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70年代ロック&ポップス名曲選~Part 9(その2) 続いては、ピーター・フランプトン(Peter Frampton)の「ショー・ミー・ザ・ウェイ(Show Me the Way)」です。彼は、ロンドン出身で、ハンブル・パイなどで活躍ののち、ソロでのキャリアを重ねたミュージシャンです。 1976年発表のライヴ盤『フランプトン・カムズ・アライヴ!』からのシングル曲として、全米6位のヒットとなりました。まずは、往時のパフォーマンスの様子をご覧ください。 この曲は、元々は1975年のスタジオ作『フランプトン』に収録のナンバー(シングルとしても発売された)でした。けれども、チャート・アクションを見せたのは翌年のライヴ盤(そこからシングルカットされた)でした。 1970年代や1980年代に活躍したアーティストは、現在、老齢化しつつありますが、1950年生まれのピーター・フランプトンも、気がつけば70歳代という時の流れになりました。後世の彼のライヴ・パフォーマンスもご覧いただこうということで、2022年、ロイヤル・アルバート・ホールでのステージの様子をご覧ください。歳は重ねましたが、歌声は往年を思い起こさせる懐かしい歌唱です。 [収録アルバム]Peter Frampton / Frampton Comes Alive!(1976年) フランプトン・カムズ・アライヴ! [ ピーター・フランプトン ] 下記のブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、バナーをクリックお願いします! ↓ ↓
2024年09月20日
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70年代ロック&ポップス名曲選~Part 9(その1) 1年ぶりぐらいになるでしょうか。通算9回目となる70年代曲選をお届けしたいと思います。全10回を予定していますので、よろしければお付き合いください。 さて、初回はイーグルス(Eagles)のナンバーです。超有名曲である「ホテル・カリフォルニア」(参考過去記事)など70年代後半に入ってからのイメージが一般には強いかもしれません。ですが、彼らのデビューは70年代初頭で、当初はカントリー・ロックと言えるようなサウンドを特徴としていました。 そんな彼らのデビュー・シングルにして最初のヒット・ナンバーが、「テイク・イット・イージー(Take It Easy)」でした。全米12位となり、デビュー盤に収録されました。まずは、そのファースト・アルバム所収のものをお聴きください。 このカントリー・ロック路線の基軸になっていたのはバーニー・レドンでしたが、1975年にイーグルスを脱退してしまいました。とはいえ、その後のイーグルスの活動においても、この曲は、バンドを代表する楽曲の一つとして演奏され続けました。 続いては、1977年の人気絶頂期のライヴ演奏、さらには再結成後の1990年代のステージでの演奏の二つをご覧ください。 [収録アルバム]Eagles / Eagles(イーグルス・ファースト)(1972年) イーグルス・ファースト [ イーグルス ] ベスト・オブ・イーグルス/イーグルス[SHM-CD]【返品種別A】 ブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、ぜひクリックをお願いします。 ↓ ↓ ↓
2024年09月19日
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初期バンドで聴くR・ギャラガーのギター・プレイ アイルランド出身のブルース・ロック・ギタリスト、ロリー・ギャラガー(Rory Gallagher)は、生まれはバリーシャノンという場所だが、育ったのはダブリンに次ぐ規模の都市、コークであった。そのコーク発で結成されたのが、テイスト(Taste)であった。 1969年にロンドンに出てデビューを飾ったテイストは、実質的に2枚のアルバムを残しただけで空中分解してしまう。1970年にバンド解散が決まり、残りのライヴ等をこなした後、ギャラガーは1971年に『ロリー・ギャラガー』、続いて『デュース』をリリースし、ソロ活動を展開していく。そのギャラガーのソロでの成功により、テイストの活動末期のライヴがいわば便乗商法的にリリースされた。都合2枚のライヴ盤がリリースされたのだけれど、そのうちの1枚が1971年末に出された本盤『ワイト島のテイスト(Live at the Isle of Wight)』であった。 表題の通り、ワイト島での音楽フェスティバルでの演奏が収められていて、録音されたのは1970年8月のことである。ちなみに、このイベントは、ジミ・ヘンドリクスが突然の死(1970年9月)の直前に出演したものとしても知られる。録音当時、メンバーの仲は既によくなかったのであろうが、ライヴ演奏自体の質は高い。よく言われるように粗削りな部分があるものの、ギャラガーのギターが堪能できる。 収録曲数は6曲と決して多くないが、当時のLPとしては精一杯の50分ほどが収められている。曲の内容はブルース・ロックのイメージにとらわれ過ぎて聴き始めると意外に感じる部分も多いかもしれず、ハード・ロックでもあるとの先入観で聴いた方がいいかもしれないように思う。特に冒頭の1.「ホワッツ・ゴーイング・オン」(原曲はテイストのセカンド作に収録)なんかは、このハード・ロックのイメージそのものである。筆者が特に気に入っているのは、後半(LPのB面)で、特に6.「なまず(キャットフィッシュ)」の演奏がいい。このテイストというバンドが“第二のクリーム”なんて言われたのもなるほどと思わないでもない。 ロリー・ギャラガーを初めて聴こうという人には、個人的趣味も含めてソロになってからの作品をお勧めする。けれども、彼のギターに魅せられて過去にさかのぼっていくといずれ出会うのがテイストということになるだろう。そこで原石のような輝きを見つけ直すのも、聴き手としてはよい体験ということになるのではないだろうか。[収録曲]1. What's Going On2. Sugar Mama3. Morning Sun4. Sinner Boy5. I Feel So Good6. Catfish1971年リリース。 Taste / Live At The Isle Of Wight 輸入盤 【CD】 ホワッツ・ゴーイング・オンーテイスト ワイト島ライヴ 1970 [ テイスト ] 下記のランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、バナーを“ぽちっと”応援いただけると嬉しいです! ↓ ↓
2018年09月30日
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本音が言える社会… 世の中、政治が話題になっている時期だからという訳ではないのですが、少し前から思い出したように聴いているナンバーを、突発的ですが取り上げてみたいと思います。 「アイ・シャル・ビー・リリースト(I Shall Be Released)」は、ザ・バンドによる演奏(参考過去記事)がよく知られていますが、ボブ・ディランが作ったナンバーです。元の詞は、刑務所の中の人物が1人称になっていて(表題は“われは解放されるべし”といった意味)、その内容は様々な解釈がなされてきているようです。 1980年代後半、これに日本語詞を付けてカバーしたのが、RCサクセションの忌野清志郎(2009年没)でした。その詞の内容は、多義性や多様な解釈の余地のない、実にストレートなものでした。少しだけ引用すると、“頭の悪い奴らが 圧力をかけてくる”、“はめられて消されたくはない”、“頭のいかれた奴らが世の中を動かして、このオレの見る夢を力で押さえつける”といった具合。詞の中ではいちおう未来の希望も示されていて、“日はまた昇るだろう、このさびれた国にも”、“いつの日にか自由にうたえるさ”というもの(ちなみにいちばん最後だけは“自由に”ではなく、“自由を…”と歌っています)。 このカバーが発表されたのは、今からもう30年も前の話ですが、社会は何にも変わっていない気がします。否、言論の自由という意味では後退すらしているかもしれないと懸念したくもなります。“本音と建前”は昔からあったのでしょうが、何かと説明責任が求められるご時世となり、近頃では、いっそう本音が包み隠される傾向すらあるように思えてしまいます。表面的には美辞麗句で飾りつつ、裏でこそこそと行動し、上に忖度して変なことを押し通す大人が闊歩できる社会になってしまうならば、本音を言いたい人は結果的に押さえつけられてしまう。波風を立てたくない大人は、あえて本音を言わなくなり、結果的に多様な見方や違った見解に不寛容な世の中へと向かっていってしまう…。未来を予言したわけではないでしょうが、キヨシローという人は、あの当時の体験を通してそんなことを見据えていたんでしょうかね。 ともあれ、歌のシーンを2つご覧ください。1つめは、ライヴ盤となった1988年のライヴ(日比谷野外音楽堂)の映像、2つめはチャボ(仲井戸麗市)とのデュオでのテレビ共演の映像です。 [収録アルバム]RCサクセション / 『コブラの悩み』(1988年リリース) コブラの悩み/RCサクセション[CD]【返品種別A】 下記のランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、バナーをクリックして応援いただけると嬉しいです! ↓ ↓
2019年07月13日
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有名曲オンパレードの没後ライヴ盤 周知のように、ジョン・レノン(John Lennon)は1980年12月8日(日本時間では9日に相当)、凶弾に倒れ、40歳で帰らぬ人となった。ビートルズ解散後、ジョンは10年ほどの間にいくつものアルバムを残したが、ライヴを行うことは多くなかった。実際、ソロとなった後、亡くなるまでに発表されたライヴ作はというと、初期の『平和の祈りをこめて~ライヴ・ピース・イン・トロント1969』だけであった。 死後5年と少しが経過した1986年初頭、2枚目となるライヴ盤が発表された。それが本作『ライヴ・イン・ニューヨーク・シティ(Live in New York City)』である。収められているのは、1972年8月30日、ニューヨークはマジソン・スクエア・ガーデンでのライヴの演奏。オノ・ヨーコがプロデュースを務めており、ヨーコ自身の歌唱部分などはカットされて編集されている。 上述のようにソロ時代の貴重なライヴ音源であり、曲目(下記参照)から一目瞭然のように、ジョンの代表曲、有名曲のオンパレードといったナンバーが並ぶ。ビートルズ時代の7.「カム・トゥゲザー」もあれば、8.「イマジン」をはじめとする代表曲の数々、E・プレスリーで有名な10.「ハウンド・ドッグ」も収録されている。ライヴそのままの音源を出すのではなく、作品として提示しようという意図は、末尾の11.「平和を我等に(ギヴ・ピース・ア・チャンス)」に如実に表れていて、コーラス部分が1分ほどだけ編集されて収められている。 このライヴの映像(かつて1990年代にはビデオとしても発売された)は、今ではユーチューブなどでも見られるので、全編を見ることもできるだろうが、それとは別に本作は編集を経たライヴ盤として出来上がっていると思う。それともう一つ、あらためて聴くたびにジョンの声が若かったという印象を抱く。ライヴ当時、ジョンは31歳だったので当たり前と言われればそれまでなのだけれど。[収録曲]1. New York City2. It's So Hard3. Woman Is The Nigger Of The World(女は世界の奴隷か!)4. Well Well Well5. Instant Karma (We All Shine On)6. Mother(母)7. Come Together8. Imagine9. Cold Turkey(冷たい七面鳥)10. Hound Dog11. Give Peace A Chance(平和を我等に)1986年リリース。 【中古】 ライヴ・イン・ニューヨーク・シティ /ジョン・レノン 【中古】afb 下記ランキングに参加しています。 お時間のある方、応援くださる方は、“ぽちっと”よろしくお願いいたします! ↓ ↓
2017年12月09日
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コニッツのアドリブが全開の好演 ジェリー・マリガン(Gerry Mulligan)はニューヨークに生まれながらも、ウエスト・コースト(西海岸)・ジャズ、クール・ジャズで一世を風靡した。1952年からピアノレス・カルテット(ピアノ抜きの4人組)を形成し、当時まだ新進気鋭だったトランペット奏者、チェット・ベイカーと組んで活動した。そんな頃、1953年1月にアルト奏者のリー・コニッツを迎えてのセッションが行われた。詳しい録音の情報ははっきりわからない部分もある(特にスタジオ録音の一部はどこのスタジオかも不明)けれども、同年1月中に最初にライブ録音、続いて二度のスタジオ録音という具合で、合計3回の共演をした。その成果がまとめられたのが本盤『コニッツ・ミーツ・マリガン(Konitz Meets Mulligan)』である。収録曲の割り振りは、最初のライヴ演奏のものが1.~6.、その後の二回のスタジオでのセッションがそれぞれ7.~9.と10.~12.である。 一方、リー・コニッツ(Lee Konitz)は既にこの頃名の知られる演奏者となっており、タイトルからも分かるように、あくまでリー・コニッツが主役という位置づけのアルバムである。そんなわけで、マリガンがバリトン・サックスを吹きまくるとか、マリガンのカルテットに含まれているチェット・ベイカーのトランペット演奏がメインになっているというタイプの盤ではない。とりわけマリガンについては、演奏面ではすっかり裏方に徹しているといってもいいかもしれない。聴きどころは、タイトルに違わずリー・コニッツの演奏そのものにある。 リー・コニッツのアルトの真骨頂は、“華麗な舞い”にある。言い換えると、掴みどこがなくてある種不思議な浮遊感のようなものを伴っている。大雑把には、昔のコニッツは小難しくて分かりにくく、歳をとってからのコニッツの方が(良くも悪くも)シンプルで分かりやすい、と言われたりする。けれども、この独特のゆらり・はらりとした演奏スタイルは、昔も今もコニッツのサックス演奏の軸になっているように思う。[収録曲]1. Too Marvelous For Words2. Lover Man3. I'll Remember April4. These Foolish Things5. All The Things You Are6. Bernie's Tune7. Almost Like Being In Love8. Sextet9. Broadway10. I Can't Believe That You're In Love With Me11. Lady Be Good12. Lady Be Good (別テイク)[パーソネル・録音]Lee Konitz (as)Gerry Mulligan (bs)Chet Baker (tp)Carson Smith (b, 1.~9.)Joe Mondragon (b, 10.~12.)Larry Bunker (ds)1953年1月録音。 Lee Konitz リーコニッツ / Meets Mulligan 輸入盤 【CD】 下記ランキングに参加しています。 お時間の許す方は、“ぽちっと”クリックで応援をよろしくお願いします! ↓ ↓
2012年06月28日
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親しみやすさも演奏内容も二重丸の好盤 バド・パウエルは1924年ニューヨーク出身のジャズ・ピアニストで、モダン・ジャズのピアノを確立した人物とされる。そんな彼のベスト演奏盤はと訊いても名が挙がらないであろうが、彼の人気盤はと尋ねれば、間違いなく真っ先に名が挙がりそうなのが、本盤『ザ・シーン・チェンジズ(The Scene Changes)』であろう。 無論、だからといって中身が悪いと言っているわけではない。確かに、よく言われるように、バド・パウエルの演奏がより神がかっていたのは、早い時期のものであって、本盤が録られた後期ではない。けれども、キャッチーな1.「クレオパトラの夢」が優れていてかつ冒頭に収められている点、彼の子ども(当時3歳)が映り込んだジャケット写真など、本盤を“一家に一枚”的なメジャー作にしている理由は十分にある。 では、パウエルの演奏自体はどうだったのか。ほとんどを1テイクで録り終えているとのことだから、この日のパウエルは調子がよかったに違いない。でもって、その調子のよさの理由はというと、やはりトリオを組んでいるメンバー、とりわけアート・テイラーのドラミングにあったのではないかと筆者はみている。ブラシを多用し、全体の流れは作りながらも決して出しゃばらない本作での彼のドラミングは、おそらくはパウエルの希望通りだったのではないだろうか。そして、その上をパウエルは気持ちよく駆け抜けて演奏することができた、というわけである。 注目曲としては、有名な1.「クレオパトラの夢」を第1に挙げることになるだろうが、決して本盤はこれだけではない。個人的に好みなのは1.が終わった後に間髪入れず2.「デュイド・ディード」が始まるところ。この緊張感は何度聴いてもたまらない。どうやら、この日のパウエルには神が降臨してきたようで、6.「クロッシング・ザ・チャンネル」、8.「ゲッティン・ゼア」の疾走感は外せない。少し変わったところでは、5.「ボーダリック」という小品はジャケット写真の息子に捧げたものらしいが、神懸かり的な演奏だけでなく、ふと人間らしさを感じる場面だったりする。 余談ながら、初めてバド・パウエルを聴いてみようという人がいたならば、筆者は迷わずこれを勧めることだろう。ジャズ史的には、『ジ・アメイジング・バド・パウエルVol. 1』がいいというのは分かるけれど、いきなり「ウン・ポコ・ロコ」の三連発を聴かされてはたまったものではない。裏を返せば、曲の配置などアルバム作品としての出来がよいこと、さらにこの日は本人の状態が冴えていたという二点によって、この盤こそが親しみやすい初めてのバド・パウエル盤に相応しいという気がする。[収録曲]1. Cleopatra’s Dream2. Duid Deed3. Down With It4. Danceland5. Borderick6. Crossin’ The Channel7. Comin’ Up8. Getting’ There9. The Scene Changes10. Comin’ Up –alternate take-[パーソネル、録音]Bud Powell (p)Paul Chambers (b)Art Taylor (ds)1958年12月29日録音。 【CD】ザ・シーン・チェンジズ/バド・パウエル [UCCU-99048] バド・パウエル 次のブログのランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、“ぽちっと”クリックで応援をよろしくお願いします! ↓ ↓
