるのだが、これをやるのは本当に難しい。昨日の演奏では、最初の音が弱音で出た瞬間にしびれた。この独特の間はライブでしか味わえないよさを持っている。ああいうのをできるようになってみたい。2回目にこの旋律が出てくるときには弱音器を外して、mfの指定。ここでオケの音は1回目と全く違った表情を見せる。遠くにあった広い世界が今度は目前に広がるような感覚。オケの音がとても立体的にきこえるのも、ライブならではだろう。その後また、だんだん遠ざかっていく音の処理もとてもなめらか、自分がいつも弾いている感覚とかなり違った。もちろん、この演奏の方が断然いいので、これも参考にしたい。

第4楽章については、中間部がやっぱりたまらん！と、その前にあるファゴットの裏でヴァイオリンが弾くGの開放弦の音がとても効果的であると感じた。これを感じられるのもライブならではかもしれない。チャイコフスキーは開放弦の使い方が抜群にうまいという話を聞いたことがあるが、これもそのひとつだろう。話を中間部に戻そう。ホルンの特徴的なリズムに乗って、ヴァイオリンとヴィオラがオクターブで出てくるところは本当にしびれる（優しく、祈るように）。単純な音型なので、これだけだと面白くないのだが、低弦や木管楽器に出てくるちょっとひねった音がなんとも気持ちをくすぐる。さらに同じ旋律が繰り返されているが、どんどん参加するパートが増えていき、2オクターブ（つまり3種類の高さで同じ音型）重なって音も強くなった最高潮のところで全パートで炸裂し、一気にそれまでの雰囲気が崩れ落ちてしまうのだ。単純な素材からここまでやるか．．．おそるべきチャイコフスキーという感じ。この盛り上がり方はオケの力量を問われそうだ。

その後の転落していくかのような場所は、中間部が時間をかけて盛り上がるのとは違って、急いでせき立てるように音楽が進行していく。しかも音符はどんどん細かくなっていくのだが、そこで突然後ろから何かに引っ張られるように「重く」という指示が出てくる。それまでに勢いがついているので、それに対抗する引っ張り方になっているのだろう。そこから金管がひたすら上行音型、本当に何かを叫んでいるかのようだ。ライブで聴いていると本当に胸が張り裂けそうな感覚になる。

そして、最後の部分、昨日印象的だったのはコントラバスの音。最後は静かに終わるというイメージだが、一番最後の長くのびた音になってしまう直前までのリズムは生きていた。3連符が2連符になって、さらに長い間隔をおいたピチカートがあって、それでもまだ心臓は動いているような感じ．．．最後にすべてが止まってしまう．．．これを表現してしまったら、後に何もできないというのは当然だろうと思う。

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