2006年04月の記事一覧 | Atelier Mashenka

「ロダンとカリエール展」

上野の国立西洋美術館へ「ロダンとカリエール展」を見に行った。昨年のプーシキン美術館展でとても興味を持ったので主にカリエールを見たいと思って行ったのだが、ロダンの作品や人生と、次々とらせん階段のように絡み合わせながら、2人の親交や共通性を感じさせる、ちょっと不思議な感じの展覧会だった。カリエール「母と子」、淡く彩度の低い緑、茶・・彼の基本をなす色だと思う。この作品もそうだけれど、カリエールには、茶褐色のうねるような筆致の中に、人物の肌が浮き出てきたり、人物どうしが親密に溶け合って一体化している描写が多く、特徴的。カリエール「アルマ広場でのロダン展ポスター」、2人の親交をダイレクトに示すわかりやすい例。デザイナーとしてのカリエールを垣間見ることができる。カリエール「胸像に向かう彫刻家」、背景に塗りこめられていて一瞬それとはわからないが、じっと見てると、横顔や手や胸像が浮かび上がってくる。暗闇に目がなれるのと似た感覚を覚える。カリエール「鋳造家」、珍しくコントラストのはっきりした作品なのはリトグラフだからだろうか？遠くからぱっと見たとき、なぜか楽器を連想した。実際は労働者が力をふるって、金属を溶かす作業をしている絵なのに。滑らかな曲線がコントラバスとかチェロのような楽器のフォルムを、また金属の溶けて流れるさまが、音の流れを感じさせたのかもしれない。ロダンのブロンズ作品「彫刻家とミューズ」、非常に物理的に重さを感じさせる表現だ。座っている男の上半身に、半身をくと折ってのしかかるミューズ。耳元で何かささやきかけるように、男の肩に頭をのせている。ミューズの長い髪は波打って男の頭に流れかかり、からめとりまるで頭脳を支配しているかのごとく、一体化している。男は手で口を押さえ、顔をゆがめ、左側へ上半身を傾斜している。まるで芸術家であることの運命の重みに耐えているように見える。ミューズは女神というより、むしろファム･ファタールのようだ。これは彼自身の姿の投影なのだろうか。かくも力強く、評価も高い作品を多く生み出した彼の、知られざる一面なのだろうか。それに比べ、ロダン「ウジェーヌ・カリエール記念像のための習作」では、同じ芸術家とミューズを題材にとっていても、その趣はずいぶん異なる。男にのしかかっていたミューズは身軽な天使となり、翼をもち、立っている男の肩にきゃしゃな膝をそっとつき、上方からはすに男を覗き込むようにして、高みへといざなっている。習作だからか、ブロンズではなく石膏の小さな像なのでその白さがより軽やかさを感じさせる。ここではミューズに魅入られたことは、重圧ではなく高みへ飛翔する契機なのだ。カリエール記念像にそうした姿を描いたというのは、ロダンはカリエールをそのような芸術家とみなしていたのかもしれない。それはまた、芸術家としての理想像であったのだろう。この2作品を並べて展示されているのが興味深い。当時の政治家や芸術家などの肖像を並べたコーナーも興味深かった。ロダンとカリエールが同じ人物をそれぞれ描き、彫った作品で見比べてみると、どれも写実的だけれど印象が異なっていた。カリエール「瞑想～カリエール夫人」、ぼやけた白黒写真のよう。夫人が頬に指をあて、物思いに沈んでいるというよりは、精神が上昇していく様子を感じる。カリエール「母の接吻」、プーシキンで見たバージョンの「母の接吻」ではうねるような筆致が多用され、ムンクを思い起こしたが、こちらのバージョンの少女は、やはりムンクの初期の傑作「病める子」の少女の横顔を彷彿とさせる。頬のこけた病的な少女の横顔が痛ましい。腕も細く、手の甲の骨が浮き立って翳りが濃い。母の抱きしめる腕に身をゆだね、額にキスを受けつつ、ほとんど忘我状態に見える。こうした一連の母と子の作品は、体を密接に寄せ合い、身体と意識、感情の流れが一体化し、かたまりとなっているところがやはりロダンの彫刻作品と通ずるものがあると実感した。カリエール「夢想のための習作」、夢みるような雰囲気の女性の肖像。習作なのに詩情と気品あふれる作品。全体がセピア色で、描き込まれていない部分もあるが、その"抜け"もいい。カリエール「道行く人々（一連の壁画装飾の断片）」、見上げるほど大きな作品。どういう状況かわからないけれど、祖母らしき老女が左手奥に、中央が母親らしき女、右手前に子供が立っている。彼女らは歩いていないので、恐らく通りを行き過ぎる人々を見ているのだろう。道行く人々は着飾ったブルジョアの一行か、兵士たちの群れなのか、或いはシュプレヒコールを挙げる民衆なのか。それとも彼女らよりももっともっと貧しい者たちの行列なのか。それはわからない。老女は身体をはすに構え、憤り、嘆き、嫌悪、諦念などの入り混じった表情。右腕をだらんと落としているが、中央の女の後ろで見えていない左腕は、腰にくっとあてているのではないかと思える。中央の女はマントですっぽり身体を包み、マントに包んだままの手で口元をおおっている。まゆをひそめ、静かな様子ではあるが、怒りのようなものを冷たく凍らせている。マントによって目の前の一行を避け、身を守っているといった風情。手前の中性的な子供は、賢しげで、どこか諦念の備わった、無邪気さのない、冷めた大人びた表情。胸をはり、手を前でそっと組み、凛とした様子。しっかり前を見つめ、現実を把握しようとしているように見える。年代の異なる三者三様の姿勢と表情の違い、語りかけてくるものの違いが興味深い。身を寄せ合って生きているであろうこの3人が、茶褐色の濃淡だけで、一体となりながらも心の志向の違いまで際立たせて描かれていて、目をひく。ロダン「回復」、大理石の中から頭をもたげた人物の像。静かに両手をそれぞれ真横から口元へあて、まだ少し不安げに寄せられた眉をしているけれどすっくりと力みのない表情をしている。肉体の回復か、魂の回復か。ふと石の中から顔と両手先だけが浮かび上がり、何か、今生まれ出たかのような鮮烈な印象を受ける。なぜか、海を感じる。本当に不思議なことだけど。「ロダンとカリエール展」は上野の国立西洋美術館にて2006年3月7日(火)～6月4日(日)まで。このあと、常設展を見たのでまたアップしたいと思います。

