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2018年01月31日
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ピーター・ガブリエルの変人・変態的才能(その2) ジェネシス時代の『眩惑のブロードウェイ』に引き続き、今回はソロ時代のピーター・ガブリエルの代表的作品からその変人ぶり、もしくは変態度を考えてみたいと思う。既に前項で述べたように、ここで言う“変態”や“変人”というのに攻撃的な意味や軽蔑的なニュアンスは全くなく、抜きん出たアーティスト性に敬意を示しての表現であるので、誤解されないでいただきたい。 さて、ピーター・ガブリエルのソロ作に優れた作品は何枚もあるが、おそらく世間で高い評価がある程度定着し、とくに名盤と言われることが多いのは、この『ピーター・ガブリエルIII(Peter Gabriel III)』という盤であろう。ちなみに、彼のアルバム名は大概ややこしい。実はソロ第1弾から4枚続けて『ピーター・ガブリエル(Peter Gabriel)』という異なる4枚の作品を発表している。あまりにややこしいので、世間では、1・2・3・4(I・II・III・IVと表記している模様)という“便宜上の名前”で呼んでいる。その後も、『So』、『Us』、『Up』といった、これまた紛らわしい“二文字シリーズ”のアルバムをリリースしている。ともあれ、今回は上記のソロ第三作目における、ピーター・ガブリエルの変態度について少々考えてみたい。 さて、その『ピーター・ガブリエルIII』であるが、これまたジャケットからして風変わりだったりする。ガブリエル自身の上半身写真が載せられた、一見すると特に変哲のないものなのだが、よく見れば顔が半分ない。一つの世界ともう一つ別の世界という、前項で触れたモチーフのようなものがここにも顔を覗かせているというわけである。 曲の内容もそうで、1.はストーカーのごとき変質者が登場し、他にも精神的に大丈夫なのかと思う内容の曲がある。ピーター・ガブリエルその人は、ジェネシス脱退以前も、ステージで仮装をしたり“自分でない自分”への志向が強かったが、少なくとも歌詞の面ではこの傾向がソロ転向後も強まっているように思える。 では、ピーター・ガブリエルという人は現実逃避をしているのかというと、全然そうではないところが興味深い。本盤のラストに収録された10.「ビコ」というのは、実在の人物を歌ったものである。アフリカのリズムをいち早く取り入れ、スティーヴ・ビコというアパルトヘイト反対を早い段階で訴えた“黒人意識の父”と形容される人物を取り上げている。 本盤の制作が1980年ということを考えると、こうしたテーマ選択すら革新的だった。ライオネル・リッチー、スティーヴィー・ワンダー、マイケル・ジャクソンらが集結して「ウィー・アー・ザ・ワールド」(USA・フォー・アフリカ)をやるのが1985年。このお祭り的チャリティーの逆を突くかのように、リトル・スティーヴンらが「サン・シティ」(アーティスツ・ユナイテッド・アゲンスト・アパルトヘイト=アパルトヘイトに反対するアーティストたち)を企画するのも同年。さらに同「サン・シティ」で非難の的となった南アフリカで行ったグラミー諸受賞アルバム(『グレイスランド』)の制作について、ポール・サイモンが非難されるのは1986年のことだ。ネルソン・マンデラ(今や世界史の教科書で教えられるようにすらなっているようだ)が脚光を浴びる以前の、少し大げさに言えば、南アフリカ史的には“現代以前”の1980年の段階で既に、ピーター・ガブリエルのように才覚ある“変人”は、物事の問題点や核心を早々と見つめ、見抜いていたということだったのだろう。[収録曲]1. Intruder2. No Self Control3. Start4. I Don't Remember5. Family Snapshot6. And Through the Wire7. Games Without Frontiers8. Not One of Us9. Lead a Normal Life10. Biko1980年リリース。 【メール便送料無料】Peter Gabriel / Peter Gabriel 3: Melt (輸入盤CD) (ピーター・ガブリエル) 下記ランキングに参加しています。お時間のある方、応援くださる方は、バナーを“ぽちっと”クリックのほどよろしくお願いいたします! ↓ ↓
2018年01月29日
