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ライブ演奏の解体と再構築から生まれた“動”の1枚 マイルス・デイヴィス(Miles Davis)といえば、音の革新者であった。モード奏法やエレクトリックなどジャズの音の進化を思い浮かべる人も多いだろう。その一方で、マイルスのトランペッターとしての真骨頂はリリシズムにあるという意見の人も多くいる。マイルスの演奏は、確かに時に極めて繊細で、その様子は、『カインド・オブ・ブルー』や『ラウンド・アバウト・ミッドナイト』などといった有名どころの複数の作品でとくに顕著に感じ取ることができる。 だが、マイルスの演奏のすべてがそうした一側面だけで語り得るということはない。言い換えれば、“これぞマイルス”という盤を選ぶのは不可能に近く、選ぶとすれば、“○○という面でのマイルスのこの1枚”とう選び方にならざるを得ない。 さて、今回は“勢いと激しさ”という観点から、筆者として真っ先に思い浮かぶ1枚、それが本盤である。トランペットのソロ奏者としての迫力がじかに伝わってくるという意味においての、マイルスのベスト盤と評してもいいかもしれないのが、この『フォア・アンド・モア(Four & More)』であると思う。 1.「ソー・ホワット」(元は『カインド・オブ・ブルー』に収録)にせよ、2.「ウォーキン」(元は『ウォーキン』に収録)にせよ、かつてのスタジオでの録音のヴァージョンに比べると、一気にたたみかけるようなスピードに乗って演奏されている。といっても、ただただアップテンポなだけというわけではなく、モードに向かっていったマイルスが暗中模索しながら辿り着いたメンバーでこの演奏が繰り広げられている。圧巻はトニー・ウィリアムスの激しいドラミングとハービー・ハンコックのピアノの個性。ここにマイルスの勢いのあるトランペット演奏が重なることで、この高揚感は可能になったのだろうと思う。 あらためて驚くべきは、姉妹盤『マイ・ファニー・バレンタイン』との対比である。『マイ・ファニー・バレンタイン』のところでも述べた通り、『フォア・アンド・モア』と『マイ・ファニー・バレンタイン』は同じコンサート音源(1964年2月12日、リンカーン・センター、フィルハーモニック・ホール)から作られたアルバムである。同じ日、同じ時にこういう二種類のまったく異なる方向性のプレイを完璧なまでにライブでできてしまっているというのは、マイルスのミュージシャンとしての懐の深さというほかない。しかも、その二方向の異種の演奏は、意図的に編纂されて、我々が耳にするアルバムに仕上がっている。今さらながら、“ジャズでリラックス”という風に気軽にしかジャズを捉えていないリスナー(別にジャズを軽く聴く行為自体を全否定するわけではないけれど)には、ぜひ聴いて欲しい名盤。“ジャズは疲れる音楽”でもあるというのが、このマイルスの二枚から伝われば、そうした方々のジャズの聴き方、ジャズ観は変わるに違いない。[収録曲]1. So What2. Walkin’3. Joshua=GoGo4. Four5. Seven Steps To Heaven6. There Is No Greater Love=GoGo[パーソネル・録音]Miles Davis (tp)George Coleman (ts)Herbie Hancock (p)Ron Carter (b)Tony Williams (ds)1964年2月12日録音。 【送料無料】フォア&モア/マイルス・デイビス[CD]【返品種別A】 下記3つのランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、ひとつでも“ぽちっと”応援いただけると嬉しいです! ↓ ↓ ↓
2011年10月04日
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400万アクセス記念~いま聴きたいあの曲(その27) 400万アクセス記念ということで、30回にわたって“いま聴きたい曲”を取り上げていますが、ジャズ・ナンバーがなぜだかまったく出てきていない(この間、聴いていないという訳ではないのですが…)ので、一つぐらいこの辺りで取り上げてみたいと思います。 気がつくと秋が深まってきて、寒いと感じる日も増えてきました。そろそろ冬の訪れを感じる時期になりつつあります。そんなこともあって、今回の曲は「ニューヨークの秋(Autumn in New York)」です。それこそ多くの歌手や演奏者がこの曲を取り上げてきていますが、今回は、その中からお気に入りの演奏2つをお聴きいただこうかと思います。 まずは、ケニー・バレル(Kenny Burrell)です。ジャズ・ギタリストとして、というよりも、ジャズ奏者として、個人的には彼のファンなのですが、1958年の『ブルー・ライツ』(Vol. 1とVol. 2がありますが、収録曲に異動があったり、現在では1と2を合わせたものが販売されていたりします)に収められたものです。冬へと向かっていく秋の情景が思い浮かぶような情緒あふれる演奏をどうぞ。 続いては、トランぺッターによる「ニューヨークの秋」です。ケニー・ドーハム(Kenny Dorham)のライヴ盤『カフェ・ボヘミアのケニー・ドーハム』に収められた演奏です。この盤にはケニー・バレルも参加していますがこの曲には加わっていません。ワン・ホーンでこれまた情緒感いっぱいのケニー・ドーハムの演奏をどうぞ。 ジャズの世界でのこの曲の演奏はたくさん存在し、まだまだ取り上げたいものもあります。また来年以降も、秋になってきたら「ニューヨークの秋」というのをやりたいな、と思っていたりします。[収録アルバム]Kenny Burrell / Blue Lights Vol 1(1958年)←Vol. 2と銘打った方に収録されているエディションもある模様。Kenny Dorham / 'Round About Midnight At The Cafe Bohemia(1956年) カフェ・ボヘミアのケニー・ドーハム +4 [ ケニー・ドーハム ] 【輸入盤CD】【ネコポス送料無料】Kenny Burrell / Blue Lights 【K2016/5/20発売】(ケニー・バレル) 次のブログのランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、クリックで応援をよろしくお願いします! ↓ ↓
2019年11月11日
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レナード・コーエン名曲選Part 2(その2) 不定期更新と言いながら連続しますが、レナード・コーエン(Leonard Cohen)の名曲選PART 2の第2弾です。今回は1980年代のアルバムに収められたナンバーです。1988年発表の『アイム・ユア・マン』(旧邦題:『ロマンシェード』)に収録された「タワー・オブ・ソング(Tower of Song)」です。 よく言われるように、この人は歌っているのか詩を詠んでいるだけなのかよくわからないわけですが、確かにバックのコーラスや控えめな演奏がなかったら、歌っているようには聞こえないかもしれません。とはいえ、筆者的には何とも中毒性のあるお気に入り曲だったりします。 もう1本は、少し変わったものをご覧いただこうと思います。コーエン自身の歌は相変わらずなのですが、バックの演奏がなるほどな感じの、U2との共演です。 ちなみに、この曲のタイトルは、1990年代に出されたコーエンのトリビュート盤のタイトル(『タワー・オブ・ソング~レナード・コーエンの唄(Tower of Song: Songs of Leonard Cohen)』)にもなりました。ビリー・ジョエル、エルトン・ジョン、スティング、ピーター・ガブリエルなど超豪華なメンバーによるカバー盤ですが、恐れ多かったのか(笑)、同盤ではだれもこの曲をカバーしていません。さらに余談ながら、収録アルバムのタイトル兼表題曲も、別のトリビュート盤のタイトルになっていました。[収録アルバム]Leonard Cohen / I’m Your Man(1988年) 【メール便送料無料】Leonard Cohen / I'm Your Man (輸入盤CD) (レナード・コーエン)下記のブログランキングに参加しています。応援くださる方は、バナーをクリックお願いします! ↓ ↓
2019年02月20日
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70年代ロック&ポップス名曲選~Part 6(その2) 1970年代の名曲選、続いての2回目は、少々マイナーかもしれませんが、マリア・マルダー(Maria Muldaur)の代表曲です。先に夫婦デュオで活動していた彼女ですが、1973年に最初のソロ・アルバムを発表し、これが大きなヒットとなります。同盤に収録のナンバーで、シングルとして全米6位になった「真夜中のオアシス(Midnight at the Oasis)」をどうぞ。 この曲を聴いて、マリア・マルダーの歌声だけでなく、魅惑的なギター・ソロも気になってしまいますが、それもそのはず、これを演奏しているのはエイモス・ギャレットです。アン・マレーの「スノーバード」のギターもこの人だとのことですが、主役でなくとも限られた時間の中で見事なまでに存在感を出すプレイです。 さて。もう1本は往時のステージでの歌唱をどうぞ。この曲がヒットした1974年当時、彼女は31歳だったわけですが、歌のうまさもさることながらどこかチャーミングな印象もします。 [収録アルバム]Maria Muldaur / Maria Muldaur(オールド・タイム・レイディ)(1973年) 【メール便送料無料】Maria Muldaur / Maria Muldaur (輸入盤CD) (マリア・マルダー) 次のブログのランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、“ぽちっと”クリックで応援をよろしくお願いします! ↓ ↓
2019年01月28日
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思い描いた音をレコードに ―アコースティックとテクノロジーの接点 1980年代前半は技術革新の波が音楽業界に押し寄せた時期であった。つまり、プログラミングやその他コンピュータ関係のテクノロジーの導入が進み、レコードの作り方が変容していった時代という側面があった(その少し後にはLPからCDへという移行でアルバム作りはさらに大きく変容していくのだが)。打ち込みのリズムの使用(例えばティムバック3などはその典型)が一般化していったのも80年代のこうした変化の典型例だった。さらに、ロックの商業化が進み、“産業ロック”などという括りで語られる派手な大衆志向のサウンドのロック(例えば、フォリナーの項を参照)が幅を聴かせたのも、従来のロックの音作りにきらびやかさが求められたのも、この時代の特徴だった。 そんな中、1983年頃に結成され、85年にデビューを飾った英国のバンドがドリーム・アカデミー(The Dream Academy)であった。メンバーは、ニック・レアード=クルーズ(ギター、ヴォーカル)、ギルバート・ゲイブリエル(キーボード、ベース)、ケイト・セント・ジョン(オーボエ、ヴォーカル、ピアノ・アコーデオン、テナー・サックス)という3人組である。ポップな部分はそれなりに含みつつもアコースティック部分を強調したシンプルな音作りで、時代の流れに反するかのようなレコード作りをやって、シングル曲「ライフ・イン・ア・ノーザン・タウン」をヒットさせた。本盤『ドリーム・アカデミー』はこのシングルを含む彼らのデビュー作である。 「ライフ・~」というヒット曲のイメージからすると、彼らは“一発屋”とも言われかねない(というか、セールス面ではまさしく一発屋的だった)。しかし、実際に本作収録の楽曲を聴いてみると、1つ1つの質が実に高く、丁寧な曲作りと音作りをしていることがわかる。楽曲の良さと演奏コンセプト、この二点こそがドリーム・アカデミーの何よりの特徴だと思う。楽曲に関しては、レアード=クルーズ本人がライナーで述べているように、“メロディのかけら”を練って曲に仕上げ、その後で曲に合った詞をつける、という手法をとっていた。シングル曲「ライフ・~」からもこのことはよくわかる。寒い北の地のイメージと楽曲が見事にマッチしている。演奏面では、“ベースとドラムに頼らない、タイトな生の音楽”を志向したそうで、オーボエやサックスといったロック/ポップスでは王道ではない楽器を積極的に持ち込んだ。 本盤の成功の裏には、ピンク・フロイドのデヴィッド・ギルモアのプロデュースがあって、すべてではないにせよ彼のプロデュース参加が大きい。つまりは、上記のようなレアード=クルーズを中心とするメンバーの目指した方向性を具体的な形にする必要があった。80年代を迎え、ミキシングはじめテクノロジーの質が上がり、なおかつD・ギルモアのような優れたミュージシャンがプロデュースに参加したことで、バンドのイメージした音が実際のレコードの音にうまく具現化されたということだろうか。 残念なことにドリーム・アカデミーはアルバムを3枚リリースしただけで、1990年にバンドは解消され、メンバー各自がソロ活動をすることになった。話は最初に戻るが、それ以上大きなヒットを出すこともなく、結局は一発屋のような存在としてしか記憶されなくなった。けれども、一発屋に中身があるかないかはケース・バイ・ケースということだろう。ドリーム・アカデミーの場合、「ライフ・~」のヒットは一つだけ出来が良かったのではなく、本当に中身の伴ったヒットだったということがこのアルバムからうかがい知れる。なお、中心メンバーのニック・レアード=クルーズは、1994年のピンク・フロイドのアルバム『対TUI(The Division Bell)』の楽曲に共作者としても名を連ねている。[収録曲]1. Life in a Northern Town2. The Edge Of Forever3. (Johnny) New Light4. In Places On The Run5. This World6. Bound To Be7. Moving On8. The Love Parade9. The Party"10. One Dream1985年リリース。 【楽天ブックスならいつでも送料無料】【輸入盤】Dream Academy [ Dream Academy ] 下記3つのランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、ひとつでも“ぽちっと”応援いただけると嬉しいです! ↓ ↓ ↓
2010年12月19日
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スーパーグループによる唯一のスタジオ作 ジェフ・ベック(Jeff Beck)というギタリストはいろんなスタイルを器用にこなすせいか、これが代表作というのが決めづらい。本盤が彼の代表作と呼ばれるならば、おそらくは異論も多いのではないかと想像する。けれども、ジェフ・ベックの特徴がよく表れた盤という意味では、本作ももっと注目されてもいいように思う。 名前の通り、ジェフ・ベック、ティム・ボガート、カーマイン・アピスの3人によるグループで、活動期間は1年半ほど(1972年~74年にかけて)しかなかった。そのため、スタジオ盤も1枚しか残されなかった(他には日本公演のライブ盤もあるが、個人的にはスタジオ盤の方がはるかに出来がよいと感じる)。 ジェフ・ベックは、ヴァニラ・ファッジで強力なリズム隊を組んでいたボガート&アピスとの共演を意図していたようである。だが、その機会はなかなか訪れなかった。1969年にバンド結成の可能性があったが、ヴォーカリスト候補のロッド・スチュワートに逃げられ(フェイセスに加入)、ベックが交通事故で休養する中、一度はバンド結成の機会を失ってしまう。 再び機会が訪れたのは1972年。ボガート&アピスが属するカクタスが解散し、ジェフ・ベックの方のグループ(第二期ジェフ・ベック・グループ)も解散となり、ヴォーカリスト招聘(ポール・ロジャース)は見送られたが、ようやく秋に活動を開始する。同年に吹き込まれたファースト・アルバム(本盤)は翌年2月に発売された。だが、5月の日本公演後にはボガートが交通事故で入院し、早くも解散の噂が囁かれるようになる。結局、1974年に入ってセカンド・アルバムの制作に入るも、ベックとボガートの確執が表面化し、第二作は完成せず、バンドは自然解散となった。 本作の特徴を簡潔に述べるならば、力強いリズム隊(ボガートとアピス)を前にギタリスト(ベック)が奮闘するといったところ。しかし、シーンは1970年代を迎え、時代的にはロックはますます多様化し、リスナーの選択も多様化していった。その状況下では、こういうバトル的発想自体、既に時代遅れだったのかもしれない。 とはいえ、このギターとリズム隊の対峙の仕方はやはり面白い。ぶつかり合うというよりは、実にぴたっと息があって“融合的”なのである。このぴたりとした絶妙のタイミング感は、もしリズム隊が豪快さを躊躇したならば、コンパクトに収まってまったく面白くなくなっていたであろう。ギタリストが我を張り過ぎたならば、ギターが浮いてしまい、一体感は損なわれたであろう。ところが、実際にはその逆のことが本盤を通して起こっている。こじんまり収まらずにベースとドラムが演奏したのもお見事ならば、そこで単なる“対決姿勢”にならずに、どんぴしゃのタイミングで存在感いっぱいにギターを演奏したベックもお見事だったというわけである。 セカンドが陽の目を浴びなかったのは、時間の経過とともにこの辺の折り合いがつかなくなっていったからではないかと想像してみたりもする。要するに、バンドがより一層の高みを目指そうとするのと、実際の演奏の折り合い(そこには演奏者間の緊張感の度合いも影響する)が最も良いバランスで保たれたのが、唯一この盤のタイミングだったということではなかっただろうか。[収録曲]1. Black Cat Moan2. Lady3. Oh To Love You4. Superstition5. Sweet Sweet Surrender6. Why Should I Care7. Lose Myself With You8. Livin' Alone9. I'm So Proud1973年リリース。 【送料無料】【輸入盤】 BECK BOGERT & APPICE [ ベック・ボガート&アピス ] 下記ランキング(3サイト)に参加しています。 お時間の許す方は、“ぽちっと”クリックで応援をよろしくお願いします! ↓ ↓ ↓