2015年01月17日
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偉大なるザ・フーの名曲・名演集(その7) ザ・フー(The Who)と言えば、ライヴでの破壊的・爆発的な勢いを思い浮かべる方が多いのではないかと想像します。しばらく前から本ブログで続けているザ・フー名曲・名演選の第7回は、そんなイメージにいかにも合致しそうな名ナンバーです。 今回取り上げる曲は、1968年発表のシングル「マジック・バス(Magic Bus)」です。このナンバーには、発表後に様々なヴァージョン(ステレオ・ミックス、エクステンデッド・ヴァージョン、ライヴ・テイク)が存在していますが、まずは当初のシングルのモノラル・ミックスをお聴きください。 でもって、この曲がライヴでどうパフォーマンスされたのか。ロック史上の名盤ライヴに数えられるリーズ大学での1970年のライヴ(『ライヴ・アット・リーズ』に収録)の演奏です。 今回は、続いて同じ時期のものをもう一つ。同年のワイト島のライヴのパフォーマンスです。映像の権利の関係で1996年まで公にされなかったといういわくつきのライヴ映像です。 リーズ大学が2月、ワイト島が9月と、いずれも同じ1970年の演奏ですが、このエネルギーと勢い、そして完成度は、全盛期と言われるこの時期のザ・フーの真骨頂ではないかと思います。[収録アルバム]The Who / Magic Bus: The Who on Tour(1968年) ←ステレオ・ミックス収録。The Who / Meaty Beaty Big and Bouncy(1971年) ←エクステンデッド・ヴァージョンを収録。The Who / Live at Leeds(1970年) ←おすすめライヴ・テイクを収録。 ライヴ・アット・リーズ +8 [ ザ・フー ] ブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、ぜひクリックをお願いします。 ↓ ↓ ↓
2019年08月13日
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ひっそりと消えた“ジャズ・フォーク・シンガー”の実力 ティム・ハーディン(Tim Hardin)は、1941年生まれの米国のフォーク・シンガー。1966年のファースト作に含まれた「リーズン・トゥ・ビリーヴ」がロッド・スチュワートによって取り上げられたり、様々なカバーを生んだ「イフ・アイ・ワー・ア・カーペンター」の作者であることなどで知られるが、それ以前からフォークをベースにしつつエレキギターを取り入れるなどしていたという。言い換えれば、“ボブ・ディランの先を行っていた男”でもあった。 そんな彼は麻薬に侵されて、家族からも見放され、おそらくは自暴自棄になって1980年の末に39歳の生涯を閉じている。ジョン・レノン殺害のニュースが世間を賑わす中、さほどニュースになることもなくひっそりと消えてしまったミュージシャンとなった。 そんな彼の作品のうち、歌い手(=解釈者)としての実力のほどがわかると思うのが、1971年の『電線の鳥(Bird on a Wire)』というアルバムである。さしてヒットはしなかったものの、チャート・アクションをおこしたアルバムとしては、彼の最後の作品になった。デビュー以来のヴァーヴからコロンビアに移籍しての2作目だったが、妻と子供に捨てられ、イギリスへ逃れる直前のタイミングでの作品だった。 本盤では、ジャズ系ミュージシャンの参加が目立つ。マイク・マイニエリ(ビブラフォン)やウォーレン・バーンハート(キーボード)のほか、ウェザー・リポートのジョー・ザヴィヌル(キーボード)、ミロスラフ・ヴィトゥス(ベース)、アルフォンス・ムーゾン(ドラム、パーカッション)など多くのジャズ畑のアーティストの顔ぶれが並ぶ。フォークがエレクトリック化し、フォーク・ロックなどというジャンルに発展していく中、ハーディンはジャズへの志向が強いフォークを試みた。本盤はその方向性が結実した1枚といえるように思う。 1.「電線の鳥(バード・オン・ザ・ワイヤー)」は本盤の数年前にレナード・コーエンのアルバムに収められていたナンバーで、彼のヴォーカルのよさが存分に発揮されている。また、本ハーディン盤の表題もこれをもじって『電線の鳥(バード・オン・ア・ワイヤー)』となっている。有名曲の7.「わが心のジョージア」はジャズ的アプローチという観点で、本作のハイライトの一つと言えるだろう。他に注目曲としては、3.「サザン・バタフライ」、6.「放浪(ホーボーイン)」、10.「ラヴ・ヒム」なんかを挙げておきたい。全体に暗い雰囲気で、彼が置かれていた個人的環境も影響しているのだろうが、この切なさと渋みが同居するヴォーカルは彼の本領発揮で、随所で耳にとまるジャズ的アプローチの演奏との組み合わせが妙にマッチしていると思う。[収録曲]1. Bird on the Wire2. Moonshiner3. Southern Butterfly4. A Satisfied Mind5. Soft Summer Breeze6. Hoboin‘7. Georgia on My Mind8. Andre Johray9. If I Knew10. Love Hymn1971年リリース。 バード・オン・ア・ワイヤー/ティム・ハーディン[CD]【返品種別A】 下記のブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、バナーをクリックお願いします! ↓ ↓
2018年02月13日
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グレン・フライ追悼(その1) 2016年1月18日、グレン・フライ(Glenn Frey)が亡くなったとのニュースが報じられています。67歳で死去とのことですので、まだ若いと言えますが、ジョー・ウォルシュも、ドン・ヘンリーも皆、70歳手前という年齢に差し掛かっているのですね…。 イーグルスと言えば「ホテル・カリフォルニア」という人が多いでしょうが、グレン・フライが前面に出たイーグルスと言えば何でしょうか。「テイク・イット・イージー」(バンドのデビュー・シングル、1972年のファースト作に収録)、あるいはバンド末期の「ハートエイク・トゥナイト」(1979年、『ロング・ラン』に収録で、全米1位)という人もいるかもしれませんが、1976年、「ホテル・カリフォルニア」のシングルが全米1位のヒットとなる前段階でリリースされたこの曲(アルバム『ホテル・カリフォルニア』所収)を挙げたいと思います。 この「ニュー・キッド・イン・タウン」は、「ホテル・カリフォルニア」に先立って、アルバムの先行シングルとしてリリースされ、全米1位を獲得しています。「ホテル~」があまりに代名詞的な曲だけにこの曲や、同アルバムのほかの曲は忘れ去られがちですが、今回はグレン・フライの死を悼んでしっかり思い出しておきたいと思います。以下、1977年のライヴでの演奏をご覧ください。 ソロ時代も取り上げたいので、今回は、その2に続きます。[収録アルバム]Eagles / Hotel California(1976年) 【メール便送料無料】イーグルス / ホテル・カリフォルニア[CD] 次のブログのランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、“ぽちっと”クリックで応援をよろしくお願いします! ↓ ↓
2016年01月19日
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70年代ロックの名曲たち(Part 2):その6 しばし間が空いてしまいましたが“不定期更新”ということでお許しください。70年代ロック名曲シリーズの続きです。 70年代のニール・ヤング(Neil Young)のナンバーでこれぞというのは多すぎて、選ぶのに困ってしまうところですが、今回は、過去記事で挙げたものが消えていたので再掲の意味でこのナンバーにしておきたいと思います。 1977年発表のアルバム『アメリカン・スターズン・バーズ』に収録の「ライク・ア・ハリケーン(Like A Hurricane)」ですが、発表に先立って75年の段階で録音されていたものです。アルバム発表時にシングルカットされたものの、特にヒットせず。でも、個人的には、ニールの曲の中でかなり上位に来るお気に入りのナンバーです。 せっかくですので、今回は別の音源(ライヴ録音)のものもご覧ください。1993年のアンプラグドのライヴ(ずばりそのもののタイトルでアルバム化もされました)の映像です。この「ライク・ア・ハリケーン」は、ライヴで再三演奏されているものですが、上記過去記事でも触れたように、このヴァージョンは特に気に入っています。 さらに今回は、もっと最近のライヴ演奏の様子もご覧ください。2012年9月ですから、2年近く前、ファーム・エイドでのクレイジー・ホースとの演奏の映像ということになります。 ニール・ヤングの見事なところは、この浮遊感のある(お世辞にも力強いとは言えない)ヴォーカルの不変さではないかと思うことがあります。1945年生まれで来年には70歳。この映像の60歳代後半の段階で、見た目はともかく、これだけ同じ様でいられるのは凄いことなのかもしれません。[収録アルバム]Neil Young / American Stars 'n Bars (1977年)←元のアルバム・ヴァージョン収録。Neil Young / Unplugged (1993年)←上記2つめのビデオのアコースティック・ライヴ。 【RCP】【Joshinはネット通販部門1位(アフターサービスランキング)日経ビジネス誌2013年版】アメリカン・スターズン・バーズ/ニール・ヤング[CD]【返品種別A】 【当店専用ポイント(楽天ポイントの3倍)+メール便送料無料】ニール・ヤングNeil Young / Unplugged (輸入盤CD)(ニール・ヤング) 次のブログのランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、“ぽちっと”クリックで応援をよろしくお願いします! ↓ ↓
2014年07月16日
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だいぶ間があいてしまいましたが、INDEXページ(ジャンル別、アーティストのアルファベット順)を更新しました。ここ1か月ほどの記事へのリンクを追加しています。INDEXページへは、下のリンク、もしくは本ブログのトップページ(フリーページ欄)からお入りください。 アーティスト別INDEX~ジャズ編(A-G)へ→ つづき(H-M)・つづき(N-Z) アーティスト別INDEX~ロック・ポップス編(A-B)へ→ つづき(C-D)・つづき(E-I)・つづき(J-K)・つづき(L-N)・つづき(O-S)・つづき(T-Z) アーティスト別INDEX~ラテン系ロック・ポップス編(A-I)へ→ つづき(J-N)・つづき(O-Z) アーティスト別INDEX~邦ロック・ポップス編へ 下記ランキングに参加しています。応援くださる方は、各バナー (1つでもありがたいです)をクリックお願いします! ↓ ↓ にほんブログ村 : 人気ブログランキング:
2024年09月10日
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ブルース・ロックの余裕 ザ・クライマックス・シカゴ・ブルース・バンド(The Climax Chicago Blues Band)。バンド名には“シカゴ”とあるが、もともとは1968年に英国で結成され、やがて米国進出を果たしたブルース・ロックのバンドである。バンド名は様々な変遷を経ており、上記のはデビュー当初の名称。第二作にあたる本作発表時は、“シカゴ”が抜け落ち、ザ・クライマックス・ブルース・バンド(The Climax Blues Band)を名乗っている。その後は、再びシカゴを冠し、けれども冠詞の“the”を取り去ったり、単にクライマックス・シカゴと名乗ったり、もう少し後にはクライマックス・ブルース・バンドに変えたり、バンド名が一定しない。米国では一時売れたものの、日本でいま一つ認知されないままというのは、その音楽性というよりも、そもそもバンド名の一貫性のなさに一因があるのかもしれない。 認知度の低さにもかかわらず、ブルース・ロックの流れの中でクライマックスは輝いており、個人的にも好みのバンドである。途中からソフト・ロック路線(英語Middle of the Road=ロックとポップの中間=を略したMORとも呼ばれる)に変わっていってしまうが、1970年代前半の彼らはブルース・ロックを語る時に外せないとすら思える。 ジョン・メイオールやエリック・クラプトン(例えば『ジョン・メイオール&ザ・ブルースブレイカーズ・ウィズ・エリック・クラプトン』)、あるいはそのメイオールのもとから派生したピーター・グリーン率いるフリートウッド・マック(ジョン・メイオール名義の『ア・ハード・ロード』やフリートウッド・マック名義の『ピーター・グリーンズ・フリートウッド・マック』)といった有名どころの英ブルース・ロックと比べると、クライマックスの音楽はよくも悪くも“必死さ”が希薄である。一歩引いた感じがするとでも言えばいいだろうか。よく言えば、冷静さ、あるいは余裕を感じさせるということにもなるのかもしれない。本盤には、確かに勢いのあって“熱い”曲も含まれている。けれども、インスト曲が多い分、落ち着き払った部分の特色がより一層引き出されているように思う。 上の点と関係しているとも言えるのだが、本盤のもう一つの特徴は、いくつかの曲でジャズ的アプローチが見られると言われる点だ。念のために言っておくと、“ジャズ的”といっても彼らが奏でる音楽そのものは本来のジャズとはあまり相関性はない。ロックその他分野でジャズ的なアプローチという場合、筆者の理解では、曲調や歌の雰囲気が“ジャジー”というだけでは必ずしもない。本盤に関して言えば、とりわけソロを取る楽器と楽器のぶつかり方や絡まり方が、ジャズ、それも全盛期のハード・バップ・ジャズと似通った感覚に基づいている。つまり、本作ではギターとギターあるいはサックスとギターの“熱い間”がハード・バップのジャズにおいてしばしば繰り広げられる“間”と同じ感覚に属するものなのである。 そんなわけで、“熱いブルース・ロック”を期待する人には、意外と期待外れで、これに対して、“柔らかい耳”を持ったジャズ愛好者には案外受けるかもしれないと密かに思っていたりもする。ちなみに、筆者は熱いブルース・ロックが好きではあるのだけれど、このどこか落ち着き払った雰囲気も意外に気に入っている。[収録曲]1. Flight2. Hey Baby Everything’s Gonna Be Alright Yeh Yeh Yeh3. Cubano Chant4. Little Girl5. Mum’s The Word6. Twenty Past Two / Temptation Rag7. So Many Roads8. City Ways9. Crazy ‘Bout My Baby1969年リリース。 【輸入盤CD】Climax Blues Band / Plays On (クライマックス・ブルース・バンド) 下記3つのランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、ひとつでも“ぽちっと”応援いただけると嬉しいです! ↓ ↓ ↓
2010年11月28日
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夜を彩る名盤 トム・ウェイツ(Tom Waits)は1949年生まれの米国のシンガーソングライターで、1970年代に西海岸のシーンに登場した。“酔いどれ詩人”の形容が有名で、本人も得意楽器は“ヴォキャブラリー”だと言う。その言葉に違いなく、トム・ウェイツはとにかくストーリーの“語り手”であり、いかにも一般受けしなさそうな(?)ダミ声でそうしたストーリーを紡ぎ出す。 デビューは1973年で、本盤『ハートアタック・アンド・ヴァイン(Heartattack and Vine)』は1980年発表の第7作目で、アサイラム・レーベルから発表した最後のアルバムとなる。これがダントツのベストというわけではないが、トム・ウェイツらしさという点では、かなり上位に来るアルバムだと思い、取り上げる次第である。 全編にわたって“酔いどれ詩人”の本領発揮な曲が居並ぶ。それと同時に、デビュー当時と比べると、1980年代に次第に姿を表し、1990年代に本格化していく“実験的音づくり”の芽生えも見て取られる。とはいえ、実験的な音の部分は後々の作品を思えばそう目立つわけではないので、トム・ウェイツらしさを初体験する向きにも適当な作品だと個人的には思う。 アルバムの聴きどころは全体に統一された雰囲気ではあるが、筆者の好みも含めつついくつか挙げてみよう。1.「ハートアタック・アンド・ヴァイン」はファズでかつブルージーなギター音が印象的で、アルバム全体のトーンを確定させるかのような出来栄えの曲。他方、バラード系(といっても、トム・ウェイツの歌声ではいわゆる美しいバラード系のイメージにはならないが)の3.「セイヴィング・オール・マイ・ラヴ・フォー・ユー」や5.「ジャージー・ガール」も印象的。とりわけ、5.の方は、このアルバムの発表後に結婚するキャサリン・ブレナンを歌った曲とのことで、B・スプリングスティーンがライブ・アルバム(1986年発表の5枚組『ザ・ライブ』)に収録して話題になった曲でもある。 そういえば、どこぞのドラマ(もちろん日本製)で、このアルバムが全面的にBGM使用されていたりもした。個人的には、このアルバムの使用を思い立った制作者の趣味趣向(?)を素晴らしいと思う一方で、やはりこのアルバムは特定のストーリーを持った番組(要するに連ドラ)にフィットしないという印象も同時に受けた。そう、このアルバムは特定の文脈に放り込むには“濃すぎる”のである。これが放り込まれて許される文脈は、敢えて言えば、一つしかないだろう。場末の酒場であれ、多少洒落たバーであれ、あるいは暗い自室なり、“酒とともに”ではないだろうか。まあ、そのようなわけで、お酒を飲む方々にはとりあえず飲酒時のBGMには欠かせないレパートリーになると思うので、未聴の方はぜひお試しいただきたい。[収録曲]1. Heartattack and Vine2. In Shades3. Saving All My Love for You4. Downtown5. Jersey Girl6. Til the Money Runs Out7. On the Nickel8. Mr. Siegal9. Ruby's Arms1980年リリース。 【輸入盤CD】Tom Waits / Heartattack & Vine 【K2018/3/23発売】(トム・ウェイツ)