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ピーター・ガブリエルの変人・変態的才能(その1) ピーター・ガブリエル(Peter Gabriel、原音にあわせてピーター・ゲイブリエルとも表記される)は、1950年生まれのイギリス出身のシンガー。同じ私立学校に通っていたマイク・ラザフォード、トニー・バンクスとともにバンドを作り、67年にジェネシス(Genesis)を結成。69年にはデビュー・アルバム『創世記』をリリース。やがてスティーヴ・ハケットやフィル・コリンズも加入し、1970年代、ジェネシスはプログレッシヴ・ロック・バンドとしての名声を確立することになる。そのキャリアの中でも特に難解な力作として知られるのが本2枚組の大作『眩惑のブロードウェイ(The Lamb Lies on Broadway)』(1974年リリース)である。 上で書いたとおり、難解なので筆者自身、きっと本盤のことをよく理解できていないに違いない。かつ少年の精神的な旅をテーマにしたコンセプト・アルバムということで、全体を聴くのが本来ではあるが、これらを承知の上で、お気に入り曲を少し挙げてみよう。表題曲のI-1.「ザ・ラム・ライズ・ダウン・オン・ブロードウェイ」や、I-4.「イン・ザ・ケージ」、I-7.「バック・イン・NYC」などのナンバーは、演奏面でただただかっこいいのに加え、バンドの演奏の成熟度を如実に示している。あと、ピーター・ガブリエルの声に魅了されているリスナーなら聴き逃せないのが、I-10.「カーペット・クローラーズ」やII-5.「ザ・ラミア」、II-11.「イン・ザ・ラピッズ」といったナンバーかと思う。 ところで、それまでの他のアルバムと異なる目立った特徴として、本盤はジャケットが一目見て飛び込んでくる。このジャケットからして不可解というか、難解な雰囲気を漂わせている。3枚の写真があって、その外側には一人の人物像。左端の写真からは手を伸ばしている人物がいて、中央の写真に手を伸ばしている。それを外側で見つめている人物は、両手を腰に当てているが、実は右端の写真からは同じ形の人物像が切り取られている、といった具合だ。 実際のデザイナーはともかく、この発想の張本人は、ピーター・ガブリエルその人であろうと想像する。要するに、この人は、変人であり、変態なのだろう。“変態”とか言っても、そこに悪い意味はまったくないのであしからず。音楽(あるいは芸術全般)というものを創作し、演じる上で、そうした“変態度”はしばしば独自性や革新を生み出す重要な核になっている。逆に言えば、“変人”が存在しないロック界やジャズ界など想像もつかないし、面白くもない。もしこの世のアーティストたちがみんな“ノーマル”であったりした日には、音楽というものはまったく面白くなくなってしまう(というか、音楽という芸術表現は存在しなくなる)だろう。 ともあれ、ピーター・ガブリエルの変態度はことのほか高かったのだろう。次第に彼の存在はジェネシスの中で浮き上がっていき、結局、本盤リリースの翌1975年に脱退することになる。残された3人はジェネシスを継続し、80年代に入るとポップ色を強めながら、ついには『インヴィジブル・タッチ』(1986年)で人気バンドの座を手にすることになる。その一方で、ピーター・ガブリエルもヒットを飛ばしたりはするものの、基本的には個人としてやりたかったことをソロ・アーティストという型で昇華させていく。ソロとして優れたアルバムを何枚も残しており、そうした結晶の目立った一つがソロ三作目の『ピーター・ガブリエルIII』だというのが筆者の見立てである。そんなわけで、項を改めて同作について後編で見ていくことにしたい。 ~その2~(『ピーター・ガブリエルIII』) へ続く[収録曲](Disc 1)1. The Lamb Lies Down on Broadway2. Fly on a Windshield3. Broadway Melody of 19744. Cuckoo Cocoon 5. In the Cage6. The Grand Parade of Lifeless Packaging7. Back in N.Y.C.8. Hairless Heart9. Counting Out Time10. The Carpet Crawlers11. The Chamber of 32 Doors(Disc 2)1. Lilywhite Lilith2. The Waiting Room3. Anyway4. Here Comes the Supernatural Anaesthetist5. The Lamia6. Silent Sorrow in Empty Boats7. The Colony of Slippermen: a) The Arrival, b) A Visit to the Doktor, c) Raven8. Ravine9. The Light Dies Down on Broadway10. Riding the Scree11. In the Rapids12. It1974年リリース。 ザ・ラム・ライズ・ダウン・オン・ブロードウェイ [ ジェネシス ] 下記ランキングに参加しています。お時間のある方、応援くださる方は、 バナーを“ぽちっと”クリックのほどよろしくお願いいたします! ↓ ↓
2018年01月28日