2011年09月04日
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サンフランシスコ出身“サイケ・バンド”の本領発揮盤 もう一か月ほどは前だったろうか、ニュースを見ていて気になったことがある。マタニティ・ハラスメント(“マタハラ”とでも略すのだろうか?)なるものについての報道だった。働く女性がしばしばそういう大変な目に遭っているのは事実だろうから、報道内容に問題はないのだけれど、驚いたのはアナウンサーが“そのように言うのですね、知りませんでした”なんてわざとらしい発言していたこと。筆者には、無理にラベル付けして新語を流行らせようとしているかのような意図的なコメントにしか聞こえなかった。 ラベルを付けるかのごとく物事に命名し、それが独り歩きする。“アベノミクス”も“原発反対”も…。今の日本は掲げた言葉ばかりが先行して独り歩きしている気がしてならない。裏を返せば、ラベリングによってその内実がしばしばかき消されてしまっているようにすら思えてしまう…。 前置きばかりが長い話になってしまったけれど、ジェファーソン・エアプレインの本盤『ヴォランティアーズ(Volunteers)』は、タイトルの誤解を解いてから聴いた方がいい1枚かもしれない。“ボランティア”というのは無償で働く善意の人をなんとなくイメージするかもしれない。けれども、本来は自発的に志願して何かをやる人の意味で、その自発性の中には“志願兵”や“義勇兵”も含まれる。つまり、進んで戦争に参加し人殺しに従事する人も“ボランティア”になり得る。 実は、この作品は、1967年の『シュールリアリスティック・ピロー』と双璧をなす、ジェファーソン・エアプレインの代表作の一つではないかと密かに思っている。1969年リリースの本盤は、泥沼化するヴェトナム戦争という状況下、反戦がテーマになっている。つまり、上記の“ボランティア”は、“反戦運動の志願者(あるいは義勇兵)”を意味する。『シュールリアリスティック~』で人気を得た彼らであったが、サイケ、ヒッピーといった対抗文化(カウンター・カルチャー)は、ヴェトナム戦争に関わる反戦というキーワードにも及んでいく。そういったわけで、本作は、反体制へのメッセージの体現者としてのジェファーソン・エアプレインの代表作とも言えるかもしれない。 アルバム全体を通して、一本調子なのではなく、音楽的な多様性がうまく組み合わせられているのがよい。もともとフォーク音楽に傾いたポール・カントナーと、ポップやR&B寄りのマーティ・バリンが結成したバンドであったが、ギターのヨーマ・カウコネンはブルースを志向しており、ドラムのスペンサー・ドライデンはジャズ畑の出身だった。そこへ看板となるグレイス・スリックのヴォーカルが絡む。その結果が、多様な音楽要素のバランスよい結合につながっているように思う。 筆者が個人的に断然お気に入りなのは、次の2曲。まずは、グレイス・スリックが書いて彼女自身がヴォーカルもとる4.「ヘイ・フレドリック」。そして、もう一つは、カントナーとバリンの個性が最高の形で組み合わさった表題曲の10.「ヴォランティアーズ」。他の曲も質が高いし、捨て曲はほとんどないと思うのだけれど、これら2曲は別格として愛聴している。[収録曲]1. We Can Be Together2. Good Shepherd3. The Farm4. Hey Fredrick5. Turn My Life Down6. Wooden Ships7. Eskimo Blue Day8. A Song for All Seasons9. Meadowlands10. Volunteers~以下、2004年再発CDで追加曲(いずれも1969年11月、フィルモア・イーストでのライヴ・テイク)~11. Good Shepherd12. Somebody to Love13. Plastic Fantastic Lover14. Wooden Ships15. Volunteers1969年リリース。 【Aポイント+メール便送料無料】ジェファーソン・エアプレイン ジェファーソン・エアプレイン / ヴォランティアーズ[CD]下記のブログランキングに参加しています。応援くださる方は、バナーをクリックお願いします! ↓ ↓
2013年08月14日
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天才の変わらぬ天才ぶり スティーヴ・ウィンウッド(Steve Winwood)は、1948年英国バーミンガム出身で、60年代以降、スペンサー・デイヴィス・グループを皮切りに、トラフィック、ブラインド・フェイスなど様々なバンドやプロジェクトに参加し、その天才ぶりを発揮してきた。ヴォーカル、キーボードだけでなく、何の楽器でもこなせるマルチプレーヤーで、70年代途中からは主にソロでその才能を発揮してきた。 ソロになってからの彼のヒット作と言えば、セカンド・アルバムの『アーク・オブ・ア・ダイヴァー』や、1986年の『バック・イン・ザ・ハイ・ライフ』を思い浮かべる人も多いだろう。では、逆にあまり売れなかったりチャートアクションが少なかった作品はと言えば、1997年の本盤『ジャンクション・セヴン(Junction Seven)』か、はたまたそれに続く2003年の『アバウト・タイム』かといったあたりになるだろうか。本盤『ジャンクション・セヴン』は、英国チャートはともかく、全米ではともに最高位が100位圏外と、彼のキャリアの中では明らかに“振るわなかった”アルバムである。 では聴く価値なしかというと、決してそんなことはないように思える。面白いのは、英国チャートでは本作は32位まで上がっていて(『アバウト・タイム』の方は英国チャートでも順位はいまいちだった)、アメリカ人にはそっぽを向かれたが、イギリスではそれなりにちゃんと聴かれたということなのだろう。 実際、その内容は悪くない。というか、相変わらずの天才ぶりが着実に収められた好盤と言っていいように思う。これまで通り、ウィンウッドはマルチプレーヤーぶりを発揮していて、ヴォーカル、ギター、ハモンド・オルガン、ピアノ、クラヴィネット、パーカッションなどを担当している。必要なところに必要なミュージシャンをという、彼のソロ活動のある時点から明確になった方針も継承されていて、参加ミュージシャンの中では、レニー・クラヴィッツ(4.にギターで参加)やナラダ・マイケル・ウォルデン(複数曲でベース、パーカッション、ドラム等を担当)あたりが目を引く。 冒頭の1.「スパイ・イン・ザ・ハウス・オブ・ラヴ」は、ソロ転向後のスティーヴらしいナンバーで、ギターがさりげなくカッコいい。全体としてはゲスト・ミュージシャンを迎えながらバンド・サウンド的まとまりの曲が多いけれど、5.「リアル・ラヴ」のように、もろバラード風な曲もあって、良くも悪くも抑揚がついたアルバムになっていると思う。 少し面白いのは、ラテン・ダンス風の7.「ゲット・バック・トゥ・マイ・ベイビー」で、サルサのリズムを取り入れた異色曲となっている。この異色なナンバーがさらに面白いのは、スティーヴ・ウィンウッドが歌うと半分ヴォーカリストとしての彼の世界、もう半分が曲調によるラテンな世界という不思議な組み合わせのように聞こえる点だと思う。つまりは、これほど劇的に違うタイプの曲をやっても、残り半分の彼の歌の表現者としての世界は崩れ去らないとういのが興味深い。[収録曲]1. Spy in the House of Love2. Angel of Mercy3. Just Wanna Have Some Fun4. Let Your Love Come Down5. Real Love6. Fill Me Up7. Gotta Get Back to My Baby8. Someone Like You9. Family Affair10. Plenty Lovin'11. Lord of the Street1997年リリース。 【中古】輸入洋楽CD STEVE WINWOOD / JUNCTION SEVEN[輸入盤]【P06Dec14】【画】 【メール便送料無料】STEVE WINWOOD / JUNCTION SEVEN (輸入盤CD) 下記ランキングに参加しています。 お時間のある方、応援くださる方は、“ぽちっと”よろしくお願いいたします! ↓ ↓
2014年12月11日
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ジャズ/フュージョン路線を押し進めた1枚 1972年の『キャラヴァンサライ』でジャズ寄りのアプローチを示したサンタナ(Santana)は、しばしその路線を推し進めていくことになった。この路線変更によってバンドのメンバーの入れ替わりも生じたものの、ジャズ・ロックあるいはフュージョン路線はあらたにサンタナというバンドのイメージを定着させるには十分に特徴的だった。ラテンの熱さは秘めたまま、ロック界というよりはジャズのようにその外側に位置づけられる音楽ジャンルを巻き込んだ音楽界の地殻変動に対応した内容の作品制作をしばし推し進めていったわけである。 そうした結果、『キャラヴァンサライ』に続く『ウェルカム』(1973年)、『ロータスの伝説』(日本限定ライヴ盤)、そして、今回取り上げる『不死蝶(Borboletta)』(1974年)といったあたりのサンタナ盤(あと同時期のカルロス・サンタナとジョン・マクラフリンの共演盤も)は実に面白いし、何よりもクオリティが高い。この時期の諸作は、その当時だけでなく、現在に至るまで“後聴き”でハマる人を生み出し続けているのではないかという風に思う。 長短とり混ぜて12曲が収録されているが、過半の7曲がインスト曲である。イントロ的な1.「春の訪れ」に続く2.「花の歌」の幻想的な雰囲気がいい。11.「シナモンの花(フロール・デ・カネーラ)」は精緻な完成度の高さが個人的にお気に入り。 “歌もの”で注目したいのは、3.「新たなる旅立ち」で、レオン・パティロがヴォーカルをとるナンバー。ラヴ・ソング風なヴォーカル曲として終わるのかと思いきや、終盤にオルガン・ソロで一気に盛り上げてギター・ソロが入ってくる。また、5.「太陽のもとへ」はギターとヴォーカルの両方がメインになったような演奏で、キレがありながら幻想的な雰囲気を残しているところがいい。同じくヴォーカル曲としては、聴き進まないとヴォーカルが出てこない(冒頭だけだとインスト曲かと思ってしまいそう)7.「君の教え」も気に入っている。 余談ながら、本盤のジャケット(LP発売当時)は、特殊紙(アルグラス)使用の光るジャケットだったとのことだけれど、残念なことに筆者は現物を見ていない(後に紙ジャケでも再現されたそうだが、それも未見)。いつかLPでその姿を見てみたいと思うのだけれど、それだけのために中古LP売り場に入り浸る余裕もなく、実現していない。[収録曲]1. Spring Manifestations2. Canto de los Flores3. Life Is Anew4. Give and Take5. One with the Sun6. Aspirations7. Practice What You Preach8. Mirage9. Here and Now10. Flor de Canela11. Promise of a Fisherman12. Borboletta1974年リリース。 不死蝶 [ サンタナ ] 下記のブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、バナーをクリックお願いします! ↓ ↓
2020年07月15日
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500万アクセス記念~いま聴きたい曲(その7) 梅雨明けとともに夏到来ということで、夏に関連したナンバーをもう一つ。前回とはうって変わって、ジャニス・ジョプリン(Janis Joplin)による「サマータイム(Summertime)」です。ジャニスの解釈によるこのナンバーが世に出たのは、1968年のビッグ・ブラザー&ザ・ホールディング・カンパニーのアルバム『チープ・スリルズ』でした。 「サマータイム」は、ジョージ・ガーシュウィン作曲のオペラ曲で、ジャズ・スタンダードとして定着したこともあり、1100件を超えるジャズの録音がなされているとか、はたまた、この曲のカバーは、この世に25000以上存在するとか言われたりします。そうした数あるヴァージョンの中でも、ジャニスによるものは、その歌唱力と迫力で他を圧倒しています。 まずは、上記『チープ・スリルズ』に収録のものをお聴きください。 続いてもう一つ。動いているジャニスのパフォーマンスもご覧いただこうかと思います。1969年、ドイツはフランクフルトでの様子とのことです。 周知のように、ジャニスは1970年の急死により、27歳という短い人生を閉じることになってしまいました。とはいえ、上記のような姿を見るにつけ、きっとこの人の人生の濃度は、ふつうの人の何倍も濃かったのだろうとも想像してしまいます。[収録アルバム]Big Brother & the Holding Company / Cheap Thrills(1968年) グレイテスト・ヒッツ [ ジャニス・ジョプリン ] チープ・スリル/ジャニス・ジョプリン[CD]【返品種別A】 下記のブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、バナーをクリックお願いします! ↓ ↓
2020年08月02日
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80~90年代、グロリア・エステファンの足跡を振り返る(その3) 少し前に映画音楽特集で『トップガン』のテーマ曲(過去記事)を取り上げましたが、この曲を含む同映画のサウンドトラックは、まさしく映画と音楽のタイアップ時代を象徴する盤の1つでした。サントラ自体が全米のアルバム・チャートで1位を記録し、上記ケニー・ロギンスのテーマ曲がシングル・チャートで2位となったほか、ベルリンの「愛は吐息のように~トップガン・愛のテーマ」が1位のヒットを記録しました。 その他にはチープ・トリックなども同盤に参加していたのですが、マイアミ・サウンド・マシーンもこのサントラ盤に参加していました。1986年が同映画の公開(サントラのリリース)ですから、まさしくマイアミ・サウンド・マシーンがブレークして人気を集めた後、その勢いを買ってサントラにも抜擢されたといったところでしょうか。パンチの効いたなかなかの好曲、「ホット・サマー・ナイツ(Hot Summer Nights)」です。 続いてライヴでの演奏の様子もどうぞ。1988年のライヴですから、次回触れることになるように、“グロリア・エステファンとマイアミ・サウンド・マシーン”に改名してからの映像ということになりますね。 [収録アルバム]Top Gun (Original Motion Picture Soundtrack) (1986年) 【当店専用ポイント(楽天ポイントの3倍)+メール便送料無料】Soundtrack / Top Gun (輸入盤CD)下記のブログランキングに参加しています。応援くださる方は、バナーをクリックお願いします! ↓ ↓
2013年08月31日
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表題曲の“漲るパワー” ジョン・コルトレーン(John Coltrane, 1926-1967)が第一線で活動したのは10年余りだったが、ハード・バップから脱却し、独自の音楽性を模索していったいわゆる中期(1959~61年)の作品の一つがこの『アフリカ/ブラス』である。この時期、コルトレーンは当初はアトランティック・レーベルに籍を置き、『ジャイアント・ステップス』や『マイ・フェイヴァリット・シングス』などを吹き込んでいるが、1961年にはインパルスへと移籍する。その移籍後第1弾となったのが本作だった。 リラックスして聴けない(ある意味、聴くには気合と体力が必要)なのは、近い時期の他の盤と共通しているのだけれど、本盤の聴きどころは何よりも“漲るパワー”にある。表題曲の1.「アフリカ」が何よりもそうなのだけれど、“ブラス”と言われて一般に人が想像するもの(ビッグ・バンド的なイメージ)とはまったく異なる。ブラスが全体を支配するのではなく、出るべきところだけ出てくる感じなのである。そうして出てきたブラスの上をコルトレーンがモーダルに吹きまくる。そうしたパートのかっこよさは何物にも代えられない。 おすすめ曲は(といってもそもそも収録されているのは3曲だけれど)、断然、上記の1.「アフリカ」。余談ながら、近頃のネットでの音楽配信(楽曲購入)は曲単位で売られるわけだけれど、“1曲いくら”という発想でジャズ・アルバムも販売が進んでいくのであれば、これほどお得なものはないということになるだろう。16分以上続き(よって冒頭で述べたように、聴くのも一苦労)、しかも中身が濃い(否、濃すぎるぐらい)。そもそもLPのA面全部なわけだから当たり前か…。[収録曲]1. Africa2. Greensleeves3. Blues Minor[パーソネル、録音]John Coltrane (ss, ts)Pat Patrick (bs) Freddie Hubbard (tp-2.), Booker Little (tp) Britt Woodman (tb-1.& 3.) Julian Priester (euphonium-2.), Charles Greenlee (euphonium-2.), Carl Bowman (euphonium-1.& 3.)Bill Barber (tuba) Garvin Bushell (piccolo, woodwinds-2.)Julius Watkins (french horn), Jim Buffington (french horn-2.), Bob Northern(french horn), Donald Corrado (french horn), Robert Swisshelm (french horn)Eric Dolphy (as, bass cl, fl)McCoy Tyner (p)Reggie Workman (b-2.& 3.), Art Davis (b-1.&3.)Elvin Jones (ds)1961年5月23日(2.)、6月7日(1.& 3.)録音。 【楽天ブックスならいつでも送料無料】【まとめ買いでポイント最大10倍】アフリカ~ブラス [ ジョン・コルトレーン ] 下記ランキングに参加しています。 お時間のある方、応援くださる方は、“ぽちっと”よろしくお願いいたします! ↓ ↓
