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ジブリから分かれたスタジオポノックの第1作「メアリと魔女の花」ですがーー、キャッチコピーが良くなかったので、そして先日TVで観てみたらほんとにキャッチコピー通り、「魔女、ふたたび」、つまり二番煎じで、つまんない感じがしてしまいました。 日本だとどうしても「魔女の宅急便」のキキとジジが突出しているため、メアリはその真似みたいに見えるのでしょう。でも、箒に乗って黒猫を連れた魔女とは西欧圏の魔女の定番なので、それは真似というよりオーソドックスで、大変結構だと思うのです。 気になったのは、同じ新米魔女としてキキとの違いを出そうとのでしょうか、メアリが「トトロ」のメイみたいになってしまっていることです。好奇心のかたまりのやんちゃで天然な子供。それが冒険をして責任感とか思いやりを身につけて・・・みたいな、これが何か、キキよりありきたりな展開なので、期待が裏切られてしまうのです。 魔法大学エンドアの描写も、普通にポップでファンシーで、遊園地とかゲームの世界とかで見飽きた感がありますね。魔法学校というとまたどうしても「ハリー・ポッター」を先に知りすぎているし。ポップでファンシーよりお化け屋敷ぽい方が、魔法学校にはふさわしい雰囲気ですよね。 でも、もとジブリのそうそうたる方々が創ったのだし、何か魅力の核心があるはず。そう思って、原作を読んでみました。というのも、原作はわりと古い(HANNAの子供の頃の)作品で、ノスタルジックなインスピレーションを感じたのです。 映画以前に訳本も出ていますが(上右画像)、私は表紙絵(右)が気に入った原作「The Little Broomstick」を電子版で読みました(電子書籍だと難しい単語の解説や辞書をすぐ見ることができて、便利です)。 で、感想ですけど、古き良きイギリスの田舎(カントリーサイド)と古き良きおとぎ話(fairy tale)、そしてレトロモダンな(70年代の作品ですから今読むとそう思える)感じも混じった、ステキな逸品でした! 主人公メアリはやんちゃではなく、ごく普通(plain=「平凡」ですね)の、おとなしくて真面目で目立たない少女です。原作の眼目は、貧乏くじを引いて田舎に預けられたと嘆く普通の子メアリが、魔女の花と箒を見つけて、一晩だけ普通でない秘密の冒険をする、そのすばらしさにあります。 物語の舞台は、アニメでは描き切れていない気がしますが、英国ならではの田舎の古い館で、灰色の秋の午後から始まっています。シュロップシャーとありますから、もうウェールズに近いですね(私の大好きな「ドリトル先生」の家もシュロップシャーです)。 赤れんが屋敷と呼ばれ、庭には芝生、樹木、ツタ、そしてブロンズ色などにしおれたキクに、深紅や琥珀色のダリアなどのある花壇。そして生垣から広大な森へ。荒涼として人気なく、空は灰色の外套、または真鍮の色。さしこむ日光は淡い金色。これらの色合いだけでも、本格英国調の渋い風景画みたいです(私はめるへんめーかーの絵を思いだしました)。 住んでいる人も、いかにもです。耳の遠いおばさまは刺繍をしているし、女中さんは訛って呪文のように聞こえるレシピをつぶやきながら料理をします。方言ぽい英語は、言ってること自体は簡潔なのでなんとなく意味が分かります。 庭師のゼベディさんもすごい訛りで味があります。彼の風貌の細やかな描写もすばらしいですが、中でも、コマドリのような明るい年取った目、というのが嬉しいーーこういう目は、ケルト伝説の妖精の目によく出てくる目なんです。 原作のメアリはとても行儀良く、どちらかというとおどおどしているのですが、屋内では静かにと言われ、台所でも庭でも手伝いを断られたり失敗したりして、一人森へ向かいます。これも典型的ですが、10歳というプレ思春期の子供にとっては、家族と離れ、家と離れ、手持ち無沙汰で一人ぶらぶら行った先に、ファンタジーは待っています。 以前にも描きましたが、英国そして日本の昔の風景は、そのまま異界や魔法をはらんでいるのが、すばらしいです。オークの根方の水たまりにアザミの綿毛が浮かんでいたり、キノコがあったり、緻密な描写のうちに、だんだんと神秘的な感じが強まっていき、黒猫ティブが現れてメアリを魔女の花へと導きます。 視覚的な描写のほかに、音も、かさかさ言う落ち葉、ひゅうひゅううなる嵐の晩に妖怪じみた怪しい音が色々してきたり、雰囲気があります。 翌日、メアリはまだ屋敷の日常に居て、見つけた箒で、吹き散らされる落ち葉を集める手伝いを一生懸命しようとします。そしてーー、自分から冒険に乗りだしたというよりは、魔女の花で活性化した小さな古い箒に誘拐されて、空へ飛びたちます。 魔女の花「夜間飛行」は日本語の字面にするとおしゃれですが、英語 fly-by-night は、調べてみると「夜うろつくもの」「夜逃げする人」「信用できない、あやしい者」なんて意味です。 この冒険をお膳立てした黒猫ティブの名も、中世フランスの動物寓話『狐物語』に出てくるずる賢い雄猫ティベールがもとだそうで、魔女の使い魔ではなく、猫らしい孤高の賢さを持っています。 (ギブの方は映画では雌猫と思われますが、実は gib の意味には去勢された雄猫、というのがありました!) ちなみにメアリがさらわれるようにしてやってきたエンドア大学の校長は魔女ですが、エンドアの魔女 witch of Endor とは旧約聖書に出てくる霊媒師。 こんなふうに、原作だと固有名詞の背景なんかも探れて楽しいです。各章のタイトルも、すべて、マザーグースなどの童歌や慣用句が使われています。マザーグースは、エンドア大学で生徒が習っている呪文の中で、奇妙にゆがめられた替え歌となり、それはマンブルチュク校長とドクター・ディーの危険な「生物を変身させる研究」で生み出された奇形の生き物たちを暗示しています。 エンドアの描写も古風な風変わりさで、ポップでファンシーよりはぐっと渋めです。まあ、主人公も舞台背景もそんなでは、やはり日本の子供たち向けの映画にはしにくいでしょうね、地味すぎて。 フラナガンの箒談義や、後半の息をつかせぬ箒のデッド・ヒートは、この物語のレトロモダンな面白さです。特に箒談義には百貨店のハロッズなどが出てきて、日本の子供にはわかりにくいでしょうね。 エンドアからの脱出行と逃亡は、映画のように複雑なくり返しはなく、魔法合戦もありません。ただただ小さな箒が頑張って飛び、途中から少年ピーターも加わって単純でわかりやすいトリックを使ったり、低空飛行したり、それでもハラハラドキドキの迫力です。 現実世界近くまで来ると、霧が出現。局所的な濃い川霧で、妖精譚に出てくるお定まりの異界との境界ですね。疾走するシカや群れ飛ぶ小鳥たちなんかも、イギリスの大自然!です。 そんなわけで、イギリス好きな人にはお薦めしたい原作でした。 ついでに、もっと古典的な魔女と黒猫と箒の話、こちらはイギリスの都会のお話『黒ねこの王子カーボネル』もあります。読み比べるといっそう楽しいかもしれません。
May 1, 2024
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ほのぼのしたアナログ調の絵柄がすてきな、岩本ナオ「金の国水の国」。コミックスを読み、プライムビデオで映画も観てみました。 原作のストーリーやキャラクターはもとより、絵本のようなやわらかい線の特徴を保った、優等生な映画でしたね。細かい変更はありましたが(敵対するA国B国にちゃんと名前がある、国境に城壁がある、などなど)、どれも理解しやすくなっていて、子供でも楽しめる感じ。 実は設定的にもいろいろ突っ込みどころはあるんですが・・・、交易で栄えているというA国、自国は砂漠と涸れつつあるオアシスで、産物がなさそうですが、中継貿易専門でしょうか? 原作冒頭の地図だと隣のB国以外の国が見えませんけど、B国とは交易してないんだし、具体的にどうやって儲けているのでしょう。 B国は以前A国との戦争に敗れて以来、貧しいということですが、水があり森林があり海もあるのですから、A国よりはよほど農林水産業が発達していそうです。水運を利用すれば、A国と国交がなくとも他の国(どこにあるにせよ)と交易もできそうなのに、なぜ貧しいままなのでしょう。 あと、大多数が無宗教的な現代ニッポンの作品ではありがちだと思うのですが、神様とか宗教の扱いが適当です。この物語も、そもそも二国の仲違いの仲裁をして、いちばんの美女をB国に嫁にやり、いちばんの賢者をA国へ婿にやれ、という神託を下した神様(または宗教指導者)がいたはずなのに、冒頭だけであとはまったく触れられていません。形だけにせよ2国ともが従った神様の権威はどうなっているのでしょう。2ページ目以降、神様に祈る場面もなく、宗教指導者も出てきません。 描かれている風物からすると、特にA国はイスラム圏のようにも見えますが・・・ けれど、そういうことをあれこれ追及すべきではないのかも。たぶんこのお話はおとぎ話というか、寓話というか、余計な条件をそぎ落として単純化してあるのでしょう。 支配者層の意地の張り合いで長年不仲だった2国を、それぞれの国のごく常識的な男女が中心となって和解させる、というのがそのシンプルな筋。 どうしても昨今のご時世から、ロシアとウクライナとか、ロシアとNATOとか、南北朝鮮とかの対立を思ってしまいます。国の体面(というより支配者たちの体面)のために、人々が惑わされ、戦争にかりたてられ、生活基盤を壊され、果ては犠牲者になってしまう、この愚かしさ。 対立抗争を終わらせるのは、軍事力よりも経済力よりも、市井の人々の健全な常識と思いやりである、ということを、シンプルでピュアなメルヘンに触れることによって、多くの人が認識すればと思います。 この物語によれば、一見お飾りのチャラ男であるイケメン俳優の左大臣も、一見王をたぶらかし私腹をこやすだけの右大臣も、一見ぜいたくで高慢な第一王女も、一見もうろくして頑固な国王も、じつは根っからのワルでもバカでもなく、それぞれの立場でそれなりに考えたり頑張ったり悩んだりしているのです。B国の族長も、嫁に来た設定の王女サーラを結局奪いもせず飲み比べを提案し、自分が負けて祝いのご馳走をあげてしまったのも、じつはわざとなのかもしれない、なんて思います。 そして何があっても持ち前の落ち着きと思いやりとマイペースを崩さなかったテンネンのサーラ姫、立派ですね。ナランバヤルもざっくばらんで、やはり落ち着きと思いやりがありました。気がつくとみんなが二人を応援して、みんなが善人になっている。読者もまた。
September 10, 2023
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1989年のSFX映画「バロン」をTV放映で久々に観ました。奇才テリー・ギリアム監督が当時の技術を駆使して再現した、ドイツの民話「ほらふき男爵の冒険」です。 DVDの表紙はジョン・ネヴィル演じるイケオジ(イケジジ?)バロンに似ず格好良くないので、右の画像はブルーレイ版の表紙です。 ジョン・ネヴィルのバロンは、原作本(何種類かあるようです)のドレーの描いたバロン像にほんとに似ていて、貴族的・紳士的、でもちょっと滑稽で色っぽい、何とも味のあるお顔。 これは原作が、貴族・紳士階級のサロン(クラブ)文学であることにも由来するのでしょう。実在のミュンヒハウゼン男爵が自宅サロンで、いわゆる「トラベラーズ・テイル(旅のほら話)」を語ったのを、書き留めたそうですから。 ほら話の内容は、シンプルで荒唐無稽、即物的だったりだじゃれだったり、今で言うと劇画調。男爵ったら、大砲の弾に乗っかって飛ぶし(このシーン、『ワンピース』にあったような)、目から火花が出るほどおデコを(わざと)ぶつけて、火縄銃に点火したり。くだらない作り話なのに、貴族的・紳士的に、品良く語るがゆえに、何だかだんだん聞き手は心地よくなってくるから不思議です。 そして映画ではバロンの朗々たる語り、大見得切りなど芝居がかった立ち居振る舞いもすばらしい! ストーリーは枠構造になっていて、アナクロなお芝居からスタートするのです。張りぼての大道具、派手なメイク、題目はもちろん、ほらふき男爵の冒険。 芝居が行われているのは18世紀(「理性の世紀」とわざわざ最初にことわっています)ドイツの小都市で、もうずっとトルコとの戦争が続いています。 ・・・って、オスマン・トルコは18世紀ドイツに攻め入ったことないんですけど! 設定がハナからウソです! でもそんなことはいいんです。要は、(現在の某国々のように)戦火にさらされていても、否、だからこそ、人々は面白おかしい空想物語の芝居を好んで観に来るということ。 町の長官ジャクソンは「理性」を体現するべく、戦時下の芝居を規制しようとしますが、そこへ本物のバロンが出現。舞台へ上がるや芝居をジャックして、トルコ皇帝とのエピソードを語り始めます。張りぼてや滑稽だった舞台装置や俳優が、バロンが優雅に身をひるがえしたとたん、鮮やかな実物(の映像)となってエピソードが展開していくのが、圧巻です。 芝居をする人々と観る人々の気持ちが合わさって、奇跡が起こり、本物のヒーローを呼び寄せたんですね。「プリキュア」の映画館で景品のペンライトをみんなで振りながら応援すると、それにこたえてプリキュアが勝利する、あの感覚。 でもエピソードを見ていくと、バロン自身よりその従者の面々の方が、超人的活躍をするのです。めっぽう銃がうまかったり、超高速で走れたり、息であらゆる物を吹き飛ばしたり、ものすごい怪力だったり。 あと忘れてはならないのが、危機に駆けつける愛馬ブケファロス(もとはアレキサンダー大王の乗った荒馬です)。野性の象徴って感じです。 これは、冒険物語にはよくあることですが、ヒーローにふさわしいスキルが複数のキャラクターに分化しているんですね。 ところが理性の時代なので、人々は常識にがんじがらめに縛られていて、その結果バロンも仲間も年老いて、超人パワーも忘れられています(そもそも芝居になるってことは、有名だけど過去のものなんですね)。最初のエピソードの終わりに舞台が爆撃されて壊れ、バロンが死にかけるのもそのためです。 彼を生に引き戻したのは、バロンの存在を信じるヒロインの少女サリー。彼女は町の救いを求め、彼を叱咤激励します。冒険に同行し仲間となって、若さや純粋さという、今の彼にはなくなったパワーを補充することで、彼を再び活躍の場に立たせるのです。 二人は月世界、火山の地底、海の怪物の腹の中などへ旅し、配下の超人たちを見つけて連れ帰ります。どれも理性から遠い深層心理的な場所で、超人パワーはその深奥で忘れられていたのです。 我々も、日常に疲れ果てたとき、心の奥底をさぐって、若い頃の気力体力、夢見た感性などを再発見すべきなのでしょう。 物理的スキルは目立たないバロンですが、仲間を束ねるリーダーとして、精神的なパワーは驚異的です。まず、騎士道なイケジジなのですべての女性にモテます。話術もたくみだし、何より命をかけて勝負にとびこむ度胸と勇気、これが他の仲間のパワーを十二分に発揮させる原動力になっています。 こうして小気味よくド派手な活躍でトルコ軍に勝利したバロンは、(ネタバレ→)しかし、凱旋行進のさなかに凶弾に斃れるのです。一転して涙のお葬式。 ところが、ここでも芝居という枠組みが、最後をきっちりまとめてくれます。お葬式にバロン自身の語りがかぶさり、気づくと人々はずーっと彼のほら話を聞いて(芝居を観て)いたのでした! ヒーロー、奇跡の復活。我を忘れて没入する空想世界の効用は、戻ってきた現実をも変えることにあります。 「Open the gate!」というバロンの呼びかけとともに、人々はジャクソンの制止を振り切って芝居小屋の扉を開け、町の扉を開け放ちます。こうして偏狭な心の扉をあけたとき、そこには敵はなく戦争もなく、大道具じみた異国風の天幕の残骸があるばかり。 そして英雄バロンは一人、輝きの中にさっそうと去って行きます。心憎いエンディング! この映画の制作は非常に困難をきわめ、費用もかさんで、収拾がつかなかったそうですが、なるほど当時がんばったSFXもCG主流の今どきの映画と比べると古くさく見えます。けれど逆にそれが、アナクロ芝居の外側にさらに映画と観客というメタフィクションな枠組みを感じさせ、重層的な見方を楽しめると思います。 つまり、バロンの芝居やバロンの物語によって目がさめた町の人々と同様、映画の観客も一歩引いた視点に目ざめることができます。 戦争は心の中にある、と確かユネスコ憲章にありましたけれど、我々もファンタジーに学んで偏狭な心を開け放ち、友愛と平和を少しでも実現したいものですね。来年こそは。
December 31, 2022
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あっと驚く最終回、という噂にたがわず・・・。ちょっとやりすぎじゃない?という感じに、ひねってだましてサウロン登場。(以下ネタバレあり) まあ、アダルじゃあ見かけが貧相すぎるなあと思っていましたが。 まあ、確かに、ヌメノールで虜囚になってましたが(経緯は原作と全然ちがうけど・・・)。 あまりにも彼が人間くさかったので、猪突猛進のガラ様はだまされてしまいました。 とにかくガラ様、ギル=ガラドよりずっとずっと年長なんですから、やっぱりもう少し落ち着きが欲しいです。まるでノルドール族のやっかいな小姑みたいで、しかも結果的にサウロンをエレギオンに連れて来ちゃうとは、大失態ですよね。 ケレブリンボールなんて、フェアノールの末裔だからもっと熱き魂かと思いきや、ガラ様にくらべればずっと冷静ですね。 8回分をふり返ってみると、ミスリルの意外な重要性だとか、いろんな所でもはや原作と違いまくっているので、それは諦めておくとして。(なぜモリアの地下深くにミスリルとバルログが両方存在したのかの説明がついてて、そこは面白かった。) 意外に良かったのは、ヌメノールの女王ミーリエル。統治者ならではの責任感や苦悩と、一人の父思いの娘、誇り高い個人としての人間らしさがせめぎあって、人格に深みを与えていますね。俳優さんの表情も豊かで、すばらしい! エレンディルとイシルドゥアはあんな感じで良いけど、アナリオンはどこにいるんでしょうね。まさかオリキャラの妹がアナリオンに化けるとか? やはり灰色のお方だったストレンジャーと、ホビットの先祖の少女ノーリの旅が新しく始まるところは、“皆と離れて己が道をゆく主人公”を貫いていて、よろし!