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1番ではなくとも聴き逃せない好盤 ボストン(Boston)は、バンドというより実質的にはトム・ショルツ(Tom Scholz)のプロジェクトといってもよい。1976年のデビュー作、1978年のセカンド作を発表した後は、マニアックで完璧主義な制作作業のため、永らく作品を発表出来ず、レコード会社から契約不履行で訴えられるなどした。そんな経緯の末、8年ぶりに出たサード作が1986年の『サード・ステージ』だった。 これでボストン復活かと思いきや、次の第4作となる本盤『ウォーク・オン(Walk On)』まで、さらに8年を要した。途中、ベスト盤のリリースを挟んだものの、さらにその次の『コーポレイト・アメリカ』までもさらに8年かかることになる。つまり、80年代、90年代、00年代と結果的にオリジナル策は1枚ずつしかリリースせず、第3作から第5作まで8年おきという、リスナーの年齢層や音楽業界の動向が入れ替わってしまうほどの間隔を空けながらのスローペースで作品を発表した。 さて、あるアーティストやバンドの作品には“1番ではないが外しがたい好盤”というのがしばしばある。ボストンの場合も、ベストの作品はというと、ファンの間でいろんな声があるにせよ、ほぼ最初の3枚のいずれかの議論になるだろう。でも、だからといってこの第4作は等閑視できず、個人的には当時繰り返し聴いたし、今でも時折聴きたくなって取り出してくる作品だったりする。 本盤の特徴はいくつかあるが、最も大きいのは、ヴォーカルが交代していること。ブラッド・デルプはソロ活動に専念しており、フラン・コスモがヴォーカルを務めた。往年のファンはデルプじゃないと、と思うかもしれないが、この人のヴォーカルがまた秀逸で、高音にも滅法強い。次に第3作までクレジットされていた“シンセ不使用”の表示が消えている。これは、初めてストリングスのアンサンブルが3.「リヴィン・フォー・ユー」で使用されていることによる。 アルバムはボストンらしさ全開の1.「アイ・ニード・ユア・ラヴ」で幕を開ける。ハードな音を期待する向きには受けのよさそうな2.「サレンダー・トゥ・ミー」が続くものの、全体としてはややポップな方向性の音作りとも言えそう。何と言っても聴きどころなのは、「ウォーク・オン・メドレー」と題された4.~7.である。表題曲の5.「ウォーク・オン」を軸とし、インスト曲の4.と6.を含むメドレーは、聴きごたえ十分な内容だと思う。ちなみに、トム・ショルツ自身の言葉(ライナーの解説)によると、5.は“世界中が座ったままでいる時、正しいものに立ち上がる人たちに捧ぐ”曲なのだとか。 結局、ボストンはこの後も次作の発表までまた8年間かかることになる。そうして8年後にリリースされた第5作(2002年)、さらにはデルプの死(2007年)を経て、今度は11年の間隔を空けて出た第6作(2013年)へと続く経緯もいずれ取り上げたいと思う。[収録曲]1. I Need Your Love2. Surrender to Me3. Livin' for YouWalk On Medley:4. Walkin' at Night5. Walk On6. Get Organ-ized7. Walk On (Some More)8. What's Your Name9. Magdalene10. We Can Make It"1994年リリース ウォーク・オン [ ボストン ]下記のブログランキングに参加しています。応援くださる方は、バナーをクリックお願いします! ↓ ↓
2018年01月25日
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デスモンドとマリガン(その2) ポール・デスモンド(Paul Desmond)とジェリー・マリガン(Gerry Mulligan)の『ブルース・イン・タイム』は1957年の吹込みだったが、そのアイデア自体は1954年には生まれていたという。そしてその1957年の録音からおよそ5年後に、二人の共演が再び実現した。その結果がこの『デスモンド・ミーツ・マリガン(Two of a Mind)』という盤である。 先の盤と同様にピアノレスでの演奏であるが、前回との違いは、それぞれの自作曲よりもスタンダードが優先されていて(本来収録の6曲のうち、デスモンドとマリガンそれぞれの曲は、3.と4.のみ)、聴きやすさ、とっつきやすさという点では、本盤の方が上だと言える点だろう。また、演奏面についても、聴き手を楽しませようという意図が前作よりも強いように思う。マリガンのアレンジというのもあるのだろうけれど、安心して聴ける理由としては、5年の歳月を経ての再会というせいか、二人の演奏にいっそう余裕が感じられる。ユニゾンもハーモニーも、他の絡み方の部分も、いっそう息が合っているように思われる。 聴きどころと言えそうなのは、1.「君はわがすべて(オール・ザ・シングズ・ユー・アー)」、表題曲でデスモンド作の3.「トゥー・オブ・ア・マインド」、そして、6.「アウト・オブ・ノーホエア」。ちなみに、この盤は、現行CDでの追加曲も興味深い。本編の別テイクがいくつか入っているほか、7.