2011年10月11日
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70年代ロックの名曲たち(その10) さて、先に取り上げたディープ・パープルやレッド・ツェッペリンに代表されるハードなロックの流れはイギリスだけにとどまらず、アメリカの音楽シーンにも次第に根づいていきます。そんなことを話題にするならば、外せないのはエアロスミス(Aerosmith)ということで、彼らのナンバーを1曲取り上げようと思います。言わずもがなの名曲、「ドリーム・オン(Dream On)」です。 当初はストーンズやツェッペリンの真似に過ぎないとの批判もありましたが、デビュー盤(『野獣生誕』、1973年)収録のこの曲は当初からローカルで受けがよく、やがて彼らが人気を獲得して1976年にシングルとして再発され、全米6位のヒットを記録しています。 とりあえず10回でいったん区切りとしますが、実際に挙げ始めるとキリがないというのが正直なところですね(今回のエアロスミスだけでも他の曲が気になってしまう、といった具合です)。 所詮10曲だけで70年代ロックを語るのに無理があったわけで、“あれが足りない”、“なぜこれを取り上げない”といったご批判は少々我慢いただければと思います。またあらためてシリーズ第2弾を用意し、近いうちに続きをお届けできればと考えています。[収録アルバム]Aerosmith / Aerosmith(野獣生誕) (1973年) 【送料無料】野獣生誕(エアロスミス1) [ エアロスミス ] 下記のランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、バナーを“ぽちっと”応援いただけると嬉しいです! ↓ ↓
2014年02月20日
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ゆったりと軽快なギター演奏 ピーター・バーンスタイン(Peter Bernstein)は、米国ニューヨーク生まれのジャズ・ギタリスト。1967年生まれの彼は、1990年代以降にいくつものリーダー作を吹き込んでいるのだけれど、筆者はごく一部の作品でしか、彼の演奏を知らない。 本盤『ストレンジャー・イン・パラダイス(Stranger in Paradise)』は、2003年に日本のヴィーナス・レコードによって吹き込まれ(録音場所はニューヨーク)、その翌年にリリースされた。“裸体ジャケ”が得意なヴィーナスの作品とはいえ、“パラダイス(楽園)”だからゴーギャンのタヒチの裸体婦人画というのは多少安直にも思えるが、正直なところ、このジャケット・イメージと作品内容の相関性はあまり大きくないように思う。 実際、演奏そのものは、特に南国楽園風というわけでもないというのが、個人的な印象である。豪快かつ軽妙な1.「ヴィーナス・ブルース」に始まるが、3.「ルイーザ」や4.「ハウ・リトル・ウィー・ノウ」のように、時にゆったりまったりと、また時に軽やかにギター演奏を聴かせる。 そして、本盤は、後半に進むにしたがって、アルバム全体のトーンのようなものが見えてくるように思う。中途半端な(決して悪い意味ではなく、敢えてこう表現できるように思う)まったり感は、バーンスタインの演奏の特徴と言えるだろうか。決して先を行く機敏な動きという感じではなく、ゆったりと頭の中の音を実際に響くギターの弦の音に置き換えていく。そんな感じの演奏が本盤の魅力ということになるのかもしれない。 [収録曲]1. Venus Blues2. Stranger in Paradise3. Luiza4. How Little We Know5. Bobblehead6. Just a Thought7. This Is Always8. Soul Stirrin'9. That Sunday, That Summer10. Autumn Nocturne[パーソネル、録音]Peter Bernstein(g), Brad Mehldau (p), Larry Grenadier (b), Bill Stewart (ds)2003年8月24~25日録音。 以下のブログランキングに参加しています。お時間の許す方は、 クリックで応援よろしくお願いします。 ↓ ↓ ↓
2022年07月29日
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メンバーを入れ替えての第2作 ディープ・パープルを脱退したリッチー・ブラックモア(Ritchie Blackmore)が結成したレインボー(Rainbow)は、1975年に『銀嶺の覇者』を発表したが、この後、ヴォーカルのロニー・ジェイムス・ディオを除くメンバーは総入れ替えされた。この際のコージー・パウエル(ベース、1980年まで在籍)の加入は、メンバーの入れ替わりが激しかった中、このバンドにとって重要な変化だった。 ともあれ、新たな面々となって1976年にミュンヘンでレコーディングがなされ、できあがったセカンド作がこの『虹を翔る覇者(Rainbow Rising)』だった。前作に続き全英のアルバム・チャートでは11位を記録した。なお、バンドの名義は、ファースト作が“リッチー・ブラックモアズ・レインボー”だったのに対し、本盤では“ブラックモアズ・レインボー”に変わっている。また、アルバムの原題は、“Rainbow Rising”とされたり、単に“Rising”とされたりと二通りが存在しているようである。 前半(LPのA面)に4曲、そして、後半(同B面)に長尺の2曲という構成。前半での注目曲としては、まずは1.「タロット・ウーマン」。冒頭のシンセのスぺ―シーなサウンド、演奏とヴォーカルの力強さとキレが印象的で、レインボーの代表曲の一つに挙げるに相応しいナンバーだと思う。あと、個人的好みでは、3.「スターストラック」がよく、後に米国向けにポップ化していく時期の楽曲や演奏の先駆にもなっている。 アルバム後半(B面)の2曲は、ともに8分を超え、じっくりと聴かせる展開の曲になっている。とくに注目なのは、5.「スターゲイザー」。ブラックモアのギターはもちろんのこと、ツーバスドラを駆使したドラムス、迫力あるヴォーカル、さらにはミュンヘン・フィルハーモニー管弦楽団によるオーケストラ演奏の効果的な使用と、聴きどころ満載の演奏に仕上がっている。ついでながら、詞の内容は、5.と6.でつながっていて、B面の2曲はいわば組曲という仕立てになっている。 最後に余談ながら、筆者はこのアルバムのジャケットがお気に入りだったりする。CD附属のものはサイズ的に迫力に欠けるが、LP盤のサイズで見るとなかなかの迫力。機会があればジャケット・デザインも注目していただきたい。[収録曲] 1. Tarot Woman2. Run with the Wolf3. Starstruck4. Do You Close Your Eyes5. Stargazer6. A Light in the Black1976年リリース。 虹を翔る覇者/レインボー[SHM-CD]【返品種別A】 以下のブログランキングに参加しています。お時間の許す方は、 クリックで応援よろしくお願いします。 ↓ ↓ ↓
2024年09月07日
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HR/HMの元祖とも言われる爆音・轟音サウンド ブルー・チアー(Blue Cheer)は、1960年代後半から70年代初頭に活躍したバンド。1966年にサンフランシスコで結成され、ブルースを演奏していたと言うが、翌67年にジミ・ヘンドリックスのステージに衝撃を受けてスリー・ピースで出直した。3人のメンバー(ヴォーカル兼ベースのディッキー・ピーターソン、ギターのリー・ステファンズ、ドラムスのポール・ウィアリー)は、マーシャルのアンプをこれでもかと積み上げ、爆音・轟音で演奏するというスタイルでレコーディングを行なった。 そうして1968年にリリースされたのが、本デビュー盤『ファースト・アルバム(Vincebus Eruptum)』であった。なお、日本語の表題は『ファースト・アルバム』となっているが、原題は“Vincebus Eruptum”で、“我々はカオスをコントロールする”という意味のラテン語もどきの語句である。 何と言っても圧巻はアルバム冒頭に収録されている1.「サマータイム・ブルース」。言わずと知れたエディ・コクランのナンバーで、後にはザ・フーやヴァン・ヘイレンもカバーしている。荒々しい重厚なサウンドは、原曲のイメージを忘れさせるもので、シングル曲として、チャートでは全米14位、カナダでは3位になった。このヒットもあり、本盤自体も全米11位というチャート上の記録を残している。2.「ロック・ミー・ベイビー」は、B.B.キングの曲のカバー。もともとブルースを演奏していたということだが、このブルース演奏は強いディストーションが耳につく、重厚サウンドでの演奏となっている。 一方、本盤には自作曲(ピーターソンによる楽曲)も3曲収められている。そのうちの3.「ドクター・プリーズ」は、個人的に好みのナンバー。さらに、轟音の演奏が与えるインパクトという意味で、1.に並ぶと思うのが、同じく自作曲の6.「セカンド・タイム・アラウンド」。本盤が世に出たのは、ハード・ロックやヘヴィ・メタルという音楽ジャンルが確立されていないどころか、レッド・ツェッペリンすらまだデビューしていない時代。彼らの爆音・轟音サウンドは確実に未来を見据えたものだったということになるだろうか。[収録曲]1. Summertime Blues2. Rock Me Baby3. Doctor Please4. Out of Focus5. Parchment Farm6. Second Time Around1968年リリース。 ファースト・アルバム [ ブルー・チアー ] 下記のブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、バナーをクリックお願いします! ↓ ↓
2024年09月16日
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デビュー作からの名ナンバー2曲 音楽好きならよくある話。突然“あの曲が聴きたい”と思い立つと、いてもたってもいられない。頭の中では記憶の中にあるその曲が巡りはじめ、たまたまその音源がすぐに見当たらなかったりした日には、妙なフラストレーションを抱え込んでしまったりするわけです。 今朝、何の前触れもなく急に聴きたくなったのが、イーグルスのファースト作(参考過去記事)。お目当ては、有名ヒット曲の「テイク・イット・イージー」や「魔女のささやき」ではなく、少々マイナーな「哀しみの我等(Most Of Us Are Sad)」というナンバー。“私たちの大半は悲しいのだけれど、前向きに行くしかない”といったシンプルな歌詞を、シンプルで美しいメロディにのせたといった感じのナンバーです。 CDを探し出してきて上記の曲を聴いていたら、今度はもう一つ別の曲が聴きたくなってしまいました。同盤の“隠れ名曲”あるいは“裏名曲”とも言えそうな「ピースフル・イージー・フィーリング(Peaceful Easy Feeling)」です。オリジナルの演奏と、何十年も経ったあと(2018年のライヴ)の演奏をあわせてお聴きください。 [収録アルバム]Eagles / Eagles(イーグルス・ファースト)(1972年) 【楽天ブックスならいつでも送料無料】イーグルス・ファースト [ イーグルス ]下記のブログランキングに参加しています。応援くださる方は、バナーをクリックお願いします! ↓ ↓
2014年09月26日
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気まぐれ80s~11thシーズン(その3) 引き続き、80年代前半のヒット曲です。前回の「アイ・オブ・ザ・タイガー」と同じく映画絡みですが、マイケル・センベロ(Michael Sembello)による、「マニアック(Maniac)」です。オールド・ファンには言わずもがな、映画『フラッシュダンス』の曲で、米ビルボードの1位をはじめ世界中でヒットしました。 ヒット曲の歴史からすれば、明らかに“一発屋”でしたが、このマイケル・センベロというひとは、スティーヴィー・ワンダーやテンプテーションズ、マイケル・ジャクソンやダイアナ・ロスなどの作品でスタジオ・ギタリストを務めた経験を持ち、この曲のヒットの後も複数の映画音楽(例えば『インデペンデンス・デイ』)でも活躍しました。 ともあれ、この曲のライヴでのパフォーマンスもご覧ください。半分冗談ですが、この“暑苦しいオヤジ”がこの曲の歌い手だったのかということも露呈してしまいます(笑)。とはいえ、ちゃんとギターを聴かせようとするあたりは、ギタリストらしいと言うべきでしょうか…。 [収録アルバム]V.A. / Flashdance: Original Soundtrack from the Motion Picture(1983年)Michael Sembello / Bossa Nova Hotel(1983年) フラッシュダンス [ (オリジナル・サウンドトラック) ] [枚数限定][限定盤]マニアック/マイケル・センベロ[SHM-CD][紙ジャケット]【返品種別A】 ブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、ぜひクリックをお願いします。 ↓ ↓ ↓
2020年03月09日
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気まぐれ80s~12thシーズン(その5) 今回は、ヴァン・ヘイレン(Van Halen)の曲を取り上げたいと思います。1988年の「ホエン・イッツ・ラヴ(When It's Love)」というナンバーで、アルバム『OU812』(読み方は、“オー・ユー・エイト・ワン・トゥー”)からのシングル曲でした。 1988年のナンバーですので、デイヴィッド・リー・ロスがバンドを脱退し、その危機を乗り越えてバンドが成長し続けた時期、サミー・ヘイガーがヴォーカルを務めたいた時代の曲です。全米チャートで最高位5位とヒットし、ハード・ロック・バンドによるいかにもバラード系の曲だったわけですが、そういう商業主義的(?)な批判を横に置けば、やっぱり名曲に数えられんじゃないかと未だに思う次第です。 往時のライヴでのステージの雄姿もご覧ください。1990年代初頭のものです。サミー・ヘイガー色が全開で、デイヴのファンには異論があるかもしれませんが、ヴォーカリストの脱退を経たバンドが途切れることなくトップに居続けられたのは、紛れもなくこの人の功績と言っていいように思います。今ではもう見ることのできない、エディの姿と共にご覧ください。 [収録アルバム]Van Halen / OU812(1988年) 【輸入盤】Ou812 [ Van Halen ] 【売り尽くし】OU 812【CD、音楽 中古 CD】メール便可 ケース無:: レンタル落ち 下記ランキングに参加しています。 お時間のある方、応援くださる方は、“ぽちっと”よろしくお願いいたします! ↓ ↓
2022年04月30日
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70年代ロック&ポップス名曲選~Part 4(その8) ローリング・ストーンズ(The Rolling Stones)の1970年代のヒット曲というと、人によっていろんなものが思い浮かぶでしょうが、個人的にも思い入れのあるナンバーをということで、今回は「悲しみのアンジー(Angie)」です。 1973年にリリースされ、全米のほかスイスやノルウェーなどで1位、全英では5位のヒットとなりました。アルバム『山羊の頭のスープ(ゴーツ・ヘッド・スープ)』に収録されています。この曲のプロモビデオにはもう一つ、別バージョンがありますので、そちらもご覧ください。 典型的ロック・バラード調で、ライヴでも聴かせどころとなる曲ですが、後のライヴの様子をご覧ください。当初の発表から30年後、2003年のニューヨーク、マジソン・スクエア・ガーデンでのライヴ映像です。 [収録アルバム]The Rolling Stones / Goats Head Soup(山羊の頭のスープ)(1973年) 山羊の頭のスープ [ ザ・ローリング・ストーンズ ] 以下のブログランキングに参加しています。お時間の許す方は、“ぽち”応援よろしくお願いします。 ↓ ↓ ↓
2017年01月22日