October 16, 2022
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鳴り物入りで始まりました、アマゾンのドラマ「ロード・オブ・ザ・リング力の指輪」。 私このためにプライム会員代を払っているようなものですので、とりあえず、1話目を観ました! 大画面で観たいとFireTV(安いの)を買ったら、まさかのIpv6非対応(Wifiの通信方式の話です)で、使えなかった(涙)。うちはIpv4だと通信がぶち切れなので、こないだ6に変えたところだったんです。結局お手軽にスマホの小さい画面で観ました。 で、(以下ネタバレあり)やっぱりガラ様(ガラドリエル)がまず出てきましたね。「ホビット」「ロード・オブ・ザ・リング」と共通の登場人物で第2紀に生きてたのって、ガラ様とエルロンド(彼もすぐ出てきた)だけですもん。ちゃんと二人とも、映画版の俳優さん(ケイト・ブランシェットとヒューゴ・ウィーヴィング)と似たお顔の若い俳優さんでした。 びっくりなのが、ハーフット族(ホビットの先祖たち)です。えー、第2紀にも居たんだ。いや、居てもいいけど、服装や生活様式がすごく細かく描かれていて、制作陣が一生懸命くふうしてるんだな、と思いました。 ハーフット族やシルヴァン・エルフと人間の女性など、オリジナル登場人物がたくさんいますが、彼らの場面とガラ様の場面がかわるがわる出てくるように作ってあって、視聴者の興味をがんばってつないでいっています。 そして共通するのは、各場面の主人公たちは、“みんなと同調することをあえて拒む者”であること。ストーリーを展開させていくのは、いつだって、みなと違ったことをした人なんですね。ガラ様は悪の滅亡を信じず西方ゆきを拒むし、シルヴァン・エルフのお兄さんもそう。そういえば、ビルボもホビットとしては少々変わり種でしたっけ(フロドはそうでもないけど!)。 舞台を第2紀にもってきたのは、ある意味よかったかも。原作では中つ国は空白時代で、ガラドリエルでさえどのような日々を送っていたのか詳しくは書かれていない。 だから、アマゾンは結構自由にドラマが創れちゃいます。「シルマリル」に詳しい第1紀のエピソードには最小限しか触れず、とにかく第2紀を自由に描く。ガラ様の勝ち気でちょっとワンマン的な性格さえ崩さなければ、エルフ戦士を率いて遠征に行ったり、トロルとバトルしたりしても、“それもありかもしれない“。 つまり壮大な「二次創作オリキャラあり」。細かい目くじらはたてないで、なるほどこんなふうに創ったのね、と楽しく鑑賞することにします! 上のエルフとシルヴァン・エルフが出て、ホビットの先祖も人間も登場したから、次はドワーフが出てこなきゃ、ですね。モリア建設かなあ。 あとまだこれから、ヌメノールの歴史をやらなきゃいけないんだけど、大変だろうなあ。ゴンドールの祖先の地といっても、映画版と共通キャラは居ないし、地理的にもイメージしにくい気がする・・・なんて、心配になっちゃいます。 もしこのドラマが成功したら、次は第1紀を創る気かなあ。先走ってそんなことも思いながら。
September 3, 2022
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1991年というともろにソ連崩壊の年なんですけど、そんな激動の時代にレニングラードTVが作った映画『指輪物語』。何を思って制作したんでしょうねえ。ファンタジーから未来への指標を読み取ろうとしたんでしょうか!? 残念ながら第1部(『旅の仲間』)だけのようですが。 YouTubeで無料で観られるというニュースを発見してからはや2週間、スキマ時間に5分、10分と観ているのですが、ようやく前編の終わりぐらいまで来ました。 全部ロシア語なので、画面から読み解くしかありません。(←違いました。二度めに観て気づきました、英語字幕なら出ます! 4/30付記) (じつは、娘はロシア語がわかるのですが! 多忙な彼女は『ホビット』しか知らないし、大学の課題の教材にするには長すぎると言って、観てくれません! 何としても翻訳してほしいものですが・・・) とりあえず気づいた点を書き留めます; ロシアが舞台のホビット庄ですね。黒の乗り手たちが雪をけたてて走ります。フロドたちはみんなで橇に乗ってます。なんだか心温まるロシア民話。素朴な農民たちのいい感じが出ていて、それなりにホビット庄です(うん、まあね)。 ホビットたちおそろいのフリンジ付きブーツはいてる、と思ったら、それは毛の生えたホビットの足を表現しているのでした。 それにしても、いきなりメガネをかけた先生みたいなナレーターが出てきて、袋小路の炉端みたいな所で語り出すので、びっくりです。本編のややこしいアクションのところは、このナレーターがしゃべって飛ばす感じです。 ビルボの待ちに待った誕生祝いのシーンを見ると、メガネの若いホビットが居て、あとでフロド(ビルボが行ってしまった時は、水玉模様のスカーフの端っこで涙をぬぐっています)に同行している・・・まさか、サム? だって最後に袋小路のあるじとなったのはサムですから、昔話を語るナレーターになってもおかしくはない。でも、発想が新鮮すぎる・・・メガネのサム!? 追記;サムじゃなかったです。後日、パート2を見たら、ホビットたち一人一人紹介する場面があって、メガネはピピンでした! メガネのピピンもかなりびっくり! ちょっとあんまりだー!! ガンダルフは地味です(とんがり帽子がないし、ホビットにくらべてそれほど大きくない)けど、ガンダルフらしいいい顔でした。花火が学芸会のような手書きで悲しかったけど、仕方ないですね。 他にも、SFXとか無いですから貼り重ねたような画面やテクノカラーみたいな色づけが目立ちますが、一生懸命工夫してるんでしょうね。 柳じじいのシーンで樹木の精がモダンバレエみたいに踊ってました。で、唐突にものすごくでかい(トロルなみ)トム・ボンバディルが山高帽をかぶって登場。ガンダルフよりずっと巨大です。助け出されたホビットたちが、ぺこぺこしながら「スパシーバ、スパシーバ」と言ってるのが、唯一私が聞き取れたロシア語です。なんだか地主と農奴みたいでもあります。 ゴールドベリはそれなりにすごくよかったです。やっぱりありえないでかさでしたが、素朴な自然霊らしく、もやもやの髪の毛にキラキラをつけて、五月祭の女王みたい。 そして衝撃の、塚山の恐怖体験。再びモダンバレエっぽい踊りがあり、ピエロみたいな隈取りの演出があり、でも結構盛り上がって、結構こわいです。ロシア風牧歌的田舎のホビットたちの目から見た、異次元の妖怪って、こんな感じかもな、と思えます。 躍る小馬亭の雰囲気もよかったです。俳優さんたちみな、表情が豊かで端役の人も手を抜いていません。 バクシのアニメとも、ピーター・ジャクソンの映画とも、また違った『指輪物語』。いろんな人々の想像力をこんなふうにかきたてたのか、と思いながら見比べるのは、ほんとに面白いです。その時代、その人にしかイメージできない世界があるのですね。 早く続きを観なくては。
April 23, 2021
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映画監督のリドリー・スコットというと「ブレードランナー」と思っていたので、評判の良くない2010年の「ロビン・フッド」は今まで見捨てていました(「グラディエーター」も「ベン・ハー」の真似じゃね?とか思っていたし…) 最近になってTVの録画を観てみたところ、ラッセル・クロウとケイト・ブランシェットはかっこよかったものの、なるほど何だか奇妙なロビン・フッドでした。 (以下ネタバレあり) 正確に言うと、ロビン・フッドが森に住む無法者(アウトロー)となる前日譚で終わったため、お決まりの森での活躍や弓矢の試合がいつ出てくるのか?と思っていたら、出ないまま映画が終わってしまいました。 だいたい、獅子心王リチャードがしょっぱなで死んでしまって、これは誤報できっと生きてもどってくるよ!と思っていたら、死んだままだったし。ロビンは弓矢というよりピック(戦闘ハンマー?)を武器にして(右の画像参照)、フランス軍の上陸をくいとめる・・・って初耳。クライマックスが海辺のロビン・フッドって、斬新すぎ。 私は幼い頃観たディズニーの「ロビン・フッド」(1975年)が好きすぎて、私の中で定番になっています。 あと、エロール・フリンの魅力全開の、古色蒼然たる「ロビンフッドの冒険」(1938年!)はディズニーとほぼ同じストーリー(というか、ディズニーの方があとですね)。ここにはアングロサクソン人(被征服民)とノルマン人(征服王朝)の対立が描かれています。 小説ではウォルター・スコットの『アイヴァンホー』が同じようなテーマとストーリーで私好みです。 その他の映画、たとえば「ロビンとマリアン」(ショーン・コネリーとオードリ・ヘプバーンという豪華キャスト)のような年をくった2人。ケビン・コスナーのロビンより、仲間になって英国に来た(ウソー!)アラビア人の方が断然かっこよかった1991年の「ロビン・フッド」(ブライアン・アダムスの歌は良かった)。読み物では、マイナーですがハヤカワFT文庫から出ていた『シャーウッドの森の物語』シリーズ(ジェニファー・ロバースン。フライパンで殴るマリアンが素敵)。 などなどを知っていますが、まあ色々なストーリーがあるもんです。どれもそれなりに面白い。作り手が自由に作れちゃう点では、イギリスでアーサー王の次に魅力ある伝説なのかしら。 で、リドリー・スコット版にもどって、私的に良かった点を一つ。ケルトでした! 村の広場にケルト十字架が立っていて、ケルト風な歌と踊りがあり、タック神父が好むお酒はエールでなくてミード(ハチミツ酒)。 (ただ、ケルトっぽくて、英仏海峡が出てくると、何だか舞台がウエールズみたいに感じてしまうんですけど。ノッティンガムから、フランス軍上陸を防ぎに海辺へ出かけるのはかなり遠いです!) けれど、農村の畑の風景や、(少しは出てくる)森、例の海辺の戦闘など、イギリスのカントリーと自然の映像美はさすがリドリー・スコットさん。 それにもちろん、俳優さんたちも個性豊かです。ケイト・ブランシェットはすごい目ヂカラだし、ついにはヨロイカブトに身を固めて戦争に行くあたり、ガラドリエル様というよりエオウィン(年食ってますが)のよう。敵役スキンヘッドなフランス人ゴドフリーは、悪者らしく最期に目を剥き笑いながらやられていくところなんか、強烈でした。 時代とともに色々に語られてゆくロビン・フッド伝説。解説本なら、ずばり『ロビン・フッド伝説』(上野美子)という緑色の大書もあって、飽きません。この本はロビン・フッドのルーツ(もとはリチャード獅子心王時代の人ではなかった、とか、五月祭の精霊説まで)から、ディズニー版ロビンまでを順に紹介しています。
May 9, 2020
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かねてから噂があったトールキンの伝記映画タイトルもずばり「TOLKIEN」が5月10日に全米で公開されるそうです。 昨日、リリースされたばかりの予告編を観てみました。オックスフォードの学生時代のトールキン、第一次大戦の戦場でのトールキン(爆撃の黒煙の中に、幻想めいた恐ろしい顔が!)、そしてのちにベレンとルシエンの出会いの場面へと昇華される、エディスとの森の中のシーン・・・ ハンフリー・カーペンターの『J.R.R.トールキン 或る伝記』がほぼ公式なトールキンの伝記本なので、たぶんこれを基礎にした映画なのでしょう。随所にファンタジー的な映像がちりばめられていそうで、伝記というジャンルが好きではない私でも楽しめそう。 タイトルのTOLKIENのOの字が、黄金の指輪になっているし、公開日のMAY 10の0まで指輪に…映画「ロード・オブ・ザ・リング」や「ホビット」のファンへのサービス(というかアピール)もしっかりやってくれています。 日本でもぜひ公開してほしいですけど、まだその情報はないようです。→3月28日追記:この夏、日本でも全国上映されるそうです! トールキンに関しては、映画の前史をアマゾンがTVドラマ化するという話もあるんですけど、もう具体化しているのでしょうか。いろいろ気になる今日この頃です。
February 15, 2019
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前回の「ラビリンスーー魔王の迷宮」のスクリプト(脚本)が知りたくて、「The Internet Movie Script Database」というサイトで調べてみたんですけど、そこには何と、映画とはだいぶ異なるストーリーが載っていました。 このサイトでは以前、「ネバーエンディングストーリー」の脚本を読んでみたことがあって、それは映画と同じだったのですが、今回「ラビリンス」のページを見てみると、draft(草稿)と記されています。 少しだけ紹介しますと、しょっぱなから、草稿では、迷宮や魔王の城の遠景が示されます。また、飛んでいるのは白いフクロウ(魔王の化身)ではなく、白い小鳥(魔王ではなくサラの守護者のようです)。ドレスを着たサラは、おとぎ話の魔王との対決部分ではなく、別のセリフを忘れて本を見ている、などなど。 また、赤ちゃんの義弟の名前は草稿ではフレディですが、映画では、演じた赤ちゃんの本?名(トビー)になっています(この赤ちゃん俳優は映画のスタッフの息子だったそうです)。 ホグル、サー・デュデュモス、ルドなど、草稿・映画共通のキャラクターも多いですが、草稿には本の作者も登場。ラストではサラは魔王ジャレスに対し殴る蹴るのバトルを繰り広げて弟を奪還します。 実際に映画化するときどうしてストーリーがこれほど変わったのか不明ですが、ウィキペディアによるとデヴィッド・ボウイが魔王の性格付けに大いに影響したそうですから、彼の出演によって脚本が彼に合うように変えられたのかもしれませんね。 ところで、ラビリンスのスピンオフ的続編の噂が、30周年の2016年に流れました。新作は映画あるいはミュージカルという話だったと記憶していますが、どうなったのでしょうね。気になります。
February 9, 2019
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久しぶりに雑誌にエッセイを書かせていただきました。 「児童文芸」10・11月号のコラム「映像化された童話たち」ですv 毎回、メジャーなものから、初めて知るものまで、オリジナルの良さ&映像の良さを紹介してあって、読者として好きなコラム。自分が書くとなると何をとりあげようか迷いました。 トールキンの映画化について なんかだと、語り始めたらとまらない感があるので、あえて回避して、選んだのはNHKのドラマ「精霊の守り人」(原作・上橋菜穂子)です。 「童話」というには大人向きすぎかなと思いましたが、原作のジャンルは児童文学ということで、書かせてもらいました。 ファンタジー・フリークとしましては、異世界や魔法系のあれこれがどんなふうに映像化されるか、にいつも特に興味をそそられます。そして自分の想像と異なっていても、なるべく広い心で、他の人の想像世界を受け入れたいと思っています。 そういう意味で、アニメ、実写ドラマ、そしてコミックス(残念ながら未読、レビューは見たんですけど)といろいろ作られている「守り人」は注目に値します。すでにこのブログでも原作・映像作品ともに何度か語っています。 興味をお持ちの方は、こちらに雑誌の詳細があります。また、アマゾン等にも出ています!