「イージー・リヴィング」が入っているのが有難いし、何よりジム・ホールが参加した表題未定曲(10.,11.)が興味深い。 以上、2回にわたってジェリー・マリガンとポール・デスモンドの共演盤を見たけれど、特に後者についてはデイヴ・ブルーベックと組んでいる印象が一般に強いかもしれない。けれども、マリガンとのこれらのコラボレーションを聴くと、特にデスモンドについては、そのイメージが変わるに違いない。蛇足ながら、そんな観点からも推奨盤と言えそうな気がする。[収録曲]1. All the Things You Are2. Stardust3. Two of a Mind4. Blight of the Fumble Bee5. The Way You Look Tonight6. Out of Nowhere~以下、CD追加曲~7. Easy Living8. All the Things You Are [alternate take]9. The Way You Look Tonight [alternate take]10. Untitled Blues Waltz 111. Untitled Blues Waltz 2[パーソネル、録音]Paul Desmond (as) Gerry Mulligan (bs)Jim Hall (g, 10., 11.) John Beal (b, 4., 5., 7., 10., 11.)Joe Benjamin (b, 3., 6., 9.)Wendell Marshall (b., 1, 2, 8)Connie Kay (ds, 1., 2., 4., 5., 8.)Mel Lewis (ds, 3., 6., 9.)Ed Shaughnessy (ds, 10., 11.)1962年6月8日(10., 11.)、6月26日(4., 5., 7.)、7月3日(1., 2., 8.)、8月13日(3., 6., 9.)録音。 CD/ポール・デスモンド/デズモンド・ミーツ・マリガン +5 (解説付) (期間生産限定スペシャルプライス盤) 【輸入盤】Two Of A Mind [ Paul Desmond / Gerry Mulligan ] 下記のブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、バナーをクリックお願いします! ↓ ↓
2018年01月22日
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デスモンドとマリガン(その1) ジェリー・マリガン(Gerry Mulligan)と言えば、『ジェリー・マリガン・カルテット』、すなわち西海岸(ウエスト・コースト)ジャズを代表するピアノレス・カルテット盤を思い浮かべるという人も多いかもしれない。同盤はチェット・ベイカー(トランペット)と組んだものだったが、その5年ほど後に吹き込まれたアルト奏者とのピアノレス・カルテット盤が、この『ブルース・イン・タイム(Blues in Time)』(元々の表題は『ジェリー・マリガン-ポール・デスモンド・カルテット(Gerry Mulligan-Paul Desmond Quartet)』)である。 アルト・サックスのポール・デスモンド(Paul Desmond)は、デイヴ・ブルーベックとの演奏、とりわけ「テイク・ファイヴ」を思い起こす人も多いだろう。けれども、本盤では上述の通り、ピアノ抜きのカルテット編成の中で演奏していて、柔らかさが実に心地よい仕上がりになっている。 その心地よい柔らかさの理由は何なのか。デスモンドのアルトの優しい音(時にのってくるものの、全体的に甲高く吹くという風ではなく、抒情性があるアルトは彼の身上である)に、マリガンのバリトン・サックスが組み合わされていることは、もちろんその理由なのだろう。けれども、実際に聴いていて、それだけではないように思う。 上記に加えて、両者の組み合わされ方にその妙があるのだろうと思う。アレンジャーとしてのマリガンの才能が活かされているというのと、後は両者の音が重なり合う部分、特にアルトが前面に出てバリトンが背後から聞こえてくる部分に注目すると、ピアノレスだけあってピアノの代わりにバリトンが後ろで支える役割を巧妙に果たしているのがわかる。元々、ピアノレスは得意だとはいえ、マリガンの巧さが光るデスモンドとの共演だとも言えるだろう。 ちなみに、個人的に特に好みの曲は、デスモンド作の表題曲1.「ブルース・イン・タイム」、スタンダード曲の2.「ボディ・アンド・ソウル」。さらには、そもそも贔屓のマリガン曲である4.「ライン・フォー・ライオンズ」、デスモンドのペンによる5.「ウィンターソング」あたりが挙げられる。[収録曲]1. Blues in Time2. Body and Soul3. Stand Still4. Line for Lyons5. Wintersong6. Battle Hymn of the Republican7. Fall Out[パーソネル、録音]Paul Desmond (as)Gerry Mulligan (bs)Joe Benjamin (b)Dave Bailey (ds)1957年8月2日・27日録音。 [枚数限定][限定盤]ブルース・イン・タイム/ジェリー・マリガン[SHM-CD]【返品種別A】 ブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、ぜひ“ぽちっと”お願いします。 ↓ ↓ ↓