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ポップなカントリー調の名曲 本名モーナ・アン・マレー(Morna Anne Murray)ことアン・マレー(Anne Murray)は、1945年、カナダ東部のノバスコシア州出身の女性シンガー。今となっては、セリーヌ・ディオンに象徴されるように、カナダ出身の女性シンガーが全米で人気を博すのはごくごく普通のように思えるが、彼女が出てきた頃はそうではなく、全米で1位をとったのも、全米でゴールドディスクを獲得したのも、70年代にカナダ人女性シンガー初の快挙を成し遂げたのがこのアン・マレーという人であった。 1968年にレコード・デビューを果たし、翌年のセカンド・アルバム『ディス・ウェイ・イズ・マイ・ウェイ』からカットされて1970年にヒットとなったのがこの「スノーバード(Snowbird)」という曲だった。カナダではシングルチャート2位(アダルト・コンテンポラリーおよびカントリーのチャートではそれぞれ1位)、全米チャートでは8位(イージー・リスニング・チャートでは6週連続1位、カントリー・チャートでもトップ10入り)だった。上述のように、カナダ人女性シンガーとして初めて全米でのゴールド・ディスクをこの曲で獲得した。 筆者はリアルタイムで聴いたわけではなく、記憶は定かではないのだけれど、たぶんその10年後ぐらいにふとラジオで耳にし、その歌声の虜になってしまった。下のビデオを見るとわかるように清楚なお嬢さま的風貌に、カレン・カーペンターを思い起こさせるような明瞭な発音と伸びやかな歌い方。曲調はカントリー的でありながら、いい具合のポップな感じに仕上がっている。そして、さらりと歌われている詞の内容が美しく、人生の傷心の苦悩を自然の風景に重ね合わせ(その接点がスノーバードと呼ばれる小さな鳥)ている。ひとまずは、懐かしのこの曲をご覧あれ(どちらの動画も曲の内容は同じ)。↓オリジナル・ヴァージョンをアン・マレーの姿とともにどうぞ。↓ ↓同じ音源ですが、英語・日本語の対訳詞つきのビデオです。↓ 後に知ったのだが、この曲は別の大物たちによってもレコーディングされていた。様々なアーティストによる「スノーバード」の吹き込みがある中、有名どころと言えば、ビング・クロスビー(1972年のアルバムに収録)、エルヴィス・プレスリー(1971年のアルバムに所収)だろう。ビング・クロスビーの「スノーバード」は大幅にテンポを落とし、いかにも“ビング・クロスビー節”でまとめている。他方、筆者が結構気に入っているのが、プレスリーのヴァージョン。プレスリーは有名どころのヒット曲を聴くと“カッコいい”とか“キマッテる”といった印象が先に来るのだけれど、この「スノーバード」みたいなのを聴くとそうじゃない認識を新たにさせられる。プレスリーという“ヴォーカリスト”は実に渋い。いや、“渋い”というのがあまり適切じゃないならば、“深みのある歌手”でもあったと表現すればよいだろうか。とにかくプレスリーの偉大さを再認識できる1曲に仕上がっている。↓どっぷり“ビング・クロスビー節”に染まった「スノーバード」をどうぞ↓ ↓とにかく渋い! エルヴィス・プレスリーの「スノーバード」です。↓ [収録盤]Anne Murray / This Way Is My Way (1969年) 下記ランキングに参加しています。 お時間の許す方は、“ぽちっと”クリックで応援をよろしくお願いします! ↓ ↓
2012年07月26日
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TOTOのシングル曲追想 ~その4~ この「アイル・ビー・オーヴァー・ユー(I’ll Be Over You)」は、1986年発表のTOTOのアルバム『ファーレンハイト(Fahrenheit)』に収められた曲。同年にシングルカットされた。特大ヒットというわけではなかったものの、全米チャートでは 11位(アダルト・コンテンポラリーのチャートでは1位獲得)という結果を残した。同アルバムの前作にあたる『アイソレーション』では途中でボーカリストが交代するという変化がバンドにはあった。新ボーカリストはファーギー(本名:デニス・ハーディ)・フレデリクセンに代わるが、この人物の在籍もこの1作だけに終わり、結局、バンドはジョセフ・ウィリアムスという、さらに新たなボーカリストを迎え入れて上記『ファーレンハイト』の制作に臨むこととなっていた。 ところが、この曲のリード・ボーカルはスティーヴ・ルカサーなのである。バンドとしては、ちょうど上述のボーカリスト交代(ボビー・キムボールからファーギー・フレデリクセンを経てジョセフ・ウィリアムスへのメンバー変更)の後だったにもかかわらず、ボーカルはギタリストのルカサーという、シングルにして売り出す曲としては、ふつうに考えたらよくわからない人選である。 けれども、こういうところで、平気でボーカルが入れ替わるのは、前項でも述べたとおり、TOTOの貴重な特色であった。ビートルズみたいに稀有な例はあるものの、以降の一般的なバンドでこのようなことを違和感なく行えたバンドは決して数多くない。つまり、新たなボーカリストを迎えて心機一転となれば、ふつうはこういうことはしないのだが、TOTOはボーカリストが従来の他のメンバーの間でも簡単に入れ替われた。 この「アイル・ビー・オーヴァー・ユー」は、スティーヴ・ルカサーが外部ライターのランディ・グッドラム(同時期のバラード系では、シカゴの「フェイスフルIf She Would Have Been Faithful」の作者としても知られる)と共作。ルカサーの言によると、どうやら“2~3分で”あっという間に書き上げたらしい。だからといって、即興のお手軽バラードかというと、まったくそんな感じがしない。それどころか、「アフリカ」で成功した、ある種淡々としたトーン、そして、「ロザーナ」で見られた、ギターを絡めた曲展開の妙がここでも発揮されている。少しきれいでコンパクトにまとまり過ぎている気もしないではないが、ここまでの3回の記事で取り上げた各曲(「99」、「ロザーナ」、「アフリカ」)に比することのできるTOTOのバラード代表曲の一つと言っていいように思う。 先に書いたように、TOTOはバンドとしては2008年にその活動を終えた。しかし、その後、メンバーの病気(マイク・ポーカロの筋萎縮性側索硬化症)の救済のために、昨年(2010年7月)にヨーロッパで限定復活しており、今年(2011年5月の予定だったが、震災の影響で9月に延期)は同様の企画が日本でも予定されている。[収録アルバム]TOTO / Fahrenheit (1986年)その他、ベスト盤類(例えば下記)にも収録。TOTO / Past To Present 1977-1990 (1990年)TOTO / Best Ballads (1995年)[関連記事リンク] TOTOのシングル曲追想(その1)「99」 TOTOのシングル曲追想(その2)「ロザーナ」 TOTOのシングル曲追想(その3)「アフリカ」 【送料無料】ファーレンハイト/TOTO[Blu-specCD2]【返品種別A】 下記3つのランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、ひとつでも“ぽちっと”応援いただけると嬉しいです! ↓ ↓ ↓
2011年06月18日
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ブルースにこだわり過ぎなければ、代表盤かも クライマックス・シカゴ・ブルース・バンドとして始まったクライマックス・ブルース・バンド(Climax Blues Band)は、やがてブルース臭を薄めていく(とはいえ、捨て去ったわけではない)。ブルースという概念にこだわって聴くのであれば、明らかに初期の盤がお薦めとなるだろう。けれども、そこにこだわるのでなければ、彼らの真骨頂を示すのは、きっとこのアルバムだということになるのではないか。そんな1枚が1975年発表のこの『スタンプ・アルバム(Stamp Album)』である。 音楽的には、ブルース・ロックと呼べる部分を随所に残しつつも、キャッチ―な部分があり、心強いブギーが強く印象に残る。かと思うと、やたらファンキーな曲やレゲエ風のリズムもあったりして、アルバム全体を通して聴くと、リズムの変化が耳につく。要は、ブルース・ロックからすでに脱皮していったバンドの姿だと言っていいように思う。 冒頭の1.「ユージン・ザ・パワー」からしてメロディアスでキャッチ―な部分でのよさが出ている。人気曲の3.「アイ・アム・コンスタント」のほか、5.「スカイ・ハイ」なんかもそうした側面が成功したナンバーと言えそう。その一方、随所で展開されるギター・プレイは、やはりブルース・ロックの潮流から生じてきたバンドであるということを再確認させてくれるのも面白い。 余談ながら、本盤はジャケットも人目を引くものである。個人的な体験では、クライマックスのアルバムを買い揃えていたころ、見た目のジャケットのイメージでいちばんに欲しいと思ったのが本盤だった。“スタンプ”すなわち切手のデザインで、よくよく見ると飛行機に自由の女神と摩天楼が描かれたベタに“アメリカン”な感じの図柄だったのだけれど、ヘンテコなものやダサダサのジャケット・デザインもある彼らのアルバムの中では、『FMライヴ』と本盤のジャケットになかなかのセンスを感じたりする。[収録曲]1. Using the Power2. Mr. Goodtime3. I Am Constant4. Running Out of Time5. Sky High6. Rusty Nail / The Devil Knows7. Loosen Up8. Spirit Returning9. Cobra1975年リリース。 スタンプ・アルバム [ クライマックス・ブルース・バンド ] ブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、ぜひ“ぽちっと”お願いします。 ↓ ↓ ↓
2019年01月15日
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派手さはなくとも病みつきになる好盤 『枯れ木(Bare Trees)』は、1972年発表のフリートウッド・マック(Fleetwood Mac)のオリジナル・アルバムとしては6作目に当たる。当初はピーター・グリーンを主役にブルース・ロック路線だった彼らだったが、そのグリーンは『ゼン・プレイ・オン』を最後にバンドを去る。これと重なって同作から参加したのがダニー・カーワン(Danny Kirwan)で、やがてボブ・ウェルチも参加して新体制へと変わっていく。 そんなバンドの変遷の中で、本盤はカーワンが主導し、かつ彼の在籍最後(カーワンもまた飲酒が原因の神経衰弱で脱退を余儀なくされる)の作品となったものである。そのようなわけで、アルバム全体のうち半数の曲をカーワンが担当し、その他はボブ・ウェルチやクリスティン・マクヴィー(ジョン・マクヴィーの妻で元チキン・シャックのメンバー)らの曲が占める。 全体的に地味な印象で、どぎつい派手さはない。どちらかというと淡々としていると言ってもいいかもしれない。上記のようにブルース・ロック路線ではなくなっているので、そういうイメージに当てはまるギターの聴きどころのようなものも目立ってあるわけではない(ただし、そういうイメージに拘らなければギターの聴きどころは多い盤であるとも思う)。ともあれ、どこかしら、ややマニアックな淡々とした雰囲気の演奏にのみこまれて中毒症が発症しそうというのが筆者の印象である。2つの全盛期に挟まれているからといって忘れ去られるのはもったいない盤で、例えば、1.「チャイルド・オブ・マイン」や、表題曲の5.「枯れ木」なんかはその中毒症の入口である。 あと、注目の曲としては、6.「悲しい女(センティメンタル・レイディ)」。アメリカやカナダでシングルとしてヒット(ビルボード8位、キャッシュボックス4位)したことから、本盤の中では比較的知られたナンバーである。アルバム全体のトーンからするとやや異なる気もするが、ボブ・ウェルチのよさが発揮された名ラヴ・ソングである。それから異彩を放つのはクリスティン・マクヴィーによる2曲、3.「ホームワード・バウンド」と8.「あなたの愛を(スペア・ミー・ア・リトル・オブ・ユア・ラヴ)」。特に前者の疾走感のカッコよさには、個人的に完全にKOされてしまう。[収録曲]1. Child of Mine2. The Ghost3. Homeward Bound4. Sunny Side of Heaven5. Bare Trees6. Sentimental Lady7. Danny's Chant8. Spare Me a Little of Your Love9. Dust10. Thoughts on a Grey Day1972年リリース。 【メール便送料無料】Fleetwood Mac / Bare Trees (輸入盤CD) (フリートウッド・マック) ブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、ぜひ“ぽちっと”お願いします。 ↓ ↓ ↓
2019年01月07日
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500万アクセス記念~いま聴きたい曲(その7) 梅雨明けとともに夏到来ということで、夏に関連したナンバーをもう一つ。前回とはうって変わって、ジャニス・ジョプリン(Janis Joplin)による「サマータイム(Summertime)」です。ジャニスの解釈によるこのナンバーが世に出たのは、1968年のビッグ・ブラザー&ザ・ホールディング・カンパニーのアルバム『チープ・スリルズ』でした。 「サマータイム」は、ジョージ・ガーシュウィン作曲のオペラ曲で、ジャズ・スタンダードとして定着したこともあり、1100件を超えるジャズの録音がなされているとか、はたまた、この曲のカバーは、この世に25000以上存在するとか言われたりします。そうした数あるヴァージョンの中でも、ジャニスによるものは、その歌唱力と迫力で他を圧倒しています。 まずは、上記『チープ・スリルズ』に収録のものをお聴きください。 続いてもう一つ。動いているジャニスのパフォーマンスもご覧いただこうかと思います。1969年、ドイツはフランクフルトでの様子とのことです。 周知のように、ジャニスは1970年の急死により、27歳という短い人生を閉じることになってしまいました。とはいえ、上記のような姿を見るにつけ、きっとこの人の人生の濃度は、ふつうの人の何倍も濃かったのだろうとも想像してしまいます。[収録アルバム]Big Brother & the Holding Company / Cheap Thrills(1968年) グレイテスト・ヒッツ [ ジャニス・ジョプリン ] チープ・スリル/ジャニス・ジョプリン[CD]【返品種別A】 下記のブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、バナーをクリックお願いします! ↓ ↓
2020年08月02日
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70年代ロック&ポップス名曲選~Part 8(その5) 1970年代半ば、1976年のデュエット・ナンバーです。華々しいスター街道を歩んでいたエルトン・ジョン(Elton John)が、同じくイギリス出身の女性シンガー、キキ・ディー(Kiki Dee)と組んでヒットさせた「恋のデュエット(Don’t Go Breaking My Heart)」です。イギリスでは6週連続で1位、アメリカでも4週連続で1位という特大ヒット曲となりました。 続いては、ライヴでの歌唱もお楽しみください。ヒットから四半世紀近く、2000年のニューヨーク、マジソン・スクエア・ガーデンでのステージの様子です。 余談ながら、この曲はシングルとして発売され、70年代当時のどのアルバムにも収録されませんでした。エルトン・ジョン名義のアルバムに収められたのは、ずっと後の1993年のことでした。『デュエット・ソングス(原題:デュエッツ)』というのがそのアルバムなのですが、こちらの方には別のシンガーとのデュエットが収められています。そのようなわけで、最後に、同盤収録のル・ポール(RuPaul,有名なドラァグクイーン)と共演しているヴァージョンをお聴きください。いくつものパターンの衣装で登場しており、二人ともなかなかの弾けっぷりです。 [収録アルバム]Elton John / Duets(1993年) 【中古】 【輸入盤】DUETS/エルトン・ジョン 【中古】afb ブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、ぜひクリックをお願いします。 ↓ ↓ ↓
2023年09月15日
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南米/アルゼンチンを意識した作品 前作の『第三世界』(1969年録音、1970年リリース)で、ガトー・バルビエリ(Gato Barbieri)は南米というルーツを意識した作風を披露した。この方向性を継続し、1971年に録音・発表されたのが本盤『フェニックス(Fénix)』だった。英語のPhoenixと同じ意味で、スペイン語およびポルトガル語で“不死鳥”を指す。 1.「トゥパク・アマル」は自作曲。ヨーロッパ人の侵略に対して最後までビルカバンバで抵抗した“最後のインカ皇帝”の名を表題としている。2.「カルナバリート」は“小さなカーニヴァル”の意味。本盤ではコンガやボンゴといった打楽器がフィーチャされているが、ラテンのリズム感とメロディが生かされた好演奏に仕上がっている。ジェラルド・ペレイラによる3.「ファルサ・バイアーナ」も、南米ラテンのフレーバーが強く、ブラジルっぽいリラックスした雰囲気の楽曲に、強く激しいガトーのテナーがうまく重なり合っている。 アルバム後半で特に注目したいのは、5.「エル・アリエーロ」。アタワルパ・ユパンキ(アルゼンチン出身のシンガーソングライター)の曲で、この曲の演奏に見られるようなラテンの素材とガトーらしいテナー演奏の融合は、この時点で彼がやりたかったことをどんぴしゃで体現しているのではないかと感じる。アルバムを締めくくる6.「バイーア」は、激しさを失うことなく哀愁を感じさせるテナーの演奏が筆者としては気に入っている。 本盤は、ガトーにとってフライング・ダッチマンからの2作目となるアルバム作品だった。この後も、彼は同レーベルから、モントルーでの白熱したライヴを収めた『エル・パンペロ』、彼の代表盤の一つとして知られる『アンダー・ファイア』といった作品を発表していくことになるのだった。[収録曲]1. Túpac Amaru2. Carnavalito3. Falsa bahiana4. El día que me quieras5. El arriero6. Bahía[パーソネル、録音]Gato Barbieri (ts), Lonnie Liston Smith (p, elp), Joe Beck (g), Ron Carter (b), Lenny White (ds), Gene Golden (conga, bongo), Naná Vasconcelos (berimbau, bongo)1971年4月27・28日録音。 フェニックス [ ガトー・バルビエリ ] ブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、ぜひクリックをお願いします。 ↓ ↓ ↓