2015年12月13日
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70年代ロック&ポップス名曲選~Part 7(その10) 1970年代のロック・ポップス曲選、最後はこのナンバーです。フェイセズ(Faces)はイギリスのロック・バンドで、前身のスモール・フェイセズを発展する形で成立しました。最終的にはロッド・スチュワートがソロとして独立していくような形になりましたが、そんな彼らのもっとも有名なナンバーと言えば、この「ステイ・ウィズ・ミー(Stay with Me)」ではないでしょうか。 1971年のアルバム『馬の耳に念仏』に収録され、シングルとしては、全米17位、全英6位となったナンバーです。まずは、元の演奏をお聴きください。 続いては往時のライヴ映像をご覧ください。個人的な好みではあるのですが、こういうがむしゃらな感じのロッド・スチュワートの歌唱は本当に素晴らしいです。 さて、今回はもう一つ。半世紀(50年!)の時を経て、ロッド・スチュワートとロン・ウッド、さらにはケニー・ジョーンズが共演している昨年(2020年)のライヴでの演奏をどうぞ。 70年代名曲選の第7シーズン、これで全10回に達しました。まだまだ取り上げたい曲もありますが、それらはまたの機会ということにしたいと思います。[収録アルバム]Small Faces / A Nod Is As Good As a Wink... to a Blind Horse(1971年) 【中古】 馬の耳に念仏(Forever YOUNG) /フェイセズ 【中古】afb 【輸入盤CD】FACES / NOD IS AS GOOD AS A WINK (フェイセズ) ブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、ぜひクリックをお願いします。 ↓ ↓ ↓
2021年09月20日
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Nils in the 70s(その1) 少し前に90年代のアルバムとそこに収められた曲(過去記事(1) ・(2) )を少し紹介したニルス・ロフグレン(Nils Lofgren)。このアーティストの若い頃を少し探ってみようということで、70年代の彼の曲をいくつか取り上げてみようかと思いたった次第です。少々マニアックな何日間かにわたってのシリーズになるかと思いますが、どうかお付き合いください。 とりあえず今回は代表曲の一つといえそうなものを、ということで、「キース・ドント・ゴー」です。表題の“キース”というのは、彼が敬愛してやまないミュージシャンで、かのローリング・ストーンズのキース・リチャーズのことです。この曲には“グリマー・ツインへの頌歌”という副題がつけられていますが、ミック・ジャガーとキース・リチャーズが“グリマー・ツインズ”と名乗っているわけで、その片割れ(なので双子の単数形“ツイン”)のキース・リチャーズに捧げた曲というわけです。70年代当時のTV映像でのライヴ演奏シーンをどうぞ。 そのキースはと言えば、60年代後半から70年代後半にかけてドラッグで複数回逮捕されるなど、まさしく“ヤクでそのうち逝ってしまいそうなミュージシャン”だったわけで、そんな彼に“行かないで”という、敬愛ぶりが伝わってきます。 ちなみにこの曲はその当時だけでなく、後々のライヴ等での演奏も素晴らしく、見せ場の一つとなっています。追加でもう1本、比較的最近(数年前)のソロでのライヴ・パフォーマンスのビデオも挙げておきます。 この動画の画質・音質を差っ引いても、アコギ1本でここまで聴かせられるのは見事です。まさしくプロ中のプロのギタリストの円熟がなせる業といったところでしょうか。[収録アルバム]Nils Lofgren / Nils Lofgren (1975年)←スタジオ録音のオリジナル・ヴァージョンを収録。その他、各種ベスト盤、ライヴ盤にも収録。↓中古のベスト盤です。 【中古CD】【5000円以上送料無料】Classics(輸入盤)/Nils Lofgren【中古】[☆3] 下記のランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、ひとつでも“ぽちっと”応援いただけると嬉しいです! ↓ ↓
2013年01月28日
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年末年始に聴きたいジャズ・ナンバー(その4) さて、今回のその4では、2014年6月に85歳で亡くなった、独特なあのピアニストのお気に入り演奏を取り上げたいと思います。1965年に録音された『ザ・ケープ・ヴァーディーン・ブルース(The Cape Verdean Blues)』からの表題曲です。“ケープ・ヴァーディーン”とは聴きなれない単語ですが、元ポルトガル領だった“カーボ・ヴェルデ”の形容詞形と言えば、なるほどという感じですね(英語Capeは葡語ではCaboとなる)。ともあれ、アルバム収録の曲演奏をどうぞ。 ホレス・シルヴァーの父はポルトガル系のカーボ・ヴェルデ人、母親はアイルランドとアフリカ系の血が混ざっているとのことで、いわば自身のルーツを意識した作品が、この曲であり、アルバム作品としての『ザ・ケープ・ヴァーディーン・ブルース』だったという訳です。 明るさの中に織り込まれた、ある種の郷愁の思い。この表題曲に関しては、カーボ・ヴェルデに伝わるポルトガル民謡、ブラジルのサンバ、そして米国のブルースが掛け合わされたナンバーとのことです。ウッディ・ショウのトランペットも、ジョー・ヘンダーソンのテナーも、いい感じでホレス節に溶け込んでいるように思います。[収録アルバム]Horace Silver / The Cape Verdean Blues (1965年録音) 【楽天ブックスならいつでも送料無料】ザ・ケープ・ヴァーディーン・ブルース [ ホレス・シルヴァー ] 下記のランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、バナーを“ぽちっと”応援いただけると嬉しいです! ↓ ↓
2016年01月02日
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70年代ロック&ポップス名曲選~Part 9(その1) 1年ぶりぐらいになるでしょうか。通算9回目となる70年代曲選をお届けしたいと思います。全10回を予定していますので、よろしければお付き合いください。 さて、初回はイーグルス(Eagles)のナンバーです。超有名曲である「ホテル・カリフォルニア」(参考過去記事)など70年代後半に入ってからのイメージが一般には強いかもしれません。ですが、彼らのデビューは70年代初頭で、当初はカントリー・ロックと言えるようなサウンドを特徴としていました。 そんな彼らのデビュー・シングルにして最初のヒット・ナンバーが、「テイク・イット・イージー(Take It Easy)」でした。全米12位となり、デビュー盤に収録されました。まずは、そのファースト・アルバム所収のものをお聴きください。 このカントリー・ロック路線の基軸になっていたのはバーニー・レドンでしたが、1975年にイーグルスを脱退してしまいました。とはいえ、その後のイーグルスの活動においても、この曲は、バンドを代表する楽曲の一つとして演奏され続けました。 続いては、1977年の人気絶頂期のライヴ演奏、さらには再結成後の1990年代のステージでの演奏の二つをご覧ください。 [収録アルバム]Eagles / Eagles(イーグルス・ファースト)(1972年) イーグルス・ファースト [ イーグルス ] ベスト・オブ・イーグルス/イーグルス[SHM-CD]【返品種別A】 ブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、ぜひクリックをお願いします。 ↓ ↓ ↓
2024年09月19日
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気まぐれ80s,セカンド・シーズン(その5)~天才少女の大ヒット曲 前回シリーズで何人か女性シンガー(参考記事(1) ・(2)・(3))を取り上げましたが、今回もその続きをやってみたいと思います。80年代の天才少女と言えば、この人をおいて他にはいない(!)というのが、デビー・ギブソン(Debbie Gibson, 後に本名のデボラ・ギブソンDeborah Gibson)です。 今回取り上げる「ロスト・イン・ユア・アイズ」は全米1位となったヒット・シングル。1986年にわずか16歳にしてメジャー・レーベル(アトランティック)と契約しデビュー。作詞作曲も自分でする、まさしく“天才少女”として脚光を浴びました。ともあれ、1989年にセカンド作からのシングルとして発売され、彼女の代表曲となった同曲のビデオをどうぞ。 曲の内容、歌唱力ともに文句なしと思うのですが、これだけでは、まだまだ彼女の真価ではありません。以下の、その当時のライヴ映像からは、本当に天才少女ぶりが発揮されているように思います。1988年なので当時の彼女の年齢は18歳(恐るべき18歳ですね…)ということになります。 でもって、その後なぜ彼女がシンガーとしてトップを走っていかなかったのか(ミュージカル女優の活動がメインになってしまい、シンガーとして頂点を極め続けなかった)のかが気になります。思うに、実力が足りなかったからではなく、むしろ他を凌駕するほどだったからこそ、これだけをやっていることに飽き足らず、他にも活路をもとめたのではないかと考えたりします。 体よく言えば、“単なるシンガー”では満足しなかったのか。そう思わせてくれるほど、当時のパフォーマンスはずば抜けていたと言う気がするのですが、いかがなものでしょうか。“一発屋”ではなかったことは、同じ時期に吹き込んだもう1曲のお気に入り、「ノー・モア・ライム」からも窺えるのですが、こちらの曲は、また次の機会にでも映像を取り上げられればと思っています。[収録アルバム]Debbie Gibson / Electric Youth (1989年) 【after20130610】エレクトリック・ユース/デビー・ギブソン[CD]【返品種別A】下記のブログランキングに参加しています。応援くださる方は、バナーをクリックお願いします! ↓ ↓
2013年06月09日
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“ビッグ・オー”の名曲 続編(その3) ロイ・オービソン(Roy Orbison)が亡くなったのは、1988年の末のことでした。52歳での急死は悲しみとともに報じられましたが、翌年の初めには遺作となるアルバム『ミステリー・ガール』がリリースされました。同作からのシングルとして、久々のヒット(アメリカで9位、イギリスで3位となり、いずれも20数年ぶりのトップ10入り)となったのが、この「ユー・ゴット・イット(You Got It)」という曲でした。 不測の死去を迎える直前の“ビッグ・オー”ことロイ・オービソンは、トラヴェリング・ウィルベリーズ(参考過去記事)での活動で見事な復活を遂げていました。この曲もそのメンバーだったジェフ・リンとトム・ペティとの共作です。なおかつ、プロデュースはジェフ・リンで、なるほどジェフ・リンっぽいサウンドがロイ・オービソンらしさとうまく溶け合っています。 さて、もう1本の映像は、生前のライヴのものをご覧いただきたいと思います。亡くなる年(1988年)のライヴの映像です。 [収録アルバム]Roy Orbison / Mystery Girl(1989年) 【輸入盤CD】Roy Orbison / Mystery Girl (w/DVD) (Deluxe Edition)(ロイ・オービソン) 【中古】(CD)Mystery Girl/Roy Orbison ロイオービソン ブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、ぜひクリックをお願いします。 ↓ ↓ ↓
2023年02月13日
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アメリカン・ロックの“ボス”が歌う反戦歌の聴きどころ この「ウォー(War)」という曲は、エドウィン・スターが1969年に「黒い戦争(原題:War)」として発表したもので、翌年大ヒットし、グラミー賞(R&B部門、最優秀男性歌唱賞)を獲得することにつながったナンバーである。エドウィン・スターは、60~70年代、主にモータウン系列で活躍したソウル・シンガーで、時代の文脈からもわかるとおり、この曲は明らかにヴェトナム反戦歌であった。それを80年代になって復活させ、再びチャート(ビルボード全米8位)に送り込んだのは、アメリカン・ロックのボスことブルース・スプリングスティーン(Bruce Springsteen)であった。 この80年代スプリングスティーン・ヴァージョンは、5枚組(後のCDでは3枚組)の大作ライヴ・アルバム『ライブ1975-85』(1986年リリース)からのシングル・カット曲で、実際のパフォーマンスは、前年1985年9月のロサンゼルスでのライブのものである。この演奏は、凄まじい気迫に満ちていて、勢いで聴かせる激しい曲調にアレンジされている。“戦争反対!”という曲のメッセージを見事に体現していると言っていいと思う。メッセージに重きを置いていることは、スプリングスティーンがギターを演奏せず(ヴォーカルのみ)、サックス奏者のクラレンス・クレモンズもサックスを吹かず(コーラスとタンバリンだけ)という楽器担当からもわかる。スプリングスティーンのヴォーカルは、血管が切れそうなぐらい激しい(もともと彼はそのような歌い方をすることが多いが、ビデオ・クリップを見れば明らかなように、本当に血管が切れそうなのだ!)。バンド全体の演奏もピタリと息が合っていて、特にドラム(マックス・ワインバーグ)の切れがいい。スプリングスティーンのヴォーカルの激しさに呼応し、短いながらも非常に鋭いニルス・ロフグレンのギター(純然たるギター・ソロではなく、最後のヴァースの背後でソロ的ギター演奏がかぶさっている)もこの演奏の重要な聴きどころである。いや、正直なところ、筆者はこのニルス・ロフグレンのギターこそがこの演奏の最大の聴きどころと思っている。 これだけでも十分に素晴らしい演奏内容なのだが、アルバム(『ライブ1975-85』)やビデオ・クリップ(ビデオおよびDVDの『ビデオ・アンソロジー』収録)には、もう少し“おまけ”がついてくるので、お手持ちの方はぜひチェックしてもらいたい。シングル・カットの際は省略されているのであるが、アルバムの方には“前ふり”のマイク・パフォーマンスがある。そのMCでのメッセージの内容は、自分(スプリングスティーン自身)たちは毎晩、戦争(ヴェトナム戦争のニュース)を見て育ったが、今の若い世代(といっても聴衆は80年代の若者なので、現在の中年世代だけれども)は、盲目的に政府や指導者を信じてしまっていたら、いつか自分たちが死を見ることになるぞ、という警鐘を発しているのである。 もう一つ、ビデオ・クリップの方には若干の仕掛けがあって、曲の最初と終りにテレビを見ている親子の食卓の映像が挟み込まれている。そのテレビの内容は戦争の放送である。曲のクリップの最後にこの場面がもう一度登場する。だが、その食卓には、曲の前の最初の映像にはいた一家の息子が消えていなくなっている(つまり戦争に行って死んでしまったことを暗示する)というものである。 ちなみに、この時に「ウォー」をヒットさせた後も、スプリングスティーンはこの曲を何度もライブで取り上げている。同じ80年代後半には、国際NGO団体、アムネスティ・インターナショナルのライブ・ツアー(スティング、ピーター・ガブリエル、トレーシー・チャップマンらとのツアーで、来日時には現地アーティストとして宇崎竜童も参加)でもセットリストに含まれていた。また、その後、2000年代に入ってからも、イラク戦争時に繰り返し取り上げて演奏している。[収録アルバム]Bruce Springsteen & The E Street Band / Live 1975-85 (1986年) Bruce Springsteen / The Complete Video Anthology 1978-2000 (2001年、DVD) 【送料無料】 Bruce Springsteen ブルーススプリングスティーン / Live 1975-1985 【CD】 下記ランキング(3サイト)に参加しています。 お時間のある方、応援くださる方は、“ぽちっと”よろしくお願いいたします! ↓ ↓ ↓
2010年03月18日