2018年01月20日
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再評価を切に望む1枚 ザ・フライング・ブリトー・ブラザーズ(もう少し正確に表記すると、ザ・フライング・ブリート・ブラザーズ、The Flying Burrito Brothers)は、ザ・バーズを抜けたグラム・パーソンズとクリス・ヒルマンを中心に結成された(同じくザ・バーズにかつて在籍したドラムスのマイケル・クラークもセカンド作で合流)。1969年、1970年にそれぞれアルバムを発表し、第三作となったのが、セルフタイトル盤の『フライング・ブリトー・ブラザーズ(The Flying Burrito Brothers)』だった。 前作(過去記事)を最後にグラム・パーソンズが脱退し、メンバーを入れ替えての第三作となった。新たに参加したのは、リック・ロバーツで、ザ・バーズの『名前がないアルバム』のセッションにも参加経験のある実力派だった。あと、前作から参加していたバーニー・レドン(この後、イーグルス結成に参加)も存在感を発揮している。 全体を通して完成度が高く、『ロデオの恋人』(1968年)以降にザ・バーズが辿ったかもしれない道程を聴くことができる。これはこの点で興味深い。けれども、“カントリーとロックの融合の試み”だけで片付けてしまうのはどうも気が引ける。彼ら以降、1970年代を通して展開していった西海岸サウンドへ与えた影響はもっと評価されていいんじゃないかという気がする。つまりるところ、過去を振り返ってザ・バーズとの関連を郷愁の念で思い浮かべて聴くのもよいが、その後に視点を置いてイーグルス(バーニー・レドンは実際、その後でこのバンドに参加している)なんかとの絡みで未来への影響を念頭において聴くこともできるというわけである。 とまあ、もっと再評価をすべきとは言いつつも、結局のところ商業的に成功しなかったのがこのバンドの難点だった。結局は、クリス・ヒルマンもこの作品をもってバンドを去り、スティヴン・スティルスのマナサスに参加することとなる。こうして、本来のフライング・ブリトー・ブラザーズは消滅へと向かう。 本盤のおすすめ曲や聴きどころはと言われると、個人的には気に入った曲はあるものの、広く受けそうな看板曲が簡単に決められない。その辺がバンドの寿命を短くした理由なのだろう。ちなみに、筆者の私的お気に入りを上述した後世との関連という観点で少し挙げると、2.「コロラド」、3.「ハンド・トゥ・マウス」、9.「ひとり淋しく(オール・アローン)」なんかが、すっかり1970年代の次世代につながる音楽になっていて面白いと思ったりする。[収録曲]1. White Line Fever2. Colorado3. Hand to Mouth4. Tried So Hard5. Just Can't Be6. To Ramona7. Four Days of Rain8. Can't You Hear Me Calling9. All Alone10. Why Are You Crying1971年リリース。 ↓ベスト盤です↓ 【メール便送料無料】FLYING BURRITO BROTHERS / ANTHOLOGY 1969-72 (輸入盤CD)(フライング・ブリトー・ブラザーズ) 下記のランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、バナーを“ぽちっと”応援いただけると嬉しいです! ↓ ↓
2018年01月16日
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2018年01月14日
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音の玉手箱、10ccの疑似サントラ盤 10cc(テン・シーシー)は、英マンチェスター出身のバンド。オリジナル・メンバーは、E・スチュワート(ギター)、G・グールドマン(ベース、ギター)、L・クレーム(ギター、キーボード)、K・ゴドリー(ドラム)の4人で、全員がヴォーカルをとった。1972年のデビュー時(厳密にはその3年ほど前の10ccを名乗る前)から76年のゴドリーとクレームの脱退を経て70年代後半まで数々の人気作をリリースした。ちなみに、バンド自体はいったん1983年に解散したものの、復活して現在まで続いている。1976年以降、90年代末までは主にスチュワートとグールドマン中心の編成(83~91年まで活動停止、91~93年のみオリジナル・メンバーで復活)、21世紀に入ってからはグールドマンのみをオリジナル・メンバーとする形態で活動している。 