October 2, 2018
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2月13日は第二次世界大戦の、連合軍によるドレスデン無差別空爆の日だそうです。短い場面や挿話をコラージュしたSFで知られるカート・ヴォネガットは、若き日に捕虜としてドレスデンで遭遇したこの爆撃前後の様子を『スローターハウス5』にしるしています。 日本がこうむった空襲や原爆にも共通する、民間人をふくめ街全体が焼き尽くされた地獄。その主題はもちろん、それをどう小説化するか作者自身が葛藤した様子までもが、独特のユーモアと皮肉たっぷりに軽妙に語られます。それでいて(だからよけいに)、体験者にしか分からない苦しみが伝わってきます。 物語の構成も、「さえない一兵卒ビリーが捕虜として収容されたドレスデンで空爆にあう」というストーリーを時系列で語るのではなく、各場面ばらばらにして、その間隙に戦争前と戦争後のビリーの生涯の断片をつぎはぎして入れこんであります。口べたで滑稽なビリーが戦後には成功したお金持ちというのが、皮肉であり笑いです。さらに、その生涯の一時期、ビリーはUFOに誘拐され地球の遙かかなたトラルファマドール星で、動物園に入れられ異星人たちの見せ物になっていたという、ぶっとんだ挿話もあります。 文庫版の解説にもあるのですが、思うに、戦争という愚かしい、怒りのぶつけどころのない悲劇を体験した作者は、まともな思想や文体ではその体験を物語ることが出来なかったのでしょう。思い出すのもつらい、気の狂いそうな体験を消化するために、作者はビリーに滑稽な外見や振る舞いをさせ、突き放すように皮肉り、けいれん的に時間を浮遊する病的な変人に仕立て、地球外へ放り出すという、滅茶苦茶な目にあわせたのでしょう。つまり、痛みを消化するためのファンタジー。 そう感じながら読むと、この小説の構造自体が、戦争の滅茶苦茶さと、戦争によって滅茶苦茶にされた人間とをそのまま体現しているようにも思えて、心が痛いです。 ところで、この小説は70年代に映画化されていて、昨年のいつだったかTV放送されたのを、先日録画で見ました。小説でのはちゃめちゃな断片が、映画では回想シーンとしてわかりやすく整理されており、それほどぶっとんでいない、静かに鑑賞できる作品になっていました。 映画のビリーを見たとたん、おや知っている、と思ったら、私の持っている早川SF文庫のカバーに描かれたビリー(和田誠の画)と同じ風貌でした。映画を参考に描いたのかしら? このビリー、小説でも映画でも「精神状態だいじょうぶ?」と言いたくなる(実際にビリーの娘がそんなふうに父に言っている)ほど、ぼうっとして世間とズレた人物なんですが、ほんとうに心根の良いやさしい人。特別なやさしさではなく、人間だれもが本来持っている自然なやさしさがにじみでている人で、戦争に痛めつけられながらも損なわれないその「良さ」だけが救いだなあ、と思います。
February 13, 2018
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昨年末映画館で観て以来、「アーケン石を胸に、故郷に葬られるトーリン」を観たいと、心待ちにしていたエクステンデッド・エディション。11月に入手して、ようやく荘厳なお葬式シーンを鑑賞することができました。 ただお葬式自体はあっという間で、アーケン石もやっぱりちゃちな感じでしたけど・・・ ドワーフたちの戦車での戦いが長々と追加されたのは、楽しかったです。PJ監督がコメントで「昔観たイタリア映画のシーンにヒントを得た」と語っていた、刃つき車輪の戦車ですけど、あれはケルトの戦車ですね。ついこの間観た、「第九軍団のワシ」のケルト部族との戦いシーンで、似たような刃つき戦車が出ていましたもの。 それにしても、今年は(も?)世界でいろいろ物騒なことが相次いだせいか、「ホビット」を観ていて思うのは、普通の市民の、当たり前の一般常識や冷静さというものが、世界の平和には大事だなあ、ということ。 黄金に目がくらみ一族の結束やドゥリン王家への忠誠にしばられたドワーフや、宝石に目がくらみ排他的な森のエルフ、お金に目がくらむ湖の町の頭領やアルフリド、などなどが、自分たちの論理だけを追求し破壊的な方向へと突き進む。 これを引きとめようとするガンダルフの、大局的な賢者の知恵さえ裏目に出たり、聞き入れられなかったりするとき、負のベクトルにあらがい、戦争をとめうるのは、ごくふつうの近代市民意識を持つビルボやバルドの言動だけなのです。 トールキンもPJ監督も決して寓意的な作品を意図したわけではないけれど、ドワーフやオークやエルフの論理を観ていると、現実の世界を騒がすあんな大国、こんな国、あんな集団、こんな政治家のことがつい脳裏をかすめます。 我々もビルボやバルドのような一市民的常識で、偏った考え方に世の中がぶれていくのを阻止せねばならないような、そんな気がします。 ところで、今日は話題の「スター・ウォーズ フォースの覚醒」を観てきたのですが、なつかしい登場人物や3D映像の迫力に感動したほかに、たとえば敵方の一兵卒だったフィンの、「正しいことをしたいんだ」という単純明快なセリフが心に残りました。 世界を動かすのは偉大なるだれそれだけではなく、一市民、一兵卒、一ホビットなのかもしれません。
December 31, 2015
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原作を愛読してレビューのようなものを書いたことがある『第九軍団のワシ』。ローズマリ・サトクリフのローマ・ブリテンものと呼ばれる連作歴史物語の第1作めです。 2011年に映画化されていたのをちっとも知りませんでしたが、先日、NHKのBSプレミアムで観ることができました。 島国イギリスは、大陸を東から西へと移動したいくつかの民族の最終到達地であり、次々と異文化が進入し、混じり合っていった国です。「ローマ・ブリテンもの」の特徴は、そうした異民族の対立・交流・融合の歴史と、それに翻弄される主人公たちの生きざまとをリンクさせて描き出しているところだと思います。 たとえば、1世紀にローマはスコットランドを除くブリテン島を属州とし、刃向かったケルト系先住民を征圧しますが、『第九軍団のワシ』には、ローマ軍人であるマーカスと、先住民のエスカ、コティアが登場し、 (前略)・・・〔ローマ世界と先住民の世界という〕ふたつの異なる世界をへだてるはかりしれない距離があるのだ。しかし、ひとりひとりの人間についていうなら、エスカや、マーカスや、コティアのような人間間のことなら、このへだたりはせばめることができ、そのへだたりを越え互いに触れ合うことができるようになる。そしてそうなれば以前にそのようなへだたりのあったことは問題でなくなるのだ。 --ローズマリ・サトクリフ『第九軍団のワシ』猪熊葉子訳と説明されます(ヤングアダルト向けに、とてもわかりやすい解説ですね)。 で、映画なんですけど、一言で言うと、この民族間の問題がかなり薄められて、個人--それもあえて古風に言うなら、“男の”--の名誉の問題に置き換わっているように思われました。 そのことをまず感じたのは、誇り高きイケニ族の少女コティアがまったく登場しないと気づいた時です。彼女はローマ化した町で俗っぽい叔母に育てられ、そこから逃げ出そうと懸命に自己主張をする少女で、マーカスの目には時として「女王のよう」にうつります。 さらに、マーカスとエスカが育てた子オオカミも出てきません。原作では、野生動物でありながら犬のようになついたこの子オオカミを、二人はいちど野に放ちますが、オオカミは自分の意志で二人の元へ戻ってきます。それは、奴隷としてマーカスに出会ったエスカがやがて解放されて、自分の意志で彼とともに危険な探索行に出かけるのを、暗示的に示しているのですが。 いっぽう映画ではエスカとマーカスの関係がずっと劇的に描かれていて、見ごたえがありました。先住民エスカは親兄弟をローマ軍に殺され奴隷になったのであり、ローマ軍団の名誉の象徴「ワシ」を奪回しに行くマーカスの供をすることは、彼をとても微妙な立場に置きます。(以下ネタバレあり) ワシを手に入れている「アザラシ族」の村では、友好関係にある部族の人間としてエスカが歓待され、マーカスの方が奴隷の境遇に落ちます。それはエスカの策略だったのですが、迫真の演技のため、マーカスは本気でエスカに裏ぎられたと思ってしまいます。 そんなこんなで、ワシの奪回とその後の逃走は原作より劇的な展開になり、映画ならではの筋運びも楽しめます。 しかし、それらの場面は感動的ですばらしいのと同時に、原作でサトクリフの目指した、異民族の交流という大きなテーマから乖離してしまっています。 原作では、ワシを奪ったアザラシ族の長老やその孫の戦士とさえ心の交流があるのに、映画ではマーカスは、ワシを守って戦死した父の敵!とばかり、激闘の末に二人を殺してしまいます。 また、映画では感動のびっくりシーンとして、ワシを奪われた軍団の生き残りたちが、昔日のローマ兵の姿でマーカスを救いに来ます。逡巡ののちマーカスは彼らに号令を下し、彼らは逃亡兵の名誉を挽回してローマがわの勝利に終わるものの、多くが戦死してしまいます。名誉のために命を捨てた男たち、なんて、なんだか中世軍記物とか武士道とかの精神世界ですね。 原作はまるで違うのです。逃亡兵は先住民に同化しており、マーカスらを案内してくれますが、袂を分かって霧の中に消えていくのです。この場面によって、ローマと先住民の融合が暗示されます。 また、ワシが奪回されても第九軍団は復活せず、マーカスは先住民コティアと結婚して土着の農民になるところで物語が終わります。ここでも民族の融合が示されています。軍団復活が告げられる映画のラストとは反対ですね。 このように、映画は映画なりの筋を通して、名誉や自由、忠誠、友情を描きましたが、原作の異民族間の理解という大切なテーマは置き去りにされてしまいました。あれもこれも描き出すのは無理なのかもしれませんが、わりと硬派な映画だっただけに、ちょっと残念です。 蛇足ですが、主人公マーカスは原作よりむっつり暗い感じで、サトクリフのもっと後の作品の主人公たち(はっきり言って地味で暗めの人物が多い)を思わせました。しかもその暗めのマーカスを演じているチャニング・テイタムは、セクシーで売り出した人気男優さんだそうで、なんかギャップがすごい気がしました。あと、弁髪みたいな刈り上げ頭にペイントした顔がすさまじいアザラシ族の戦士も、ビジュアル的にすごく強烈でした。
November 30, 2015
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今回の映画化のことをまったく知らなくて、週末の映画情報で気づいてびっくり! 居ても立ってもいられず、さっそく観てきました「GAMBAガンバと仲間たち」。 じつは、フルCG作品を観たのは初めてで、かなり抵抗がありました。何となく動きが半ナマっぽくて気味がわるい、というオールド・タイプ人特有の違和感で、「トイ・ストーリー」から「アナ雪」に至るまで、敬遠し続けてきたのです(「塔の上のラプンツェル」は観たけどあれってフルCGなのかな?)。 で、今回は2Dで観たのですが、背景とくに遠近感のある町とかは文句なしにすばらしいですね。ストーリーのテンポが早くて、一瞬しか観られないのが残念です。 しかしやっぱり生き物の細かい動きが、慣れないせいか、気持ち悪い。ガンバのアップなんか、風が吹くと両耳が微妙に揺れるんですが、その緻密でなめらかな動きのテクニックはすごいと思う反面、そもそもネズミの耳が風になびくのはおかしい、と思います。デフォルメしていたとしても、ヌイグルミじゃなくて、生きたネズミを描くのなら、毛はなびいても、耳はぜったいなびかないと思います! それぐらいなら、野生の動物らしく、体はくつろいでいても耳は常に回りに気を配ってピクピクしているとか、そういう動きをこそやってほしいもの。 ストーリーは原作重視ということで、ポスターも原作の表紙そっくりに作る(上の画像)など、心憎いです(しかし私の持っているアリス館牧新社のものとは違います)が、1時間半ほどに圧縮された映画は、(ホビット三部作、ロード・オブ・ザ・リング三部作などを観た後では)とっても短く感じられました。 もちろん、本と映画は鑑賞のしかたが根本的に違いますから、原作と「同じ」映画、というものはあり得ないわけで、原作をもとにどのように映画という独自の作品をつくっていったか、その一端はパンフレットを読むと分かります。 たとえば、(アニメ版でもそうですが)ガンバの一党は原作の16匹から7匹に減っていますが、これは当然の措置といえるでしょう。どんどん進む映像ではいかに特徴的に描き分けても16匹は区別・記憶しきれないし、原作でもそれほど常に個性を発揮しているわけではないキャラクターがたくさん居ます。 そもそも(特に児童文学において)超人的なスーパーヒーローの代わりに、何人かの「仲間」が集まって行動するというのは、昔からありました(桃太郎は犬・猿・キジを連れています)。そして、複数のヒーローズ&ヒロインズは、最近では主流になりつつあるのではないでしょうか。何でもできる圧倒的な主人公だと、読者の親近感がわきにくく、話も平板になってしまうキライがあります。それよりも、一人のスーパーヒーローの特性を分割して何人かに分担させたほうが面白く、身近な感じがします。 したがって、分担がうまくできてチームワークがとれていれば、7でも16でも、それなりにいいと私は思うのです。 ただ、7匹しかいないためでしょうか、“ガンバがリーダー”という意識が、映画では採り上げられなかったのは残念に感じました。原作では、選抜あるいは寄せ集めの、即席の16匹の中で、世間知らずの飛び入りのガンバがリーダーを任されたところが興味深い設定であると思うのです。物語が進むにつれて、リーダーとしてのガンバも、グループとしてのみんなも成長していきます。 映画では仲間うちでのガンバの立場がぼやけています。即席仲間のチームワーク醸成をゆっくり描いてはいられなかったのでしょうか。 そのかわりというか、7匹全員に、それぞれの特性に応じて平等に活躍や発言の場が割り振られていて、すごく配慮を感じるんですけど、ちょっと平等すぎみたいな気もします。原作には、発言はほとんどなく活躍も専門的なことだけというキャラクター(たとえばアナホリ、ジャンプなどなど)も居て、現実はそういうもんだと思うのです。 ところが映画では、出番の少ない原作キャラの特性を主要キャラに融合させて、脇キャラ自体はなくなってしまった。一方、ヨイショのような、原作で常に存在感を主張して発言も多く活躍していた(でもリーダーではない)キャラは、映画ではかえって目立たなくなりました。 それと、ヨイショが出てきたのでついでに書くと、映画の彼は船乗りネズミたちの社会で「親分」と呼ばれ、明らかに一定の権力を持ったリーダーということになっています。これにちょっと違和感がありました。原作の船乗りネズミたちには、そういうヒエラルキーが感じられなかった(そこが束縛のない自由な感じで良かった)のです。確かに乗る船も個人の資質もすごいヨイショは高い評価を獲得しています(原作)が、子分たちに尾頭付きのタイを運ばせる(映画)とは、ちょっとヤな感じ。 ほかに、映画では島ネズミの中で忠一がリーダーとして責任を感じたり自分を犠牲にしたりします(七郎がリーダーシップを発揮したがるのは原作も映画も同じですが)。このように、原作にあるガンバたち一党の「リーダー」が映画にはない代わり、原作にない船乗りネズミや島ネズミの「リーダー」が強調されているあたり、興味深いところです。 いや、大好きなお話だけに語り尽くせない感があります。 昔のアニメ(傑作とされているのに私はあまり観ていない)や、お芝居(これは劇場やTVなどで何種か観たことがあります)、そして今回の映画。いろんな人のいろんな『冒険者たち』を知ると、原作を読むだけでは気づかなかったことがいろいろ見えてきたりして、好き嫌いはともかく、今回も良い体験ができました。 あ、映画はすごいところはすごくて、野村萬斎のノロイには心底、戦慄しましたし、ボーボが死ぬ場面は原作と違っていたけど泣いてしまいました。潮路との淡い恋もディズニーみたいに結末でぺたっとひっついちゃわないところが日本的で、非常に良かったです! できれば3Dでも観て、フル3DCGというのを体験しておきたいですね。
October 13, 2015
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映画「ホビット」三部作のおかげ?で、またもや関連本がいろいろ出ているようです。正直、多すぎて買い切れないし読み切れない。その中で、買って良かったのを2つ。 『J.R.R.トールキン 世紀の作家』(トム・シッピー)は、大御所の総まとめというか、量も質もカバー範囲も、もうこれさえ読めばの感あり。こんなこともあんなことも、ああ、暇が出来たら私もつっこんでみたかったなあ、という話題ばかりで、うれしいです。 たとえば… 『ホビットの冒険』のゴクリとビルボのなぞなぞの出典とその特徴。原作を読んですぐ気づく読者も多いでしょうが、ビルボのなぞなぞはマザーグースのなぞなぞですね。「赤い丘の上に白馬が三十頭」などかなり有名なもの。『指輪物語』でホビットたちが歌う「月の男」の歌もマザーグース由来ですから、つまりホビット族とイギリス人との遠い共通性というか親近感を表しているんだなあ、と思えてまずは感動です。 しかし、次に私は気になりました、ではゴクリのなぞはどこに出典があるのかしら? マザーグースとはちょっと趣が違うみたい。でもゴクリだってホビット族の遠縁の種族出ですから、イギリス人の遠い先祖のどこかにきっと出典がありそう、それはたぶんトールキンの専門から言って、北欧系…、とここまでは推理したのです。しかし、谷口幸夫『エッダ』『エッダとサガ』等々を読んでも、ゴクリのなぞなぞは見つけることができませんでした。 それが、『世紀の作家』には出自と解説まで載っています。ゴクリのなぞの方が古い出典であること、また、マザーグースじたいの源についてトールキンはいろいろ思い入れがあったこと。なるほど!と充足感を味わうとともに、さらなる興味をかきたてられます。 じつはこれがトールキン世界の逃れられない魅惑の一つでして、彼は作品に出てくる固有名詞一つ、なぞなぞ一つにも膨大な歴史的思い入れと知識とを注入しているので、その一端を知るとどんどん深入りしたくなり、いちいちに興奮を覚えて、収拾がつかなくなってしまうのです。 ファンタジー作品を読むからには、世界に入りこんで先へ先へと進みたい、しかし立ち止まってじっくりルーツも探りたい。進んでしまうと探れない、探ってしまうと進めない。そのジレンマに次々襲われることを思うと、実際、何度目であっても作品をまた読み始めようと決意するのに勇気がいるほどです。 『世紀の作家』の内容はその探りたい気持ちを刺激してくれる本です。しかしまた、刺激が多すぎてますます深みにはまっていく危険な罠ともいうべきかもしれません。 対して、映画版を中心に、あれこれ新しいトリビアな話題・情報を得られて、へーえ!と楽しめるのが、『別冊映画秘宝 ロード・オブ・ザ・リング&ホビット中つ国サーガ読本』というムック本です。表面をおさらいするだけではなく、かなり偏ってマニアックなファン心理も紹介されているのが、この時期だけの旬の味わいというか、のちのち貴重になりそうな予感がします。
May 17, 2015