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外国語で歌うということ(その2) 前回、スティングがスペイン語やポルトガル語で歌っている曲というのを取り上げましたが、もう少し時代が進んで1990年代になると、英米(特に米)のアーティストたちに面白い現象が現れます。それは、アメリカでのヒット・アルバムを比較的大きな市場だった中南米に売り込む際に付けられた“ボートラ”です。日本では“アルバム未収録曲”を日本盤でボーナス・トラックにつけるというのが恒例になっていますが、スペイン語圏向けにリリースする際に“スペイン語ヴァージョン収録”というおまけをつけるという手法です。筆者が以前に住んでいた中南米で1990年代に買った盤にはちょくちょくそういうのが見受けられます。 アメリカ人が発音に苦労しながらスペイン語で歌うというのは(もちろん人にもよりますが)なかなか大変な作業ということも多かったに違いありません。実際、何と歌っているのか聞き取れない部分があるぐらい苦労している(≒発音に難がある)ケースもありました。そんな中で、スペイン語が下手だった代表例の一つはきっとこれではないでしょうか。 1995年のアルバム『ディーズ・デイズ(These Days)』に収録の「ディス・エイント・ア・ラヴ・ソング」のスペイン語ヴァージョンです。ジョン・ボン・ジョヴィの声は最高にカッコいいのですが…いかんせん、これほど下手なスペイン語は、元大統領のジョージ・W・ブッシュと競えるぐらいです(笑)。ボン・ジョヴィのファンの方々、気分を害されたらごめんなさい…。言い訳がましいですが、実際のところ、筆者もジョン・ボン・ジョヴィのヴォーカルは大好きなのです。 というわけで、お口直しならぬお耳直し(?)に、オリジナルの英語のもの(「ディス・エイント・ア・ラヴ・ソング(This Ain’t A Love Song)」)もどうぞ。 [収録アルバム]Bon Jovi / These Days(1995年)*中南米向き盤にボーナストラックとしてスペイン語ヴァージョンを収録。↓通常の輸入盤です。↓ Bon Jovi ボン ジョヴィ / These Days 輸入盤 【CD】 下記ランキングに参加しています。 お時間のある方、応援くださる方は、“ぽちっと”よろしくお願いいたします! ↓ ↓
2016年07月12日
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パティの歌声(その4) 4回シリーズの最後です。パティ・スキャルファ(Patti Scialfa)に焦点を当てて曲をピックアップしてきましたが、最後のこのナンバーは、E・ストリート・バンド(ブルース・スプリングスティーンのバンド)全員が主役というものです。パティも他のメンバーと同様にソロ・パートを担当しています。 「イフ・アイ・シュッド・フォール・ビハインド(If I Should Fall Behind)」というのがその曲で、過去に文字だけの記事(動画貼り付けができなかった頃の記事)にしています(参考過去記事はこちら)。1999~2000年のE・ストリート・バンド再集結の際のライヴ・テイクで、CDおよびDVDとして発売されました。 以下は、それとは異なるテイクなのですが、基本的には上述のリリースされたヴァージョンと同じ構成で、スプリングスティーンのほか、リトル・スティーヴン(スティーヴ・ヴァン・ザント)、ニルス・ロフグレン、パティ、そして今は亡きクラレンス・クレモンズがそれぞれソロをとっています。 最後にもう1本、比較的最近のものをのせておきます。2013年のライヴの模様で、基本的にはスプリングスティーンのアコースティック演奏にパティのコーラスが加わっている、夫婦での共演ヴァージョンです。 [収録アルバム]Bruce Springsteen & the E Street Band / Live in New York City(2000年) 【メール便送料無料】BRUCE SPRINGSTEEN & E STREET BAND / LIVE IN NEW YORK CITY (輸入盤CD) (ブルース・スプリングスティーン) 下記のランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、バナーを“ぽちっと”応援いただけると嬉しいです! ↓ ↓
2018年02月07日
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音の美しさを楽しむ愛聴盤 ~その1~ モダン・ジャズ・カルテット(略してMJQ)は、ミルト・ジャクソン(ヴィブラフォン)を中心に、ジョン・ルイス(ピアノ)、パーシー・ヒース(ベース)、ケニー・クラーク(ドラム)が結成したジャズバンド。レギュラーグループの活動がそれほど多くないジャズ界で20年以上もグループとして活動した(ただし、ドラムは入れ代わりがあり、本作の時点ではコニー・ケイがドラムを担当)。 そんなMJQが残したアルバム中で、"音の美しさ"という観点から筆者が特に気に入っているのが、本盤『たそがれのヴェニス(原題:No Sun In Venice)』(1957年)である。音といっても、録音状態やオーディオ的な話ではなく、楽器演奏の音色という意味である(とはいえ、MJQ初期の有名盤は録音状態が悪いのに対し、本盤は音質もいいのは事実である)。 MJQの最大のよさは、グループとしての調和にある。このことは、ミルト・ジャクソンの演奏に顕著に現れているように思う。ミルト・ジャクソンのソロ名義を聴くと、もっと自由に演奏している姿が目につくが、MJQではいい意味で抑え気味の演奏をしている。本作においてもそれは例外ではなく、グループとしての音作りが強く意識されている。結果として出てくる音は、メンバー4人が一体として演奏を繰り広げ、ミルトのヴィブラフォンはきらきらときらめく音色になって聴き手の耳に届く。この"きらきら感"が醸し出す美しさこそが、筆者の言う"音の美しさ"ということになる。このような観点から特におすすめなのは、1.「ゴールデン・ストライカー」、3.「ローズ・トルク」、6.「三つの窓」。 ちなみに、本盤は、1957年のフランス映画『大運河』のためにメンバーのジョン・ルイスが書き下ろした作品集である。しかし、映画のサウンドトラックというよりは、MJQの一つの作品としての趣が強いアルバムである。さらに付け加えておけば、ジャケットに使用されている絵画はターナーの名画だが、左右反転したままジャケ写真として使われているとのこと。 [収録曲]1. The Golden Striker2. One Never Knows3. The Rose Truc4. Cortege5. Venice6. Three WindowsThe Modern Jazz Quartet: John Lewis (p), Milt Jackson (vib), Percy Heath (b), Connie Kay (ds)録音: 1957年4月4日 【楽天ブックスならいつでも送料無料】JAZZ BEST COLLECTION 1000::たそがれのヴェニス [ モダン・ジャズ・カルテット ]
2009年09月29日
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シカゴから南部へ、ブルースロックと南部サウンドの出会い ポール・バターフィールド(Paul Butterfield)はシカゴ出身のボーカリストにしてブルース・ハープ奏者。白人ブルース、米ブルース・ロックの先駆者とされる。彼のバンド、ポール・バターフィールド・ブルース・バンドは、1965年に、ボブ・ディランの“ロック転向”の演奏のバックを務め(ただしこの演奏にはリーダーのバターフィールドは参加していない)、この年、バンドとしてもデビュー作(『ザ・ポール・バターフィールド・ブルース・バンド』)を発表する。その後も名盤として有名な『イースト・ウェスト』などを発表するが、相次ぐメンバーの脱退や変更、音楽的方向性の変化などが続き、結局、バンドは1971年に解散してしまう。 ポール・バターフィールド・ブルース・バンドを解散後、バターフィールドはニューヨーク州ウッドストックに移住し、新バンド“ベター・デイズ”を結成。1973年にその初作『ベター・デイズ』を発表する。そして、これに続き同じ年にリリースされたのが、本作『イット・オール・カムズ・バック(It All Comes Back)』であった。 前作『ベター・デイズ』はブルース・ロックを牽引してきたバターフィールドが辿り着いた一つの境地を示すものであり、音楽史に残る名盤の一つである(過去記事を参照)。それと同時に、次なる目標への足がかりとなるものでもあって、その次なる目標が本盤の中心となっていったように思う。それは、シカゴ出身で東海岸へ足場を移した彼が、こんどは南へと向かっていく方向性だった。 収録曲のうち「スモール・タウン・トーク」(オリジナルはボビー・チャールズのセルフタイトル作に収録)が聴きどころなどと言われることもあるが、個人的には少し違うように感じる。無論、この曲の出来がよくないと言っているわけではなく、この曲自体はそもそも名曲な上に味わいのある仕上がりだと思う。けれども、アルバム全体の色合いという点では、むしろこの曲は両極の一方に位置するもので、いわば“南部志向”のR&B色の強い側の曲。その対極にあるのは、バターフィールドがデビュー時から積み重ねてきたブルース・ロック的な側面で、本盤ではそこもちゃんと出ている。私見としては、このバランス具合が本盤の真骨頂であって、“南部志向”側に期待し過ぎても、従来のブルース・ロック一色に期待し過ぎても、本盤に関してはその期待は裏切られるように思う。 とまあ、上のような言い方をすると個別の曲名を挙げづらくはなるのだが、完全に私的好みで気に入った曲を挙げておきたい。 アルバム冒頭を飾るのは、1.「トゥー・メニー・ドライヴァーズ」という、ブルース側の“バターフィールドらしさ”がよく表現された曲。対して2.「イッツ・ゲッティング・ハーダー・トゥ・サヴァイヴ」や5.「スモール・タウン・トーク」などは、南部色が濃い。面白いのはそういう部分でヴォーカルがポール・バターフィールド自身から交代していたりする点でもある(リードヴォーカルは2.がニューオーリンズの大物ロニー・バロン、5.がジェフ&マリアでも知られるジェフ・マルダーで、共にベター・デイズ結成時のメンバー)。 さらに興味深いのは、そうしたジャンルの交錯とヴォーカルの交代が重なったタイトル曲の9.「イット・オール・カムズ・バック」。ボビー・チャールズ作の、ニューオーリンズ色の強い曲で、ヴォーカルはポール・バターフィールドとジェフ・マルダーの二人。ブルース・ロックに突っ走っていた頃のバターフィールドとは一味も二味も違う、噛めば噛むほど味が出るスルメのような深みが出てきている。ちなみに、本来はこのいい雰囲気でアルバムが締めくくられていたので現行のボーナス曲は(追加曲の出来は悪いわけではないにせよ)、アルバム作品としてはやっぱり蛇足。ジャズなどでよくあるみたいに(といっても誉められたセンスのものではないことが多いが)、途中にボーナス・トラックを入れてくれた方が、肝心の締めくくりの雰囲気を壊さずによっぽどよかったと思うのだけれど。 あと、文句なしにカッコいい4.「ウィン・オア・ルーズ」や8.「ルイジアナ・フラッド」も触れなければと思うのだけれど…、挙げだすときりがない。もっともっと聴かれてよいであろう、ほぼ捨て曲なしの名盤。[収録曲]1. Too Many Drivers2. It's Getting Harder to Survive3. If You Live4. Win or Lose5. Small Town Talk6. Take Your Pleasure Where You Find It7. Poor Boy8. Louisiana Flood9. It All Comes Back10. Keep Lovin’ Me Baby (CDボーナストラック)1973年リリース。 【Aポイント+メール便送料無料】ポール・バターフィールド Paul Butterfield / It All Comes Back (輸入盤CD)【YDKG-u】 下記ランキングに参加しています。 お時間の許す方は、“ぽちっと”クリックで応援をよろしくお願いします! ↓ ↓
2012年03月15日
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CCRの短編芸術性(その2) CCR(クリーデンス・クリアウォーター・リヴァイヴァル、Creedence Clearwater Revival)の名曲シリーズ、第2回目です。 日本語では「ローディ」で定着してしまっていますが、正しくは「ローダイ(Lodi)」と読みます。そして、そのローダイというのは、米国カリフォルニア州、サンフランシスコの東方百数十キロにある町の名前なのです。ジョン・フォガティ自身は訪れたことはなく、この町の名の響きがカッコよかったから曲になったのだとか。まあ、サンフランシスコ出身のバンド(南部っぽいサウンドですが、念のため、カリフォルニア出身のバンドです)ということを考えれば、地元に近い町の名前に着想を得たというのもなるほどといったところでしょうか。 もう一つの動画ですが、今回はジョン・フォガティによるアコースティック・ヴァージョンをお聴きください。ギター1本になっても、アコースティックになっても、やっぱりこのロックンロール魂は一緒というのが何ともいいですね。 CCRの3分名曲選、まだしばらく続けます。ぜひお付き合いください。[収録アルバム]Creedence Clearwater Revival / Green River(1969年) ポイント5倍(2/17 10:00-2/20 9:59)【メール便送料無料】Creedence Clearwater Revival / Green River (w/Bonus Tracks) (輸入盤CD)(クリーデンス・クリアウォーター・リヴァイヴァル) 次のブログのランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、“ぽちっと”クリックで応援をよろしくお願いします! ↓ ↓
2017年02月20日
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2枚組ではなく、2枚同時発売の地力(前編) 1980年代、『ボーン・イン・ザ・U.S.A.』で予期せぬ形でヒーローに祭り上げられたブルース・スプリングスティーン(Bruce Springsteen)は、1987年に『トンネル・オブ・ラヴ』を発表後、沈黙に向かっていった。それどころか、1988年には長年一緒に活動してきたバンド(E・ストリート・バンド)を解散してしまい、文字通り迷走(瞑想?)してしまった。 ところが、1992年にその創作意欲が爆発した結果がもたらされる。2枚の新作を同時発売という、ある種、驚きの展開であった。その2枚のアルバムのうち、先に企画されたのが、この『ヒューマン・タッチ(Human Touch)』という作品だった。 前作『トンネル・オブ・ラヴ』の内省的な部分を引き継いでいるように思えるところがこの作品には認められる。表題曲の1.「ヒューマン・タッチ」や4.「クロス・マイ・ハート」、6.「ウィズ・エヴリ・ウィッシュ」や11.「アイ・ウィッシュ・アイ・ワー・ブラインド」なんかはその例と言えるだろう。他方、スプリングスティーン節が全開のロック調ナンバーも見られる。個人的な好みでは、6.「ロール・オブ・ザ・ダイス」や10.「マンズ・ジョブ」はまさしく本領発揮のロック・チューンに仕上がっている。他には2.「ソウル・ドライバー」と5.「グロリアズ・アイズ」も聴き逃がせない好曲である。 上述の通り、E・ストリート・バンドの演奏ではないので、以前やバンド再集合以降の作品の演奏に見られるあの一体感に欠けるのは事実である(ただしロイ・ビタンが全面的に、パティ・スキャルファが一部で参加している)。とはいえ、腕の立つミュージシャン(その中には、ジェフ・ポーカロ、ティム・ピアス、初期E・ストリートのメンバーのデヴィッド・サンシャスなどの名がある)が揃っていて演奏の完成度は非常に高い。なおかつ緩急使い分けられていて、曲数も収録時間も長めだが、誰が聴いても退屈しないように仕上がっているように思う。[収録曲]1. Human Touch2. Soul Driver3. 57 Channels (And Nothin' On)4. Cross My Heart5. Gloria's Eyes6. With Every Wish7. Roll of the Dice8. Real World9. All or Nothin' at All10. Man's Job11. I Wish I Were Blind12. The Long Goodbye13. Real Man14. Pony Boy 1992年リリース。 【メール便送料無料】Bruce Springsteen / Human Touch (輸入盤CD) (ブルース・スプリングスティーン) 次のブログのランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、“ぽちっと”クリックで応援をよろしくお願いします! ↓ ↓
2018年11月09日
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1番ではなくとも聴き逃せない好盤 ボストン(Boston)は、バンドというより実質的にはトム・ショルツ(Tom Scholz)のプロジェクトといってもよい。1976年のデビュー作、1978年のセカンド作を発表した後は、マニアックで完璧主義な制作作業のため、永らく作品を発表出来ず、レコード会社から契約不履行で訴えられるなどした。そんな経緯の末、8年ぶりに出たサード作が1986年の『サード・ステージ』だった。 これでボストン復活かと思いきや、次の第4作となる本盤『ウォーク・オン(Walk On)』まで、さらに8年を要した。途中、ベスト盤のリリースを挟んだものの、さらにその次の『コーポレイト・アメリカ』までもさらに8年かかることになる。つまり、80年代、90年代、00年代と結果的にオリジナル策は1枚ずつしかリリースせず、第3作から第5作まで8年おきという、リスナーの年齢層や音楽業界の動向が入れ替わってしまうほどの間隔を空けながらのスローペースで作品を発表した。 さて、あるアーティストやバンドの作品には“1番ではないが外しがたい好盤”というのがしばしばある。ボストンの場合も、ベストの作品はというと、ファンの間でいろんな声があるにせよ、ほぼ最初の3枚のいずれかの議論になるだろう。でも、だからといってこの第4作は等閑視できず、個人的には当時繰り返し聴いたし、今でも時折聴きたくなって取り出してくる作品だったりする。 本盤の特徴はいくつかあるが、最も大きいのは、ヴォーカルが交代していること。ブラッド・デルプはソロ活動に専念しており、フラン・コスモがヴォーカルを務めた。往年のファンはデルプじゃないと、と思うかもしれないが、この人のヴォーカルがまた秀逸で、高音にも滅法強い。次に第3作までクレジットされていた“シンセ不使用”の表示が消えている。これは、初めてストリングスのアンサンブルが3.「リヴィン・フォー・ユー」で使用されていることによる。 アルバムはボストンらしさ全開の1.「アイ・ニード・ユア・ラヴ」で幕を開ける。ハードな音を期待する向きには受けのよさそうな2.「サレンダー・トゥ・ミー」が続くものの、全体としてはややポップな方向性の音作りとも言えそう。何と言っても聴きどころなのは、「ウォーク・オン・メドレー」と題された4.~7.である。表題曲の5.「ウォーク・オン」を軸とし、インスト曲の4.と6.を含むメドレーは、聴きごたえ十分な内容だと思う。ちなみに、トム・ショルツ自身の言葉(ライナーの解説)によると、5.は“世界中が座ったままでいる時、正しいものに立ち上がる人たちに捧ぐ”曲なのだとか。 結局、ボストンはこの後も次作の発表までまた8年間かかることになる。そうして8年後にリリースされた第5作(2002年)、さらにはデルプの死(2007年)を経て、今度は11年の間隔を空けて出た第6作(2013年)へと続く経緯もいずれ取り上げたいと思う。[収録曲]1. I Need Your Love2. Surrender to Me3. Livin' for YouWalk On Medley:4. Walkin' at Night5. Walk On6. Get Organ-ized7. Walk On (Some More)8. What's Your Name9. Magdalene10. We Can Make It"1994年リリース ウォーク・オン [ ボストン ]下記のブログランキングに参加しています。応援くださる方は、バナーをクリックお願いします! ↓ ↓