そんな10ccの代表作と言えば、よく名が挙がるのが本盤『オリジナル・サウンドトラック(The Original Soundtrack)』というアルバムである。デビューから通算3作目、メジャー・レーベルのマーキュリーに移籍しての第1弾作品として1975年にリリースされた。アルバム全体は架空の(実際の映画が存在するわけではない)サウンドトラック盤というコンセプトで、全8曲はこのコンセプトに沿って配されている。 このバンドそのものの最大の特徴がそのまま本作の特徴とも言えるのだけれど、10ccはメンバーの質が高い。したがって、そのことは、そのまま楽曲と音作りの質の高さにつながっている。4人全員がソングライターかつプロデューサーなのだ。扱う楽器のヴァリエーションも多彩で、4人のうち3人がギター、2人がピアノ(キーボード)をこなす。ヴォーカルは4人全員が取ることができる。メンバーの中でスタジオがあり、レコーディング・エンジニアもこなせる。まさしく自分たちだけで作品を完成させてしまえる布陣のバンドだった。 それゆえ、作品となって届けられる音は、その辺の普通のポップ・バンドのものとは明らかに違っていた。一言で表すならば、“作り込まれている”ということなのだろうが、何が飛び出してくるかわからない楽しみや期待感を聴き手に抱かせてくれる。冒頭の1.「パリの一夜」からして、3部構成(「パリのある夜」/「同じその夜のパリ」/「夜がふけて」)の組曲形式となっていてトータル8分を超える長編である。かと思うと2.「アイム・ノット・イン・ラヴ」は全米2位、全英1位のヒットを記録した美しいコーラスが光る名曲。単に美しいだけではなく、作りが凝っていて、アナログ時代にこれだけのサウンド・エフェクトが可能というのは、現代からしても10ccの力量がいかに優れていたかがわかる。同じく美しさという点では8.「我が愛のフィルム」も外せない。アルバムのどこを切り取っても完成度が高く、しっかりと作り込まれていると繰り返し聴きながら何時でも感心させられる、そんな1枚だと思う。[収録曲]1. Une Nuit a Paris Part 1: One Night in Paris Part 2: The Same Night in Paris Part 3: Later the Same Night in Paris2. I'm Not in Love3. Blackmail4. The Second Sitting For The Last Supper5. Brand New Day6. Flying Junk7. Life Is a Minestrone8. The Film of My Love1975年リリース。 ORIGIANL SOUNDTRACK[輸入盤]/10CC[CD]【返品種別A】 次のブログのランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、“ぽちっと”クリックで応援をよろしくお願いします! ↓ ↓
2018年01月12日
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2018年01月09日
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デヴィッド・フォスターを迎えての2作目にしてピーター・セテラ所属のラスト作 1969年にレコードデビューしたシカゴ(Chicago)は、1970年代を通して着実にキャリアを積み上げていったものの、70年代末にテリー・キャスの死やプロデューサーの解雇の後に低迷期を迎えた。1982年の『ラヴ・ミー・トゥモロウ(シカゴ16)』からの路線変更が功を奏し、1980年代に再び黄金期を迎えることになった。 前作に当たる第16作の記事で述べたように、決して根本からすべてが変わってしまったわけではないにせよ、デヴィッド・フォスターを迎え、従来の志向を残しながらもアダルトなバラードを得意とするバンドとしての方向性がそのまま継続されたのが、1984年リリースの本盤『シカゴ17(Chicago 17)』だった。 都合4曲がシングルとなったが、特に3.「忘れ得ぬ君に(ハード・ハビット・トゥ・ブレイク)」、7.「君こそすべて(ユー・アー・ジ・インスプレーション)」が大きなヒットとなった。それ以外では、1.「ステイ・ザ・ナイト」や5.「想い出に生きて(リメンバー・ザ・フィーリング)」、10.「ワンス・イン・ア・ライフタイム」なんかも外せない。全編を通してシンセが入りバラード色が強い1980年代のシカゴらしさに溢れた楽曲群が並ぶ。 なお、このアルバムを最後に、創設時からのメンバーだったピーター・セテラ(ヴォーカル、ベース)は、ソロ活動に専念すべくバンドを脱退することになる。それでもなお、この路線は『シカゴ18』へと引き継がれていくことになる。