心がぼーっとする日にはこんな詩（散文？）はいかがでしょうか(^-^)

　　「夢想～白い室内にて」僕は白い箱のような室内にいる。白くて清潔で騒音も苦情も振動も、ない。心配事も、ない。あの人がやってきて毎日食べ物を置いてゆく。僕はそれを食べながらあまりの安心な守られた日々に感謝する。めまいがするほどだ。僕がすればいいのは室内の掃除だけだ。それももともときれいなので白いクロスできゅっきゅと乾拭きするだけだ。なんてらくちんなんだ。窓はなくてドアがひとつ。ドアの外は出たことないけれどやはり白い廊下が続いている。あの人が食べ物を置きに来るときだけ廊下を垣間見ることができる。排泄はしない。食べたものはすべて無駄なくここにいるためのエネルギーに換えられるそうだ。髪や爪ののびはどうしたわけか止まってしまった。それも楽だ。純粋にこうやって存在することのみに専念できるなんて、なんという幸福だろう！だがしかしある日のこと、僕はふと外に出ようと思った。ここが嫌いなわけじゃない。単純に、出かけて、また帰ってこようと思ったのだ。僕はあの人にそう告げた。するとあの人は言った。「出てはいけない」僕はそれに従った。しばらくしてからまた外に出てみようという気になった。僕はもう一度そのことを告げた。するとあの人は言った。「出ない方が絶対いい」僕はそれに従った。また少ししてから出てみたいと思ったのでそう告げた。するとあの人は言った。「出てもいいが出ない方がいい」僕はそれに従った。僕は外に出てどうしたいのか分からなかったが出てみたい欲求があったので後日さらに言ってみた。するとあの人は言った。「むろん出てもいいが今はその時期ではない」僕は時期というのを待ってみた。だいぶ経ってからもう一度外へ出たいと告げた。するとあの人は言った。「出るのは自由だがなぜ出るのか」僕は考え出した。考えても考えても根本的にはわからなかった。その欲求を言葉で説明しようとしても言葉にならなかった。もしも言葉にしても四方の白い壁が吸い取ってしまうような気がした。ある日、僕は考え尽くしてぼーっとして焦点の定まらない視線をあの人に向けたとき、あの人は言った。「そんなに出たいのなら、外へ出るがいい。すべて君の自由だ」僕の中は室内と同じように真っ白になった。ああ、僕は自由だ。僕はここにいよう。そしてまた室内にひとりになり、言葉のかけらもなくなった。足の力も萎え、座り込んでいた。それでもせめて窓が、窓があればいいのになあ・・僕は思った。その夜の夢はこの室内に四角い窓があってたっぷりとしたみずみずしい空の青があってその青へと飛び降りていく夢だった。内臓がひゅうっと縮まり引っ張られる感覚があって容赦ない風が頬を打ち過ぎていく感覚があって耳元で非情な気圧が聴覚をびゅんびゅん揺さぶってああ、生きてるなあ、自由だなあと手足から頭から胸から僕の自由の胞子をそこらじゅうにまきちらしながら青へ青へと落ちていく夢だった。