2024年09月13日
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トム・ウェイツの名バラード選(その7、最終回) 年が明けてから徐々に更新してきたトム・ウェイツ(Tom Waits)の名バラード選、この7回目が最終回です。ここまで取り上げなかったナンバーにも美曲は数知れずありますが、ひとまずは最後を締めくくるにふさわしいと思って取ってあったのは、この曲です。時代をさかのぼり、1985年作の『レイン・ドッグ』所収の「タイム(Time)」というナンバーをどうぞ。 この曲は、1988年のベスト・ライヴ盤『ビッグ・タイム』にも収録されています。同盤に所収のライヴ・ヴァージョンもお聴きください。 この美曲のカバーといえば、トーリ・エイモスが2001年発表のアルバム『ストレンジ・リトル・ガールズ』の中で披露しています。ついでにこちら(同アルバム発表頃のライヴ映像)もよろしければご覧ください。 アルバムも曲も魅力的なものがまだまだたくさんありますので、今後もトム・ウェイツのレヴュー記事をちゃんとサボらずに書いていきたいと思っています。[収録アルバム]Tom Waits / Rain Dog(1985年)←オリジナル・ヴァージョン収録。Tom Waits / Big Time(1988年)←ライヴ・ヴァージョン収録。Tori Amos / Strange Little Girls(2001年)←トーリ・エイモスによるカバー。[記事リンク(トム・ウェイツの名バラード選)]その1:「グレープフルーツ・ムーン」その2:「ジャージー・ガール」その3:「フー・アー・ユー」その4:「ホールド・オン」その5:「オール・ザ・ワールド・イズ・グリーン」その6:「イフ・アイ・ハフ・トゥ・ゴー」その7:「タイム」(本記事) 【送料無料】レイン・ドッグ/トム・ウェイツ[SHM-CD]【返品種別A】 [CD]TOM WAITS トム・ウェイツ/BIG TIME【輸入盤】 【メール便送料無料】トーリ・エイモスTori Amos / Strange Little Girls (輸入盤CD) (トーリ・エイモス) 下記のランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、バナーを“ぽちっと”応援いただけると嬉しいです! ↓ ↓
2016年02月04日
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ピーター・グリーン在籍最後のスタジオ作 フリートウッド・マック(Fleetwood Mac)は、ピーター・グリーンが在籍した活動当初からしばらくの間、ブルース・ロックの体現者たるグループであった。後のフリートウッド・マックのイメージしかない方のために敢えて言うと、後のこのバンドとは別のバンドと言えそうなぐらい、ブルース・ロックど真ん中のグループだった。 ブルース・ロックの発展は、ブルースの模倣からスタートしたわけで、それはそれで(いやはや、かなりの度合いで)筆者の気に入っている音楽である。しかし、普通に考えれば、いつしかその模倣が独自の音楽へと自覚的に変わっていく瞬間というのが訪れそうなものである。無論、ハードロックへ向かう道筋もその自覚的・無自覚的変容の例だけれども、フリートウッド・マックの場合、自覚的に変わっていった瞬間というのがあったのではないかと想像する。彼らが自分たちの音を探し、変わっていった過程において、一つのピークを示す作品と言えそうなのは、4th作の『ゼン・プレイ・オン(Then Play On)』だったのではないかという気がしている。 本盤からは、6.「オー・ウェル」というチャートイン曲(1970年、ビルボード・チャートで55位)が生まれた。この曲自体、好曲ではあるけれども、アルバム全体のトーンはもう少し違うところにあるように思う。冒頭の1.「カミング・ユア・ウェイ」からして、従来のいかにもブルース・ロック然としたのとは少し異なるノリのナンバー。さらに、9.「サーチング・フォー・マッジ」と10.「ファイティング・フォー・マッジ」なんかは、ブルース・ロック一辺倒のイメージを払拭し、その次の進化形を追い求めているといった感じがよく伝わってくる演奏だと思う。 さらに、聴きどころなのは、4.「マイ・ドリーム」。以前の「アルバトロス」(全英2位となったシングル曲)の続編的インスト・ナンバーで、こういうところに実力が発揮されているのだと感じる。似たような方向を向いた演奏としては、5.「アンダーウェイ」、11.「ホエン・ユー・セイ」、13.「ビフォー・ザ・ビギニング」などがあり、新しい境地を切り開きつつあるこの雰囲気が案外アルバム全体のトーンに大きく影を落としていると思う。 そのようなわけで、ブルースの模倣から自己の音へ変わっていくプロセスがよく窺える作品だと思う。それが初参加のダニー・カーワンの影響にあるのか(どうもその影響は強そうな気がする)、あるいはジェレミー・スペンサーが“ほんの少しのピアノ関係”にしか参加しなかったせいなのか、はたまたこれをもってバンドを去らなければならなかったピーター・グリーンに由来するのか、もしくはレーベルの変更にあるのかはわからない。ともあれ、結局のところ、この作品を最後にピーター・グリーンはバンドを離脱することになり、まもなくソロ作『エンド・オブ・ザ・ゲーム』を発表するに至る。そして、残されたメンバーのフリートウッド・マック自体は、このワーナー系レーベルに後々長く籍を置き、新たなバンドの方向性を模索していくことになる。[収録曲]1. Coming Your Way2. Closing My Eyes3. Showbiz Blues4. My Dream5. Underway6. Oh Well7. Although the Sun Is Shining8. Rattlesnake Shake9. Searching for Madge10. Fighting for Madge11. When You Say12. Like Crying13. Before the Beginning1969年リリース。 【メール便送料無料】フリートウッド・マックFleetwood Mac / Then Play On (輸入盤CD) (フリートウッド・マック) 【輸入盤CD】Fleetwood Mac / Then Play On (フリートウッド・マック) 下記のランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、バナーを“ぽちっと”応援いただけると嬉しいです! ↓ ↓
2015年05月05日
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大物テナーの心温まる共演 以前に取り上げたベン・ウェブスター(Ben Webster)の『ソウルヴィル』と同じ1957年(厳密に言えば同じ年どころかその翌日)に録音されたのが、この『コールマン・ホーキンス・エンカウンターズ・ベン・ウェブスター(Coleman Hawkins Encounters Ben Webster)』という作品。録音日の近さから演奏メンバーやベン・ウェブスターのテナーの調子には似通った部分もあるけれども、大きく違う部分もある。 まずは面子を見てみよう。タイトルから分かる通り、コールマン・ホーキンス(Coleman Hawkins)がベン・ウェブスターと並んでテナー2本の共演になっているところが大きく違う。その他のメンバーはオスカー・ピーターソン(ピアノ)、レイ・ブラウン(ベース)、ハーブ・エリス(ギター)が共通だが、ドラマーのアルヴィン・スト―ラーは『ソウルヴィル』からは入れ替わっている。メンバーのかなりの部分が同じであるせいか、全体に穏やかでメロウな雰囲気は共通していると言える。 その上で、やはり聴きどころは、柔らかでクリアなコールマン・ホーキンスのテナーと、哀愁いっぱいのすすり泣くベン・ウェブスターのテナーの共演ということになるだろう。この2人にレスター・ヤングを加えて“3大テナー”と呼ばれたりもするぐらいだから、この共演をまずは楽しみたい盤だと思う。 その対比がよくわかる演奏としては、4.「ユード・ビー・ソー・ナイス・トゥ・カム・ホーム・トゥ」。それぞれがきっちりソロを披露しているが、その入れ替わりによって、それぞれの味わいの対比が実にはっきり出ている。オスカー・ピーターソンを中心としたリズム隊のよさ(特に彼のピアノ演奏のよさ)もあって、ありがちなスタンダード曲演奏からは程遠い見事に心温まる演奏に仕上がっている。広くジャズ界において、アート・ペッパーによるこのスタンダード曲と並ぶ名演の一つと言ってもよいかもしれないように思う。 他に注目曲を少し上げるならば、3.「ラ・ロシータ」が面白い。下手をするとチープな演奏になりそうな曲ながら、2人の“らしさ”がちゃんと表現されているのが不思議なところ。しっかりソフトでメロウなのだけれど、おそらくは両者の間で相互のリスペクトがあるからこそ、この美しいアンサンブルと個々のメロディのバランスが保たれたのではないか、という気にさせられる。さらには、スローテンポで演奏される6.「タンジェリン」や7.「シャイン・オン・ハーヴェスト・ムーン」もまた、両者のリスペクトの賜物と言えそう。馴れ合いでただ甘くなるのでもなく、だからといって緊張感が聴き手にそのまま伝わるわけでもない。緊張感を程よく保ったまま、これだけ優しく、心温まる演奏を形にできるわけだから、やはり2人の巨匠の技ということになるのかもしれない。[収録曲]1. Blues for Yolande2. It Never Entered My Mind3. La Rosita4. You'd Be So Nice to Come Home To5. Prisoner of Love6. Tangerine7. Shine On, Harvest Moon[パーソネル・録音]Coleman Hawkins (ts), Ben Webster (ts), Oscar Peterson (p), Herb Ellis (g), Ray Brown (b), Alvin Stoller (ds)1957年10月16日録音。 【送料無料】コールマン・ホーキンス&ベン・ウェブスターColeman Hawkins/Ben Webster / Coleman Hawkins Encounters Ben Webster (SACD) (輸入盤CD)【I2014/4/8発売】(コールマン・ホーキンス&ベン・ウェブスター) 次のブログのランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、“ぽちっと”クリックで応援をよろしくお願いします! ↓ ↓
2015年01月19日
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ペッパーのアルトが冴えまくる、文句なしの大名盤 『アート・ペッパー・ミーツ・ザ・リズム・セクション(Art Pepper Meets The Rhythm Section)』、つまり、"アート・ペッパーがリズム隊と出会う"というのがこのアルバムの題名。本盤を吹き込んだアート・ペッパー以外のメンバーが、定冠詞つきの"ザ・リズム・セクション"と呼ばれているわけで、レッド・ガーランド(ピアノ)、ポール・チェンバース(ベース)、フィリー・ジョー・ジョーンズ(ドラム)という、有名な組み合わせなのである。なぜ有名かというと、彼ら3人は当時のマイルス・デイヴィスのグループのメンバーで、当代きっての"リズム・セクション"だったわけだ。 当時のコンテンポラリー・レーベルは白人アルト・サックス奏者アート・ペッパーを売り出すべく、このリズム・セクションを借りてきて録音を行なう。1957年1月19日のことだ。おそらくこのセッションはこれといった準備なしに、まさしく一発録り的になされたものだろう。アート・ペッパー自身が語るところでは、6ヶ月間楽器には手を触れず、いきなりレコーディングの話を知らされたこの日の朝には焦って大量のクスリを打ったとのことである。 そんな状況ながら、アート・ペッパーのサックス演奏は冴えまくっている。躍動感があり流れるようなフレーズ、明るく美しく響く音色。とにかくペッパーの音の"鳴り"が最高で、上記の安定したリズム・セクションをバックにこれが展開されている。必然的に誉れ高い名盤とされる。ついでながら、本作はその当時のものとしては録音状態がよいことでも知られる。 さて、そんな本盤は入門者用に薦められることも多い。上に述べたように、アルト・サックスの演奏が冴えまくっているという特徴からして、初めてアート・ペッパーを聴いてみようという人に確かにおすすめだと思う。加えて、リズム・セクションはあまり出しゃばっていない。それはすなわち、アート・ペッパーのアルトを堪能できるということであって、その意味でもとっつきやすい。 少し聴いたところではとてもリラックスした演奏に聴こえる本盤だが、繰り返し聴いているとそうでないことにも気づく。レギュラー・コンボではなく初顔合わせの演奏で、しかも"リズム・セクション"は全員が黒人の、マイルスのサイドメンである。上に書いた、楽器に触れぬまま当日朝に大量にクスリを打ったという話は、ある程度誇張されているかもしれないが、アート・ペッパーにとってみれば、それほどまでに緊張するセッションであったのは確かである。これに対し、"リズム・セクション"の3人は"いつもの顔ぶれ"なわけで、しかもサイドメンとしての立場を十分考慮した演奏をしているので、あまり緊張感はないように思う。 実際、演奏をよく聴けば、アート・ペッパーの緊張ぶりにすぐ気がつく。彼は真剣勝負をしていて、緊張感一杯に演奏している。その中で、冴えまくった演奏ができたという事実が、(少なくともこの時期の)アート・ペッパーの実力であり、凄さなのだと感じる。そしてそうしたアート・ペッパーの演奏が、安定して落ち着いたリズム・セクションと邂逅したからこそ、この名盤に仕上がったのだと思う。[収録曲]1. You'd Be So Nice to Come Home To 2. Red Pepper Blues 3. Imagination4. Waltz Me Blues 5. Straight Life6. Jazz Me Blues7. Tin Tin Deo 8. Star Eyes 9. Birks' Works Art Pepper (as)Red Garland (p)Paul Chambers (b)Philly Joe Jones (ds)録音: 1957年1月19日(L.A.)Contemporary アート・ペッパー・ミーツ・ザ・リズム・セクション+1/アート・ペッパー[SHM-CD]【返品種別A】 ユニバーサルミュージック アート・ペッパー(as)/アート・ペッパー・ミーツ・ザ・リズム・セクション +1 【CD】
2009年12月12日
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“10年ひと昔”と言いますが… いきなりですが、これをお読みの方にとって“10年”とはどんな時間でしょうか。10代や20代の若者にとって、10年というのは想像しにくく、相応に長い時間だろうと思います。でも、もっと長く生きてきた人にとっては、ある種イメージしやすいまとまった時間単位と言えるかもしれません。要は、10歳の時に20歳の自分、20歳の時に30歳の自分は容易に想像しがたいですが、40歳や50歳にとって10年後の自分ははるかに想像しやすいものでしょう。 最初にこの曲を聴いたときは、筆者も10年なんて単位でまだ物事が考えられなかったのですが、気がつくと10年前が“ついこの間”とすら思えることも増えてきました。先日ふと耳にしてこの曲の存在を思い出し、落ち着いて聴いてみたので、本ブログでも取り上げようと思った次第です。 渡辺美里と言えば、小室哲哉作曲のイメージが強いかもしれませんが、この「10 years」は大江千里の作曲です。メロディも素晴らしいですが、注目したいのは作詞です。渡辺美里は早い段階から作詞を結構手掛けており、この曲の頃はほぼすべての発表曲を作詞していたようです。冒頭に書いた筆者の凡人的感性とは違い、発表当時21歳だった渡辺美里は、この頃から10年単位でものが見えていたということになるでしょうか。そう思うと、物事を広く見通し、そしてそれを詞にすることができる感受性の高い21歳だったということになります。 以下、映像です。まずは往時のライヴの様子から。1989年、東京ドームでのライヴでの歌唱です。 正直、歌のうまさで聴かせるタイプというよりは、勢いで迫るタイプという印象を持っています(17歳でコンテスト受賞時にセックス・ピストルズが好きと言っていたそうですが、何となくわかる気がします)。ともあれ、渡辺美里と言えば西武球場(後に西武ドーム)で20年連続ライヴをやったことでも知られています。 最後は、比較的最近の映像も見ておきたいと思います。2年前(2017年)のものをご覧ください。“10年”を5回重ねた年齢に達した渡辺美里ということになりますが、スターダスト・レビュー(さすがにベテランという貫禄の演奏です)との共演による「10 years」です。 [収録アルバム]渡辺美里 /『ribbon』(1988年リリース) ribbon [ 渡辺美里 ]↓昨年(2018年)、30周年記念エディション(リマスター、ボーナストラック入り)が出ているようです。↓ ribbon -30th Anniversary Edition-/渡辺美里[Blu-specCD]通常盤【返品種別A】 下記ランキングに参加しています。 お時間のある方、応援くださる方は、“ぽちっと”よろしくお願いします! ↓ ↓