『ラヴ・ミー・トゥモロウ』のヒット後で何をやってもヒットしそうな状況下で、それを超えんとする本作『シカゴ17』を発表し、セテラ脱退を経ても勢いを失わずに『シカゴ18』を制作していった。そんなことを考えながらこの辺りの一連の作品を聴くと、当時のシカゴは本当に勢いに満ち溢れていたのだなと再確認する次第だったりする。[収録曲]1. Stay the Night2. We Can Stop the Hurtin'3. Hard Habit to Break4. Only You5. Remember the Feeling6. Along Comes a Woman7. You're the Inspiration8. Please Hold On9. Prima Donna10. Once in a Lifetime1984年リリース。 シカゴ17/シカゴ[CD]【返品種別A】下記のブログランキングに参加しています。応援くださる方は、バナーをクリックお願いします! ↓ ↓
2018年01月08日
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変わりゆくバンドの新たな“完成形”が示された好盤 ポール・バターフィールド(Paul Butterfield)率いるこのバンドは“ブルース・バンド”なる名称からわかる通り、白人のリーダー率いるブルースを演るバンドとしてスタートした。その完成形がデビュー作とセカンド作であったが、その後、バンドは方向性を変えていく。その変化はメンバーの入れ替わりと連動していたのだろうと思う。 第2作の『イースト・ウェスト』の後、ブルース・ロックの礎を支えたマイクブルームフィールドがバンドを去る。エルヴィン・ビショップは引き続きギタリストとして残ったものの、彼もまた第4作の『イン・マイ・オウン・ドリーム』を最後にバンドを去っていく。その一方で、バターフィールドはホーンの導入に積極的だった。第3作の『ピッグボーイ・クラブショー』から参加したデヴィッド・サンボーンの存在感は次第に大きくなり、他の管楽器奏者とともに重要な役割を果たした。この路線の一つの完成形の提示となったのが、5作目の本盤『キープ・オン・ムーヴィング(Keep On Moving)』だったと言えるのではないか。 いかにも行進曲な1曲目の「ラヴ・マーチ」からして、かつてのブルース/ブルース・ロック路線からの乖離を感じさせる。以降のナンバーはブルースよりもR&B色が濃く、時にファンキーですらある。いくつか注目曲を挙げてみよう。2.「ノー・アマウント・オブ・ラヴィング」、5.「ウォーキン・バイ・マイセルフ」、8.「ベイビーは何処へ行ったの(ホエア・ディド・マイ・ベイビー・ゴー)」、9.「オール・イン・ア・デイ」といったあたりは本盤の特色をよく表すナンバーだと思う。他方、曲の随所や4.「ルージング・ハンド」なんかに見られるように、バターフィールドがブルース・マンだったことを再確認させてくれる部分も垣間見える。それから、LP時代の曲順で言うとA面の最後(6.「君なしでは(エクセプト・ユー)」)とB面の最後(12.「キープ・オン・ムーヴィング」)で、全体のノリのよさに対しておとなしめのナンバーが配されているのもよい。特に、バターフィールド作の表題曲12.は彼らしさ全開で個人的にお気に入り。あと、ついでながら11.「バディーズ・アドヴァイス」はエルヴィン・ビショップの後に座ったギタリスト、バジー・フェイトンの作で、彼自身がリード・ヴォーカルを務めている。 全体的にホーン・セクションの存在感が大きいのは上で述べた通りだけれど、この部分はロック史的にもっと見直されてよいようにも思う。数年前からバターフィールドが推し進めてきたこの流れは、シカゴ(本盤と同じ1969年デビュー)、ブラッド・スウェット・アンド・ティアーズ(1968年にファースト作をリリース)とシンクロしている。いわゆるブラス・ロックの台頭の背後には、バターフィールドのバンドがいたことをもっと認識する必要があるのかもしれないと思ってみたりする。[収録曲]1. Love March2. No Amount of Loving3. Morning Sunrise4. Losing Hand5. Walking by Myself6. Except You7. Love Disease8. Where Did My Baby Go9. All in a Day10. So Far So Good11. Buddy's Advice12. Keep on Moving1969年リリース。 Butterfield Blues Band / Keep On Moving【輸入盤LPレコード】(バターフィールド・ブルース・バンド)↑上はLPです。CDへのリンクは↓下からどうぞ。 【メール便送料無料】Paul Butterfield Blues Band / Keep On Moving (輸入盤CD) (ポール・バターフィールド・ブルース・バンド) 下記のブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、バナーをクリックお願いします! ↓ ↓