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大晦日のわたくし的恒例、朝から映画に行ってきました。 じつは封切り直後に2D字幕版を観てあるので、2回目の「ホビット 決戦のゆくえ」、今度は娘と一緒に3D吹き替え版です。 最初はドキドキ(いろんな意味で)、2度目は楽しんで観るのがいいかな、と。 前回、エクステンデッド・バージョンの感想でも書きましたが、どうもPJ監督、劇場版は新たなファン獲得のために公的に作り、原作ファンと監督自身のマニア心を満たすためにはエクステンデッド・バージョンがある、と割り切っているようですね。 以下、ネタバレ注意。 「ロード・オブ・ザ・リング」への橋渡しとなるようなオリジナル場面をいくつも挿入している割には、最後に、肝心のトーリンのお葬式がなかったのが、びっくりでした。「アーケン石を胸に」(←ここが大事)エレボールの奥底に葬られたはずなんですけど・・・やはりエクステンデッド・バージョンを待つしかないのでしょうか。 そのアーケン石。なんか、ちゃちでした。白く輝く大宝石でなくちゃいけないのですが、ぼんやりした卵形だし、透明な中にピンクや空色の淡い光が散っているところなんか、水入り水晶というか、巨大なレジンというか、夜店のおもちゃみたいでした。あれじゃあトーリンが偽物と疑うのも無理はないかな。 しかし、全体としては映画版ならではのコンパクトさ(2時間半で終わってくれてほっとしました。3時間以上になると、やはり目が疲れます)の割に、戦争場面のスペクタクルのすばらしさは想像以上で、十分楽しむことができました。 ガラドリエル様の本領発揮(さすがノルドールの王族、こわかった!)、くろがね山のダインがファニーなトンカチ(原作ではつるはしmattockなんですけど)を振るい頭突きしまくる勇姿、トーリンが黄金と竜の呪いにさいなまれ葛藤するさま、あるいはなかなか外見もイケてる(娘談)アゾグの冷静な逆襲など、2度目でも飽きない場面がいっぱいです。 「化けミミズ」は中山星香の『妖精国の騎士』にそっくりの怪物がちらと出ていたのを思い出したりしました。 原作に忠実な場面や台詞がたくさんあってうれしかったほかに、原作にはないけれど原作の精神に忠実で、それゆえ私が最も感動したエピソードについて、最後に一言。 それは、ビルボのドングリです。ビヨルンの庭で拾い、帰郷したら冒険の思い出に庭に植えようと思う、とビルボはトーリンにドングリを見せて語ります。その言葉は、スマウグの呪いで硬化してしまったトーリンの心をいっとき和らげ、彼は最期にそのことに触れて息をひきとります。 黄金や宝石に心をかたむけるトーリンとの対照がみごとで、しかもこのドングリは!! のちに本当に大樹に育って、『指輪物語』冒頭および最後で描かれる「ビルボの誕生祝いの木」になるのですね。あとで植えられたマローン樹がサムの木であるように、この木はバギンズ家の象徴として重要だと私は思うのです(拙稿「“一つの指輪”の象徴性」2D†bおよび3B参照)。 ともあれ、これでPJの創るトールキン世界が終わってしまうのがちょっと寂しい気がするほどでした。
December 31, 2014
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夏頃から予約していて発売すぐに家に届きましたが、あんまり長いので、暇を見つけて少しずつ観ました。 「ロード・オブ・ザ・リング」でもそうでしたが、シアター版が新しいファン獲得用とすると、エクステンデッド・エディションは原作マニア向け。映画館で「無くて残念」と思ったシーンや『指輪物語 追補編』のエピソードが付け加えられています。以下ネタバレあり。 たとえばビヨルンを訪ねるとき、ドワーフたちがわざと2人ずつ出てきて挨拶をする場面。原作通りとはいきませんが、まったくカットされたかと思いきや、原作の風味を伝えるぐらいには再現されておりました。 あるいは闇の森の魔の川、白い鹿、眠りこむボンブール。ドワーフたちが彼をかついで進むいくつかのカットは、映画館用のシーンにうまくはめこんであって、これが単なる付け足しではなく、最初からエクステンデッド・エディションを十分意識して作られているのが分かります。 それから、気の毒なスライン2世もドル・グルドゥアの場面に登場し、指輪が取り上げられ、欠けた指をしているところをガンダルフに発見されます。「ロード・オブ・ザ・リング」のフロドの欠けた指を彷彿とさせるあたり、心憎い演出でした。 もちろん、それでもまだ「無くて残念」な部分はあって、その多くは牧歌的な場面・・・ビヨルンの蜂蜜菓子、湖の町の「たらふく」。「糸くりテンテン」を始め樽の川下り、湖の町の予言など各場面で唄われる歌・・・ ところで映画を観たときから気になる点が。「エルフはお酒に強いのか?」という疑問です。映画「二つの塔」に確か、ギムリと飲み比べをしてもほとんど酔わないレゴラスという、原作にはないエピソードがありますが、今回の「ホビット」では、原作通りエルフの番人は上等のワインに酔って寝こんでしまっています。・・・矛盾しませんか? それともレゴラスだけが酒豪なのでしょうか。 もしかしたら、私のまだ観ていないオーディオ・コメンタリには、このようなトリビアへの答えがあるのかもしれません。オーディオ・コメンタリはとても興味深いのですが、本編映像と一緒に聞くとどうも集中できないので、あまり観る気になれません。文字に書いた物があれば読みたいのですが・・・
November 27, 2014
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原作の原書がとても面白いと聞いたのは、前世紀。数年後ようやく翻訳を読んで、「パラレル・ワールドなオックスフォードが許せない!」と思ったものの、2008年の映画公開のときはくろうと筋に評判がよく、ちょっと気になっていました。 それで先頃やっとTV放映されていた映画を観てみました(NHKのBSプレミアムはコマーシャルカットとか気にしないでよいので、好きです)。 おお、予想以上に面白いこと! アメリカではキリスト教団体から抗議が来てあまり売れなかったと言いますが、異教徒の私には、物語の悪役「オーソリティ」とキリスト教との類似は、原作ほどは気になりませんでした。 現実世界と似て非なるオックスフォードその他も、映画ではなるべく固有名詞を使わないようにしているみたいで、ありがたかったです。むしろ、現実世界とは違うところに凝った部分が、特撮ならではの魅力として感じられます。 たとえば異世界の人間が守護霊として持つ、動物形のダイモン。特撮の動物たちが動物としてあまり不自然でなく、しかも人間の魂を具現している人間くささを持っていて、動物好きの私としては興味深かったです。現実でも、犬など、飼い主の気持ちを読んでいるんじゃないかと思うような仕草をすることがありますが、ダイモンたちはみんなそんな感じ。私も欲しいです、ダイモン。 それから、主人公のライラが非常に良かった。新人の子役さんですが、強気でイヤミでちょっと女王様で、でも心の底では素直で正しい心を持っている、そんなライラのくるくる変わる表情をほんとにうまく演じていました。 もともと、原作でも、ライラはいわゆる良い子ではありません。度はずれないたずらはするし、平気で嘘はつく、束縛を嫌う、頭の回転は早いが何かと反抗的、という、もう手に負えない少女なのです。 春に紹介した『魔法の声 インクハート』のヒロインが、映画化されてかわいいけれどぱっとしない優等生になってしまったのとは対照的に、ライラ役のダコタ・ブルー・リチャーズは、登場した当初は全然かわいくないし、たとえば、 彼女〔コールター夫人〕はいつも私にあれをしろこれをしろと言ってたのよ。 あなた〔イオレク〕だってそんなのきらいでしょ。 --「ライラの冒険 黄金の羅針盤」スクリプトよりと言うときの表情ったら、反骨精神いっぱいで、すごいです。 かと思うと、本心を隠して相手をだますときは、しおらしい顔や従順そうな様子をしてみせたり、そうすると彼女はとても美人に見えるから不思議です。 ヒロインの周りをかためる人々も、味のあるキャラクターが多いです。コールター夫人〔ニコール・キッドマン!〕やシロクマのイオレクなど、迫力満点。 で、物語も原作のややこしい設定をわかりやすく見せながら、ずんずん進み、ああ続きを観たい! と思わせて終わります。 それなのに、諸般の事情(アメリカでの不評、はたまたニューラインシネマが吸収合併されたこと)から、この作品はこれ1作で打ちきりとなってしまったそうです。うわ~、残念。
September 23, 2014
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原作を読み終えた後、この作品が2008年に映画化されていることを知りました。日本では公開されなかったそうですが、DVDで観ることができます(「インクハート~魔法の声」)。 で、安価だったので入手して映画版も楽しむことができました。 原作では、登場人物にもストーリー展開にも、はっきりつかみにくい部分がありました--たとえば、「ホコリ指」と呼ばれる登場人物の扱い。ちがう世界にきたゆえにか、善悪あわせもつ微妙な存在で独特の違和感やもの悲しさを醸し出しています。彼の中途半端な立ち回りは結局、彼自身の身にはね返るようで、最後に起こるファンタジー的大団円から疎外され、(少年ファリッドという連れはできるものの)寂しく立ち去っていきます。最後まで煮え切らない感じだけれど、勧善懲悪で片づけきれない、味わい深いキャラクターと言えるでしょう。 また、ストーリーでは、物語に出てくる人やモノが朗読によって現実世界に出現するとき、その代償のように現実世界のメギーの母や作者フェノグリオなどが物語世界にワープしてしまいます。だれ(何)が代償に選ばれるのか、なぜ選ばれるのか、納得できる説明がありません。「魔法舌」と呼ばれる朗読能力を持つモルティマ(モー)は、その力をコントロールできない、と自分で言っています。 後半で登場する「インクハート」の作者フェノグリオにも、登場人物の現実化についてはコントロールできないようです。つまり物語をつづることはできても、朗読で呼び出すことはできない。それどころか、原作の最後では、メギーとモーが最強の「影」を呼び出した代償に、自分が物語の中へ飛ばされてしまった様子です: フェノグリオはどこだろう。物語の世界は気に入っただろうか。きっと、孫がいなくて寂しいだろう。 --フンケ作『魔法の声』浅見昇吾訳 このような作者ですが、結局、「影」が悪役カプリコーンをやっつけるよう物語を書き直して、みごとに主人公たちを救います。すばらしい場面ですが、やはり疑問が少々残ります。 それまでのストーリーでは、朗読で呼び出された者は、もとの物語での外見や性質を持っているものの、もはやもとの話の筋に関係なく勝手に動き回るのです。それなのに、クライマックス・シーンだけ、作者の書き直しに従って「影」が現実世界へ現れてから行動を変えたり、影の犠牲者が復活したり、さらに現実世界にまで「平和が訪れた」のは、なぜなんでしょう。 映画では、これらのあいまいな点がわかりやすく改善?されています(わかりやすいから良いかどうかは、また別問題ですが)。 ホコリ指は、演技力も雰囲気もある俳優さん(ポール・ベタニー)によって、影のある繊細な、非常にカッコイイ人物に大変身。主人公たちを原作ほどは裏切らず見捨てず、モーの妻への横恋慕や彼女をあきらめる薄暗さもなくなって、かわりに、もとの世界に恋人がいて、彼の行動には、彼女のもとへ帰りたいという一途な動機付けがなされています。また、作者に作られたキャラクターから脱して、自分で未来を切り開く決意を述べるところもあり、その結果、結末も原作とは異なって、めでたしめでたしです(原作の味わい深さはなくなりましたが)。 作者フェノグリオも、現実に未練がなく物語世界に行ってしまいたい願望を持っていたという設定になっています。そして、映画では主人公メギーの朗読能力だけでなく、作家としての創作能力がぐっと強調され、彼女のパワーで最後の場面に奇跡が起きるような仕上がりになっています。フェノグリオではなく、彼女が即興で自分の腕につづり、同時に読み上げていった物語こそが、世界に平和をもたらしました。なるほど! 映画ではほかに、メギーの叔母エリノアが後半ぶっとんだ大活躍を見せて注目でした。原作は原作で楽しいキャラクターですが、映画らしい派手さが出ていて良かったです。ぎゃくに、主人公メギーが映画では普通の良い子になっていて、個性的な脇役に負けていたような感じ。悪役のカプリコーンやバスタなども、原作の方が怖いです。映画だとかなりコミカル。カプリコーン役の俳優さん、どこかで見たと思ったら、「ロード・オブ・ザ・リング」のスメアゴル/ゴラム役の人(アンディ・サーキス)でした。 ファミリー向けの映画にすると、こういう原作がこういうふうになるんだなあ、と思える映画でした。
May 12, 2014
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昨年は上映が終わる間際に見た「ホビット」ですが、今年はリキを入れて、初日の朝から観てきました。 とりあえず、2D字幕。いきなり3Dはこわいので・・・ これも昨年とは反対に、予告編とか前評判とか少し情報を仕入れて行ったのですが、気になっていたのはふたつ、新登場の女性エルフ(タウリエル)と、熊人ビヨルンのことでした。(以下ネタバレ注意) ビヨルンは、ほとんど割愛されたのではないかとひそかに心配していました。しかしちゃんと登場! 巨大グマの迫力はすばらしく、もっとよく見たいと思いました。人間になった彼は、日本版の挿絵とずいぶん違っていたため(端的に、やせていたため)、少しとまどいましたが、独特のなまりのある話し方や、威厳のある物腰は、好印象。 ハチは飛んでいたのに蜂蜜菓子がきちんと登場しなかったのが残念。そういえば「たらふく」もなかった。DVDで追加されていることを祈ります。 さて、タウリエルですが、前宣伝で非常に目立っています。闇の森が舞台となればレゴラスの登場はまあよいとして、この女エルフは誰よ、レゴラスとベタベタしてたら許さないわよ! などと思っていた一方、とにかく一人も女性の出てこない原作ですから、必ずや女性キャラが必要とされることも予想ていました。 結局、PJ監督のセンスはおおかたの原作マニアの望む方向と一致しているようで、本筋を邪魔せず脇のエピソードを上手にもりあげる、すてきなキャラクターでした。 腕が立って、外好きで、若く?活発なところは、中山星香の『妖精国の騎士』のヒロイン、ローゼリイを思い出させました。そういえばレゴラスも今回、ローゼリイの師匠のエアリアンにちょっと通じるものがあったかも。二人ともエルフらしく、クールで軽快で小気味よかったです。 レゴラスは、「ロード・オブ・ザ・リング」ではどうもギムリとの漫才?がうますぎて、性格的に軽すぎる感じでしたが、今回、高貴な冷たさが出ていて、それなりに良い感じ。ただし私の原作のイメージとはちょっと違うのですが。ノルドール(上のエルフ)ではないにしろ、エルフなんですから、少しは「影」があってよいと思うのです。 そして、これらの不安をすっかり忘れるほど、ほれぼれと見とれてしまったのが、 ・邪悪なるスマウグどの! 想像を絶してものすごい。その大きさ、顔、動き、すべてがカッコイイ。竜なんてファンタジーではありきたりな今日この頃、その原点ともいうべき彼を、ここまで創り上げたのは敬意にあたいします。声もすばらしく、物語にあるとおり「魅せられて」しまいます。 ・サウロン! ガンダルフによって暴かれたとき、最初「ロード・オブ・ザ・リング」でお馴染みの「目」でした。しかしその中にぼうっと生前のサウロンのシルエットが浮かび上がり、輪郭だけとはいえ、これがすさまじい。私の中で、死人占い師という名前からして、なんかドロドロヨレヨレしたイメージだったのが、かなりポイントアップしました。 今度は3Dでぜひ観たい(特にスマウグ!)HANNAでした。
February 28, 2014
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なかなか映画館に足を運ぶ暇がなく…今日やっと2D字幕版を観てきました。 以下ネタバレありです。 予告編など予備知識もあまり無いままいきなり観たので、かなりびっくり。映画に行く暇がないかもしれないと、映画版カレンダーだけ去年のうちに購入したのですが、ドワーフたち、誰が誰やら(見た目で分かるボンブール以外は)分かりませんでした。 それで、よもや大トーリン・オーケンシールドがあんな若造(失礼!)になっているとは思わなかったのです。傷つきやすい思春期風イライジャ・フロド以上の、びっくりかも。 最初、りっぱな白ひげの別のドワーフ(実はバーリンだった)をトーリンかと思ってしまったため、混乱しました。寺島龍一(岩波の挿絵)の絵の印象が刷りこまれていたのです。 それで、トロルのあたりからやっと頭を切り換えて、P・ジャクソンのドワーフ群像を新しく鑑賞しなおすつもりになりました。 結論としては、悪くないです。P・Jは原作を変更しながらも、根っこの部分はきちんと踏襲しているので・・・、ドワーフたちの執念深い復讐心や強固な意志、それを強権的でなくうまく方向付けようとするガンダルフの深慮、はたまた読者の共感を呼ぶホビットの良識的で小さな勇気などです。 しかし、高貴で慇懃で、むかしの多血質も年齢によって内にこもった感のある、やや高慢な長老・・・落魄の身を嘆きながらもやれることはやってきたというプライドのある「あの」トーリンが、映画ではまだまだ人生これから働き盛りの「若き」王子という設定になり、彼の立場も言動も悩みも、原作とは異なっています。 したがって、別なトーリンを見なければならず、かなりタイヘンです。何となれば、(別のところに記しましたが)トーリンは、『指輪物語』におけるフロドと同等とも言える、物語の中心人物だからです。『ホビット』は、忍びの者ビルボの視点から見ていますが、まさにトーリンの王国奪還と自己実現の物語なのです。 若きトーリンは、その若さゆえ、松の木からゴブリンの王アゾグに一騎打ちを挑みに戻ります。原作のトーリンにはないその場面が、映画ではクライマックスとなっています。そして、原作のビルボならすぐにも指輪をはめて加勢に出向くであろうところ、映画のビルボは姿も消さずに捨て身の体当たりに出ました。本人も言っていたように、忍びの者らしいところは少しもありません! とはいえ、ビルボの方は、全体的に控えめで常識的で落ち着いて、とてもホビットらしかったです。ゴクリとのなぞなぞ問答も期待通りでした。 まだまだ冒険も序の口でこれからいろんなことが深くなっていくのでしょうが、ドワーフの区別をちゃんと頭に入れてもう一度観たい気がします。 最後に、ドワーフの歌が、期待以上に素朴で力強くてよかったです。それから、「ロードオブザリング」同様、ニュージーランドの大自然にも圧倒されました。
January 19, 2013