2019年07月14日
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バンド黄金期の超名盤 そもそも、ザ・キンクス(The Kinks)は、ビートルズやローリング・ストーンズのように音楽ファン以外にまで広く知られるわけでもなく、“不当に過小評価を受けてきたバンド”の典型例だと言える。それゆえ、忘れ去られぬよう広く聴き継がれ、その評価が長期的には変わっていってほしいと切実に思う。それでもって、聴き継がれるには、初めてこのバンドを聴く人にとって入口となる盤はどれか、という話は重要であろう。なんだか回りくどくなってしまったけれど、要するに本盤『マスウェル・ヒルビリーズ(Muswell Hillbillies)』は、キンクスを初めて聴くという場合の最初の一枚としてお薦めの最有力候補の一つではないかという話である。 キンクスの最盛期は、1966~67年頃から1972年と言われる。アルバム作品で言うと、『ヴィレッジ・グリーン・プリザヴェイション・ソサエティ』(あるいはその前作の『サムシング・エルス』)から『マスウェル・ヒルビリーズ』ということになる。筆者個人としては、1970年代の残りの期間の作品にも愛聴盤が複数あり、キンクスの隆盛はまだまだ続くと言いたくなることもあるのだけれど、世間的にはこのように言われるのが一般的である。つまるところ、この作品は、キンクスが最も才能を発揮していた時期の最後を飾る盤で、なおかつバンドの最高傑作と称される盤というわけである。 一言でいえば、ブルースやカントリーといった米国音楽の英国的アダプテーションということになるだろうか。音楽的には米国風なものが随所に見られるのだけれど、トータルでは英国風なのである。かつキンクスらしいコンセプト・アルバムになっているうえ、現代社会を風刺的に描き出すレイ・デイヴィスのソング・ライティングが光る。これほど成功する要素がうまく揃うことは、長く広い音楽業界でもそうそう簡単に起こることがない。そう思えるほど、こうした諸要素が調和し、一つの作品に昇華している。 筆者のお気に入り曲を少し挙げておきたい。まず、20世紀から逃避したいと歌う1.「20世紀の人」。この曲のように、現代社会の生きづらさの嘆きやそこからの逃避といったテーマを皮肉っぽく詞にするレイ・デイヴィスの真骨頂は、本アルバムのあちらこちらに顔を出す。6.「複雑な人生」は、厄介事を切り捨ててシンプルに生きようという、21世紀の現在においても、忙しい現代人には必聴のナンバー。こんな内容をこういう風にまったり演奏してのけるところが何よりの魅力だと言える(ちなみに、まったりした演奏という点では、2.「パラノイア・ブルース」も筆者のお気に入りだったりする)。あと、何が何でも聴き逃がせないのは、アルバムのラストを飾る表題曲の12.「マスウェル・ヒルビリー」。カントリー・ロック風の曲調にのって、ロンドン郊外のマスウェル・ヒルビリーという小さな箱の中に閉じ込められても、画一化されたゾンビーなんかになるものか、という詞の内容。これもまた、“みんな平等”という名のもとの画一化が幅を利かせ続けている今の日本社会への批判としても聴き継がれたいと思うナンバーだったりする。 すっかり長文になってしまったが、最後に、本盤のジャケット・ワークが秀逸なことにも触れておきたい。収録曲の内容とともに、ジャケット(表面・内面とも広げた形の写真)もまたロック史上、最高レベルのものだと個人的には思っていたりする。[収録曲]1. 20th Century Man 2. Acute Schizophrenia Paranoia Blues3. Holiday4. Skin and Bone5. Alcohol6. Complicated Life7. Here Come the People in Grey8. Have a Cuppa Tea9. Holloway Jail10. Oklahoma, U.S.A.11. Uncle Son12. Muswell Hillbilly~以下、CDボーナス・トラック~13. Mountain Woman14. Kentucky Moon1971年リリース。 マスウェル・ヒルビリーズ+2/ザ・キンクス[SHM-CD]【返品種別A】 マスウェル・ヒルビリーズ +2 [ ザ・キンクス ] ブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、ぜひクリックをお願いします。 ↓ ↓ ↓
2021年11月30日
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ジェフ・ベック・グループとしてのデビュー盤 エリック・クラプトンの後釜としてヤードバーズでギタリストを務めたジェフ・ベックは、1967年に自身のバンドを結成した。このジェフ・ベック・グループ(The Jeff Beck Group)は、最初の数年(第1期、ファースト・グループ)と短い断絶を挟んだその後の数年(第2期、セカンド・グループ)に分けられるのだけれど、本盤『トゥルース(Truth)』は、そのいちばん最初のアルバムに当たるもので、1968年にリリースされた。 ギターのジェフ・ベックが集めたメンバーは、ロッド・スチュワート(ヴォーカル)、ロン・ウッド(ベース)、ミック・ウォーラー(ドラムス)を核とする面々。とりわけ、ロッド・スチュワートとロン・ウッドは、その後の華々しいキャリアの中で、全米15位となった本盤が出世作となった。 アルバムの内容としては、ブルース曲のカヴァーや改作が中心で、そういう意味では、ブルースロックのアルバムだと言える。けれども、これを正面切ってブルースロックだと断言するのには、個人的にはどこかしら躊躇いがある。それにはいくつか理由があって、ブルースロックというにはヘヴィーな、むしろハードロックに通ずるサウンドがとくに前半(LPのA面)に目立つこと、さらには、随所であまりにジェフ・ベックらしいギターのフレーズが登場することなんかが挙げられる。そういう意味では、ブルースロックという呼称で括られる音楽から、次のステップへ半分くらいは脱皮してしまっているサウンドだと言っていいのかもしれない。 個人的にお勧めの曲を数曲だけでも触れておきたい。1.「シェイプス・オブ・シングス」は、各楽器のバランスと一体感の上にロッド・スチュワートのヴォーカルが秀逸なナンバー。4.「ユー・シュック・ミー」は、レッド・ツェッペリンがファースト盤でも取り上げているウィリー・ディクスンの曲であるが、ふつうのブルースロック的カバーかと思いきや、ピアノの活躍ぶりと途中からどんどん増してくるハモンドオルガンの存在感が気に入っている。同じくウィリー・ディクスンの曲である10.「迷信嫌い(アイ・エイント・スーパースティシャス)」や、ジミー・ペイジがシングル曲用にとジェフ・ベックに提供した「ベックス・ボレロ」も捨てがたいのだけれど、終わりがなくなりそうなので、あともう1曲にしておきたい。その最後の1曲としては、9.「ブルース・デラックス」を挙げておきたいのだけれど、ピアノ演奏を生かしてのブルースロック調を基礎にしつつも、ヴォーカルと掛け合いをやるギター演奏は後のレッド・ツェッペリンっぽさがあり、そのギターは秀逸なソロを繰り広げ、ところどころ重い音の演奏の部分を含み、7分の長尺が何とも聴きごたえ感満載だと言えるように思う。[収録曲]1. Shapes of Things2. Let Me Love You3. Morning Dew4. You Shook Me5. Ol' Man River6. Greensleeves7. Rock My Plimsoul8. Beck's Bolero9. Blues De Luxe10. I Ain't Superstitious1968年リリース。 トゥルース/ジェフ・ベック[CD]【返品種別A】 【中古】 トゥルース&ベック・オラ/ジェフ・ベック 【中古】afb ブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、ぜひクリックをお願いします。 ↓ ↓ ↓
2021年12月03日
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パティの歌声(その2) パティ・スキャルファ(Patti Scialfa)の曲を取り上げる第2回目です。今回は、これまでに発表したアルバムの内、いちばん後にリリースされたサード作『プレイ・イット・アズ・イット・レイズ』(2007年)からのナンバーです。 このアルバムが全体的にそうなんオですが、実はこの曲、かなり気に入っています。ファースト作を聴いた時にはあまりそうは思わなかったのですが、その後、セカンドを飛ばしてサード作を聴いた時に、実はアメリカン・ミュージックの継承みたいな部分にかなり力点があることに気づきました。そしてそうした部分を、ふだんのバンドではあまり表に出ない歌の実力を存分に発揮しながら体現したのがこの盤だと実感した次第です。 さて、当然ながら、夫であるブルース・スプリングスティーンとの共演でステージに立つ回数も多いわけです。前回と同様、今回もスプリングスティーンそしてニルス・ロフグレンとの共演映像をついでにご覧ください。 [収録アルバム]Patti Scialfa / Play It As It Lays(2007年) Patti Scialfa / Play It As It Lays 【CD】 下記のランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、バナーを“ぽちっと”応援いただけると嬉しいです! ↓ ↓
2018年02月03日
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特異な輝きを放つサックス奏者の個性 フランク・アンソニー・モンテローズ・ジュニアは、1927年デトロイトに生まれたイタリア系米国人のサックス奏者。“ジュニア”を前にもってきて、J・R・モンテローズ(この理由からJRと続けて表記されることもある)と呼ばれる。個性的プレイで知られ、1993年に66才で亡くなっている。 彼にとって唯一のブルーノートでのリーダー作の本盤は、1500番台の中で実に特異な輝きを放っていると思う。白人系プレイヤーだからというだけでなく、演奏そのものが既に(この1956年の吹き込み時点で)ビバップどころかハードバップのその先を見据えている。“出たとこ勝負”とは真逆の、“入念に準備された演奏”であることは、この盤を一聴すれば、すぐに気づくだろう。もちろん、予定調和とかいう悪い意味ではない。アルフレッド・ライオンがミュージシャンに提供したリハーサルの機会が功を奏した完成度の高さという意味においてである。 その中で強烈に個性が発揮される。全体の演奏からはっきりと浮かび上がってくるテナーのカッコよさ。トランペットを加えた二管編成は完成度と聴きやすさ(とっつきやすさ)の源になっている。収録曲の半分がオリジナルで、もう半分は自作以外の曲だが、本人曰く“自分の曲ばかりにすると自分だけのサウンドになる”と考えたからとのこと。十分個性的なのだから、そのまま突っ走っても悪くなかったような気もするが、性格はリーダー向きではなかったということなのだろうか…(なお、サイドマンとしても『カフェ・ボヘミアのケニー・ドーハム』をはじめいい演奏を残している)。 話は唐突に現代の時事問題へと飛ぶのだけれど、昨今の大学入試の改革の話で“個性のある入学生選抜”とかいう不思議な話が出ている。“みんなちがってみんないい”なんて言われるけれど、その中で強い個性を発揮できる人もいればそうじゃない人もいる。J・R・モンテローズみたいな強烈な個性(それは、選ばれし者たちが吹き込みをしているジャズの世界の中で、さらに輝きを放つほどの飛び抜けた個性!)があればともかく、なくても無理やり“成功体験”を語らせられる就活生のように、今度はありもしない個性を無理やり高校生が語らせられるとしたら…?これから成長していく子どもたちがあまりに可哀想な気もするのだけれど。[収録曲]1. Wee-Jay2. The Third3. Bobbie Pin4. Marc V5. Ka-Link6. Beauteous7. Wee-Jay (別テイク) ←CD追加曲[パーソネル・録音]J. R. Monterose (ts)Ira Sullivan (tp)Horace Silver (p)Wilbur Ware (b)Philly Joe Jones (ds)1956年10月21日録音。 【送料無料】【輸入盤】Jr Monterose (24bit) [ J.R. Monterose ]下記のブログランキングに参加しています。応援くださる方は、バナーをクリックお願いします! ↓ ↓
2014年02月03日
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ありきたりだけど「やっぱり名盤」としか言いようがないA・B・C面という新しい聴き方もあり ソニー・クラークは1931年生まれのジャズ・ピアニスト。主にブルーノートで様々な吹込みを残したが、31歳の若さで亡くなった。本作は1958年の録音で、発売当初はさほど売れることもなく評価が低かったと言う。けれど、日本のジャズ喫茶で紹介され、日本では超有名になった「ハード・バップの名盤中の名盤」。 というわけなので、今さら紹介する必要もないような有名盤なわけだけれど、なぜ日本で名盤とされるのか(そしてなぜアメリカではうけなかったのか)は気になるところ。その理由を考えてみたい。 一つめは、ジャケットである。ジャケットが素晴らしいから名盤というのは、必ずしも成り立たない(とはいえ、ジャケットよければすべてよし、みたいなことを言う人もいないではないが)。個人的には表題曲(「クール・ストラッティン」)とジャケットのイメージがあまりにぴったりとシンクロしていた、ということではないかと思う。都会的で洗練されていて、メリハリが利いた演奏の中にもリラックス感がある…そんな演奏と、あの「美脚ジャケ」がうまくリンクして捉えられた。 もう一つは、当り前ながら、演奏そのものの良さである。本作に参加したアート・ファーマー(tp)の言うように、クラークのピアノのよさは、「頑張ってスイングしている演奏ではなく、自然に流れていく」ことと、「強いブルース感覚」にある。同じような観点から、『ソニーズ・クリブ』も筆者のお気に入りである。けれど、クラーク自身の演奏もさることながら、ベースのポール・チェンバースの役割も大きいのではないかと思う。目立たないが、「自然に流れる」演奏をうまく演出しているのは実はチェンバースだったりするのではないか。 このように、本盤のよさを考えていっても、ジャズ史的にどうこうとか、スタイルがどうこうとかいう話に向いていかない。このことがアメリカでは受けなかった理由ではないだろうか。逆に言えば、ハードバップの与えられたコンテクストの中での名盤性が強い作品だということになる。しかも、上で述べた「自然に流れる」クラークの演奏は、いわば微妙なフィーリングの問題であって、「革新的プレイ」などでは決してない。いわば「受け身」で音楽を受容する体制があった当時の日本の方が、素直にこの微妙な感性を受け入れることができたのだろうと想像する。 ところで、この作品は、LP時代のA面(CDの1・2曲目)ばかりがよく聴かれる。B面(3・4曲目)の評価は芳しくない。こちらの原因は、ドラムのフィリー・ジョー・ジョーンズではないかという気がしている。A面に比べ、B面はドラムが演奏全体をやや牽引しすぎているように聴こえる。 そんなわけで、A面ばかりが聴かれているが、私たちは新しい聴き方も手に入れた。それは「C面」の存在である(もちろんオリジナルLPにそんなものはない)。リリース当時お蔵入りになった2曲(5・6曲目)がCDに追加されたのが、現行の『クール・ストラッティン+2』である。個人的な好みでいえば、A面>C面>B面なのだが、皆さんはいかがだろうか。[収録曲]1. Cool Struttin'2. Blue Minor3. Sippin' at Bells4. Deep Night5. Royal Flush*6. Lover* *ボーナス・トラックArt Farmer (tp), Jackie McLean (as), Sonny Clark (p), Paul Chambers (b), Philly Joe Jones (ds)
2009年07月23日
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マイルス/ギルの最高傑作の真価 マイルス・デイヴィス(Miles Davis)はアレンジャーとして名高いギル・エヴァンスと何度かにわたってコラボしている。その中で、最高傑作と謳われるのが、本盤『スケッチ・オブ・スペイン(Sketches of Spain)』である。『マイルス・アヘッド』(1957年)の美しいサウンド、苦心の末に生み出された『ポーギーとベス』(1958年)を経て、1959~60年にかけてレコーディングされたのがこの作品だった。 そもそも、この作品の制作が始まったのは、マイルスが“頭から離れなくなってしまった”という、J・ロドリーゴ作の「アランフエス協奏曲」を聴いたことに始まる。同じレコードを聴いたギル・エヴァンスもこれを気に入り、ギルのアレンジで本レコーディングを行う流れになったとのことである。 一般的なイメージとしては、“考えるギル”に“感性で臨むマイルス”ということになるのかもしれない。けれども、実際には、ギル・エヴァンスがイメージ通りに様々な編曲やパーツの組み合わせを入念に考えていたのに対し、マイルス・デイヴィスの方も相当に考え抜いての演奏ということになったのではないだろうか。マイルスが言ったとされる“あのメロディはとても強いから、柔らかく演奏すればするほど強くなるし、強く演奏すればするほど弱くなる”という言葉は、そのことを如実に反映しているように思う。結果的に、マイルスはこのスペイン音楽を力で乗り切る(というか押し切る)ことはしなかった。だからこそ、“モダン・ジャズ風スペイン音楽”になることもなければ、“スペイン音楽そのまんま”にもならなかったのだろう。 そのようなわけで、本盤に“マイルスらしさ”を求めるのはあまり正しくないかもしれないし、もちろんのことながら、“スペイン音楽そのもの”を求めるのも正当ではない。マイルスは思索の末にスペイン音楽に歩み寄り(もちろんそこにはギル・エヴァンスという編曲家の尽力が大きい)、結果として、元の音楽とも異なっていて、マイルスの歩みそのものとも違っているという、新種の音楽が作品としてでき上がった。 スペインへの憧憬など、21世紀の今(スペインが国際的観光地で、EUの一員となって、変な意味での幻想の地ではなくなったという意味において)となっては、笑い種かもしれない。でも、その“理想化されたスペイン”と、それをそのまま演じるのではなく、かといって自分流に引きつけるだけでもない演奏を見事に成し遂げたのがこの作品だと思う。当然のことながら、その立役者がギル・エヴァンスその人に他ならない。一般には1.「アランフエス協奏曲」と4.「サエタ」が名演とされる。確かに、これら2曲は文句のつけようもない感動ものだけれど、個人的には2.も5.も、というわけでほとんど全編が、上で述べたように、スペイン音楽そのままでもなければ、マイルスそのまんまでもない、という特徴の上に、見事に完成された演奏としてでき上がっているのだと思う。[収録曲]1. Concierto de Aranjuez2. Will O’The Wisp3. The Pan Piper4. Saeta5. Solea[パーソネル、録音]Miles Davies (flh, tp)Gil Evans (arr)ほか 【楽天ブックスならいつでも送料無料】スケッチ・オブ・スペイン +3 [ マイルス・デイビス ] 下記ランキングに参加しています。 お時間のある方、応援くださる方は、“ぽちっと”よろしくお願いいたします! ↓ ↓