2018年01月25日
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CCR名曲選・第2弾(その3) CCR(クリーデンス・クリアウォーター・リヴァイヴァル)名曲選の第3回です。今回は、よき時代のよきナンバーをCCRが巧妙にカバーした、とでも言えそうな曲を取り上げたいと思います。彼らにとって第4作となった『ウィリー・アンド・ザ・プアボーイズ』(1969年)に収められた「コットン・フィールズ(Cotton Fields)」という曲です。 この曲は、レッドベリー(Lead BellyもしくはLeadbelly,1888年生まれで1949年死去のフォーク/ブルース・シンガー)のナンバーです。ちなみに、これとほぼ同時期にビーチ・ボーイズもこの曲を吹き込んでいて、1970年にシングルとしてリリースされています。 そんなわけで、レッドベリーの「コットン・フィールズ」、そしてビーチ・ボーイズによる「コットンフィールズ」(こちらの方はCottonfieldsと一語で表記されています)をそれぞれお聴きください。 [収録アルバム]Creedence Clearwater Revival / Willy and the Poor Boys(1969年)The Beach Boys / 20/20(1969年) 【メール便送料無料】クリーデンス・クリアウォーター・リヴァイヴァル / ウィリー・アンド・ザ・プアボーイズ(40周年記念盤)[CD][初回出荷限定盤] Beach Boys ビーチボーイズ / 20 / 20 + 2 【SHM-CD】HMV&BOOKS online 2号店 下記ランキングに参加しています。 お時間のある方、応援くださる方は、“ぽちっと”よろしくお願いいたします! ↓ ↓
2018年03月30日
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明るく元気なロックの王道盤 1970年代、アメリカ西海岸のカレッジ・バンドから始まり、ロスやハリウッドのクラブで活動をしていたヴァン・ヘイレン(Van Halen)は、1978年にデビューした。元々は、オランダ生まれでカリフォルニア(ロス近郊)で育ったエディ・ヴァン・ヘイレンとアレックス・ヴァン・ヘイレン(オランダ語ではファン・ハーレンと読むらしい)の兄弟が中心となり、形成されたバンドで、前者がギター、後者がドラムを担当し、ヴォーカルのデヴィッド・リー・ロス、さらにはベースのマイケル・アンソニーが加わり、このバンドが形成されたとのことである。 ヴァン・ヘイレンは、デビュー後まもなくセールスを上げ、知名度も上昇し人気を集めていったが、1983年末にリリースされた第6作『1984』は、その絶頂期を示す代表的作品である。チャートでは、マイケル・ジャクソンの『スリラー』に1位を阻まれこそしたものの、この時までのバンドの作品としては最高位の2位を記録し、2か月で100万枚を超えた。さらに、このアルバムは、現在までに2000万枚を売り上げたとされる。都合4曲がシングルカットされ、2.「ジャンプ」は全米1位の大ヒットを記録した。他のシングル曲は、7.「ウェイト」、3.「パナマ」、6.「ホット・フォー・ティーチャー」である。 上記のシングル曲の中では、2.「ジャンプ」や3.「パナマ」が個人的にはよく聴いたナンバーである。他に注目したいのは、1.の「1984」という曲。曲というよりは、2.のイントロのような役割で、これがアルバム冒頭のワクワク感を高める効果を出している。あと個人的な好みでは4.「トップ・ジミー」、8.「ガール・ゴーン・バッド」がいい。 なお、絶頂期真っただ中ながら本盤を最後にデヴィッド・リー・ロスはバンドを脱退(後に復帰)することとなり、次作ではサミー・ヘイガーがヴォーカリストを引き継いだ。さらに余談ながら、本アルバム名は『1984』で通っているが、ジャケットではローマ数字での表記(MCMLXXXIV,Mが1000、Cが100、Lが50なのでこれで1984)となっている。[収録曲]1. 19842. Jump3. Panama4. Top Jimmy5. Drop Dead Legs6. Hot For Teacher7. I'll Wait8. Girl Gone Bad9. House 1983年リリース。 1984/ヴァン・ヘイレン[CD]【返品種別A】 下記のランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、バナーを“ぽちっと”応援いただけると嬉しいです! ↓ ↓
2017年06月25日
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スウィング期の3大テナー奏者の繊細さと叙情 ベン・ウェブスター(Ben Webster)というテナー奏者は、決して取っつきやすくはないかもしれない。けれど、ひとたびその虜になると抜け出しにくくなる、きっとそういうタイプの奏者なんだろうと思う。 彼は1909年カンザスシティに生まれ、1930年代にデューク・エリントンやその他いくつかの楽団で演奏し、1940年代からソロイストとしての名声を確立していった。“ザ・ブルート”の愛称で呼ばれ、1973年に亡くなっている。ソロ楽器としてのテナーサックスの地位が確立されていった時期に活躍した奏者で、コールマン・ホーキンス、レスター・ヤングと並んでスウィング期の3大テナー奏者と言われたりもする。 本盤『ソウルヴィル(Soulville)』は彼の代表作の一つとされ、オスカー・ピーターソンのピアノ・トリオを基本にしたメンバーとの演奏。とにかくウェブスターのテナーの“歌”が堪能できる一枚である。はまってしまいがちな点は、端的には、この“すすり泣き具合”、そして、一音一音の繊細さ。哀愁ある独特の細やかな節回しの演奏である。これが筆者的には何ともクセになる部分で、中毒性がある。キャリア後半になってウェブスターは特にこの側面に磨きをかけていった。本盤所収曲の中からいくつかお気に入りを挙げると、1.「ソウルヴィル」、3.「タイム・オン・マイ・ハンズ」、4.「恋人よ我に帰れ」、7.「イル・ウィンド」。いずれも細やかさが際立っている。 これがウェブスターのすべてだ、などと言ったならば、熱心なファンからはお叱りを受けるかもしれない。“ブルート”の名が示すように荒々しいプレイも彼の身上で、それもまた魅力であるのはその通りである。でも、筆者の最初の印象とそれがツボにはまった具合から、今回はこの盤(本盤は個人的にたまたま最初に聴いたウェブスター盤の一つでもあった)を取り上げてみた。さらなる機会を見つけて、今後、他の盤も取り上げていきたいと思う。[収録曲]1. Soulville2. Late Date3. Time on My Hands4. Lover, Come Back to Me5. Where Are You?6. Makin' Whoopee7. Ill Wind[パーソネル、録音]Ray Brown (b), Herb Ellis (g), Stan Levey (ds), Oscar Peterson (p), Ben Webster (ts)1957年10月15日録音。 【RCP】【Joshinはネット通販部門1位(アフターサービスランキング)日経ビジネス誌2013年版】ソウルヴィル+3/ベン・ウェブスター[SHM-CD]【返品種別A】 下記ランキングに参加しています。 お時間のある方、応援くださる方は、“ぽちっと”よろしくお願いいたします! ↓ ↓
2014年03月02日
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2022年を振り返って(2/3) 今年(2022年)に取り上げたアルバムに収められた曲を振り返ってお届けしています。今回は、ローリング・ストーンズの『スティッキー・フィンガーズ』に収録の「スウェイ(Sway)」です。 まずは往時の彼らの姿とともに曲をお聴きください。ミック・ジャガー、キース・リチャードともに1943年生まれですから、発表当時は20歳代後半の若さだったわけです。 息の長いバンドとなったストーンズですが、21世紀に入ってからの映像もご覧いただこうと思います。2005年、テキサスでのライヴ演奏のビデオです。実のところ、過度に商業化されたストーンズに筆者は尻込みをしてしまう方なのですが、それでも、こういう映像が現れるとついつい見入ってしまいます。 [収録アルバム]The Rolling Stones / Sticky Fingers(1971年) スティッキー・フィンガーズ [ ザ・ローリング・ストーンズ ] 【輸入盤CD】Rolling Stones / Sticky Fingers (ローリング・ストーンズ) 下記のランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、バナーをクリックして応援いただけると嬉しいです! ↓ ↓
2022年12月29日
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レスポールを使用した異色作 テレキャスターの名手として知られるロイ・ブキャナン(Roy Buchanan)が、あろうことかレスポールを演奏してしまったというのが、1978年発表の『レスポールとの遭遇(You’re Not Alone)』というアルバムである。この邦題、もう少し何とかならなかったものだろうかとも思うが、原題は『ユーア・ノット・アローン』である。ロイ・ブキャナンのアルバムの中では、特に評価が低く、商業的にも失敗作だったとされるアルバムである。 ジャケットは宇宙服の顔(窓にあたる部分)に、地球外惑星の大地に屹立するレスポールが写っているという、なんともビミョーなデザイン。このジャケット・イメージは演奏内容ともリンクしていて、シンセを取り混ぜながらスぺーシーな雰囲気のギター・プレイが披露されている。もちろん、そのギターの音そのものは、いつものテレキャスとは大きく異なる、レスポール特有の太い音である。 いちばんの聴きどころは、3.「フライ…ナイト・バード」。彼特有の“泣きのギター”の演奏が、レスポール・サウンドで聴けるというもの。他のナンバーとしては、2.「ターン・トゥ・ストーン」がいい。ジョー・ウォルシュのソロ・プロジェクト(過去記事)作に収録のナンバーであるが、ロイのファンなら同時にテレキャスでこの演奏を聴きたい、と思うような内容でもある。もう一つ、5.「ダウン・バイ・ザ・リヴァー」も挙げておきたい。ニール・ヤングの曲で、本盤では例外的にヴォーカリスト(ゲイリー・セント・クレア)を入れてのナンバーとなっているが、この曲のロイのギターが個人的にはなかなか気に入っている。 といったわけで、内容は悪くなく、決して低く評価されるようなものではないと思うのだけれど、トレードマークの愛用の楽器を持ち替えてやる内容だったかというと、やはり疑問符がつく。どうせなら、2枚組にしてテレキャス・ヴァージョンとレスポール・ヴァージョンが収録なんて企画だと楽しめたのかもしれないと思ってみたりするのだけれど。[収録曲]1. The Opening...Miles from Earth2. Turn to Stone3. Fly... Night Bird4. 1841 Shuffle5. Down by the River6. Supernova7. You're Not Alone1978年リリース。 【輸入盤CD】Roy Buchanan / Loading Zone/You're Not Alone 【K2017/2/24発売】 (ロイ・ブキャナン) 下記のブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、バナーをクリックお願いします! ↓ ↓
2024年01月13日
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熱く燃焼するインプロヴィゼーション演奏盤 ジョージ・アダムス(George Adams)は、1940年、ジョージア州生まれのテナーサックス、フルート、バス・クラリネット奏者。ドン・プーレン(Don Pullen, ドン・ピューレンとも表記される)は、1941年、ヴァージニア州出身のピアノ奏者。2人とも早くに亡くなっていて、前者は1992年に52歳で、後者は1995年に53歳で病死している。 この連名カルテットは、主にヨーロッパで受け入れられる形で活動を展開していった。そうした意味では、ヨーロッパ・フリー・ジャズの影響も、彼らの作風には届いていたと言えるのかもしれない。とはいえ、その演奏は、フリー・ジャズ的演奏という一言で済ますのでは、もったいないほどいろんなものが入っているように思う。ビバップにモダン、さらにはブルース、いろいろな素地があって、この演奏が成り立っている。加えて、本盤で印象的なのは、どこまでもひたすらに熱く、最後まで燃焼しきろうといわんばかりの演奏姿勢。ジョージ・アダムスのテナーもそうだし、ドン・プーレンのピアノも、手抜きなしの潔さがとにかく気持ちいい。 むろんすべてが勢いばかりの演奏というわけではない。2.「サンバ・フォー・ナウ」は、アダムスが楽器をフルートに持ち替えて落ち着いた美曲(プーレンのペンによる)を展開する。4.「ノーバディ・ノウズ・ザ・トラブル・アイヴ・シーン」では、アダムスのテナー演奏ののびのびとした部分も聴くことができる。とはいえ、あくまで本盤の本領は、冒頭の1.「ミンガス・メタモルフォシス」や、表題曲の5.「シティ・ゲイツ」にあると筆者は感じる。とりわけ、アダムスのどんどん盛り上がっていくテナー演奏に、聴いている側は吸い込まれていきそうになる。[収録曲]1. Mingus Metamorphosis2. Samba for Now3. Thank You Very Much Mr. Monk4. Nobody Knows the Trouble I've Seen5. City Gates[パーソネル、録音]George Adams (ts, fl), Don Pullen (p), Dannie Richmond (ds), Cameron Brown (b)1983年3月27・28日録音。 【中古】シティ・ゲイツ / ジョージ・アダムス=ドン・ピューレン・カルテット ブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、ぜひクリックをお願いします。 ↓ ↓ ↓
2024年02月10日
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ガーランドのブルージーさを見直す レッド・ガーランドは1923年テキサス州ダラス生まれのジャズ・ピアニスト。1950年代半ばにマイルス・ディヴィスのグループに入ってから本格的な活躍を始め、途中、十数年間の引退期間もあったものの、後に復帰。1984年に亡くなるまでの生涯で、リーダー作はもちろんのこと、とりわけ50年代半ばから60年代初頭にかけて、数多くの有名盤に参加している。 そんなガーランドのピアノ演奏は、どこを取ってもすぐに彼とわかる個性があると言われる。要するに、一言で表現するならば、「金太郎飴」。これを悪いほうに解釈すると、「ガーランドは1~2枚聴けば十分」とか、「どれを聴いても同じで退屈」とかいう結論に達してしまう。 鍵盤の上をコロコロと転がるような音色、ブロックコードの多用、サービス精神旺盛な演奏…。こうした「個性」に耳を奪われ過ぎると、きっとガーランドのピアノは退屈になってしまうのだと思う。しかし、聴く側ももう少し開き直ってみてはどうだろう。 確かに、ガーランドの演奏は、どこを切っても同じ顔が出てくる「金太郎飴」のようだ。本人も意識して自我流を通したようであり、それゆえの引退期間を持った。けれども、落ち着いて考えてみたい。「金太郎飴」のどこが悪いものか。どこを切っても同じ顔が出てくるからこそ金太郎飴であって、もしも、切った場所によって顔が異なっているのだったら、一本の長い飴である意味もなければ、必然性もない。いろんな顔の飴が欲しいのなら、最初からバラバラになっている違う飴をいくつも買えばいい。つまるところ、金太郎飴の楽しみというのは、同じ顔が長く続いていることにこそある。 今まで何枚かのガーランドのアルバムを聴いた中で、リーダー作(トリオ作)の中で、本作『レッド・イン・ブルースヴィル(Red in Bluesville)』は結構気に入っているうちの一枚だ。収録曲のうち、2曲目などは少々間延びする曲もあるが、1.「ヒーズ・ア・リアル・ゴーン・ガイ」、3.「シカゴ特捜隊Mのテーマ」、6.「セントルイス・ブルース」あたりは非常に落ち着いて聴くことができる。その理由は、テクニックや演奏スタイル云々というよりは、ひとえにガーランドのブルージーな感覚がきっちり演奏に反映されているところにあるのだと思う。 テクニックに目を奪われすぎると、確かに「金太郎飴」が退屈になる可能性はある。けれどもこうしたブルージーな感覚に心地よく身を任せ、ガーランドのピアノに酔うのもいい。その時に「金太郎飴のどこが悪いのだ」と開き直って聴けばよい。 こんな聴き方をしながらなら、ガーランドのアルバムを全部聴いてみようかという気になる。全アルバム聴くのは長い道のりだろうけれど、筆者にとって、ガーランドはそれをやってみたいと思わせてくれる演奏家の一人だ。自然に聴くことのできる「金太郎飴」的なブルージーさに、きっと飽きることなく聴けそうな気がする。[収録曲]1. He's A Real Gone Guy2. See See Rider3. M Squad4. That's Your Red Wagon5. Trouble In Mind6. St. Louis BluesRed Garland (p), Sam Jones (b), Art Taylor (ds)録音:1959.4.17. 【Aポイント+メール便送料無料】 RED GARLAND / RED IN BLUESVILLE (輸入盤CD)【YDKG-u】