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若い頃、梅田の映画館に、ウナギを首に巻いて走っているごんぎつねの大きな看板がかかっているのを通りすがりに見て、一目惚れしてしまいました。その時は映画を見逃したのですが、あとでTV放映の時に録画して、何度も観たものです。 その古いビデオを久しぶりに子供たちと一緒に観ました。ナレーターはおなじみ市原悦子、ごんは田中真弓です。 ちなみにそのころ「天空の城ラピュタ」「銀河鉄道の夜」「アリオン」などで次々に田中真弓の声を聞いて好きになった私は、今でも彼女の声を聞くとなつかしい当時の頃を思い出します。 さて子供たちは小学校の国語の教科書で原作を習っています。私も教科書で読みましたから、息の長い教材なんですねえ。でも小学生のときはこの話は結末が理不尽だと思い、大キライでした。同じく教科書に載っていた「スーホの白い馬」もそうなんですが、なぜ素直で一途で無垢な動物が、人間に殺されなければならないのか、と納得できないんですね。 それに、それまで親しんできた勧善懲悪でハッピーエンドのおとぎ話のパターンを見事に裏切ってしまうのが耐えられなかったのです。今でも、(ファンタジーというのはトールキンの説くとおり、万事まるくおさまるのがお約束ですから)この手の話はかなり耐えられません。 悲劇がキライというのともちょっと違い、見るからに悲劇的な人たちが自分の運命を呪いながら(あるいはそれと戦いながら)悲劇的に死んでいく、というのならまるくおさまってOKなのです。 でも、ごんは、自分がなぜ殺されなければならないのか分からずに、殺されたということにすら気づかずに死んでいったに違いない。そう思うとたまりません。 さてアニメ映画では、原作になかった部分をたくさん加えてあり、ある意味ちがったごんぎつねになってはいるのですが、そこには、ごんの悲劇がなぜ起こったのか、の一つの答えが見えてくると思えます。 原作では村人の視点からごんのエピソードが語られているだけなのに対し、アニメではごんの幼少時代から語り起こされます。緑豊かな山の、ツバキの大木にある巣で、母ギツネの愛に包まれて暮らした“野生の”ごんぎつね。 しかし、母ギツネは猟犬に追われ、ごんを逃がしたあと鉄砲で撃たれて死にます。自然界での野生のキツネの暮らしに乱入してきた人間によって、ごんの悲劇はすでに始まっています。 ひとりではなかなか獲物もとれず、落ちた川に流されてとうとう里(“人間の世界”)にたどりついたごんは、拾ったイモを食べ、お寺の床下に寝、祭ばやしにうかれて、村に住みつくのです。 好奇心いっぱいのごんが、祭ばやしに合わせて踊ったり、鍛冶屋や妊婦さんのまねをしたりするのは、人間から見れば「まねっこギツネ」とほほえましいですが、キツネ本来の暮らしとしては、かなり不自然なものです。 いっぽう、畑を荒らしたり、盗み食いをしたりするのは、餌をあさるというキツネなら当然の行為なのに、人間から見れば「ぬすっとギツネ」ということになります。 ごんは、村人にとっては「まねっこギツネ」または「ぬすっとギツネ」なのです。 兵十はそう呼ばずに「ごん」と名付けました。ごん個人を自分と対等な存在として認識していたんですね。「おらが名付けただ」と嬉しそうに言う場面があります。ごんも兵十や彼の母を見るとき、自分とひきくらべたりして、対等に認識しているみたいです。 兵十とごんの関係を見ると、“自然”と“人間”は折り合って仲良くやっていけそうな気がします。 ところが、ここからはアニメでも原作どおり進んでいくのですが、兵十はウナギの誤解から、ごんと心が離れてしまいます。そもそも、優しい兵十も実は鉄砲撃ちのせがれだったわけで、その根っこのところでごんとはどうしても相容れない部分があったのでしょうね。 今まであんなに優しかった兵十、のろまで機転の利かないような兵十が、最後にギラリと目を光らせて、納屋の箱の奥から、しまいこんであった父の鉄砲を出してくるところは、とても迫力があります。誤解したままの彼はここに至ってついにごんを「ごん」と呼ばずに「あのぬすっとギツネめ」と言っています。他の村人と同じレベル、つまり友達としてのごんではなく、人里に出てきたなれなれしい獣、退治すべき害獣を見る目になってしまったのです。 “自然”と“人間”が、表面だけでなくほんとうの意味で理解し共存することが、どんなにむずかしいか。 アニメ版「ごんぎつね」はそのことを教えてくれるように思います。 ・・・名作です。 なのに、なぜかビデオもDVDも出ていません! ぜひ出してほしいです。
May 12, 2011
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被災地から遠い関西でも、テレビにスーパーに街角に、「震災」が影を落としていて、何となく気の晴れない春休み。娘が3D映画が観てみたいというので、ディズニー・クラシックスのプリンセスもの「塔の上のラプンツェル」に行ってきました。 先月「ナルニア」を観たときに予告編を観たのですが、相変わらず型にはまった顔立ちのプリンセスとヒーローだし、原作(グリム童話。もっと原作はイタリアあたりの昔話らしいです)とは全然ちがうストーリーなので、正直、あまり期待していませんでした。 でも、とっても楽しい映画でした! さすがディズニーですね。ストーリーもプリンセス(ラプンツェル)も、テンポよく、ノリよく、美しい。原作とは正反対といえるほど、明るさと力強さが感じられて、たいへんスカッとしました。 そして、ナルニア(実写)よりも、3Dの効果がとてもすばらしく感じられました。 実写は、もともと三次元の俳優や舞台が、スクリーンで二次元にされるけど一部が三次元に戻る、というもので、それほどびっくりしないんですね。 でも、もともと二次元である絵(アニメ)が立体化するのは、初体験というか、奇蹟的に劇的なのです。もちろん、私がアニメ好きだからでもあるんですけど。 そういえば、むかし「美女と野獣」を観た時、もちろん二次元なんですが、ベルと野獣が踊るシーンで一瞬、お城の大広間がぐるぐるっと立体的に浮き上がって見えたのを覚えています。今回はほんとの3Dで、やはり踊りの場面や淡い灯りが夜空一杯に漂いのぼっていく幻想的な場面など、思わず、わくにはまった映画を観ているんだという事実を忘れるような瞬間がありました。 さすが、ディズニーです。 (ヒーローとプリンセスの顔が、ディズニー独特なんだけど。どうも日本人にはなじみにくい顔立ちに思えてなりません) キャラクターではほかに、最強無敵の白馬マクシマスがとってもいい味でした。
April 1, 2011
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3D初体験でした。原作「ナルニア国ものがたり」シリーズの中で私の最も好きな『朝びらき丸東の海へ』の映画版「第3章アスラン王と魔法の島」です。 3Dは目が疲れるかなとか、酔うんじゃないかとか、心配でしたが、観てみるとヘンなものではなく、席が後方だったせいか、コワイほど間近まで立体的!とは思いませんでした。 私はその昔、ディズニーランドで3D映画のハシリ「キャプテンEO」(最近、復活しているそうですね)を観たのですが、その時、マイケル・ジャクソンが手が届きそうなぐらい迫ってきたのを今でも覚えています。あの驚きに比べたら、今日のは予測済みだったかな。つまりほんとの初体験ではなかったかも。 以下、多少ネタバレです。 映画の内容も、まあまあ良かったです。というのも、前作「第2章カスピアン王子の角笛」が血なまぐさいばかりでちょっとがっかりだったので、かなり心配していたのです。 ストーリーの流れはちょっと変わっていましたが、要所要所のエピソードは原作と離れないよう苦労したな、という感じです。ユースチスのあの、現代的・いい子ぶり・神経質な性格や、彼が竜になるところの驚き・悲しみ・改心などは期待を裏切りません。のうなしあんよ、魔法の本、眠り続ける3人の貴族なども、なるほどなるほどという映像です。 何より、私の大好きなリーピチープがCGとは思えないなめらかな動きで大活躍、最後は剣を捨て、りっぱにアスランの国へと旅だって行きました。毛皮の色が茶色だけど、そんなことは気にならなくなってしまいました。原作の挿絵でも黒かったり白かったりしますからね。 挿絵といえば、エンドロールの最初のところで、原作にあるポーリン・ベインズの挿絵が出てきて、なつかしくも感動的でした。映画が終わったところで、原作挿絵で物語全部を振り返ることが出来るんです。 原作のストーリーは、リープだけでなくカスピアンも、「東の海のさいはてへ行きたい」という強い望みを持っています。さすが世界の海を制覇した大英帝国ならではの探検魂、そしてそれを上回る宗教的な情熱があるのだと思います。 日本の東方浄瑠璃浄土とかニライカナイを目指す信仰もそうですが、西ヨーロッパ特にイギリスやアイルランドには西の海の彼方に常世の国や楽園を求めるという伝説があって、聖ブランダンの航海などは、西と東の違いはあれど、朝びらき丸の旅にとてもよく似ています。 しかし、神に祝福された「約束の地」を探求して未踏の海をゆくというのは、なかなか現代にはピンと来にくい情熱ですよね。しかも王たるカスピアンが自国をあとにして海に乗り出しちゃうなんて。もちろん父王ゆかりの行方不明の7卿を捜すというのが建前ですが、カスピアンの心にはそれ以上に彼方への想いが燃えていて、行けば行くほどその想いはつのるのです。 海はすきとおり、太陽はいよいよ燃え、海水は甘くなり、というこの世ならぬ旅路の驚異によって、魂が浄化されるような、そんな展開が原作の魅力ではあるのですが、映画の方は、探索の旅にもっと現世肯定的で健全な理由付けをしています。 すなわち、不当に連れ去られた離れ島の人々を救いだしナルニアに連れ帰ることです。嵐に翻弄され船長が引き返してはどうかと言ったとき、カスピアンは奪われた家族を連れ戻すために行かねばならぬという態度を示すのです。 そして、原作では途中で立ち寄った不思議な島の一つにすぎなかったくらやみ島が、映画ではすべての元凶、悪の巣窟となり、それを打ち破った時、人々は救助され光がよみがえる。船名「朝びらき丸」がそういう意味に解釈されているわけです。 原作には原作の良さがありますが、映画は映画でファンタジーの型にのっとった新しいストーリーをつくりあげていたので、気持ちよく観終えることができました。
March 1, 2011
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本日、最終日だったので観てきました。ポニョの大騒ぎに比べると、世間の評判も映画の内容もぐっと地味で、でもトトロあたりの作品に回帰したような緻密さと真面目さが感じられました。 むかし「ウォーターシップダウンのうさぎたち」のアニメ(イギリス)を観て、野原の草の茎一本、葉っぱ一枚までなんと細かく正確に、美しく描き出してあるのだろう、これは日本のアニメではやらないことだなあ、と思いました。でも「借りくらしのアリエッティ」の景色のこまやかさは、それを超えた感じがします。 小人の話ですから、景色も虫眼鏡で観たような細かさが大切。床下にさしこむ日光から壁紙の織り目まで、マニアックなほど緻密ですばらしかったです。宮崎監督、今日びのCGや3Dに対抗しているんでしょうね。 珍しくほとんど空も飛ばず(野性的な小人スピラーがむささびみたいに一瞬飛んでましたが)、舞台も古屋敷の敷地内に限定されています。でも時々、アリエッティが広くて大きい人間の部屋を初めて見るところとか、敷地のはずれから町並みを見晴らすところとか、ぱあっと広角になる景色があって、そのパノラマが印象的でした。 物語は「ハウルの動く城」や「魔女の宅急便」などと比べて、ずっと原作沿いになっています。アリエッティと友達になる男の子は、日本人になっているけど、病弱という点では同じだし、ちょっと騒ぎ屋さんのホミリー(お母さん)は外見も中身も原作とあまり変わっていません。 男の子がアリエッティのことを「小人の最後の一人になっちゃうかも」と言って彼女を怒らせるところなど、せりふにも原作を意識したところがたくさんありました。 きっと宮崎駿さんというのは、『床下の小人たち』を読んだあと、物語を自分の身近な舞台(現代の日本)に移し替えて味わい直したのでしょうね。ファンタジーというのはそういう読み方もできるんだなあと、改めて思いました。 私は洋ものや異世界ファンタジーを読むと、そちらの世界のほうへどっとはまってしまうたちで、宮崎駿さんのように、ファンタジーを自分色の世界へ引き寄せるということは、したことがありません。ファンタジーの「宮崎流語り直し」が、原作世界を壊さず、尊重した上で、また違った味わいを持たせることは、何作品観ても驚きですね。 そしてまた、宮崎流の「アリエッティ」は、小人族を「ほろびゆく美しい種族」と定義することによって、今はやりの「生物多様性の大切さ」をしっかり訴えています。また、父・母・娘が助け合うアリエッティ一家と、孤独な男の子(でも大きな屋敷を相続するのかもしれない)翔を対比させて、現代の家族の形をも問うています。 そんな高尚なテーマに思いをはせつつ、映画ではお手伝いのハルばあさんの俗っぽさに思わず笑いを誘われました。声の樹木希林そのまんまの顔のこの人、アリエッティから見ると「悪役」なんですが、ホミリーを捕らえた時にも珍しい虫をつかまえた子供のような無邪気さがあって、憎めません。 それにしても、今回も声優陣にはきら星のごとく大物俳優さんがそろっていますが、これって宮崎駿さんの趣味、なんですかねえ。
September 30, 2010
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昨日の続きです。 映画を観ていて、あれれっと思ったのは、主人公マックスが家で暴れて、ママにおこられて、そのあと。「夕食はぬき、部屋へ行きなさい」と言われたのに、マックスは反抗して、家を飛び出してしまうのです。 絵本では、マックスは逃げ出さず、自分の部屋にほうりこまれます。 すると、しんしつに、にょきり にょきりと きが はえだして、 どんどん はえて、 もっと もっと はえて、 てんじょうが きの えだと はっぱに かくれると、 かべが きえて、 あたりは すっかり もりや のはら。 ――モーリス・センダック『かいじゅうたちのいるところ』神宮輝夫訳 そこへ波が現れ、船が現れて、マックスは異世界へ旅立ちます。この一連のシーンは私がこの絵本の中で最も好きな部分なのですが、それは、自分の部屋がファンタジー界に変わるからなのです。つまり、森も野原も海も「かいじゅうたちのいる所」も、すべてマックスの部屋の中からつながった世界。マックス自身の内なる世界です。 それに対して、映画のマックスは最初は自分の部屋でごっこ遊びをしていたのに、ママが来てくれないので部屋の外で暴れ、さらに家の外へ飛び出し、追ってくるママを振り切って、異世界へ行ってしまいます。 かいじゅうたちの島での冒険の間、絵本のおかあさんは、マックスが自分の部屋にいると思っています(そしてそれはある意味正しいのです)。しかし、映画のママは、マックスに家出されてしまいました。出来る限りマックスを理解しようとしてきたいいママなのに、気の毒な仕打ちです。 マックス自身も、かいじゅうの一人に、「ぼくは王様じゃなかった。ぼくは出てこなくちゃいけなかった」と打ち明けています。家族関係を壊さないためには、家を飛び出して異世界に船出せざるを得なかったマックス。 昨日書いたように、マックスはかいじゅうの島でも、王様としてかいじゅうかんけいを修復することはできず、しまいに、いちばん親しかったキャロルがかいじゅうなかまの砦を出て行ってしまいます。誰もが一緒に仲良く暮らしたいと望みながら、しかし誰もが自分だけのプライバシーを持ちたいと考えているから、嫉妬や不満、誤解がどうしても生まれてしまう。かいじゅうの島のかいじゅうかんけいは、現実の人間関係と何ら変わらないのです。 そのことに気づいたマックスが島を去る決意をして、いよいよお別れの時、ようやくキャロルは戻ってきて、泣きながらマックスを見送ります。ここでも、かいじゅうかんけいを何とか修復するためには、マックスが出て行かねばなりません。 さらに、マックスが現実世界に戻ってきた時。家に帰ると、ママだけが台所で待っていてくれました。ママは彼を抱きしめ、夕食を出してくれますが、彼が家出した時に家に来ていたママの恋人の男性は、帰ってしまったのか、姿がありません。お姉ちゃんも現れません。 マックスがママのもとへ帰るためには、ママの恋人は出て行く必要があったようです。 そして、かいじゅうたちに「帰ったら、おれたちのこといいやつだったって、話してくれ」と頼まれたマックスは、夕食を食べながら、ママに自分の冒険を語ったでしょうか? いいえ、ママはマックスが食べるのを見守りながら、安心して、疲れ切った顔でうとうとと眠ってしまいます。それに気づいて微笑むマックスは、何だか達観して大人になったような顔をしていました。
January 28, 2010
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「20世紀最高の絵本を映画化」とかいう宣伝につられて「かいじゅうたちのいるところ」を観にいってきました。原作の絵本は、子どもたちが幼いころ何度も読んでやったので、神宮輝夫の訳文をほとんど覚えてしまいました。覚えちゃうほどシンプルで短いこの絵本を、どんなふうに“長く”したのか・・・ たぶん、主人公マックスがかいじゅうたちの島で、絵本のように踊ったり遊んだりするだけではなく、もっと派手な大冒険をするんだろうな、何かワルモノが出てきてみんなでやっつけたり、魔法のお宝を探したり・・・、などと思っていたのです。 でも、違いました。マックスもかいじゅうも、このお話の原題(Where the Wild Things Are)にあるように、ワイルドに暴れまくっていましたが、最後まで、欧米のファンタジーの定番である悪役もお宝も、出ませんでした。 絵本の絵にはマックスとかいじゅう(と犬)しか描かれておらず、あとは「おかあさん」が文に出てくるだけですが、映画ではさすがに、マックスのママとお姉ちゃん、お姉ちゃんのボーイフレンドたち、ママの恋人らしき男性などが出てきます。マックスの両親はどうも離婚していてパパはおらず、ママは仕事で多忙。お姉ちゃんもボーイフレンドたちと出かけてしまう。誰も悪くはないけれど、家族がばらばらな現代家庭で、8歳のマックスは孤立無援。身近な人間関係がうまくいかず、いろんな物を破壊し、暴れます。 この重たい状況は、マックスがかいじゅうたちの島へ行ってからも消えないのです。家族のように一緒に暮らすかいじゅうたちの間で、人間関係、否、かいじゅうかんけいがうまくいっていない。 中でもキャロルという名の縞模様のかいじゅうは、孤独感から自暴自棄になって家をこわしています。登場した時から、マックスそっくりなんですね。 かいじゅうの王様になったマックスは、現実世界でのうっぷんを晴らすがごとく、かいじゅうといっしょにたたき壊し、転げ回り、けっとばし、投げつけ、文字通り体当たりで仲良くなろうとします。マックス自身は一人一人のかいじゅうと信頼関係を結びますが、しかし結局、こじれてしまったかいじゅうかんけいを修復することは最後までできませんでした。 キャロルが自分でつくった、“みんな仲良し理想の世界”みたいな模型が、キャロル自身の手によってめちゃめちゃに壊されてしまったシーンが、切なくも象徴的です。マックスはその残骸の中に、小さなハート(愛)のしるしを刻むことができただけでした。 ファンタジー世界にさえこんなにも深刻に影を落とす、人間関係のきしみ。 それを修復する、魔法のアイテムも、奇蹟の大団円もないままに、マックスは現実世界に帰ってきます。 エンドロールになって流れた音楽で、「love,love,love」と連呼するように歌っているのを聞くにつけ、小さなハート(愛)で一生懸命努力しなければ、もはや家族という最も身近な人間関係さえ維持できないのだろうか・・・と、ふと考えこんでしまいました。
January 27, 2010