2018年01月05日
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新年始動のジャズ・ナンバー(後編) 新年スタートのジャズ曲選の第2弾です。今回は、まずはジャック・ウィルソンのリーダー作『イースタリー・ウィンズ』所収のナンバーです。同盤はトランペットがリー・モーガン、サックスがジャッキー・マクリーンで、録音時期は少々遅いのですが、私的お気に入り盤の一つです。その冒頭のテンポ良い「ドー・イット」というナンバーをどうぞ。 続いては、お気に入りの名盤『スティット、パウエル&JJ』からの有名なナンバーです。表題の通り、ソニー・スティット(本盤ではテナー・サックス)、バド・パウエル(ピアノ)、J・J・ジョンソン(トロンボーン)が参加した盤ですが、実際には、スティットを中心にアルバム前半がパウエルとの共演、後半がジョンソンとの共演で、今回の曲は前半に該当(ジョンソンは参加していない)します。好調のパウエルのプレイに注目してどうぞ。 さらにもう1曲は、一気に新しい時代のもので、1990年代のミシェル・カミーロ(ミッシェル・カミロ)の演奏です。これまた気が引き締まる緊張感に満ちたピアノ演奏だと思います。『ランデヴー』というお気に入り盤に収録の「フロム・ウィズイン」というナンバーです。 あらためまして今年も本ブログをよろしくお願いします。[収録アルバム]Jack Wilson / Easterly Winds(1967年録音)Sonny Stitt / Sonny Stitt, Bud Powell and J.J.Johnson(1949~50年録音)Michel Camilo / Rendezvous(1993年リリース) スティット、パウエル&J.J.+3/ソニー・スティット[SHM-CD]【返品種別A】 【輸入盤】Rendezvous [ Michel Camilo ] 下記のブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、バナーをクリックお願いします! ↓ ↓
2018年01月03日
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新年始動のジャズ・ナンバー(前編) 新しい年(2018年)を迎え、新年の始動に相応しい、元気をくれたり、気が引き締められたりしそうなナンバーをいくつか取り上げたいと思います。2回に分けての更新予定ですが、よろしくお付き合いください。 まずは、アート・ファーマーがジジ・グライスと組んだ『ホエン・ファーマー・メット・グライス』に収録の「ブルー・ライツ(Blue Lights)」です。 続いては、クリフォード・ブラウン=マックス・ローチ・クインテットによる「ダフード(Daahoud)」です。偶然にも上の曲と同じ頃の録音です。個人的な思い入れと言われればそれまでなのかもしれませんが、このブラウニーの演奏を聴くととにかく気が引き締まる感じがします。 さらにもう一つ。ロニー・ロスとアラン・ガンリーのコンボによる演奏で、「ザ・リアル・ファンキー・ブルース」です。破天荒や予想外の展開とは逆にありそうなのでジャズらしくないという声も聞こえてくるかもしれません。でも、この丁寧さは、じっと注目して聴くと、個人的にはついつい引き寄せられてしまうような感覚を抱いています。 次回、後編に続きます。[収録アルバム]Art Farmer / When Farmer Met Gryce(1954~55年録音)Clifford Brown-Max Roach Quintet / Clifford Brown and Max Roach(1954~55年録音)Ronnie Ross and Alan Ganley / The Jazz Makers(1959年録音) ホエン・ファーマー・メット・グライス/アート・ファーマー[SHM-CD]【返品種別A】 JAZZ BEST COLLECTION 1000::ジャズ・メイカーズ [ ロニー・ロス&アラン・ガンリー ] クリフォード・ブラウン=マックス・ローチ+2/クリフォード・ブラウン[SHM-CD]【返品種別A】 下記のブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、バナーをクリックお願いします! ↓ ↓
2018年01月02日
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あけましておめでとうございます。2018年が始まりました。昨年までと同様、今年も無理をせず、マイペースで更新を続け、末永く続けていきたい所存です。どうか本年もよろしくお願いします。 以下のブログランキングに参加しています。お時間の許す方は、 “ぽち”応援よろしくお願いします。 ↓ ↓ ↓
2018年01月01日
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