2009年08月09日
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リー・モーガン初期の代表盤の真価 ジャズ・トランペット奏者、リー・モーガンの代表作はと言うと、ジャズ・アルバムとしては異例のヒットを記録した『ザ・サイドワインダー』のほか、もう少し初期のいくつかの盤が挙げられることも多い。「クリフォードの想い出」を含む『リー・モーガンVol. 3』と並んで、よく代表盤に挙げられる若い頃の盤が、この『キャンディ(Candy)』である。 本盤『キャンディ』の特徴は、次の二点に集約される。まず第一に、リー・モーガンのトランペットのワン・ホーン演奏であること。そして、二つめは、バックの演奏の質である。 一つめの、リズム・セクション(ピアノ、ベース、ドラム)にトランペットのみという組み合わせは、それまでのリー・モーガン盤が別の管楽器を含んでいたのに対し、この時点で初めての全編ワン・ホーンという試みということになる。デビュー盤となる最初の2枚のうちの1枚(過去記事参照)はサヴォイ・レーベルだったが、残りはここまでずっとブルーノートに吹き込みをしており、制作者側としては“ここらで一つ、ワン・ホーン盤を”といったところだろう。実際、演奏された曲は、ワン・ホーン盤として、彼の魅力を存分に伝え得る楽曲群だと言える。 そうは言っても、リー・モーガンの演奏だけに心を奪われていては、本盤のよさは十分にわからないいんじゃないだろうか、とも思わされる。ベースの、ピアノの、そしてドラムの、リーダーを意識して抑えを聴かせながらも、いずれも本領発揮なレベルの高い演奏が、このアルバムを魅力ある作品にしていることは間違いがないと思う。目立った部分では、ソニー・クラークのピアノのセンスと品のよさ。アート・テイラーのドラムが全体に安定感を与えているのは言うまでもない。けれども、全編を通じて考えた時、ベースのダグ・ワトキンスあってのこの盤だろうという気にさせられる。 とうわけで、インパクトある1.「キャンディ」でワン・ホーンを楽しむのもよし、4.「オール・ザ・ウェイ」でトランペットだけでなく、秀逸なピアノとベースの安定した技(2:30頃から延々と続く)を堪能するのもよし。そんな具合に、リズム・セクションに関しても楽しみながら聴きたい1枚というのが筆者の感想だったりする。[収録曲]1. Candy2. Since I Fell for You3. C.T.A.4. All the Way5. Who Do You Love, I Hope6. Personality[パーソネル、録音]Lee Morgan (tp)Sonny Clark (p)Doug Watkins (b)Art Taylor (ds)1957年11月18日(2.と6.)、1958年2月2日(1.、3.、4.、5.)Blue Note 1590 【RCP】【Joshinはネット通販部門1位(アフターサービスランキング)日経ビジネス誌2013年版】キャンディ+1/リー・モーガン[CD]【返品種別A】下記のブログランキングに参加しています。応援くださる方は、バナーをクリックお願いします! ↓ ↓
2013年09月01日
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トム・ウェイツの名バラード選(その7、最終回) 年が明けてから徐々に更新してきたトム・ウェイツ(Tom Waits)の名バラード選、この7回目が最終回です。ここまで取り上げなかったナンバーにも美曲は数知れずありますが、ひとまずは最後を締めくくるにふさわしいと思って取ってあったのは、この曲です。時代をさかのぼり、1985年作の『レイン・ドッグ』所収の「タイム(Time)」というナンバーをどうぞ。 この曲は、1988年のベスト・ライヴ盤『ビッグ・タイム』にも収録されています。同盤に所収のライヴ・ヴァージョンもお聴きください。 この美曲のカバーといえば、トーリ・エイモスが2001年発表のアルバム『ストレンジ・リトル・ガールズ』の中で披露しています。ついでにこちら(同アルバム発表頃のライヴ映像)もよろしければご覧ください。 アルバムも曲も魅力的なものがまだまだたくさんありますので、今後もトム・ウェイツのレヴュー記事をちゃんとサボらずに書いていきたいと思っています。[収録アルバム]Tom Waits / Rain Dog(1985年)←オリジナル・ヴァージョン収録。Tom Waits / Big Time(1988年)←ライヴ・ヴァージョン収録。Tori Amos / Strange Little Girls(2001年)←トーリ・エイモスによるカバー。[記事リンク(トム・ウェイツの名バラード選)]その1:「グレープフルーツ・ムーン」その2:「ジャージー・ガール」その3:「フー・アー・ユー」その4:「ホールド・オン」その5:「オール・ザ・ワールド・イズ・グリーン」その6:「イフ・アイ・ハフ・トゥ・ゴー」その7:「タイム」(本記事) 【送料無料】レイン・ドッグ/トム・ウェイツ[SHM-CD]【返品種別A】 [CD]TOM WAITS トム・ウェイツ/BIG TIME【輸入盤】 【メール便送料無料】トーリ・エイモスTori Amos / Strange Little Girls (輸入盤CD) (トーリ・エイモス) 下記のランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、バナーを“ぽちっと”応援いただけると嬉しいです! ↓ ↓
2016年02月04日
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過渡期の1枚 1970~74年に当たる時期は、フリートウッド・マック(Fleetwood Mac)にとって危機と変化の時代だった。1968~69年にかけて、ピーター・グリーン時代を擁するブルース・ロックど真ん中とも言えるバンドが、1975年以降のポップ・ロック的なバンドへと変容する過程での模索を代表する1枚が本盤『神秘の扉(Mystery to Me)』だと言える。 メンバーの変化を少し整理しておこう。ピーター・グリーン離脱後、音楽面をリードしたジェレミー・スペンサーも間もなくバンドを離脱。ボブ・ウェルチらが加入し、ダニー・カーワンが音楽面で引っ張っていく時期を経た。しかし、カーワンもまた『枯れ木』を最後にバンドを去ることになった。そのカーワンの代わりに加入したのがボブ・ウェストンだった。他方、ボブ・ウェルチは1974年にバンドを脱退することになる。簡単にまとめると、本盤『神秘の扉』は、カーワン脱退・ウェストン加入後で、ウェルチも在籍中の時期の作品ということになる。 上で述べたように、フリートウッド・マックはブルース・ロックから次第にポップな方向に進んだと言われ、総論的にはそうなのだけれど、その過渡期にはジャズ・ロック的でポップというよりはややシリアスで職人的な方向性も見せた。この『神秘の扉』はそうした方向性が含まれた1枚である。 そのようなわけで、クリスティン・マクヴィーの2.「ビリーヴ・ミー」や3.「ジャスト・クレイジー・ラヴ」、あるいは10.「感じるままに」のように近未来のポップな方向性を予感させるナンバーもあれば、それとはまったく異なる雰囲気を醸し出すいくつかの曲の演奏も見られる。個人的に注目と思う曲をいくつか挙げてみたい。ラジオでよくオンエアされたという4.「ヒプナタイズド」のまったり感は捨てがたく、これが本盤の色と言えるわけではないのだけれど、筆者の中では『神秘の扉』といえばこの曲という方程式のようなものが出来あがってしまっている。同じくまったりした雰囲気なのが、クリスティン・マクヴィーの12.「ホワイ」。これもまた中毒性のあるナンバーだと思う。他方、ロック・バンドとしての面目躍如は7.「ザ・シティ」が抜きんでている。他のウェルチの曲(例えば9.「サムバディ」)も捨てがたい。あと、注目したいのは、11.「フォー・ユア・ラヴ」。ヤードバーズで知られるかの有名なナンバーをカバーしている。 余談ながら、本作発表後のツアー中、ボブ・ウェストンにはミック・フリートウッドの妻との不倫騒動が発覚した。ウェストンはバンドをクビになり、残るツアーはキャンセルしたが、次は“偽フリートウッド・マック騒動”(ツアー中止を恐れて偽のバンドをフリートウッド・マックとしてステージに出させた)が勃発する。作品の内容がよかっただけに、何とも後味の悪い展開となった。[収録アルバム]1. Emerald Eyes2. Believe Me3. Just Crazy Love4. Hypnotized5. Forever6. Keep On Going7. The City8. Miles Away9. Somebody10. The Way I Feel11. For Your Love12. Why1973年リリース。 【輸入盤】FLEETWOOD MAC フリートウッド・マック/MYSTERY TO ME(CD) 以下のブログランキングに参加しています。お時間の許す方は、 “ぽち”応援よろしくお願いします。 ↓ ↓ ↓
2018年03月24日
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疾走感抜群の秀逸ヴォーカルが存分に発揮された代表曲 サミー・ヘイガー(Sammy Hagar)、本名サミュエル・ロイ・ヘイガー(Samuel Roy Hagar)は、米国のロック・ミュージシャン。1947年カリフォルニア生まれとされる(生年については1949年説もあるらしい)。デビューは、1970年代前半、モントローズというバンドのヴォーカリストとしてであった。その後、1976年からはソロでの活動を開始し、10枚ほどのアルバムを発表した。1985年、ヴォーカリストのデヴィッド・リー・ロスが脱退した後のヴァン・ヘイレンに加入し、96年までヴァン・ヘイレンのヴォーカリストとして活動した(なお、ヴァン・ヘイレンへは後に一時期復帰を果たしている)。ヴァン・ヘイレンを抜けた後は、ふたたびソロに戻って活動を続けたが、1999年からはサミー・ヘイガー・アンド・ザ・ワボリタスという名義でアルバム制作をしている。 日本ではヴァン・ヘイレンのヴォーカルとしてのヘイガーは比較的知られているが、ソロの活動については、残念ながらあまり評価されていない。そこで、これぞヘイガー、という1曲をまずは取り上げておきたい。典型的なナンバーを1曲ということになると、筆者としては、断然、この「ワン・ウェイ・トゥ・ロック(原題:There’s Only One Way To Rock)」を挙げておくのがいいと思う。ソロとしてのヒット曲(1981年発表)であると同時に、ヴァン・ヘイレン在籍時にもレパートリーにしていた曲で、ヴァン・ヘイレンのライブ盤にも収録されている。 サミー・ヘイガーという人は、ストレートなアメリカン・ロック/ハードロックを歌わせたらピカ一である。声がカッコいいハードロック系ヴォーカリスト・ランキングを作るならば、間違いなく上位に入るだろう。ちなみに、筆者がそのようなランキングを選ぶなら、ジョー・リン・ターナーとの1位争いで大いに悩むかもしれない。ともあれ、ヘイガーは、速いリズムのナンバーからよりスローな楽曲までしっかりと聴かせることができ、とりわけ高音部は伸びのある魅力的ロック・ヴォーカルを披露する。 加えて、この曲のテーマが何ともシンプルで直球である。原題(There’s Only One Way To Rock)を直訳すれば、「ロックする方法は一つしかない」(もしくは「ロックへの道は一つしかない」)である。曲全体に疾走感があり、ギターのリフがかっこいい。実際に歌われている歌詞の内容も、“人を愛する方法はたくさんあるけれど、ロックする方法は一つだけ”という、恥ずかしくなってしまいそうなぐらいのわかりやすさなのである。 実際には、ロックする方法はきっとたくさんある。黎明期のロックンロールのやり方と、90年代のグランジは、聴き手からすれば、その差は実に大きいに違いない。もっと具体的にアーティスト名で例を挙げれば、70年頃のキンクスのマニア的コンセプト・アルバムと、80年代半ばのB・スプリングスティーンの「USAで生まれた(ボーン・イン・ザ・USA)!」という雄叫びとは、同じように“ロック”と称される音楽にしては、かなり別物である。それゆえ、リスナーや評論家たちはバンドやアーティスト(もしくはその作品)をいろいろとジャンル分けし、細分化された名称を与えていく。しかし、サミー・ヘイガーのこの曲を前にすると、そんな細かな話は全部吹き飛ばされて、評論家の言うことなど実はどうでもいいのかもと妙に納得させられてしまう。「ワン・ウェイ・トゥ・ロック」は、それだけの勢いをもった曲であり、ギターであり、何よりも魅力あふれるヴォーカルの疾走感がそう思わせてくれる。[収録アルバム]Sammy Hagar / Standing Hampton (1981年)Sammy Hagar / Unboxed (1994年、ベスト盤) Sammy Hagar サミーヘイガー / Standing Hampton 輸入盤 【CD】↓ 下記ランキング(3サイト)に参加しています。 ↓↓ お時間の許す方、お気に召していただいた方は、“ぽちっと”クリックで応援をお願いします! ↓
2010年03月06日
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時代を越えて交錯する米国音楽の二つの伝統 ジャズ界で“ジャズに収まりきれなかった巨匠”は少なくとも二人いる。一人はマイルス・デイヴィスで、その演奏形態をエレクトリックに向けていくことで、伝統的なジャズという範疇には全く収まりきれなくなっていった。対照的に、ジャズの枠組の中に身を置きながら、その楽曲がジャズの範疇を越えて解釈されていったもう一人の巨匠がいる。それがデューク・エリントンである。両者とも、ジャズという範疇からはみ出していったことには違いないのだが、マイルス・デイヴィスは演奏者として、デューク・エリントンは作曲者として、そのはみ出し方に違いがある。 本盤は、そんな二人のうちのデューク・エリントンに関わる1枚である。エリントンの楽曲をドクター・ジョンがカヴァーしたのが本作『デューク・エレガント ―ドクター・ジョン、エリントンを歌う―(Duke Elegant)』で、1999年にリリースされた。ドクター・ジョンはニューオーリンズ出身のアーティストで、R&Bをベースとしつつブルース、ジャズ、ロック、ファンクなど多彩な要素を取り込んでのパフォーマンスを見せる。出自はR&Bで、ジャズという訳ではないドクター・ジョンが、ジャズというジャンルの名作群をどうカヴァーするかが気になるところだが、実際の仕上がりは、そのような期待をいい意味で裏切る出来でとなった。 早い話、アルバムを実際に聴いてみれば、“エリントン節”ではなく、見事なまでに“ドクター・ジョン節”なのである。その理由は、冒頭で述べたように、エリントンの楽曲が“ジャズ”を超越していたからに他ならない。実際、エリントン自身も彼が作った曲はジャズではなく“アメリカ・ミュージック”だと発言していた。つまり、マイルスほど豪快であからさまな形は取らなかったものの、エリントンは自身のつくりだす音楽が“ジャズからはみ出している”ことを十分すぎるほど認識していた。 ちなみに邦盤の副題には『ドクター・ジョン、エリントンを歌う』とあるが、これは大きな誤解を生じかねない。アルバムを聴けばすぐに分かるが、13曲中4曲もがインスト・ナンバーである。つまり、ヴォーカリストであると同時にピアノ奏者(さらにかつてはギター志望)のドクター・ジョンは、単に“歌もの”としてではなく、トータルな楽曲群としてエリントン・ナンバーを捉え、形にしたということだろう。本人いわく“1度しか会ったことがない”エリントンは、ドクター・ジョンにとって決して近い存在ではなかったように思われる。けれども、ニューオーリンズから発したジャズという音楽は、エリントンを介してアメリカの大衆音楽となった。一方で、ドクター・ジョンは、これまた同じニューオーリンズで、しかし主としてR&Bのシーンから出てきた。少し大げさな言い方をすれば、ドクター・ジョンの本アルバムによって、R&Bとジャズは邂逅した。その結果が本作『デューク・エレガント』であり、純粋にジャズで育ったアーティストではないからこそ、これだけ自由な発想のカヴァーに行き着いたのだろう。 結果として出来上がった音楽は、ジャズというには程遠い。けれども、この音は“アメリカ大衆芸能”の集大成とも言える側面を一方に持ち合わせている。この解釈はうわべだけのカバーでは絶対にできない。ドクター・ジョンという底知れぬ深さを持ったミュージシャンだからこそ可能になったのだろうと思う。[収録曲]1. On The Wrong Side Of The Railroad Tracks2. I’m Gonna Go Fishin’3. It Don’t Mean A Thing (If It Ain’t Got That Swing)4. Perdido5. Don’t Get Around Much Anymore6. Solitude7. Satin Doll8. Mood Indigo9. Do Nothin’ Till You Hear From Me10. I’m Beginning To See The Light -日本盤のみ追加曲-11. Things Ain’t What They Used To Be12. Caravan13. Flaming Sword1999年リリース。 【楽天ブックスならいつでも送料無料】【輸入盤】Anutha Zone / Duke Elegant [ Dr. John ] 下記ランキング(3サイト)に参加しています。 お時間のある方、応援くださる方は、“ぽちっと”よろしくお願いいたします! ↓ ↓ ↓