2014年04月28日
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8年毎にしかアルバムを出さないボストンの慣例の始まり 以前、『幻想飛行(Boston)』で紹介したボストンのサード・アルバムが、ここで紹介する『サード・ステージ』(1986年)。『幻想飛行』の項を書いた時に、どっちを先に紹介しようか迷ったアルバムである。 前にも書いたのだが、ボストンの最高作を一枚だけ選べといわれれば、筆者はとても悩む。1976年のファースト・アルバム『幻想飛行』も捨てがたいのだが、どうしても一枚だけとなれば、筆者はこの『サード・ステージ』を選ぶかもしれない。いや、その日の気分によるかもしれないので、とりあえず今日はこの『サード・ステージ』の気分ということにしておく。ちなみに、サウンド的には(シュワルツとしては、1枚ごとに進化しているのだろうけれども)、どのアルバムも似通っている。なので、あとはアルバム全体を通して見たときの盛り上げ方、抑揚のつけ方、さらには筆者の思い入れやその日の気分という観点での判断になる。 さて、本作『サード・ステージ』は"8年に1作"という慣例(?)が確立された最初のアルバムで、1978年のセカンド・アルバムから、8年間を費やした末に1986年にリリースされた。トム・ショルツは79年に既に3枚目の構想について語っていたと言うから、まるっきりサボっていたわけではない。けれども、旧所属のレーベル(EPIC)とは作業の遅さから訴訟問題に発展し、MCAに移籍しての本盤発表となった。第1作・第2作とも大きなヒットを記録していただけに、レコード会社の期待も、ファンの期待も大きかったという状況だ。だからこそ、完璧なものを求めて、ショルツは十分に納得がいくまで年月を重ねることを是としたのかもしれない(1980年に実際に作業を開始してから、ショルツは1万時間以上を制作に費やしたらしい)。実際、本盤収録の楽曲は1980年から86年のものまでが入り混じっている。 今回、本盤を挙げるのは、アルバムのトータリティ(全体性・総体性)という観点からの評価である。音作りという観点からすると、他の各アルバムも同様に優れており、この第3作だけが特段優れているわけではない。とりわけ、デビュー作から第4作まで(『幻想飛行』、『ドント・ルック・バック』、本盤『サード・ステージ』、『ウォーク・オン』)は変わらぬクオリティの高さを誇っていおり、その意味では、どれを聴いても、ボストンのサウンドの懐の深さを体感することができる。 本盤の特徴の一つは、ストーリー性である。1曲目はシングルヒットしたスロー曲「アマンダ」だが、これだけ聴くと、単なるラブバラードである。しかし、アルバム全体としてのストーリーは"宇宙の旅"というテーマに沿って展開する。2.「ウィー・アー・レディ」(準備はOK、の意)で出発準備を整え、続くインスト曲の3.「ザ・ローンチ」で宇宙船は飛び出す。4.「クール・ジ・エンジンズ」では、エンジンを弱めて制御を保ち、5.「マイ・デスティネイション」では、"僕のゴールは君だ"と宇宙船の目的地と愛の目的地をだぶらせて語る。再びインストの6.「ニュー・ワールド」からがアナログではB面で、愛になぞらえた宇宙飛行は、11.「ホリーアン」まで続く。 通して聴くと、他のアルバムに比べ、本盤にはスローナンバーやバラード系の曲が目立つ。これを売れ筋に走ったと取るか、はたまたデビューから2作までの傾向と違うと捉えるか否かは微妙なところだが、筆者は上で述べたようなコンセプト的な作りの結果と考えたい。本盤中の好きな曲もそうしたスロー・バラード系統の曲に落ち着いてしまうのだが、個人的には、1.「アマンダ」、5.「マイ・デスティネイション」、9.&10.「キャンチャ・セイ/スティル・イン・ラヴ」、さらには、11.「ホリーアン」がおすすめ。 [収録曲]1. Amanda2. We're Ready3. The Launch: a) Countdown b) Ignition c) Third Stage Separation4. Cool the Engines5. My Destination6. A New World7. To Be a Man8. I Think I Like It9. Can'tcha Say (You Believe In Me)10. Still in Love11. Hollyann1986年リリース。 サード・ステージ/ボストン[SHM-CD]【返品種別A】
2009年10月04日
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ハードロック・バンド、ツェッペリンの真骨頂 アキレス(アキレウス)はギリシア神話に登場する英雄。不死の体を手に入れたが、かかとの部分だけはそうではなく、最後はそこを射られて死んでしまい、"アキレス腱"の名の由来となった人物である。ところが、この曲では"アキレス"という単語すら登場しない(以前はそう聞き取れる部分があるという説もあったが、現在では違うとされる)。それもそのはず、この曲の出来具合を聴いてロバート・プラントが興奮し、そのはずみで転んで、交通事故で負ったかかとの傷口が再び開いてしまい、これにちなんで"アキレス"という題名が付けられたという、本当か嘘かわからないようなエピソードがある。 そのようなわけで、タイトルはいい加減なものだったかもしれないが、内容はまったくもってそうではない。この曲は、70年代のハードロックという音楽が辿りついた一つの大きな到達点であり、ハードロック・バンドという側面から見たレッド・ツェッペリンの真骨頂と言える。「アキレス最後の戦い」は10分半近い長尺である。そのせいか、あるいは、収録アルバム『プレゼンス』もツェッペリンのハード・ロック性が色濃く出ている(出すぎている?)せいだろうか、早い時期のツェッペリンの有名曲(例えば、「胸いっぱいの愛を」や「ロックン・ロール」)に比べ、この曲は、名前ばかりが知られ、実際に聴かれる率はあまり高くないように思われる。本曲所収のアルバム『プレゼンス』の売り上げも、『レッド・ツェッペリンI』や『同II』、『同IV』など、上記有名曲の収められた盤に比べると低い数字しか残されていない。 上で「ハードロックの到達点」と述べたが、レッド・ツェッペリンは単なるハードロック・バンドではなかった。ハードロック・バンドでありながら、いろいろな音楽を吸収した上で、自分たちのサウンドを示していった。だからこそ、アコースティック寄りの音を提示することもあれば、実験的な音を盛り込んだ曲を出してくることもあった。その意味では、レッド・ツェッペリンとは、ハードロックの本流と言えるグループではなかったのかもしれない。彼らはハードロックのサウンド自体をも変えていこうと進化を志向していたように思える。そうした経緯の中で出てきたのが1976年のアルバム『プレゼンス』であり、それを象徴する曲が「アキレス最後の戦い」だった。つまり、ハードロック的な側面を漫然と繰り返して新曲を提示していたわけではなく、新しいものを求めてハードロックをやっていた。その成果の一つがドラマチックな長編の本曲ということになる。 この曲でのジミー・ペイジのギターのフレーズは鋭く印象的である。ギター・ソロはさほど複雑なプレイをしていないにもかかわらず、幻想的で雄大に響く。そして、何よりも曲全体に重さと分厚さが感じられる。この重みと厚みはジョン・ボーナムのドラムに負う部分が非常に大きい。したがって、彼のドラムなしには成立しないサウンドで、つまりは、ツェッペリンというグループでしか為し得ないものであったと言えるだろう。この厚みとバンド全体の息の合い方が曲全体をびしっと締めていて、緊迫感と雄大さを演出することにつながっている。 これを聴かずしてツェッペリンのハードロック・バンドとしての偉大さは語れない、と言えば大袈裟であろうか。[収録アルバム]Led Zeppelin / Presence (1976年) 【メール便送料無料】レッド・ツェッペリンLed Zeppelin / Presence (輸入盤CD)(レッド・ツェッペリン)
2009年10月25日
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70年代ロックの名曲たち(その5) 少し時代をさかのぼる気分で、ザ・バンドを取り上げたいと思います。ザ・バンドは60年代末にレコード・デビューし、時代の流れに逆らうかのように地味~な演奏をしつつ、アメリカの音楽とは何かを探求したバンドです。代表盤の『ミュージック・フロム・ビッグ・ピンク』や『ザ・バンド』といったアルバムは70年代ではなく60年代に属するわけですが、70年代半ばに解散(後に再結成)するまで、アメリカのロックの基層をつくるのに貢献しました。 ザ・バンドはやがてロビー・ロバートソン色が強くなっていき、しかもバンドとしてのまとまりを欠いていって最後は解散となってしまいすが、その中でも特に活動後期のお気に入りは『南十字星』(1975年)です。同盤には「アーケイディア(アルカディア)の流木」(日本での表記はなぜか「アケディアの流木」)という名曲も含まれていますが、今回はそのオープニング・ナンバーである「禁断の木の実(フォービドン・フルーツ)」をお聴きください。 個人的には、このイントロを聴いただけでノックアウトされてしまいます。カナダ人中心(メンバー5人のうちリヴォン・ヘルム以外の4人はカナダ出身)のバンドでありながら、南へと向かって音楽的な旅を続け、結果、彼らのこの音楽的基層は、そのまま米国ロックの基層にもなっていったという感じです。だいぶ前にも書いたように、ザ・バンドは個人的に“波長が合う”音楽なのですが、それはザ・バンドの音が後世の他のバンドの下敷きとして存在しているからだろうと思っていたりします。[収録アルバム]The Band / Northern Lights-Southern Cross(1975年) 【RCP】【Joshinはネット通販部門1位(アフターサービスランキング)日経ビジネス誌2013年版】[期間限定][限定盤]南十字星/ザ・バンド[CD]【返品種別A】 下記のランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、バナーを“ぽちっと”応援いただけると嬉しいです! ↓ ↓
2014年02月08日
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年末年始に聴きたいジャズ・ナンバー(その3) さて、新年最初に取り上げる曲は、ウェブスター・ヤングの『フォー・レディ(For Lady)』からの1曲です。このアルバムは、個人的にどこか特別な作品だったりします。私見では、何より、このコルネット/トランペット奏者は、聴き手の心を落ち着かせてくれるものなのです。 アルバムについての記事自体はだいぶ前に書いたのですが、その優しさと浮遊感がとりわけ凝縮されている(と個人的には思う)「ザ・レディ(The Lady)」をどうぞ。 ビリー・ホリデイへをテーマにしたトリビュート盤(録音時、彼女はまだ存命中)ですが、ポール・クィニシェット(テナー)、マル・ウォルドロン(ピアノ)、ジョー・ピューマ(ギター)など、渋いメンバーが参加しています。まずはウェブスター・ヤングの演奏を聴き、次に他のメンバーの演奏を聴き、三回目には再びウェブスター・ヤングの演奏を聴く。一粒で二度どころか三度楽しめる、そんな聴き方ができる演奏ではないかと思っています。[収録アルバム]Webster Young / For Lady(1957年録音) 【楽天ブックスならいつでも送料無料】【輸入盤】For Lady [ Webster Young ] 下記のランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、バナーを“ぽちっと”応援いただけると嬉しいです! ↓ ↓
2016年01月01日
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新年を迎えて~気まぐれジャズ・ナンバー(その1) 2015年が明けました。今年も当ブログをよろしくお願いします。 正月早々ですが、気まぐれに聴きたくなったジャズ曲を何回かにわたって更新していきたいと思います。いつものパターンですが、これまでに取り上げた作品の中から、“いま聴きたい”と感じた曲を動画つきで選曲していこうというものです。 さて、この第1回目は、このナンバー。夜に関わる音楽を選んだのに特に理由はないのですが、たまたま聴きたいと思った今年最初の曲が、この「あなたと夜と音楽と(You and the Night and the Music)」だったというわけです。 1956年、アート・ペッパーと共演したマーティ・ペイチの盤『マーティ・ペイチ・カルテット・フィーチャリング・アート・ペッパー』に収録されています。この作品全体がそうなのですが、そのうちの何曲かは特にアート・ペッパーの華麗なサックスが全開で、この曲もその一つと言えると思います。 重い話題、暗い雰囲気になるニュースや出来事が多いここ数年の日本。一人ひとり、多くの人が、こういう風に、軽やかかつ華麗に舞うことのできる、明るい1年になることを願いたいものです。 【メール便送料無料】マーティ・ペイチ・カルテット / マーティ・ペイチ・カルテット~フィーチャリング・アート・ペッパー[CD] 次のブログのランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、“ぽちっと”クリックで応援をよろしくお願いします! ↓ ↓
2015年01月01日
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まったりさわやかなホレス節 ホレス・シルヴァー(Horace Silver)の父は、アフリカ大陸の西、大西洋に浮かぶカーボ・ヴェルデ諸島で生まれた。その父の姿は別の盤(『ソング・フォー・マイ・ファーザー』)のジャケット写真で見ることができる。同諸島は15世紀以来、長らくポルトガルの植民地で、この父もまたポルトガル系の血をひいていたとのこと(なお、カーボ・ヴェルデは1975年に独立し、現在ではカーボ・ヴェルデ共和国となっている)。 1965年に吹き込まれた本盤『ザ・ケープ・ヴァーディーン・ブルース(The Cape Verdean Blues)』の、このわかりにくいタイトルは、“カーボ・ヴェルデのブルース”という意味である(英語読みなのでケープ・ヴァーディーンという読み方になっているが、この部分が“カーボ・ヴェルデの”を意味する)。 さて、ホレス・シルヴァーと言えば、“ホレス節”とすら言われる独特のファンキーで並はずれたピアノ演奏が有名である。聴いてすぐに他の誰でもなく彼だとわかる独特のプレイ。好き嫌いが分かれるとは思うが、いったんハマるとホレスの演奏を聴ける盤はたくさんあって楽しみ甲斐がある。それをワンパターンの(この表現が悪印象なら“確立された”といってもいい)プレイとして楽しむのも一つだけれど、本盤のように少し趣向の違うものとして、ホレス盤の相違を楽しむというのもいいように思う。 60年代も半ばが近付くと、ファンキー・ジャズ確立の流れも一段落し、ホレス自身も次の展開を思案していたのだろう。その結果、出てきたのが63~64年に吹き込まれた『ソング・フォー・マイ・ファーザー』のブラジルの影響であったり、本盤『ザ・ケープ・ヴァーディーン・ブルース』のミックスされたルーツ音楽の影響であったりした。本盤については、ホレス自身がライナーで述べているところでは、3つの源があると言う。1つめはカーボ・ヴェルデの民俗音楽、2つめはブラジルのサンバ、そしてもう一つは、米国のファンキー・ブルースである。 “すっきりさわやか”というとコカコーラだが、本盤はどこかしら“まったり”かつ“さわやか”というのが個人的な印象である。“まったり”な部分はカーボ・ヴェルデへの郷愁ゆえの、ある意味では『ソング・フォー・マイ・ファーザー』とも通底するどこかセンティメンタルな部分。“さわやか”な部分は、相変わらずのファンキーなホレス節なわけだけれども、その微妙な混合具合というかバランスがこの盤の特徴ということになる。 アルバム前半は表題曲の1.(「ザ・ケープ・ヴァーディーン・ブルース」こそファンキーな部分をいくらか含むが、続く2.「ジ・アフリカン・クイーン」と3.「プリティ・アイズ」は哀愁漂う“まったり”部分が表面に出た演奏。後半に入ると、4.「ナットヴィル」では再びファンキーな部分が顔を出すが、ここからの後半3曲にはトロンボーンのJ・J・ジョンソンが加わっている。おそらくはその影響だと思うのだが、微妙な緊張感とスリリングさが生まれている。5.「ボニータ」はそれが静かな調子、6.「モー・ジョー」はその同じ特徴がアップテンポの中で表現されている。全体の演奏の引き締まり具合には、レギュラーメンバーとして参加の二管の影響が大きい。トランペットのウッディ・ショウとテナーサックスのジョー・ヘンダーソンの二人だが、この二人がフロントとなっているホレス盤はこれが唯一のようだが、どちらも当時の気鋭の奏者といった位置づけで、それに相応しい思い切りのある気持ちいい演奏を披露している。[収録曲]1. The Cape Verdean Blues2. The African Queen3. Pretty Eyes4. Nutville5. Bonita6. Mo’Joe[パーソネル、録音]Woody Shaw (tp)J.J.Johnson (tb, 4.~6.)Joe Henderson (ts)Horace Silver (p)Bob Cranshaw (b)Roger Humphries (ds)1965年10月1日・22日録音。Blue Note 4220 【CD】ザ・ケープ・ヴァーディーン・ブルース/ホレス・シルヴァー [TOCJ-7169] ホレス・シルバー【fsp2124-2m】 下記3つのランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、ひとつでも“ぽちっと”応援いただけると嬉しいです! ↓ ↓ ↓