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観てきました! ナルニア第2弾。 原作が名作だけにいろいろ違いを気にしだしたら仕方ないので、寛大な気持ちで観るよう心がけました。予告編から想像して、話題のヒーロー、ベン・バーンズ演じるカスピアン中心に物語が展開するらしい、とか、今回も戦闘シーンが多いだろう、とか、自分に言い聞かせて・・・ で、感想ですが、ベン・バーンズ思ったほど出しゃばってなかったです。超美形だし黙って立っているだけでサマになる感じでしたけど、控えめでした。ペベンシー兄弟が依然としてちゃんと中心に位置していて、カスピアンは(原作通り)戦いではほとんど目立ちませんでした。 もともと私は原作のカスピアンもそれほど好きではなくて、欠点だらけの王子さまじゃない?と思うのですが(カスピアン・ファンの方ごめんなさい)、ベン・カスピアン君も、頼りなさげでした。立ち姿がちょっと猫背なんですね、彼。そこが魅力的でもあるんだけど、何か現代の優男そのもの。すぐキレそうになるし、かと思うと妙に優しげで、堂々とした高貴な王子とはほど遠い。まあ、テルマール人ですからしょうがないんですけど(ファンの方、またまたごめんなさい)。 それより、ミラースと決闘するピーターが良かったですね。顔は現代人の下ぶくれ君なのに、がんばっていました。その他の言動も堂々として、さすが一の王。もう一人前の男性ですね。 原作よりはるかにしっかり者のスーザンも、女性の魅力いっぱい。 ルーシーとエドマンドは相変わらず演技がうまいし、かわいい。 ストーリーの構成も、前半、カスピアンと4人兄弟の二本立てで進んでいって、分かりやすく良かったと思います。 だがしかし! 原作で私が好きな場面がまるっきり省かれていて、期待していただけにすごく残念でした。一つは、森の踊り場でカスピアンがフォーンたちと踊る場面。1作目の映画で、タムナスさんのうちで彼の笛を聞くと、炎の中にフォーンたちの踊りが浮かび上がる、夢のような場面がありましたが、私は今回こそあのような神秘的な音楽や、精霊たちの踊りがたっぷり観られるかと楽しみにしていたのです。 もう一つは、あたりにブドウのつるや実をはびこらせながら踊るバッカスたちが、アスランとルーシーとともに行進する場面。原作では、ベルナの橋を壊すのはバッカスたちなのです; 野ブドウのふといたくましいつるが橋の足にからみついてのびあがり、みるみる火のようにひろがって、橋の石をもちあげ、こなごなにし、はじけとばしていきました。・・・(中略)・・・水をさんざんはねあげて、大声を立てて笑いながら、このそうぞうしい連中は、浅瀬の川を歩いたり、泳いだり、おどりまわったりして、渡り場を横ぎりました。 ――C・S・ルイス『カスピアン王子のつのぶえ』瀬田貞二訳 バッカスやバッカイ(バッカスを崇拝する女性たち)、シレノスなどがねり歩き、ブドウを茂らせるこの場面は、古代ギリシャの原始的で神秘的な祝祭(ディオニュソス崇拝者たちがブドウ酒を広めて回ったという)の再現なのです。 もちろん彼らの騒々しさは酒に酔ったためで、ギリシャ神話では彼らが酒乱の果てに牛を素手で引き裂いたり、人殺しをしたりします。オルフェウス(竪琴の名手)を殺したのもこの人々でした。 しかし、彼らの荒々しさはまた、文明に対する野性と自由の象徴でもあって、だからルイスはナルニアの解放戦線として彼らを登場させたのでしょう。ルイスの描くバッカスたちは残酷なことはせず、陽気に歌い踊りながら、ベルナの町をミラースの束縛から解放してゆきます。アスランとともに彼らが行くと、町はお祭り騒ぎとなり、(映画では出なかった)カスピアンの老乳母の病もいやされます。このあたり、キリストのエルサレム入城を意識しているのでしょうが、救世主来たる!心も浮き立つ!ハレルヤ!な雰囲気で、私はこれがこの巻のクライマックスだと思っていました。 映画では、(もう一つのクライマックスである)ピーターとミラースの一騎打ち~裏切り~森の木々の襲撃という血なまぐさい戦い場面ばかりが強調されていたように思います。それに、木々の襲撃は、あの「ロード・オブ・ザ・リング」の「二つの塔」に出てきた、エントたちによるアイゼンガルド陥落や角笛城への森の進軍に比べると、どうも二番煎じのようで・・・ ベルナの町のお祭気分は戦いの後にちょっとだけ、王たちの凱旋という形で描かれます。突然民衆が出てきて、万歳を叫ぶんですが、何だかちょっと変。 「ロード・オブ・ザ・リング」は大人向けの映画でしょうけど、「ナルニア」は子供も観て良し、というスタンスがあると思うので、それならもう少し戦闘シーンを減らして、心の解放みたいな楽しいシーンを増やしてほしかったです(ディズニーが創っているんだしね)。 で、最後に! 私の敬愛するヒーロー、ネズミのリープですが。とてもドキドキしながら登場を待ちました。ショックだったのが、リープが茶色だったことです。原作の挿絵では、白いネズミなんですよ。あの気高い白い、とがった顔のリーピチープが、ちょっと丸っこいかわいらしい茶色いネズミになっちゃってました。うーん。 ただ、原作にも別に白いネズミだとは書いていないのです。だから茶色でもいいんです。いいんですけど・・・。 ネズミたちの動きは、さすがにすばらしい特殊効果で良かったです。しっぽをなくしてアスランと問答する名場面もちゃんと再現されていたし。 次作はいよいよ「朝びらき丸」ですね。ベン・カスピアンは成長を遂げるでしょうか。そしてリープも茶色くてもいいからもっともっと活躍してほしい! いろいろ期待がつのります。
June 5, 2008
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ジュリー・アンドリュース主演のミュージカル映画「メリーポピンズ」をうんと楽しむための本をご紹介。大学の講座から生まれた本ですけど、堅苦しくなく、とても分かりやすくて映画の魅力がいっぱい。じつは私の友人が本の中の1章を書いています! 映画は1960年代の作ですから、私が生まれた頃です。数年前、40周年記念DVDが発売されています(あ、年がバレますね)。 じつは私、映画はちゃんと観たことがないのです。いや、むかしTVで観た気はするのですが、覚えているのは、「バンビ」などを思い出させるテクノカラーの美しい背景や動物などが実写と一緒に出てきて、メアリー・ポピンズの魔法の世界を表していること。 「お砂糖一杯で」のシーンは、作り物の小鳥がジュリー・アンドリュースの手に乗ってピヨピヨと動くのを、彼女がにこにこ見つめながら、大きな口をあけてあの美声で歌います。 その他、手にした花がパッと小鳥の群になったり、そんな小さな仕掛が、今思い出すと、最近のコミカルなドラマにとりいれられているCG効果に似ています。 で、肝心のストーリーがあやふやなまま、友人が贈ってくれたこの『メアリー・ポピンズのイギリス』を手に取ったのですが、大丈夫、ストーリーの展開順に解説してあるので起承転結がちゃんと分かります。 ディズニー映画のつね、いや名作の映画化のつねとして、原作をいかしながらいかに映画らしい面白さや独自性をプラスしていくかという問題があると思いますが、「メリーポピンズ」も、原作と映画はかなり違います。 原作ではメリーポピンズと子供たちの不思議体験が中心ですが、映画ではそこに、家族の再生というテーマが盛り込まれ、しかもその背景には1910年当時のイギリス社会情勢があるのです。 映画からは「チムチムチェリー」など多くの歌が有名になりましたが、このミュージカルの最初の歌は、「女性参政権運動の同志よ!」(邦題「古い鎖を断ち切って」)という、社会運動の歌なのです。全然、知りませんでした。メリーポピンズが乳母としてやって来るバンクス家のお母さんは、(原作と違い)女性参政権運動に熱狂しているのです。1910年とは、そんな時代だったのですね。 一方、ロンドンの金融の中心シティで働くお父さんは、古き良き大英帝国の伝統にしばられる家父長的人物です。自分の家庭も銀行運営と同じように、規則正しく合理的に未来の大英帝国のしもべを育て上げねばならないと思っています。でもその偉大さの象徴である銀行は、後半で、バンクス家の子どもたちの一言から取りつけ騒動になり、お父さんの一言から頭取が笑い死にしてしまうのですから、実はもろくはかないものになりつつあります。それがやはり、1910年という時代だったのだそうです。 夫婦の気持ちがズレたそんな家庭へ、新風を吹き込むのがメリーポピンズと、彼女の友達バート。そして波乱があり、最後には夫婦ともマイホームママとマイホームパパになってめでたしめでたしというわけ。 ・・・なんですが、原作にないホームドラマ調のこの構成そのものに、今度は映画の作られた1960年代アメリカの社会情勢が透けて見えるということが、この本の最後の方に書かれています。なるほど、映画を観るのにそんな楽しみ方があるとは、目からウロコです。 と、本の受け売りをしすぎて、私の友人の書いた章についてご紹介するいとまがなくなって来ました。つづきはまた次回ということで。
June 3, 2008
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昨夜は長男が修学旅行に行って留守でした。長男がいないと深夜、居間のTVでDVDが観られますv というわけで、昨夜は入手以来長らくちゃんと観ていなかった、ラルフ・バクシのアニメ版指輪物語をじっくりと鑑賞しました。 近年、実写映画が話題になったおかげでDVD化された、手塚治虫も絶賛の幻の名?作。 1978年当時、私はまだ『指輪物語』を読んでおらず、映画にも連れて行ってもらえませんでした。映画ポスターはその後、評論社の文庫版『指輪物語』のカバーに使われていたので、ガンダルフの姿などはとてもなじみ深いものです。 DVDを買ったものの、“原作の前半分しかない”という致命的な欠点を持つこの作品を観るには勇気がいりました。 マニアならご承知のように、アニメといっても、バクシという人は“ロトスコープ”という手法を使っています。人間の俳優やエキストラが演じた実写フィルムを、一枚ずつ上からアニメーターがなぞっていったんだそうです。SFXもCGもなかった時代の、職人技。すごいですねえ。 で、その結果、独特のファンタジー世界ができあがっているわけで、これがなかなか予想外に良かったです。 フロドをはじめホビットたちや主要キャラは普通のアニメで、デフォルメされた姿です。しかし、黒の乗手やその他大勢の軍勢は、実際の人間や馬なので、輪郭や動きはすごくリアル。その上にアニメーターの筆が加わって、ネガフィルムあるいはモノクロみたいに陰影だけにしたり、抽象的な(これがオドロオドロしくも印象的な)背景に組みあわせたりして、さまざまな効果を出しています。 PJの実写映画でも、フロドが指輪をはめたときに陥る、ぼやけたり鮮烈だったりするあやしい幽界の映像はすばらしかったけれど、バクシのアニメを観ると、それに勝るとも劣らぬ迫力で、びっくりします。 PJのはバクシの真似だったのか? と言いたくなるほど(言い過ぎですけど)。30年前の映像とは思えません。 アラゴルンやボロミアなど人間族は、時にアニメの顔と実写の顔がスイッチして、それはもちろん「あっ、ホンモノの人間に変わった」「あ、漫画に戻った」と分かるのですが、わりと嘘くさくなく自然です。 思うに、ホビット庄のホビットたちにとって、旅に出て外の世界で出会う人々は、人間であれエルフやドワーフ、はたまたオークであれ、自分たちとはとても異質で遠い存在に見えたことでしょう。彼らの感じたであろう“違和感”というか、“自分たちが場違いなところにいておとぎ話や物語に出てくる者たちを目の当たりにしている感じ”を、この映画のアニメと実写の同居する違和感が、うまく表しているように思えるのです。 アラゴルンはホビットたちと同じベタ塗りされたアニメな「馳夫」に見えたり、歴史書に載っている肖像写真のような、王家の血を引く英雄に見えたりするというわけです。 もっともバクシのアラゴルンは色黒の古代顔で、日本アニメ的には美男じゃないんですけど(ヨーローパの古典的アニメ顔ですね)。対照的にレゴラスはきわだって白い。アニメだから描き分けがとてもはっきりしているんです。白人の俳優たちを揃えたPJ映画ではあまり分からなかった種族・民族・人種の違いというものが、アニメではよく分かります。 ガラドリエルのまつげのすごさにはビックリしますが、まあ実写でもあんなふうだったし、とやかく比べられないです。 全体的に、とにかく手のこんだ映像で、黒の乗手の追跡や風見ケ丘の場面、モリアの橋、ローハンでのオークとエオメルの戦い、そして角笛城の戦闘シーンなどは、PJ映画に負けないスペクタクルで、ワクワクさせられました。 おまけに、声がイギリス英語なのも、荘重で良いです。 ・・・で、角笛城に夜明けが来て、白の乗手(ガンダルフ)が飛蔭に乗ってさっそうと登場、オークたちを打ち破り・・・。というところで、唐突に映画は終わります。これで放映打ち切り! つまり、終わったというより切れた感じ。 ああ、バクシはどんなにか最後までつくりたかったでしょうね。 PJの長大な三部作に負けない時間とお金と人とがあったら・・・ 誰かバクシ・アニメの続きを創ってくれないでしょうか。
May 17, 2008
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動物の物語が大好きなので、いつか読みたいと思っていた「101匹わんちゃん」の原作、タイトルもずばり『ダルメシアン』(The Hundred and One Dalmatians)。図書館でふと見つけて借りてみました。 1956年の作品ですが、お話の中に(映画でもそうですが)テレビや自動車、トラックなどが出てくるし、ロンドンの町並みが昔と今とあまり変わっていないせいでしょうか、とても現代風な物語です。 読むと、ディズニーが映画の大筋を原作通りに作ったのだなということがわかります。なにより、印象的な悪役、毛皮マニアのクルエラの雰囲気が、原作も映画もおんなじ! ただし、原作のクルエラは最後に、映画とはまたちがった方法でやっつけられます。これがなかなか胸のすくシーン。 その他は、原作の方が登場人物(犬をふくむ)が多いし、ポンゴ夫妻の他にもう1匹の乳母犬がいたりして、話がやや複雑になっています。 原作を読んでよかったなと思ったのは、ダルメシアンという犬のことがよく分かるのです。作者はダルメシアンを実際に飼っていたそうですが、ジプシーに連れられてきたとか、馬車の後ろを走るように訓練されたとかいうダルメシアンの歴史のほか、子だくさんなダルメシアンの育児法など、知らなかったことがたくさんありました。 犬と人間の関係も、映画では犬が飼い主を「相棒」(吹き替え版)と呼んでいましたが、原作ではもっと犬的立場から、人間こそ犬の「ペット」だとしています。そして常に犬の視点から書かれているところが、おもしろい。 残念なのは、訳がいまひとつこなれていない気がしたことです。ていねいな日本語なのですが、何だか英文を訳する問題の模範解答みたいで、ぎこちない感じ。本当は原文で読むべきなのでしょうけど・・・ ところで、うちの近所にもダルメシアンがいます。時々、散歩させているのを見かけますが、大きくて立派。この犬に会うたびに、ポンゴを思い出します。 ほかに、映画ではもじゃもじゃのテリア?でそれほど大きくなかった「大佐」が、原作では巨大なシープドッグで、その迫力と重厚さがとても気に入りました。
April 8, 2008
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4月1日って、真新しい気持ちがします。個人的には、今年はさほど変わったこともないのだけれど、桜も咲き始めて外が明るくなり、何だかシャッキリとスタート気分。 こういう気持ちにぴったりな本といえば、新米魔女が新生活を始める『魔女の宅急便』でしょう。今や宮崎アニメの古典ですし、原作の方も小学生の女の子必読!って感じ。昔の『赤毛のアン』みたいですね。 原作は次々に続編が出ていて、もう5巻、主人公のキキが成人するところまで達しているそうです(未読です)。 少女のティーンエイジものを年代を追って5冊も書くなんて、すごいと思います。というのも10代の女の子って、疾風怒濤時代というか、身も心もどんどん変わっていく時期で、キキという一貫した人格としてそれを追いかけていくのは、とても難しそう。 私はアニメを先に観てしまったんですが、原作の雰囲気を壊さず、しかも宮崎アニメらしく劇的展開を最後にもってくるところは、さすが。もちろん、“エピソードの連作”というかたちの原作とは、物語の構成が違っていますが。 私がいちばん気になるのは、アニメのキキが13歳にはとても見えないところです。これは原作を読む前から気になっていました。いくら素直で天然な性格だとしても、キキの言動は幼すぎ、無邪気すぎます。10~11歳ぐらい(=「となりのトトロ」のサツキぐらい)に思えます。「風の谷のナウシカ」が14歳(映画では16歳でしたか?)なのと比べても、余りにも子供っぽすぎ。 男の子なら13歳でもあんなもん(と、キキと友達になるトンボを見て思いました)でしょうが、女の子はもっとませていて、もっともっと、何考えてんだかわからない雰囲気があるのでは? だから、アニメの方は、いくらお届け物の仕事をしていても、“大人への第一歩”という感じがあまり私には伝わってきません。子供が大奮闘しているように見えてしまう。 で、原作を読むと、少し安心します。原作のキキはもう少し年相応。大昔、自分が13歳だったころを思い出すことができました。 13歳を過ぎてしまっていても、新しい4月に、肩ひじ張らない自然体のやる気を起こさせてくれる物語です。
April 1, 2008
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今日はセント・パトリック・デー(アイルランドの守護聖人の祝日)なので、アイルランドな映画を観ました。・・・と言ってもだいぶ昔に衛星映画劇場を録画したものを家で観たんですけど。映画館で観たのは、十年ほど前のアイルランド映画祭でした。 原作はスコットランド北西部の孤島が舞台のようですが、映画ではアイルランド北西部という設定になっています(原題「ローン島の秘密」)。 主人公の美少女フィオナ(オーディションで選ばれたそうです)があんまり可愛すぎて、周囲の深みのある俳優たちや辺境の海辺という舞台の中ではちょっと浮いているかも?ですが、演技はナチュラルでステキ。 フィオナの一家は一族が長くくらしてきた孤島を捨てた時、赤ん坊だったフィオナの弟を失います。弟は、アザラシの精(セルキー)の血を引くとされる黒髪で、ゆりかごごと海にさらわれたのです。 やがて本土の海辺で暮らす祖父母のもとにひきとられたフィオナは、弟が生きているのではないかと思い始めます。島に遊びにゆくと昔の家には今も誰かが居るような形跡があるし、アザラシとともにゆりかごを船のようにして海を漂う子供を見たという噂も聞こえてきます。 人々が去った無人島の景色が、目にしみるほど静かで美しく、昔旅したアイルランド西部のアラン諸島を思い出させます。 海や霧、岩や草原など荒涼とした自然の中で昔ながらの暮らしを営む人々、彼らと生き物たち(アザラシやカモメ)の交流などが、今も生き続ける伝説に、リアリティを与えています。 その伝説というのが、日本の羽衣伝説にとてもよく似ているのです。もっと広義でいうなら、異種女房譚(人間の男と人外のものとの結婚、その血をひく子孫たち。河合隼雄『昔話と日本人の心』より)。 ケルトの伝説には、妖精や精霊と人間との交流はよく出てきて、 黒髪の者には妖精の血が混じっているのだそうな ――あしべゆうほ『クリスタル・ドラゴン』 などと言われますが、一説によるとケルト人(紀元前にアイルランドやイギリスに移住)よりももっと古い土着民が黒髪だったようで、そういう先住民がのちに精霊とか妖精になって記憶されたのかもしれません。 フィオナの親戚である黒髪のタッドが語る、一族のルーツの物語によると、彼らの先祖に、アザラシの精である娘と結婚した男がいました。彼は、アザラシが皮をぬいで美しい娘の姿になるのを目撃して、一目惚れし、皮を隠したのです。 二人は結婚して何人か子供も生まれますが、ある時、上の子供が母に尋ねます、「お父さんはなぜ古い皮を大事に隠しているの?」この言葉で、アザラシの皮の存在を知った母親は、すぐさま皮を取り戻し、アザラシの姿に戻って海に去っていってしまうのです。まるで、羽衣を取り戻した天女のように。 日本人である私が、アザラシの精を祖先に持つこんな話を聞くと、昔話が新たに生き生きとよみがえったような、妙な気持ちを味わいます。 そういえば、アイルランドには、浦島太郎そっくりの伝説(妖精の美女に連れられて海の向こうの楽園にゆき、戻ってくると何百年も経っていたというオシアンの話)もあります。 ユーラシア大陸の東の果てと西の果て、二つの島国には、不思議な共通点があるんだなあ、と思いながら、映画を観て、久しぶりにアイルランド気分に浸りました。 原作もぜひ読んでみたいものです(矢川澄子の訳だし)。
March 17, 2008