2010年11月16日
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デビュー盤での、既に完成された貫禄 1969年にデビューし、サザン・ロック、スワンプ・ロックの元祖とされるオールマン・ブラザーズ・バンド(The Allman Brothers Band)。セルフ・タイトルのデビュー作がこの『オールマン・ブラザーズ・バンド(The Allman Brothers Band)』である。オリジナル・メンバーは、デュアン(または原音に即してデュエイン)・オールマン(ギター)、グレッグ・オールマン(キーボード・ヴォーカル)、ディッキー・ベッツ(ギター・ヴォーカル)、ベリー・オークレー(ベース)、ブッチ・トラックス(ドラム)、ジェイ・ジョニー・ジョンソン(ドラム)。 中心メンバーのデュアン・オールマンは、セッション・ミュージシャンとしても数々の名演を残しており、スライド・ギターの即興的演奏で知られる。デレク・アンド・ザ・ドミノス『いとしのレイラ』への参加の他、別記事で取り上げたボズ・スキャッグスのアルバム(『ボズ・スキャッグス(邦題:ボス・スキャッグス&デュアン・オールマン)』)でも名演奏を披露している。1971年、バイク事故により24歳で死去し、半ば伝説的プレイヤーとして語り継がれている。 このアルバムは、何度聴いても“貫録”があるという印象が強い。デビュー作なら、普通はもっと若々しく(それゆえ未完成や未熟、あるいは荒削りな部分などが見られ)てもいいのかもしれない。けれども、オールマン・ブラザーズ・バンドは、見事に“出来上がって”しまっているのである。しかもそれは既存の枠にはまったありきたりな音楽ではなくて、ツイン・ギターにツイン・ドラムという特異な編成で、ブルースをベースとしながらも、後々“サザン・ロック”と呼ばれて定着していく米国南部の泥臭いロック・スタイルである。 少し広い文脈からこのスタイルの完成度を考えてみると、次のようなことになるのかもしれない。時代は、当初の試行錯誤の中でもがきながら産声を上げたブルース・ロックが消化され、既存のロックンロールが一皮むけて新たな形式をとり、いわゆるサマー・オブ・ラブを経て若者音楽の変革が訪れ、綜合的には現代へとつながるアメリカン・ロック・ミュージックの基礎が出来上がっていく…。そんな時代だった。この前後のミュージシャンたちは、某かの既存のスタイルに乗っかることは難しく、自ら“どんな音楽を演りたいのか”を否が応でも考えさせられた(あるいは、考えられなかった人たちはシーンから消えていった)。その意識が強かったからこそ、こういう完成されたスタイルが最初のアルバムから提示され、結果、私たちはそこに貫録すら見てとることができるのかもしれない。“時代が熱かった”という一言で片づけるのは安直と言われるかもしれないが、オールマン・ブラザーズがその熱い時代の寵児であったのも確かということだろうか。[収録曲]1. Don't Want You No More2. It's Not My Cross to Bear3. Black Hearted Woman4. Trouble No More5. Every Hungry Woman6. Dreams7. Whipping Post1969年リリース。 下記3つのランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、ひとつでも“ぽちっと”応援いただけると嬉しいです! ↓ ↓ ↓
2011年09月01日
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軽快なリズムの80年代ヒット曲 英国の音楽誌ニュー・ミュージカル・プレス(一般にNMEの略称で知られる有名音楽誌)の記者をしていたクリッシー・ハインド(Chrissie Hynde)によって結成されたバンドがプリテンダーズ(The Pretenders)である。つまりは、音楽ライターからバンドリーダーへの転身というわけだが、当の本人であるクリッシーにしてみれば、記者としてアーティストたちやその作品を目にする中で“これなら自分にもできる”という自信を抱いての転身だったのだろう。 時代を振り返れば、その当時、ロックは迷走していた。ロンドンではパンク・ロックのムーヴメント(1977年のいわゆる“ロンドン・パンク”)が起こり、しかもそれは短期間で終息する。そんな中からポスト・パンク、ニュー・ウェーヴといった新たな流れが生まれてくるわけだが、これら一連の流れは、いわば“既存ロックの否定”という側面を持っていた。プリテンダーズは、いわば混迷の時代の寵児の一人とも言っていいのかもしれない。 クリッシー率いるプリテンダーズは、1979年にデビュー・シングル、1980年に初アルバムをリリースした。デビュー・シングル「ストップ・ユア・ソビン」はキンクスのカバーで、この曲に代表されるように、心地よいストレートなロックをプリテンダーズは展開していった。MTV時代が到来し、80年代特有の華やかなサウンドが世間を席捲しても、プリテンダーズのスタンスは変わらず、基本的にシンプル&ストレートな良質なロックを提供し続けた。 そんな彼らの代表的ヒット曲の一つがこの「ドント・ゲット・ミー・ロング(Don’t Get Me Wrong)」である。1986年に発表されたアルバム『ゲット・クローズ』収録のシングル曲で、翌年リリースのベスト盤(『ザ・グレイト・プリテンダーズ(原題:The Singles)』)にも収録された。米ビルボードのシングル・チャートで10位、同様に英国でも10位のシングル・ヒットとなった。感情をストレートに出せない女性の心境を描写した内容の歌だが、サウンド面では、リラックスして肩の力を抜きながらも、心地よくストレートにロックしている。ビデオクリップがいかにも80年代なのはご愛嬌として、日本では自動車のCMやら朝の情報番組のテーマ曲に採用されたのも、テンポの良さを考えればそれも頷ける。 以下、興味のある方は、下手なドラマ仕立てが微笑ましい(それも80年代的というべきか?)、公式のPV映像をどうぞ。 [収録アルバム]The Pretenders / Get Close (1986年)The Pretenders / The Singles (1987年)←ベスト盤 【Aポイント+メール便送料無料】プリテンダーズ Pretenders / Get Close (w/Bonus Tracks) (輸入盤CD) 下記3つのランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、ひとつでも“ぽちっと”応援いただけると嬉しいです! ↓ ↓ ↓
2011年04月26日
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気まぐれ80s~5thシーズン(その4) 秋めいてきて気温が下がってきました。すっかりバラードな気分なのか、しっとりな曲ばかり聴いているこの頃です。そんなわけで、今回も80年代アーティストによるべったりなバラード曲です。コリー・ハート(Corey Hart)による「好きにならずにいられない(Can't Help Falling In Love)」です。1986年に出身国のカナダで1位(全米では52位)を記録しました。 この曲は1961年にエルヴィス・プレスリーが歌いヒット(全米2位)させた名曲です。ただし、その源流は古く18世紀にさかのぼり、その当時にフランスで作曲された「愛の歓び(Plaisir d'Amour)」が元になっているとのこと。ともあれ、折角ですので、プレスリーのもとのヴァージョンもご覧ください。 さて、話は元に戻って、コリー・ハートによるカバーですが、四半世紀(25年)の時を経てのリリースでした。プレスリーとは違った若きロックシンガーがさらりと歌ったというような雰囲気で、なかなかよかったのではないかと思います。 余談ながら、その後、90年代前半には、この同じ曲がUB 40のカバーによって7週連続全米1位という大ヒットがありました。個人的にはコリー・ハートのものの方が気に入っていますが、久々に懐かしいと感じる方もいらっしゃるのではないでしょうか。 [収録アルバム]Corey Hart / Fields of Fire(1986年)↓ベスト盤です。↓ 【当店専用ポイント(楽天ポイントの3倍)+メール便送料無料】コーリー・ハートCorey Hart / Best Of (輸入盤CD) (コーリー・ハート)↓元の収録アルバムはこちら↓ 【中古】 フィールズ・オブ・ファイア /コリー・ハート 【中古】afb下記のブログランキングに参加しています。応援くださる方は、バナーをクリックお願いします! ↓ ↓
2014年10月22日
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ルーツ探求のメキシカン・アルバム 1960年代末にデビューし、1970年代~80年代前半にかけて大きな人気を得たリンダ・ロンシュタット(Linda Ronstadt)。出身は米国アリゾナ州だけれど、曽祖父がドイツからの移民で、しかもこの曽祖父はメキシコ人と結婚したのだという。そんなこともあって、“ロンシュタット”というドイツ風に響く苗字の一方で、彼女はメキシカンな血も引いているというわけである。 そんなリンダ・ロンシュタットが1980年代後半になって制作したのが、『ソングズ・オブ・マイ・ファーザー~カンシオネス・デ・ミ・パドレ(Canciones de mi padre)』というアルバムだった。表題(英語・スペイン語とも)にあるように、“我が父の歌たち”という、ルーツの一つであるメキシコ音楽に絞ってその楽曲を取り上げたものである。 どんなメキシコ音楽家というと、マリアッチの定番曲集とでも言えそうな風情である。演奏もメキシコ風、コーラスや掛け声もメキシコ風、そしてリンダ自身のヴォーカルで時々見られる“こぶしの効いた”歌い回しもメキシコ風である。そういえば、リンダ自身の言ではいちばん影響を受けた歌手はメキシコの女性歌手ローラ・ベルトラン(Lola Beltrán)だったとか。 正直、リンダのスペイン語は特別うまいわけではない(と言って下手なわけでもない)。けれども、持ち前の歌唱力を存分に生かし、そして何よりも自らのルーツ探求ということで、“外国語”で真摯に取り組んでいる姿勢が好印象を与える。特におすすめの曲は、1.「ポル・ウン・アモール(Por un amor)」、3.「アイ・ウノス・オホス(Hay unos ojos)」、6.「イ・アンダレ(Y ándale)」、8.「ラ・チャレアーダ(La charreada)」、13.「エル・ソル・ケ・トゥ・エレス(El sol que tú eres)」といったところ。[収録曲](併記されているほぼ直訳の英訳を( )内に記しました)1. Por un amor (For a Love)2. Los laureles (The Laurels)3. Hay unos ojos (There Are Some Eyes)4. La cigarra (The Cicada)5. Tú sólo tú (You, Only You)6. Y ándale (Get on with It)7. Rogaciano el huapanguero (Rogatian The Huapanguero)8. La charreada (The Charreada)9. Dos arbolitos (Two Little Trees)10. Corrido de Cananea (Ballad of Cananea)11. La barca de Guaymas (The Boat from Guaymas)12. La calandria (The Lark)13. El sol que tú eres (Sun That You Are)1987年リリース。 【メール便送料無料】Linda Ronstadt / Canciones De Mi Padre (リマスター盤) (輸入盤CD)【K2016/4/29発売】(リンダ・ロンシュタット) 次のブログのランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、“ぽちっと”クリックで応援をよろしくお願いします! ↓ ↓
2017年06月04日
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TOTOのシングル曲追想 ~その4~ この「アイル・ビー・オーヴァー・ユー(I’ll Be Over You)」は、1986年発表のTOTOのアルバム『ファーレンハイト(Fahrenheit)』に収められた曲。同年にシングルカットされた。特大ヒットというわけではなかったものの、全米チャートでは 11位(アダルト・コンテンポラリーのチャートでは1位獲得)という結果を残した。同アルバムの前作にあたる『アイソレーション』では途中でボーカリストが交代するという変化がバンドにはあった。新ボーカリストはファーギー(本名:デニス・ハーディ)・フレデリクセンに代わるが、この人物の在籍もこの1作だけに終わり、結局、バンドはジョセフ・ウィリアムスという、さらに新たなボーカリストを迎え入れて上記『ファーレンハイト』の制作に臨むこととなっていた。 ところが、この曲のリード・ボーカルはスティーヴ・ルカサーなのである。バンドとしては、ちょうど上述のボーカリスト交代(ボビー・キムボールからファーギー・フレデリクセンを経てジョセフ・ウィリアムスへのメンバー変更)の後だったにもかかわらず、ボーカルはギタリストのルカサーという、シングルにして売り出す曲としては、ふつうに考えたらよくわからない人選である。 けれども、こういうところで、平気でボーカルが入れ替わるのは、前項でも述べたとおり、TOTOの貴重な特色であった。ビートルズみたいに稀有な例はあるものの、以降の一般的なバンドでこのようなことを違和感なく行えたバンドは決して数多くない。つまり、新たなボーカリストを迎えて心機一転となれば、ふつうはこういうことはしないのだが、TOTOはボーカリストが従来の他のメンバーの間でも簡単に入れ替われた。 この「アイル・ビー・オーヴァー・ユー」は、スティーヴ・ルカサーが外部ライターのランディ・グッドラム(同時期のバラード系では、シカゴの「フェイスフルIf She Would Have Been Faithful」の作者としても知られる)と共作。ルカサーの言によると、どうやら“2~3分で”あっという間に書き上げたらしい。だからといって、即興のお手軽バラードかというと、まったくそんな感じがしない。それどころか、「アフリカ」で成功した、ある種淡々としたトーン、そして、「ロザーナ」で見られた、ギターを絡めた曲展開の妙がここでも発揮されている。少しきれいでコンパクトにまとまり過ぎている気もしないではないが、ここまでの3回の記事で取り上げた各曲(「99」、「ロザーナ」、「アフリカ」)に比することのできるTOTOのバラード代表曲の一つと言っていいように思う。 先に書いたように、TOTOはバンドとしては2008年にその活動を終えた。しかし、その後、メンバーの病気(マイク・ポーカロの筋萎縮性側索硬化症)の救済のために、昨年(2010年7月)にヨーロッパで限定復活しており、今年(2011年5月の予定だったが、震災の影響で9月に延期)は同様の企画が日本でも予定されている。[収録アルバム]TOTO / Fahrenheit (1986年)その他、ベスト盤類(例えば下記)にも収録。TOTO / Past To Present 1977-1990 (1990年)TOTO / Best Ballads (1995年)[関連記事リンク] TOTOのシングル曲追想(その1)「99」 TOTOのシングル曲追想(その2)「ロザーナ」 TOTOのシングル曲追想(その3)「アフリカ」 【送料無料】ファーレンハイト/TOTO[Blu-specCD2]【返品種別A】 下記3つのランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、ひとつでも“ぽちっと”応援いただけると嬉しいです! ↓ ↓ ↓
2011年06月18日
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400万アクセス記念~いま聴きたいあの曲(その3) さて、第3回はいきなり時代をさかのぼって1970年発表のCSN&Y(クロスビー、スティルス、ナッシュ&ヤング)の『デジャ・ヴ』所収の私的お気に入りの名曲です。アルバム冒頭を飾る「キャリー・オン(Carry On)」というナンバーです。 デヴィッド・クロスビー、スティーヴン・スティルス、グラハム・ナッシュから成るスーパー・グループは、1969年にこの3人の名義のアルバムをリリースし、翌1970年にニール・ヤングを加えて上記のアルバムを出しています。4人の名義とはいえ、すべての曲に全員が参加しているわけではないので、今回のこのナンバーは、実質的にはCS&N(クロスビー、スティルス&ナッシュ)の3人での曲(作詞・作曲はスティーヴン・スティルス)ということになります。 続いて、こちらも映像は動きませんが、ライヴ演奏をお聴きください。1971年リリースの2枚組ライヴ盤『4ウェイ・ストリート』に収められたものです。 元のアルバムの演奏と違って尺が長く(13分超)、かつロック感の強いライヴ・ヴァージョンとなっています。筆者個人としては、美しいハーモニーと一抹の寂しさを感じさせるオリジナル・ヴァージョンの方が圧倒的にお気に入りなのですが、皆さんはいかがでしょうか。[収録アルバム]CSN&Y / Déjà Vu(1970年)CSN&Y / 4 Way Street(1971年) デジャ・ヴ/クロスビー、スティルス、ナッシュ&ヤング[CD]【返品種別A】 4ウェイ・ストリート [ クロスビー、スティルス、ナッシュ&ヤング ] 以下のブログランキングに参加しています。お時間の許す方は、 クリックで応援よろしくお願いします。 ↓ ↓ ↓