2011年06月22日
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晩秋の「枯葉」 ~トランペッター編(その1)~ 秋だから「枯葉」を取り上げるというのも、何ともベタな話ではあるが、今回は3回シリーズでジャズのスタンダードとなっている名曲「枯葉(Autumn Leaves)」を話題にしたいと思う。とはいっても、ただ「枯葉」というのも何なので、トランペット奏者が中心となっている「枯葉」ということに絞ってみたい。 第1回目は、チェット・ベイカーの「枯葉」である。チェット・ベイカーは米国出身の白人のトランペット奏者かつジャズ・ヴォーカリストで、ウエスト・コースト(西海岸)を代表するジャズ・ミュージシャン。1929年にオクラホマで生まれ、1988年に没している。1950年代前半に一世を風靡するが、50年代後半には麻薬中毒で体調を崩し、60年代にはイタリアで麻薬絡みで逮捕されるわ、挙句の果てには1966年にはサン・フランシスコでドラッグがらみの騒動で前歯を折られてしまうわで、ついには休業を余儀なくされる(この辺の細かい話にはいろんな説があって詳細な真相ははっきりしていないらしい)。 いずれにせよ、"西海岸ジャズ"や"クール・ジャズ"といったキーワードとともに1950年代にいったんは時代の寵児となったチェット・ベイカーは、時の流れとともに落ちぶれていき、活動を停止した後、70年代前半になってようやく復帰する。この復帰時に吹き込まれたのが、CTI盤の『She Was Too Good To Me(邦題:枯葉)』というアルバムで、今回の「枯葉」はこの盤に収録されている。 この演奏におけるチェットのトランペットは、消え入るようにはかなく、哀愁に満ちた繊細な音である。演奏者自身(チェット)が、上に書いたような経緯で"一度は人生が終わりかけた"経歴だった話なども考えながら聴けばなおのこと、あまりにはかなく寂しい音色に響くかもしれない。きっとトランペットのソロだったなら、今にも割れそうな薄いガラスを手にしているようで切なくて悲しげで、1曲を通して聴くに耐え難いものになっていたかもしれないとすら思える。しかし、実際にこの「枯葉」の演奏を聴くとまったくそうではないことがわかる。枯葉が落ちていくは悲しさや切なさが表現されつつも、どこかしら聴き手の心を暖かくする力強さが同居している。 その理由は他の参加ミュージシャンにあるのだと思う。アルト・サックス(ポール・デスモンド)やベース(ロン・カーター)の役割というのもあるが、ここではピアノとドラムに注目したい。ピアノのボブ・ジェームズが演奏するのは、通常のピアノではなく、エレクトリック・ピアノである。伴奏のピアノの電子的な音は、曲全体を暗い雰囲気に沈めてしまわないという点で結構重要な役割を果たしていると思う。しかも、このピアノ音は、ずっと目立つ音で鳴りっ放しという感じではなく、さりげなく音の隙間で聴こえてくるという具合が絶妙である。なおかつ、曲中にピアノ・ソロ部分があるり、このパートではどこかしら寂しさから希望への転換を思い起こさせるというのも効果的だ。 そして、何よりも大きな役割を担っているのは、ドラムのスティーヴ・ガッドである。聴き手によっては、この「枯葉」における彼のドラミングはうるさ過ぎるという人もいるかもしれない。しかし、筆者はこれくらい盛り上げたドラミングが組み合わさっているからこそ、この「枯葉」の名演が出来あがったのだと思う。はかなく切ないチェットのトランペットから始まるこの演奏がずっとそのまま続けば、上述の"暖かさ"や"力強さ"は生まれなかっただろう。けれども、出だしはなるほど抑え気味にドラムを演奏し、デスモンドのサックスが入るあたりから徐々に盛り上げていき、チェットのソロ・パートが再び出てくる部分では抑え気味に戻り、また盛り上げていくという展開は、曲全体の展開を考えた見事なドラミングだと感じる。 そんなわけで、この「枯葉」は、移ろいゆく季節の寂しさと哀愁を感じられる同時に、暖かさや希望といった、その先にあるものを連想させる好演に仕上がっていると言えるだろう。[収録アルバム]Chet Baker / She Was Too Good to Me(邦題:『枯葉』)Chet Baker (tp), Paul Desmond (as), Bob James (p), Ron Carter (b), Steve Gadd (ds)録音: 1974年(参考リンク) 晩秋の「枯葉」~トランペッター編~ その2へ その3へ 枯葉/チェット・ベイカー[Blu-specCD]【返品種別A】
2009年11月18日
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ジョン不朽の名作の真価 ~前編~ 『イマジン(Imagine)』は、ビートルズ解散後の1971年にジョン・レノン(John Lennon)が発表したアルバムで、言わずと知れたタイトル曲「イマジン」を筆頭とする超有名盤である。ビートルズは恐れ多いという理由から、筆者はこれまでビートルズ盤について書くのを避けてきた(そのうち書きたいと思う盤は何枚もあるのだけれど)。今回も結局、ビートルズではなくて解散後のソロ作ではあるが、とりあえずは、このジョンの名盤を、敬意を表して3回シリーズぐらいで考えてみたい。第1回の今回は旧LP盤でのA面に相当する1.~5.の楽曲を順に見ていこうと思う。 冒頭の1.「イマジン(Imagine)」は、平和を訴える曲として有名で、比較的記憶に新しいところでは、9・11のテロ後にラジオ局にリクエストが殺到した。またもう少し前では、1985年ロサンゼルス五輪の開会式でもこの曲が流された。曲の内容については、 “天はない(there’s no heaven)”という歌詞から始まり、しばしば問題視される“宗教もない(no religi?n, too)”に至るまで、“ないものづくし”であり、最後に“そうすれば世界は一つになる(and the world will be as one)”と歌う。歌いだしの“創造してごらん(Imagine)”とうのは、オノ・ヨーコの詩から取ったとのことであり、ヨーコをクレジットに入れなかった事を反省していると思しきコメントを後になってジョンは残している。 2.「クリップルド・インサイド(Crippled Inside)」は、アップ・テンポでドブロ・ギターの音が印象的なカントリー・ロック調の曲。このドブロを弾いているのは、ビートルズで一緒だったジョージ・ハリスンである。曲調に対して詞の内容はシビアなもので、“君が隠すことのできないものは、内面からおかしい時だ”と歌っており、後述の8.「眠れるかい?」と同様、ポール・マッカートニーへの批判と解釈されることもあるが、聴きようによっては自己批判もしくは一般論としての人間批判とも理解できるように思う。 3.「ジェラス・ガイ(Jealous Guy)」は、個人的には本アルバム前半(A面)最大の聴きどころ。元々ビートルズ時代に作っていた曲とのことだが、恋愛関係の嫉妬心を素直に歌いあげたもの。演奏はピアノ・バラード調に仕上がっていて、途中の口笛パートもいい効果を演出している。政治色抜きでジョンのアーティストとしての力量が如実に表れている曲と言えるだろう。ジョン暗殺直後の1981年に追悼盤として日本でだけシングルとして発売され、1988年にようやく世界でシングル曲としてカットされた。 4.「イッツ・ソー・ハード(It's So Hard)」はジョンの人生観の一端を示す曲とされるが、一方で政治的メッセージが込められているという解釈もある。注目すべきはサックスで参加しているキング・カーティス(R&B、ソウル、ファンク、ソウル・ジャズ系の有名サックス奏者)の演奏。ジョンはレコーディングに直接参加できないキング・カーティスのソロ・パートをわざわざ空輸し、このアルバムに使ったとのことだが、実は、演奏者であるキング・カーティス自身は、この録音の直後に口論から麻薬中毒者によって刺殺されており、この演奏がキング・カーティスの遺作となった。 5.「兵隊にはなりたくない(I Don't Want to Be a Soldier)」は、タイトルが明瞭に示しているように、ストレートに政治的メッセージとして反戦を歌ったナンバー。“僕は兵隊になりたくない、死にたくはない”というストレートな文言が、戦闘場面やそこに向かわされる人を想起させ、サウンド的にもおどろおどろしさを思わせる音で演出されている。アルバム表題曲の1.「イマジン」が理想論としての批判を受ける中、この曲はリアルな叫びに(少なくとも筆者には)聞こえる。「イマジン」への批判として、“印税をがっぽり稼ぐスターがそんな理想郷を歌っても…”というのがある。しかし、その批判は、この曲のメッセージを加味した上で果たして本当にそう言えるのかを考えてもいいように思う。ヴェトナム戦争に限らず、米国が仕掛けてきた近年に至るまでの様々な戦争の中で、これが当事者の声そのものだったのではないだろうか。(中編へ続く)関連記事リンク: ジョン・レノン 『イマジン』 ~中編~ へ ジョン・レノン 『イマジン』 ~後編~ へ*全収録曲のデータは後編を参照ください。 下記3つのランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、ひとつでも“ぽちっと”応援いただけると嬉しいです! ↓ ↓ ↓
2010年08月13日
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聴き手の心を鎮めて癒す超名盤 ケニー・ドーハム(Kenny Dorham, 1924年生まれ1972年死去)という人は、不遇なジャズ奏者だと思う。いろんな録音に参加しつつも脇役としてしか認知されず、自分のグループ(ジャズ・プロフェッツ)を形成するも長持ちせず、50歳手前で亡くなったせいもあって、“往年のジャイアンツ”的な存在となることもなかった。ところが、そんな中、わが国のジャズ・ファンは彼に熱い眼差しを向けてきたため、日本では比較的認知された存在である。米国での評価と日本での評価(と一面的に言いきれない部分もあろうが)の違いは、どこから来るのであろうか。よく言われるように、ドーハムはとりたてて革新的なプレーヤーではなかった。その点で評価が高くならないのはわからないでもない。しからば、何が日本人に受けてきたのか。このアルバムを聴けば、納得する人は多いはずだと感じる。 『静かなるケニー(原題:Quiet Kenny)』は、タイトルからわかるように、“静かな”演奏を集めたものである。別の有名盤『アフロ・キューバン』が熱く明るい方の彼であるとすれば、本盤は静かで物悲しい方の彼である。メンバーは、トミー・フラナガン(ピアノ)、ポール・チェンバース(ベース)、アート・テイラー(ドラム)の3人に、ケニー・ドーハムのワン・ホーンという編成。つまりは、安定した最高のリズムセクションの上にケニー・ドーハムの存在が際立っている。そのプレイは平凡と言えば平凡なのだが、“ありきたり”というわけではない。静かにめらめらと揺れる炎、内に秘めた情念みたいなものが演奏の向こう側に透けて見える。そして、普通に吹いているようでいて、人の心を鎮め落ち着かせるようなトーンが聴き手に投げかけられる。 1.「蓮の花(ロータス・ブロッサム)」の音色に癒しを感じられるかどうか。2.「マイ・アイディール」が醸し出す雰囲気にリラックスして入り込めるか。3.「ブルー・フライデイ」で思わず中空を見つめぼーっとしてしまえるか…。延々書いても仕方ないので、以下は省略するが、要するに、この雰囲気自体に入り込めるか(あるいはそのフィーリングを塊として受け入れられるか)が、本盤をいいと感じるか否かの最初の境目なのだと思う。その際に、ジャズの“進歩”や“進化”、演奏内容の“革新度”を真剣に考えすぎる聴き手は、先に述べたような決して高くはない評価を与えることになるのだろう。また、米国での注目度の低さは、単に米国人の中にこのフィーリング自体に馴染まない人が多いということなのかもしれない。この陰気くさい雰囲気もまたジャズであると筆者は思うのだが、それをまず認めてからでなければ好きになれない、ある意味では厄介な盤とも言える。 いずれにしても、そのフィーリングをいち早く嗅ぎとった日本のファンは、目ざとかった。米国ではメジャーにならない盤を、本邦では名盤に仕立て上げた。『静かなる~』という巧みな邦題も人気に寄与したのだろう。日本での評価に間違いはなかったと思う。いったんはまってしまえば、目を閉じて、ゆっくりと癒されるしかない。そうなれば、一気に最後の8.「マック・ザ・ナイフ」(別名を「モリタート」と言い、ソニー・ロリンズの『サキソフォン・コロッサス』に収められた演奏が有名)まで、時間の流れの止まったかのような一時を過ごすことができる。目を閉じて静かに癒されたい人にお勧めしたい一枚。[収録曲]1. Lotus Blossom2. My Ideal3. Blue Friday4. Alone Together5. Blue Spring Shuffle6. If I Had The Craziest Dream7. Old Folks8. Mack The KnifeKenny Dorham (tp)Tommy Flanagan (p)Paul Chambers (b)Art Taylor (ds)録音: 1959年11月13日New Jazz 8255 【楽天ブックスならいつでも送料無料】静かなるケニー [ ケニー・ドーハム ] 下記ランキング(3サイト)に参加しています。 お時間のある方、応援くださる方は、“ぽちっと”よろしくお願いいたします! ↓ ↓ ↓
2010年03月25日
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80年代後半、アンディ・テイラーを迎えての好盤 ソロ・アーティストとしての(ジェフ・ベック・グループやフェイセズの活動は別にして)ロッド・スチュワート(Rod Stewart)といえば、1970年代後半の絶頂期を思い浮かべる人が多いだろう。その一方、過去にも私見を述べたように(参考過去記事)その前とその後に彼のヴォーカルの冴えている時期があった。少し幅を広くとるならば、70年代初頭から半ば、そして80年代後半もしくは末から90年代初頭辺りといってもよいように思う。 1988年リリースの『アウト・オブ・オーダー(Out Of Order)』は、この2つ目の時期に該当する作品。40歳代に入ったロッドは、枯れるというほどではなく、かといって若さだけで押しまくる年齢でもなくなった、そんな時期のアルバムということになる。本盤制作にあたって迎えられたのは、アンディ・テイラー(デュラン・デュラン)とバーナード・エドワーズ(シック)で、ロッドとあわせて3人がプロデュースを担当している。アンディ・テイラーの存在が特に際立っていて、半数ほどの曲でロッドとの共作者となり、さらにギターも多くの曲で担当している(ちなみに共同プロデュースのバーナード・エドワーズもベースで参加)。あと、あまり目立たないものの忘れてはいけない点としては、ギタリストのマイケル・ランドウ(参考過去記事, 3., 5. 11.を除く全楽曲で演奏)の参加である。 都合5曲がシングルカットされ、うち5.「キャント・テル・ミー・ノー(My Heart Can’t Tell Me No)」は全米4位、ほかにも4.「フォーエヴァー・ヤング」(全米12位)などのヒットを生んだ。ちなみに、残りのシングル発売曲は、1.「ロスト・イン・ユー」、6.「ダイナマイト」、8.「クレイジー・アバウト・ハー」である。他に注目曲をいくつか足しておくと、3.「リーサル・ドーズ・オブ・ラヴ」のように時代を反映したアレンジでも同じようにのびのびと歌うロッドという組み合わせが面白い。7.「ダウン・アンド・アウト」も従来のロッドらしからぬアレンジの曲だが、それを楽しめている感じがする。あと、9.「ホエン・アイ・ウォズ・ユア・マン」はロッド得意のバラード系ナンバー。 なぜかファンからもあまり注目されない盤だけれど、ロッド・スチュワートのもう一つの絶頂期を切り開いた1枚としてもっと再注目されるといいのにと密かに思っていたりする。[収録曲]1. Lost in You2. The Wild Horse3. Lethal Dose of Love4. Forever Young 5. My Heart Can’t Tell Me No6. Dynamite7. Nobody Knows You When You're Down and Out8. Crazy About Her9. Try a Little Tenderness10. When I Was Your Man11. Almost Illegal *LP盤未収録曲1988年リリース。 アウト・オブ・オーダー/ロッド・スチュワート[CD]【返品種別A】 下記ランキングに参加しています。 お時間のある方、応援くださる方は、“ぽちっと”よろしくお願いいたします! ↓ ↓
2016年12月10日
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