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映画「ナルニア国物語」第2章「カスピアン王子のつのぶえ」は、5月公開だそうです。公式サイトの予告編を見ると、征服されてしまったナルニア、その唯一の希望である王子カスピアンのヒーローぶりがどーんと強調されていて、この物語もまた(第1章「ライオンと魔女」と同様に)、夢と魔法の王国ナルニアを我々の手に奪還する戦いであるのがよくわかります。 それに、カスピアン王子(ベン・バーンズ)がとてもカッコ良くて、わくわくします。 けれど、私が原作を読んだ時は、この巻は(ねずみのリーピチープの登場を除いて)、他の巻にくらべて特に印象に残ったわけではありません。 というのも、物語の視点がつねにルーシーたち4人の子供の側(つまり読者である子供)に立っているため、別世界との往来やそこでの時間の流れの相違、第1巻と第2巻との間に横たわる数百年にわたるナルニアの歴史などを、よくかみくだいて分かりやすく、でもちょっと理屈っぽく説明しているのです。 これは、作者が児童向け読み物として至れり尽くせりの工夫をしているのでしょうが、どうも説明がゆきとどきすぎて、かえって物語にどっぷりはまりこめないもどかしさが残るような気もします。 たとえば・・・ 「そう、いいかたによっては、そうなります。・・・でも、あのかた〔カスピアン王子〕は、もともと新ナルニア人で、つまりテルマール人なんです。おわかりですか?」 「わからない。」とエドマンド。 「バラ戦争よりややこしいわ。」とルーシィ。 ――C・S・ルイス『カスピアン王子のつのぶえ』瀬田貞二訳 そのあと作者は読者に向かって、「小人が物語をして説明するが、それをそのまま記すと長くてかえってわかりにくいから、要点をまとめて書くと次のようになります」などといろいろ前置きして、ようやくカスピアン王子の生い立ちを語る章へと続くのです。 こういった「現状の把握」に、物語の半分ぐらいが費やされてしまっている感じがします。 ただこれは、読者の感情移入しやすい4人の子供たちが、いかにして再びナルニア世界へと入りこんで活躍するかという、別世界への橋渡し部分をていねいになぞっているのだとも言えます。4人は数百年タイムワープして別世界へまた入りこんだのですから、少々説明を聞いてもピンと来ず、わけがわからない気がするのも当然。 ただ、世間には、わけもわからず別世界に主人公(と読者)を放りこみ、とにかく前へ前へと怒濤のようにひっぱっていくタイプのファンタジーも数多くあるので、そういうのに比べると、やはりナルニア原作は古典的というか、学者先生作というか、ファンタジー初心者向けであると思います。 ナルニアも巻が進むにつれ、説明的なところが減っていき(お説教じみたところは増えるようにも思うのですが)、物語自体が“ナルニア慣れ”していきます。それでも最後まで作者は物語の外枠から読者に解説しようとする姿勢を崩さず、これが私には全巻を通じて気になってしまう点なのです。 ちみつな別世界構築という点では、もちろんトールキンも時として非常に解説が長いです。『指輪物語』を読もうとして冒頭の解説部分で挫折した人はいっぱいいるようです。しかし、トールキンの解説は、自分も別世界の内側からの解説、つまり後世の中つ国に住む歴史学者という立場で語っています。 その方がずっとうさんくさいと感じる読者もいるかもしれません。でも、私は反対に、作者といっしょにすんなり物語世界に身を置くことができると思うのです。 ともあれ、映画というのは、くだくだしい説明なしにお客を別世界へ連れて行ってくれますから、ナルニア第2章の旅、楽しみです。 リーピチープくんはどんな様子なのか(予告編には見あたらないので)、気になりますけど・・・
January 7, 2008
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クリスマス・イヴですね~。私は一日、年賀状に追われました。 子供たちへのプレゼントは悩んだ末、「子供用包丁お料理セット」「手品用トランプ」などに決定しました。ふ~。 ところでブログは、ここ2年ほどクリスマスにふさわしい本をご紹介してきたので、今年はすっかりネタ切れです。かわりに、私にとっては耳よりな情報を一つ。 映画「ロード・オブ・ザ・リング」三部作のピーター・ジャクソン監督が、この映画の前史であるトールキンの児童文学『ホビットの冒険』を映画化することに決まったそうです。「ロード・オブ・ザ・リング」と同じニューラインシネマ提供。 2010年~2011年にわたって2部構成で公開予定だそうですが、配役その他はまだまだ未定。公式サイトを訪ねてみましたが、(もちろん)全部英語なので詳細は不明です ともあれ、映画を待つ間、またワクワクできそうで、マニアとしてはありがたいことです。
December 24, 2007
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このところ忙しくて、ブログがとどこおりがちです。世間も師走で気ぜわしいし・・・ そんな中、ファンタジーオタクとしては気になる映画。ゼメギスの「ベオウルフ」です。 有名なファンタジーが次々と映画化されている昨今、その原点ともいうべき、アングロ・サクソン民族最古の叙事詩(トールキンもこれが大好きで、論文など書いています)が、なんだかオドロオドロしい映画になったようで。 映画の詳しい情報は知らないんですが、もともとのベーオウルフ伝説は、デーン人の勇者ベーオウルフの二つの武勲――若いときの怪物グレンデル母子退治と、晩年の竜退治――をたたえる、荒々しく男性的な物語なんですが、映画の宣伝を見ると、妖しい女性(まさか怪物グレンデルの母じゃないでしょうね?)が大きく目立っているし、う~ん、どんな物語になっているのやら。 いろんな意味で観るのはこわい。でも、ちょっと観てみたい・・・しかし暇がない私でした。 仕方ないので手持ちの本をめくってみます。ローズマリ・サトクリフの再話『ベーオウルフ』(井辻朱美訳、画像は最近のもので、私の持っているのとは違います。私のは沖積舎版でキンキラキンの帯もついてますv)がいちばんお手頃ですが、じっくり楽しむなら忍足欣四郎訳『中世イギリス英雄叙事詩ベーオウルフ』、そしてこの二つがまだ出ていなかった頃、私が読もうと試みたのが、新訳「A READABLE BEOWULF」という洋書。この本は活字がわりと大きくて、挿絵がたくさんついていたので買いましたが、がんばって読んだのは数ページだけで、あとは挿絵に色を塗っただけで終わりました(笑)。 この挿絵だと、怪物もそれなりにかわいかったんですが、昨今の映画はリアルにエグイ怪物が多いです。これも観るのがこわい一因。 そういえば、『ナルニア第2章』もやっと予告編が観られるようですね。長くかかりましたが、これもどんなできばえか、ドキドキです。ことに私の大好きなネズミのリープ君がどんなのだか、とても気になります・・・
December 12, 2007
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妖怪の好きな娘(小1)と、「ゲゲゲの鬼太郎」を観てきました。映画館は人がいっぱいでしたが、みんな他の映画に行っちゃうらしく、鬼太郎はわりとすいていました。 実は私は原作あんまり知らないんですが(TVは子どものころ時々見ていたけど)、娘はなぜか大好きで、妖怪の名前も私よりはよく知っています。次々登場するCGの妖怪たちはどれも面白かったのですが、原作の「チョー強い鬼太郎」(娘談)とちがって?、ナイーブなお兄さん(少々頼りない感じがする・・・)のウエンツ鬼太郎に、少しとまどったみたいですね。 で娘は、妖怪は怖くないんだけど、鬼太郎がやられそうになるたんびに別な意味で「えーっコワイ~どうなっちゃうのぉぉぉ」と怖がっておりました。 自然破壊と、お宝盗難騒動、人間との淡い恋、などいろんな事件がもりだくさんですが、最後には、すべて元通り。森を破壊する開発は中止となり、お宝は戻り、死んだお父さんは生き返り、人間の姉弟は事件をすべて忘れます。 人間たちの前から鬼太郎は何も言わずに消え去り、妖怪たちは異界でにぎやかに踊り・・・ まるで何事もなかったかのような、日常が戻るのです。 佐藤史生のコミックス『ワン・ゼロ』を思い出しました。この話にも、妖怪たちがどっさり登場してにぎやかですが、最後に神と魔がうちけしあって、すべては元通りになります。 まるで一夜の夢のごとく・・・ 河合隼雄『昔話と日本人の心』によると、こういう終わり方は、日本の昔話の典型だそうです。外国の物語は、主人公が何かを獲得し成長して終わることが多いのに対し、日本の物語は、主人公が非日常的な体験をして異界の異性に出会うけれど、しまいには「何も起こらなかった」、もとの状態に戻った、で終わってしまうのだそうです。 この映画も、人間の姉弟がわから見ると、異世界とかかわりあって波乱が起きたあと、もとの日常が戻って終わります。稲荷の森も元通り、お父さんも元通り。だれも何も覚えていないし、鬼太郎(異世界)はきれいさっぱり消え失せたかに見えます。 けれども、この当たり前の日常を保つために、どれだけのエネルギーが費やされたことでしょう。特別良くもないけれど悪くもない日常、これを維持していくことは、実はとても大変なことなんですよね。現代人の記憶の裏で、妖怪たちは、いっしょうけんめいニッポンの日常を支えているのです。 油揚げを供えてねとだけ言い残してほほえんで去った天狐を見ると、社を建ててまつることを条件に国を譲って去った大国主命の神話なんかも思い出しました。 何て奥ゆかしい、ニッポンの妖怪たち。
May 3, 2007
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新幹線に乗って日帰りで、倉敷のチボリ公園に行ってきました。下の子が電車にタダで乗れるのは今月いっぱいですから チボリ公園といえばデンマーク、デンマークと言えば童話の国。 倉敷の駅前には仕掛け時計の塔があって、ちょうどの時刻になるとアンデルセンの4つの童話の人形が出てくるのでした。えーと、「はだかの王様」「マッチ売りの少女」「すずの兵隊」そして「人魚姫」。 テーマパークとしては、まあ、ちょっとお寂しい感じもする公園でしたが(天気も良い土曜日なのにこんなにすいてていいの?)、いちばん奥のアンデルセン・シアターでは、かわいい童話劇4本立てを見られます。えーと、ここでも「はだかの王様」「マッチ売りの少女」「人魚姫」、それと「みにくいあひるの子」でした。 6歳の下の子はもちろん、童話にうとい上の子(10歳)も結構楽しんだ様子。 アンデルセン童話は有名なのがいくつかありますが、なんというか、結末がハッピーエンドじゃないものがわりと多いんですよね。「マッチ売りの少女」も「人魚姫」も、けなげでかわいいヒロインが、かわいそうなめにあって、現世では救われず、最後に昇天して神様のところへ行ってしまう。なんとも泣けるお話です。 やっぱり北欧の風土なのでしょうか。「みにくいあひるの子」にも、きびしい試練みたいなのがあって、結末も、ちょっと見方を変えると、みにくいあひるの子は育ての親や家族、旅で会った誰彼とはかけ離れた、浮世離れした天使みたいな白鳥になってしまうのですから、マッチ売りの少女や人魚姫が昇天するのと、同レベルと言えなくもない。 おもしろいのは、ディズニーがアンデルセン童話を手がけると、ハッピーエンドになってしまうところ。 うちの下の子は「人魚姫」より先に「リトル・マーメード」のアリエル(最後に王子とめでたく結ばれる)のお話を知ってしまったし、「ファンタジア2000」のDVDに収録されている「すずの兵隊」のお話は、兵隊さんとバレリーナが最後に抱き合ってラブラブで終わるのでした。原作で、両者が暖炉の火に落ちて燃えてしまい、ハートの形のすずの塊だけが残ったという、まるで“心中モノ”みたいな結末とは、だいぶイメージが違います。 がんばるけなげな主人公は必ず最後には成功をおさめる、みたいな信条がアメリカにはあるのでしょうか。 などと、久しぶりにアンデルセン童話を読み返してみた私でした。
March 3, 2007
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大晦日に映画。じつは昨年、大晦日の朝イチに子供と映画に行ったら、すいていたので、今年も!と、大掃除もそこそこに出かけたのでした。 午後からだったのでわりとにぎわっていました。孫をひきつれたおじいちゃんとか、ね。 原作『シャーロットのおくりもの』は、古き良き、のどかなアメリカの農村を舞台にした、一頭のちいさなブタの子をめぐる物語です。四季折々の農家の暮らしや、子供たちののびのびした遊びの様子が印象的。 ウィルバーは、生まれたとき小さすぎて殺されるところを少女ファーンに助けられ、気持ちの良い農家の納屋で、大きくなります。彼の友だちは、納屋に巣を作っている、クモのシャーロット。 そして、彼がクリスマスに殺されてハムやベーコンにされぬよう、このシャーロットがすばらしい方法で彼を救うのです。 家族で楽しめる、ささやかだけどあったかい、友情といのちの賛歌。映画でも、原作の感動がそのままよみがえります。 映画は、現代風にとてもテンポよく作られ、実写+コンピューター処理された動物たちの動きや表情が見事でした。もちろん、つくりものっぽいところもありますけど、それが不自然でなく、アニメのような“つくりものの楽しさ”をプラスした感じに仕上がっていたと思います。 クモのシャーッロットが巣を作っていくところなんかは、なかなかの映像美でした。 子供といっしょに観に行ったので、吹き替え版だったのですが、原作にはないキャラクターである2羽のおバカなカラスたちの声を、千原兄弟(私ふだんTV見ないので彼らのこと知らなかったんですが)が担当していて、これがものすごく良かったです。カラスのくちばしの動きにぴったり合わせて大阪弁のボケとつっこみが入るのって、感動。 字幕版では、シャーロットの声をジュリア・ロバーツがやっていて、その他ロバート・レッドフォードも声で出演しているらしいので、いつか字幕版も観たいものです。 なお、原作は私の持っているのはむかしのですが、今は新訳があるみたい。表紙絵は同じでした。 さて今年もあとわずか。来年はイノシシ年だけど、ちょっと親戚ということで、ブタくんのファンタジックな映画でしめくくってみました。平和な1年がおとずれますように・・・
December 31, 2006
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大阪・梅田の映画館では今日が最終日だったので、観に行ってきました「ゲド戦記」。 いろいろ評判を聞いていたので、それなりの覚悟?はしていました。が。 うん、ひとことで言ってこれは、原作ファンがつくった、パラレル(ドリーム)小説、ですね。なぜって、原作を知らない人が観ると、きっとよくわからない所が多い(舞台設定とか人物設定とか)し、原作を知っている人は、同じノリで楽しめる人と、原作とちがうじゃないかっ!と思う人とに分かれそう。 私は、映画と原作との違いは、いつもそれほど気にならないたちなので、映画は映画なりに別のすばらしさがあればいいな、と思っていたのです。が。 どうしてもパパ(宮崎駿)と比べてしまいますが、パパ宮崎監督の作品は、原作を大きく変えて作ってあっても、そこには必ず監督自身のカラーというか主張というかがはっきりあり、原作から設定の一部を借りているけど中身は宮崎映画の良さがいっぱいに詰まっているので、「魔女の宅急便」とか「ハウル」は、とても楽しめました。 でも、息子(宮崎吾朗)の「ゲド戦記」は、彼自身の主張が見えません。原作のいいところと、ジブリのいいところと、パパ宮崎の「シュナの旅」のいいところを、壊さないように注意深くまぜあわせた感じがして、なんか遠慮しているみたい。 観た後でパンフレットを読んだら、この映画はいろんなところにパパ宮崎の影が色濃く落ちていて、たとえば、印象派の絵画みたいな美しくもなつかしい背景も、なんですって、パパ宮崎が「クロード・ロラン」とヒントを出したのですって。 アレンと同様にできすぎる父を持つ吾朗監督も、せっかく物語冒頭でアレンに父殺しをさせているのだから、映画作りでももっとパパ宮崎をずばっと切って落としちゃって、自分色を追求すればよかったのに・・・なんて、言うのは簡単ですけど、やっぱり難しかったんでしょうねきっと。 物語の筋も、はっきり言って、未消化。せっかく新しいストーリーを持ってきているのに、もっととことんその独自の話を追求してほしいと思いました。 たとえば、そのアレンの父殺し。原作の訳者清水真砂子氏がパンフレットで語ってましたが、このアイデアは良い!と思います。原作のアレンは、登場した時まっさらな優等生で、ちょっと理想的すぎ?と私なんかは思ったからです。 でも、父を刺して王家の剣を奪うにいたったアレンの心の闇が、どんなものなのか、はっきりわからないままでした。 「不安で、自信がなくて、」「時々自分では抑えられない位、凶暴になってしまう」 ――アレンのせりふと、説明はされていますが、父を刺す前のアレンがどのように情緒不安定になっていたのか、せめてワンシーン、回想でも夢でもいいから、欲しかったような気がします。女官の口から「なにやらふさぎこんで」と説明されるだけで、彼自身のせりふや映像がありませんでした。 泰然自若とした父を見ていていらだっちゃったとか、昨今の災厄の噂に不安をかきたてられていたとか、父が自分を一人前と認めてくれないとか、城で自由がきかないとか、なにか日々のストレスがあったのか? ありきたりなことであっても、王である父を刺すという物凄いことをしてしまうのだから、その理由とまでは言えなくても、何か前段階があるはずでは? それとも・・・近頃ニュースをにぎわしている数々の事件のように、前触れもなくいきなりキレてしまうのが現代風なのでしょうか。 そして、彼の「影」との対決(あるいは融和)はどうなったのでしょう。悪の魔法使いクモとの対決の直前、アレンの「影」が彼自身を助ける方に動いて、少女テルーとの交流はあるのですが、それっきり。原作を読んで若き日のゲドが自分の影をあれだけ苦労して追い、追われ、最後に一体化する物語を覚えている人はみな、アレンにも影との決着をつけてほしいと思うのではないでしょうか・・・ 最後に、やけに晴れ晴れと、国に帰ってつぐないをする、とテルーに語るアレンですが、これもちょっと短絡的では? 第一、父王は死んだか、それとも刺されたけれど命はとりとめたのか、観る方はすごく知りたかったです。もし、父が死んでいたら、いくらクモを倒した英雄とはいえ、父殺しの汚名はぬぐえません。帰国すれば即、死刑かもしれません。 それに、アレンは殺した(と信じている)父のことや祖国の混乱を思わないのでしょうか。優しい父だったのにな、とか、やっぱり憎らしかった、とか、王が殺されたことで周りの人々や自分の国(将来になうはずだった国です!)がどうなってしまっただろうとか、・・・いろいろ感じたり思い出したりすることがあるでしょう。口に出して語らなくとも、そのあたりをもっと表情に出してほしかったです。 そんなこんなが、未消化に思われたこの映画だけを観る限り、アレンの自己探求の旅はこれからが本番だろうという感じがします。ジブリに続編はないとは思いますが、この「ゲド戦記」には続編が欲しいです。そして、アレンをもっと深く描いてりっぱな王にまで成長させてほしいな、と思いました。
September 15, 2006