2019年10月09日
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自己の世界に傾いた大人向けの音楽 スティング(Sting)は、ポリスの解散後、1985年からソロ活動を開始した。その中で彼はジャズ系ミュージシャンを起用してジャズの要素も取り込んだ新たな方向性を模索していった。1993年の『テン・サマナーズ・テイルズ』から3年をおいてリリースされたスタジオ第5作が、この『マーキュリー・フォーリング(Mercury Falling)』であった。 スティング自身の言葉では、“死、あるいは、物事の終わりは、別のドアを開けるようなもの”で、“終わりは始まりでもある”というのが本盤のテーマなのだという。何だか仰々しい話に聞こえるが、東洋人的には万物は“輪廻転生”するわけだし、時も“まわる、まわるよ、時代はまわる”という歌があるように循環する。逆に西洋人はそんなにも一直線の時間観念や人生イメージに縛られていたのか、と驚かされるぐらいである。余談ながら、この“終わりは始まりでもある”というのは、アルバム中の詞にも反映されていて、1曲目の歌い出しが“マーキュリー・フォーリング”で、最後の曲の最後の詞も“マーキュリー・フォーリング”である。 とはいえ、その当時のスティングが40歳代半ばという年齢を迎え、ある意味、若さゆえの力で進んできた頃と違って“いろいろなことを楽しめる”人生を送れるようになった、ただ怒るだけではなくて“人生の移り変わりが理解できるようになった”などと述べていたことを考えると、なるほどと言える。 個人的なお気に入り曲は、スティングらしさがよく出ている1.「ハウンズ・オブ・ウィンター」。さらには、4.「ブロート・トゥ・マイ・センシズ」からは、当時の思索に満ちたスティングの姿が目に浮かぶ。そして、10.「バルパライソ」(日本盤表記では「ヴァルパライゾ」)も、リスナーの想像力をかき立てる曲で、南半球の海をテーマにした情景美が思い浮かぶ。ついでにもう一つ印象的な曲を加えておくと、9.「悔いなき美女(La Belle Dame Sans Regrets)」は、フランス語で歌われている。スティングはスペイン語やポルトガル語を駆使すること(例えば1988年リリースの『ナーダ・コモ・エル・ソル』、関連過去記事はこちら)はよく知られるが、ここではフランス語の曲を披露している。共作ということなので、さすがに歌詞は共作者によるのだろうが、本当に器用というべきか語学の才能があるというべきなのか、こういうことがさらりとできるのには、思わず感心させられてしまう。[収録曲]1. The Hounds of Winter 2. I Hung My Head 3. Let Your Soul Be Your Pilot4. I Was Brought to My Senses5. You Still Touch Me6. I'm So Happy I Can't Stop Crying7. All Four Seasons8. Twenty Five to Midnight9. La Belle Dame Sans Regrets10. Valparaiso11. Lithium Sunset 1996年リリース。 【楽天ブックスならいつでも送料無料】マーキュリー・フォーリング [ スティング ]下記のブログランキングに参加しています。応援くださる方は、バナーをクリックお願いします! ↓ ↓
2016年04月28日
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HRバンド、ヨーロッパのヴォーカリストがソロとしてやりたかったこと 1980年代を席巻した北欧叙情HRバンド、ヨーロッパ(参考過去記事はこちら)。1979年にスウェーデンで結成され、北欧メタルの先駆者としての地位を確立し、『明日への翼』(1984年)や『ファイナル・カウントダウン』(1986年)などのヒットでアメリカナイズされたHRバンドとなっていった。度重なるツアーの疲れを理由に1992年に活動を停止するが、実質的にはこれがバンドの解散となった(ただし、後の2004年に再結成している)。 おそらくこの解散は、ツアーの疲れというのはそうなのだろうが、“アメリカン・ヒーロー”のような立場に立たされ、メンバーの音楽的立ち位置が分からなくなってきたこともあったのではないだろうか。ポップ化を迫られ、その道を勧めたものの、ジョン・ノーラム(バンドのギタリスト)は脱退し、北欧叙情路線に魅力を感じていたファンは離れていく。しかし、『ファイナル・カウントダウン』のポップな路線は“流行りもの”として多くのファンを獲得し、大型コンサート・ツアーは続けなくてはいけない…。こう言ってしまっては身も蓋もないが、ビッグになって身動きが取れず、内省的にならざるをえなくなる典型的パターンであった。さて、そのヴォーカリストであるジョーイ・テンペスト(Joey Tempest, 本名ロルフ・マグナス・ヨアキム・ラーション)は、解散後、地味で地道なソロ活動を展開することとなる。 1995年のソロ第1作『プレイス・トゥ・コール・ホーム』は、ヨーロッパの幻影を追い求めるファンの“期待を裏切る”に十分なものだった。北欧叙情の風情もなければ、ポップなハードロックの片鱗もない、シンプルかつポップでメロディアスなアメリカン・ロック調のアルバムとういものである。でも、実はこれがジョーイ・テンペストのやりたかったことなのであって、音楽シーンや80年代のファンに媚びることをせず、ひたすらこの独自路線を地道に続けていく。1997年にはソロ第2作の『アゼリア・プレイス』をリリースし、さらに5年後、第三弾として発表されたのがセルフ・タイトルの本作『ジョーイ・テンペスト(Joey Tempest)』であった。ちなみに、この間のファンの要求(というか“過去の幻影”への郷愁)とジョーイの目指す音楽の乖離は、本作の日本盤ライナーをはじめ、当時の各種レヴュー等に如実に表れている。 さて、ヴォーカルを聴かせることに比重を置いたシンプルなロック・アルバムである点では前2作と同じ路線を行っている。前2作に比べてやや違っているのは、バンド的なサウンドの力点が少し増している。本作だけサラっと聴いてもこの点はよくわからないかもしれないが、前2作と聴き比べれば、明らかにバンドの他のメンバーの音とジョーイのヴォーカルの絡みが増している。ジョーイ自身も、本作を仕上げた時点で「昔のようにまたロック・バンドでプレイする喜びを見出したかもしれない」と発言しており、2004年のヨーロッパ再結成への一つのステップにもなったのだろう。あと、本ブログで以前に紹介したソロ第1作との比較で言えば、楽曲はより内省的な方向性のものが目立つ。1.「フォーギヴン」からして、作り込まれたバンド・サウンドの中で歌われる内容は、車を運転しながら、道に迷い、抵抗もし、“我々は許される、恥じることはない”、“我々は許される、過去にプレイした邪悪なゲームもすべて”という意味深なもの。他の曲についても、バンドとのコラボ的にもソングライターとしての実力面でもバランスよく出来上がっている。1.以外に筆者の好みとしては、2.「ラヴド・バイ・ミー」、5.「スーパーヒューマン」、8.「マグニフィセント」、10.「エヴリ・ユニヴァース」、12.「ドント・チェンジ」といったところ。[収録曲]1. Forgiven2. Loved by Me3. Sometimes4. Losers5. Superhuman6. Always on the Run7. Outside Heaven8. Magnificent9. Dreamless10. Every Universe11. Falling Apart12. Don't Change~以下、日本盤のボーナス・トラック~13. Kill for a Girl Like You14. Kicking Around2002年リリース。 下記のランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、ひとつでも“ぽちっと”応援いただけると嬉しいです! ↓ ↓
2012年03月05日
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70年代ロックの名曲たち(Part 2):その6 しばし間が空いてしまいましたが“不定期更新”ということでお許しください。70年代ロック名曲シリーズの続きです。 70年代のニール・ヤング(Neil Young)のナンバーでこれぞというのは多すぎて、選ぶのに困ってしまうところですが、今回は、過去記事で挙げたものが消えていたので再掲の意味でこのナンバーにしておきたいと思います。 1977年発表のアルバム『アメリカン・スターズン・バーズ』に収録の「ライク・ア・ハリケーン(Like A Hurricane)」ですが、発表に先立って75年の段階で録音されていたものです。アルバム発表時にシングルカットされたものの、特にヒットせず。でも、個人的には、ニールの曲の中でかなり上位に来るお気に入りのナンバーです。 せっかくですので、今回は別の音源(ライヴ録音)のものもご覧ください。1993年のアンプラグドのライヴ(ずばりそのもののタイトルでアルバム化もされました)の映像です。この「ライク・ア・ハリケーン」は、ライヴで再三演奏されているものですが、上記過去記事でも触れたように、このヴァージョンは特に気に入っています。 さらに今回は、もっと最近のライヴ演奏の様子もご覧ください。2012年9月ですから、2年近く前、ファーム・エイドでのクレイジー・ホースとの演奏の映像ということになります。 ニール・ヤングの見事なところは、この浮遊感のある(お世辞にも力強いとは言えない)ヴォーカルの不変さではないかと思うことがあります。1945年生まれで来年には70歳。この映像の60歳代後半の段階で、見た目はともかく、これだけ同じ様でいられるのは凄いことなのかもしれません。[収録アルバム]Neil Young / American Stars 'n Bars (1977年)←元のアルバム・ヴァージョン収録。Neil Young / Unplugged (1993年)←上記2つめのビデオのアコースティック・ライヴ。 【RCP】【Joshinはネット通販部門1位(アフターサービスランキング)日経ビジネス誌2013年版】アメリカン・スターズン・バーズ/ニール・ヤング[CD]【返品種別A】 【当店専用ポイント(楽天ポイントの3倍)+メール便送料無料】ニール・ヤングNeil Young / Unplugged (輸入盤CD)(ニール・ヤング) 次のブログのランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、“ぽちっと”クリックで応援をよろしくお願いします! ↓ ↓
2014年07月16日
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メラニー名唱選(その4) さて、続いては、メラニー(Melanie)にとって最大のヒット曲を取り上げようと思います。1971年リリースの「心の扉を開けよう(Brand New Key)」というナンバーで、彼女にとって唯一の全米No.1を記録した曲です。 今回はもう一つ、ライヴでの演奏シーンもご覧ください。 メラニー名唱選と銘打ってここ数回お届けしてきましたが、これで一区切りとしたいと思います。ちなみに彼女はその後も活動を続け、現在は69歳です。2000年代前半以降、ペースは落ちているものの、最近も作品を発表していて、最新作は2015年のライヴ盤(スタジオ作は2010年が今のところ最新)のようです。このまま70歳を超えても、まだまだ元気で活動を続けてもらいたいものです。[収録アルバム]Melanie / Gather Me(1971年)↓以下、いずれもベスト盤です。↓ 【メール便送料無料】Melanie / Very Best Of (輸入盤CD)(メラニー) 【メール便送料無料】Melanie / Greatest Hits (輸入盤CD)(メラニー) 次のブログのランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、“ぽちっと”クリックで応援をよろしくお願いします! ↓ ↓
2016年08月08日
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偉大なる“指揮者”のラスト作 オリヴァー・ネルソン(Oliver Nelson)は、1932年にミズーリ州で生まれ、1975年に心臓発作で43歳の若さで亡くなっている。サックスやクラリネットを演奏したが、何よりも作編曲家としての才能を生かして活躍した。結果的に、上述の死によって最終作となってしまったのが、本盤『ストールン・モーメンツ(Stolen Moments)』である。 彼がリーダーとして吹き込みを始めたのは1959年のことだったが、1950年代のその経歴は興味深い。1952年に兵役で海兵隊に入り、日本や朝鮮で演奏したというから、ちょうど日本は戦後復興、朝鮮半島では朝鮮戦争の時期に来て、軍の音楽隊にいたということになる。日本で東京フィルハーモニー管弦楽団の演奏を聴く機会があり(本人曰く、故郷のセント・ルイスでは黒人がこうしたコンサートに行くことはできなかったので、これが初めてだった)、作曲家になろうと目覚めたという。帰国後は大学・大学院で音楽理論を学び、その後に一連のレコーディングが始まったというわけだ。 最後の吹込みとなった本盤『ストールン・モーメンツ(Stolen Moments)』も、自らのアルト・サックスの演奏に加え、アレンジャーもしくは全体の“指揮者”としての才能が余すところなく披露されている。ジェローム・リチャードソン(ソプラノ・サックスほか)やシェリー・マン(ドラム)を含む9人編成での演奏で、管楽器のアンサンブルを巧みにまとめていて、さながらオーケストラを率いているかのような迫力すら感じさせる。 注目の演奏としては、代表曲として名があげられることも多い1.「ストールン・モーメンツ」が冒頭に収められている。この演奏は『ブルースの真実(Blues And The Abstract Truth)』で披露されたものの再演だけれども、本盤の演奏ではテンポがやや軽快になり、音の面ではオーケストレーション的な比重を高めた演奏になっている。これ以外で個人的に注目したいのは、2.「セント・トーマス」と7.「ストレート・ノー・チェイサー」。前者はソニー・ロリンズ(参考過去記事)、後者はセロニアス・モンクの有名なナンバー。7.の方はモンク自身の盤でもアレンジの経験(過去記事)があるが、本盤ではさらに高速でかつあっという間(収録時間はたった39秒!)に終わるという、なかなか面白い収められ方をしている。[収録曲]1. Stolen Moments2. St. Thomas3. Three Seconds4. Mission Accomplished5. Midnight Blue6. Yearnin'7. Straight, No Chaser[パーソネル、録音]Oliver Nelson (as, arr, conductor)Bobby Bryant (tp, flh)Jerome Richardson (ss, piccolo, fl)Bobby Bryant Jr., Buddy Collette (ts, fl)Jack Nimitz (bs)Mike Wofford (elp, p)Chuck Domanico (elb)Shelly Manne (ds)1975年3月6日録音。 CD/ストールン・モーメンツ (完全生産限定盤)/オリヴァー・ネルソン/UCCJ-9144 下記のブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、バナーをクリックお願いします! ↓ ↓
2018年03月09日
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気まぐれ80s,サード・シーズン(その1)~デビュー盤所収の名ナンバー ここらあたりで三たび、“気まぐれ80s”シリーズを始めたいと思います。これまでと同様、普段の記事と混じりながらの不定期の更新になりますが、よろしくお付き合いください。 第三弾の初回は、これまで取り上げ損ねてきて、ずっと心残りになっていたこの曲から。ペット・ショップ・ボーイズ(Pet Shop Boys)のデビュー盤『ウェスト・エンド・ガールズ(原題:Please)』に収められた「サバ―ビア(Suburbia)」です。同アルバムの人気(全米3位)、最初のシングル「ウェスト・エンド・ガールズ」(全米1位)のヒットなどを受けて、この曲も全米8位まで上昇しました。まずはスタジオ・ヴァージョンをお聴きください。 ペット・ショップ・ボーイズは、周知のように、ヴォーカルのニール・テナントとキーボードのクリス・ロウからなるデュオですが、特にニール・テナントの独特の声は年月を経ても健在ですね。今年のライヴ(ベルリン)でのテイクをどうぞ。 前に別の項でも書いたことですが、ペット・ショップ・ボーイズは、単に踊れるとかポップだとかというだけではなく、とにかく歌メロのよさが際立っているように思います。この曲、実は個人的には彼らの有名ナンバーのなかで1、2を争うほど好きな曲だったりします。[収録アルバム]Pet Shop Boys / Please(ウエスト・エンド・ガールズ) (1986年) Pet Shop Boys ペットショップボーイズ / Please 輸入盤 【CD】 下記のランキングサイトに参加しています。 お時間の許す方は、ひとつでも“ぽちっと”応援いただけると嬉しいです! ↓ ↓
2013年09月30日
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