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2時間強、もつだろうかと危ぶみつつ、とうとう子連れで行ってきました、ナルニア国物語。子連れゆえ、今度は吹き替え版。 上の子には本を読んでやったので(彼は自力ではなかなか読めない・・・)、わりと楽しんでいました。タムナスさんには驚かなかったようですが、「セントールだー!」と喜んでいました。あのセントールたちは確かに、かっこいい。 5歳の下の子(♀)は、ストーリーを知らなかったので心配でしたが、何とか最後までもちました。途中で「まだ終わらないの~?」を連発していましたが、後から聞くと、「魔女が勝ったりルーシーの方(アスラン側)が勝ったり、何度もしてたでしょ。最後にやっと魔女がほんとに負けたねー。魔女どうなっちゃったの?」というコメントでしたので、何とかストーリーは把握したみたいでした。 そういえばホント、魔女の最期はどうなったのか分かりませんでしたね。「ライオンが食べちゃったんだー」なるほど、そういう見方もできますね。********** 明日から家を空けるため、次の日記は来週になる予定です。
April 4, 2006
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観てきました、ナルニア2時間20分。長いから子どもを連れずに一人で観たのですが、長さを感じさせない映画でした。 前半が特に良く、後半も予想よりコンパクトですっきり終わってました。 予告編でナルニアのパノラマを見て、えーっこんなに広いんだ!と驚きましたが、映画の中で子どもたちが同じようなことを言っていました。 どうも日本人の悲しさなのか、ファンタジーを本で読んでも、空間的な広がりがなかなか想像できません。最近の映画は特に、広々したロケ地で空撮とかふんだんに使っているからでしょうか、スペクタクルですねえ。こういう映画はやはり、映画館で観るのが良いですね。 原作が超メジャーで英国の歴史と伝統!ですから、ディズニーといえどもわりと忠実に作っているなあ、と感じました。出だしの部分(四人の子どもたちが疎開するいきさつ)が原作にはまったくない場面でしたが、第二次世界大戦が遠い過去になりつつある現在、物語の「現実」部分の背景として空襲や疎開による家族離散を描くことは意味があると思います。 四人兄弟の性格や関係も、原作路線から外れずに深く描かれ、しかも押しつけがましくはならない程度だったと思います。 SFXのすばらしさは、もう最近では驚かなくなりましたが、タムナスさんやセントール、アスランの顔の表情など、とても作り物とは思えません。 ただ、どんなにすばらしくても、アスランは俳優さんが演じているワケじゃないので、演じる人のオーラというか、気迫みたいなのは、ないんです。声優さんの声はとてもいいのだけれど、吼えるところは普通のライオンだし、原作にあるたてがみの香りだとか、大きな足の裏のびろうどのようなやわらかさだとか、強さとなごやかさと悲しさとをあわせ持った威厳、とか、そういう目で見えないものが、やっぱり映画ではなかなか表しきれていなかったように思います。 それから、やはり動物キャラで一言。狼たちを何とかしてください! 私の想像では恐ろしい魔狼であるモーグリムが、シベリアン・ハスキーのわんちゃんじゃありませんか! 魔女軍の他の恐ろしい面々に負けない、すごい狼にしてほしかったです。 対して、俳優さんたちはみんなすばらしかったです。特に、白い魔女! その顔立ち、目、声、立ち居振る舞いのすべてに、あたりをはらう威厳が満ちています。玉座に座っているときも、石のナイフを掲げた死刑執行の場面も、最後の方で古代の女戦士のように戦うところも、ぴりぴりするほどの気迫がありました。 原作『ライオンと魔女』を読むだけだと「雪の女王」ぽいのですが、続刊でも魔女ジェイディスとしてさまざまに活躍する姿をも予見させる、すばらしい魔女ぶりでした。早く『魔術師のおい』(第6巻)でチャーンの都を滅ぼした女帝を演じてほしいですね。 それから、子どもたちの中では、ルーシーがすごく良かったです。ピーター役のウィリアム・モーズリーに人気が集まっているようですが、まあ彼はかなり大人だし(私はピーターとスーザンはもっと子どもだと思ってました)、エドマンドも健闘していたけれど、ルーシーのピュアでおませでまっすぐでピシッとした愛くるしさ(決して美少女系じゃないのに)は、光っていたと思います。 でも、次作を早く作らないと、子役たちは大きくなってしまいますね。
March 6, 2006
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純フランス映画の「ルパン」が、9月に公開されるそうですが、アルセーヌ・ルパンが大々々好きな私としては、とっても楽しみです。 子どもの頃、創元推理文庫の石川湧/井上勇訳の“リュパン”が、しゃれた名前なのと、リュパンの一人称が若々しく「ぼく」なのとで、お気に入りでした。本格推理モノや怪奇モノが苦手な私には、謎の怪人ぽい円熟したルパン(新潮文庫、堀口大學訳)よりも、情熱的でちょっと三枚目の若き日のリュパンが好きです。 中でも、『奇厳城』には相当いれこみました。ストーリー以上に、舞台となったノルマンディーの海辺のすばらしい情景が印象的でした。 ラストシーンの日暮れ、素朴な歌が流れる広野を、殺された恋人を抱いて闇に包まれた海へと去ってゆくリュパン、という場面を、映画のワンシーンのように心に描いたものです。(この話の唯一の欠点は、シャーロック・ホームズを、恋人を殺してしまう悪役として登場させたことで、シャーロキアンではない私もこれだけはヒドイと思います。) ノルマンディーというと、プルーストの大作『失われた時を求めて』(私は第2篇までしか読んでいませんが)にも、この地方の美しい描写があって、ロマンをかきたてられます。 あの荒漠たる地方の近くには、魅惑的な静けさをもった小さな入江がありますが…オパールの入江と呼ばれるこの入江では…暗礁や浜辺に金色の浜がちょうど金髪のアンドロメダのように結びつけられるものですから、なおさら懐かしく思われます。 …ほんとうの海の国(アル・モール)、わたつみであり、地の果てであり、呪われた地方… ――『失われた時を求めて』井上究一郎訳より なにか、場所自体から、幻想=ファンタジーの匂いがたっぷり漂ってくるような、ノルマンディー。いつか行ってみたい場所の一つです。
August 27, 2005
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ようやく「王の帰還」SEE(4枚組DVD)の本篇を観ました。 映画館で観た時は、いろんな場面をいっぱい詰めこんであって忙しい展開だなあ、と思いましたが、ノーカット版はなるほど落ち着いて観られます。映画のつくり方も楽しみ方も、最近はすいぶん変わってきているなと実感。 サルマンの最期とか、アラゴルンがパランティアに挑む場面とか、補われたところはたくさんありましたが、結局、ゴンドールに関するエピソードはたいして増えていませんでした。 フロドら3人の個人的試練の旅に並行して描かれる、ペレンノールの合戦シーンはどうしてもアクション重視、終局へ向かってまっしぐらに盛り上げていくべきところで、ゴンドールのあれこれを描く余裕はなかったのだとは思いますが、 たとえばイムラヒル大公。名前だけでも、またはちらりとでも居てほしかった。ローハン軍ではグリムボルトなど各族長の名前が挙げられていたのに。ゴンドールにはファラミアの他にまともな大将はいないのか? て感じがしてしまいます。 ついでに言うなら、原作にあったミナス・ティリスに各地の領主・勇士が集まる「叙事詩的カタログ」な場面、あれを映像で観てみたかったのですが・・・ また、あまりにみっともない執権デネソール。セオデン王との対比は結構ですが、デネソールには彼なりの努力と誇りと重責と苦しみがあったのですから、そこをもうちょっと描いてほしかったです。特に、命取りとなったパランティアのことが割愛されたので、彼はただの物わかりの悪い年寄りになってしまって、むしゃむしゃ食べてばっかりで・・・、残念です。 さらに、やっぱりなかった「王の手は癒しの手」。アラゴルンの真価を発揮し、施療院の老女イオレスを始めとするミナス・ティリスの民衆が、ただ悲愴なばかりではなく、未来への希望を持つ力強い人々であることを、描いてほしかったですね。 ローハンでは、原作にはなかった幼い兄妹なども描きこんでいたのに・・・ というようなあれこれから察するに、ピーター・ジャクソン監督、どうもローハンの方がお好みのようですね? ペレンノールの野で突撃するローハン軍のすばらしさとセオデン王の勇姿は、黒門前のアラゴルンよりも立派な感じがしちゃいます。 私もローハンとくにセオデンは大好きなのですが、それに比べて、衰えたりとはいえ、古代ギリシャ・ローマにも匹敵する先進文明大国であるはずのゴンドールの扱いが、どうもちょっと軽い、と感じます。 まあ、あれだけの原作をどう読み、どう映画にするかは、人それぞれいろんな「指輪物語」があって当然ですから、その中で「PJ版指輪物語」はかなり相当、楽しめるのは事実ですよね。 まだあと吹き替え版やコメント付きのがあるし、付録ディスクも2枚もあるし、老後まで楽しめそうなSEEです。 『指輪物語』について私の駄文をもっと読んでくださろうという方は、HANNA'S HOBBIT HOLE へどうぞ。映画の感想もあります。
August 15, 2005
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今ではだいぶ忘れられた感じのするミヒャエル・エンデですが、映画「ネバーエンディング・ストーリー」の頃のエンデ・ブームは、近頃のハリポタ・ブームにさきがけて、ファンタジーというジャンルを日本の世間に広めた、と私は思います。 『はてしない物語』は、当時では珍しい、まさにファンタジー好きのための本でした。何しろ物語に出てくる通りの「表紙はあかがね色の絹で、動かすとほのかに光」り、明暗二匹の蛇が「相手の尾を咬んで、楕円につながって」いて、「なかは二色刷り」で、「各章の始めにきれいな大きい飾り文字」があるのですから。 この魔法の本そっくりに装丁されたハードカバーを手にしただけで、もうマニア心がわくわくしてきます。 そして、読者をファンタジー世界にひきずりこむ技が、エンデの手慣れたストーリー展開の手腕で惜しみなく発揮されています。 主人公バスチアンは『はてしない物語』を読み進むうち、自分こそファンタージエンの救世主だと気づいて物語世界へダイブするのです。 ところで、「ネバーエンディング・ストーリー」では、ほとんど無に帰したファンタスティカ国(=ファンタージエン)をバスチアンがよみがえらせるところで大団円となりますが、この映画に対して原作者エンデは訴訟を起こしたそうです。 何しろ、映画がカバーしたのは分厚い原作のきっかり前半分だけなのですから。 思うに当時(そして現在でも?)、ファンタジーを楽しむということは、『はてしない物語』の前半、つまり既成の第二世界に遊んだり、またはイマジネーションをはばたかせて自分で第二世界を創り上げたりする、その楽しさを追求することだけだと思われていたのでしょう。 しかし、ファンタジーの真髄は、『はてしない物語』の後半にこそあると思うのです。 後半で、バスチアンは想像力のままにファンタージエン国と自分自身を創り上げていきますが、並行して恐ろしい記憶喪失地獄に陥っていきます。第二世界で何かを創造するたびに、記憶(=自分のアイデンティティ)を一つ一つ失ってゆくのです。ついには家族や自分の名前さえ忘れてしまい、自己喪失の寸前で、彼はようやく真実にいきついて生まれ変わり、自己を回復します。 この命がけの体験を経て魂が浄化され再生する喜びこそ、ファンタジーの大切な効用だというわけです(トールキン『ファンタジーの世界』より受け売り)。 ファンタジーを読んで主人公と一緒に浄化と再生の喜びを体験をするのは、私にとって最上のリフレッシュです。その心地よさはクセになります。それゆえ、結末にこの種の喜びが体験できるかどうかで、私にとって良いファンタジーかどうかが決まります。 エンデやトールキンは、そうした意味で、極上の特級品といえましょう。 そして、残念ながら、昨今は一級品になかなか巡り会えません。 ハリー・ポッターも、だめでした。一巻しか読んでいないので、あるいは続巻にはすばらしい喜び体験が待っているのかもしれませんが…、とにかく、一巻目はだめでした。一作目の映画も、だめでした。 寝苦しい真夏の夜に、極上一級ファンタジー、求む。
August 3, 2005
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『魔法使いハウルと火の悪魔』を再読しました。2度目は、映画を思い出しながらじっくりと。 原作はファンタジー的な舞台、小道具、筋立てをうまく使いながら、でもあくまでテーマは“ソフィーの恋”。女性作家ならではの少女漫画な(これ決してけなし文句ではありません、本質がピュアだということです!)物語でした。 どんなにうぬぼれ屋のダメ男くんであろうと、その実力と笑顔があれば、ハウルは理想の王子さま。90歳の老婆でも恋するほどの。 宮崎駿監督のすごいところは、このベタベタな性格と魅力をそのままに、自分の描き続けていることをしっかりとハウルにプラスして、しかもそれが破綻なく、かえって原作ハウルよりぐっと人間的に深みを増した宮崎ハウルがちゃんとできあがっているところ。 その一つが、空を飛ぶハウル。自由に空を飛ぶことは、宮崎アニメ永遠のテーマですよね。 それから、戦争。たぶん、(私にはわかりませんが)あの世代の人たちは、原体験として、描かずにはおれないのでしょう、美しい空をうめて飛来するぶきみな飛行機群、それを見上げて右往左往するしかない地上の人々の無力さを。 黒い色に合わせたドアの通じる世界を、ハウルの現世的逃げ場ではなく、ほんとうに真っ黒な戦争のただ中にし、そこでのハウルを宮崎さんのオリジナル・キャラとして創ったこと、その怪鳥じみたハウルをも愛すソフィーを描いたこと、これが映画のハウルを「主人公」級にしていると思います。 …少女のアイドルから人間的な「主人公」へ。これってやっぱりキムタク?
July 12, 2005
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ディズニーのクラシック映画「バンビ」は、あんなに古いものなのに、画像は美しく、物語としてもまとまっていて、さすが!なのですが、原作のF・ザルテン『バンビ 森の生活の物語』は、あまり読まれていないと思います。 ディズニーが北米の大自然をバックに王者のような角を持つアカシカ(たぶん)を描き、クライマックスにハリウッド的スケールの山火事を据えているのに対し、原作はドイツの森に住む、角も小さなノロジカの半生の物語で、火事はありません。 ディズニーでは、バンビは初めから森の王子さまで、ウサギやスカンクや小動物たちとの楽しく仲間づきあいをし、愛する牝鹿ファリーンを猟犬から救い、火事をのがれて、りっぱな森の王さまになって終わります。 原作のバンビも、小動物たちとの交流やファリーネとの愛はあるのですが、物語の後半、バンビが成熟して「森の王」的存在になるにつれ、彼は友人や仲間をどんどん失って、孤独を深めていくのでした。 まだ子鹿のバンビが母鹿にはぐれた時、老牡鹿(=父)が現れて、「おまえはひとりではいられないのか」と厳しくさとします。この言葉は、ザルテンのバンビのキイワードとなっています。 野生動物にとって生きる目的は、究極、生きのびることそれ自体です。仲間がたおれ、淘汰されていく中で、ひたすらに危険を回避し、生存競争に打ち勝って、生き残っていく――その結果、最後まで生きのびた者が、森の主(ヌシ=王さま)になるのです。 生きのびたバンビの姿は、修行を終えた聖者のように、孤高の存在です。彼に森の英知を教えた老牡鹿とも、ついに別れの時を迎えます。 「もう、わしについてくるな、バンビ。わしの寿命はつきた。…その時がくれば、わしたちはみなひとりぼっちなのだ。ごきげんよう、むすこよ」 生あるもの、いつかは必ず別れていかねばならないという諸行無常のことわりを、ザルテンは物語の各所で描き出しています。移りゆく季節に散りしく落ち葉、代替わりする動物たち、再びめぐる春に朽ち果てる老木…。 生きることは、孤独である。でも、そんなきびしい哲学とともに、ザルテンは、孤独を越えて次の世代へ受け継がれていくもののことも、示しています。 物語の最後に、最初の方の出来事と同じ出来事がくり返されているのです。 老バンビが独り森を歩むと、迷子の小鹿たちに出会います。バンビは遠い昔、彼の父(老牡鹿)が彼に言ったのと同じ言葉を言うのです、「おまえはひとりではいられないのか」。 ここを読むと、「ああ、同じだ」ということに感動します。時はめぐり、物語は最初にかえってきた。失われたものは、実は何もない。いのちの営みは父からバンビへ、次の世代の小鹿たちへと確実に受け継がれたのだから。 ここで物語は一種の円となり、永遠化されます。
June 17, 2005
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「指輪」の話を始めると、どこまでも続いてしまいそうですが、 先日来「ハウル」やディズニー映画とその原作が、ちょっと気になる話題なもんですから、少しだけ、「ロード・オブ・ザ・リング」のことをば。 まず、これほど原作に敬意を払った映画だとは、思いませんでした。なおかつ、映画独自の味も出していて、原作をただなぞっただけでないあたり、ピーター・ジャクソンさんの映画作りの姿勢に感動です。 もちろん、原作溺愛歴20年以上の私には、原作との違いが気になる点があちこちあります。「王の帰還」なら、フロド・ゴーラム・サムの関係だとか、オリファントにひょいひょい登っちゃうレゴラスとか…、でもほとんどが許容できる範囲内の“違い”でした。 で、やっぱり三部作を通して何が一番気になるかというと、原作と比べて若すぎるフロドでしょう。 原作フロドが、その年齢や風貌、雰囲気から、原作者トールキンをほうふつとさせるところがあるのに対し、映画のフロドは、イライジャの熱演によって、まったくオリジナルな、若くて悲壮な自己犠牲的主人公となってます。 若くて見目麗しく、前途有望なホビットの貴公子イライジャ・フロドが、指輪を託されたばかりに、故郷を捨て重責を担った逃避行を続け、そりゃ得難い出会いや体験もいっぱいしますけど、要は人生何十年分の労苦と辛酸を一気になめつくして、任務をまっとうするのですけど、その試練は彼の人生を奪ってしまってますよね。 英雄とたたえられ無事生還した喜びもつかの間、彼は若々しいまま、エルフの重鎮たち(彼らはいいんです、もう十分トシですから)とともに、ミドルアースをあとに船出していく。 ああ、もったいない、イライジャ・フロドの若き生命。なんて悲壮。燃えるような恋をする、なんてこともないままに。 それは、人生の折り返しを過ぎた中年のおじさんフロド(原作)の旅とは違います。おじさんフロドは、そのままただ年取っていくかわりに、ビルボの後に続くんだ! と自分なりに前向きに出立していき、指輪の始末に残りの人生(残り、です!)を惜しげもなく捧げたけれど、自分が守った故郷に帰ることができ、安堵して跡を継ぐ者たちにそこを託して西へ去る…たしかに痛みはともなうけれど、充実した人生だったといえるのではないでしょうか。 それゆえ、私は映画を見ると、痛々しいイライジャ・フロドが心配でかわいそうでなりませんでした。このへん、純粋ファンタジーからはちょっと外れた、悲劇?ぽい味がする…と思います。 どちらが好きかと言われると、うーん、やっぱり私は古典的ファンタジストなので、原作、と答えてしまうのですが。 でも、原作フロドより、イライジャ・フロドの方が、存在感(訴えかけるもの)があるのは、否めません。 ああ長くなりました。 もっと長く読んでもよいとお思いのかたは、私のHP、HANNA'S HOLLOW HILL へどうぞお越しくださいませ。 それにしても、はやばやと予約購入した四枚組DVDをまだ観ていない私。観るとどっぷり浸ってしまうので、こわくてなかなか観られません。
June 15, 2005
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