「生誕120年藤田嗣治展」東京国立近代美術館

三の丸尚蔵館「花鳥～愛でる心、彩る技」を見たあとは国立近代美術館の「藤田嗣治展」を見に行った。ずっと楽しみにしていたけれど、すごい混みように疲れた～。フジタというとパリで注目を浴びた、裸婦の肌の乳白色の表現、また私がいつも感嘆してしまう細く均一な輪郭線、それらに集約されていると思っていたが、今回実にさまざまな作品があり、意外さに満ちていた。初期の作品には、リアルな自画像や意外な風景画、モディリアーニを彷彿とさせる「二人の女」（実際モディリアーニとは親友だったらしい）など、まだ独創性が確立されておらず、手探りしている感じがした。次のコーナーに、パリへ渡って独自の世界を確立した裸婦像の一群とまた例の特異な風貌、おかっぱ頭にめがねにちょびひげの自画像。それらには必ずと言っていいほど猫が一緒に描かれていて、かわいい。フジタは非常に社交的だったけれど、それはパリで生き抜くためかもしれなくて実はとても猫的な自由さを愛した人だったのかもしれないな・・。細い均一な墨色のライン、彼にしか出せないといわれているあの乳白色、当時東洋人がパリで認められるには、壮絶な孤独な闘いがあっただろう、今では想像もつかないほど、かもしれない。南米旅行のあたりから色彩豊かに変貌していく。日本へ戻り、日本の素晴らしさに改めて開眼し、日本を紹介する映画までつくってしまったという。会場ではその映画をDVDの映像で流していた。最初のほうのパネルでもピカソなどを見て、衝撃を受け、それまでの画材を打ち捨てたというエピソードがあったが、フジタのこうした、出会うものに感激し、極端にのめりこむ姿は興味深くもあり、共感もする。帰国後の作品では、「Y夫人の肖像」カウチにもたれている夫人の横長の絵で、ドレスの質感が目をひく。ここでも数匹猫が描かれているが、よく見るとそれは背景のついたてか何かに描かれた猫なのだ。一瞬ちょっとだまされる（笑）十数匹の猫たちがじゃれあっている「猫」という作品、躍動する猫たちの動きの面白さ、それぞれの猫の毛の質感の描き方が素晴らしい。化け猫みたいにオーバーな表情も面白い。次のコーナーは一転して太平洋戦争を描いた戦争画4点が、四方の壁から迫ってきて圧倒される。フジタのまったく違った面を見せつけられる。中でも「サイパン島同胞臣節を全うす」にひきつけられた。バンザイクリフだろうか？追い詰められた日本兵と移住民たちの切羽詰った状況を描いている。まだ銃を持ち敵を威嚇する兵士、腹きりしようとする兵士、女たちは嘆き、あるいは赤ん坊に最後の乳をふくませ、慰めあったり祈ったりしている。すでに崖から飛び降りている者もいる。4点の大作はどれも赤茶っぽい褐色が基調となり、遠景や多くの死体などは判然としない描き方だったりして、墨色の線や、乳白色や鮮やかな色彩はここでは見られない。これらを描くのにはどんなエネルギー、そして彼なりの格闘があっただろう。再度パリへ渡り、そのまま帰化したフジタは、誰にも邪魔されずに描くことに没頭したかったという。「優美神」という3人の女神の絵は、珍しく明るい清色を使っていて、戦争画の強烈なパンチで重苦しくなった体には、牧歌的なほっとするような作品。ミレーやシャバンヌの（ちょっと違うかな？）神話的な絵を思い浮かべた。先日新橋美術倶楽部で見た「私の夢」も展示されていた。眠る裸婦とそのまわりを囲む、さまざまな扮装をした動物たち。この不思議な絵に「いったいフジタは本当に何考えてるんだろう？」と思っていたが、これは実際フジタが見た夢の情景だということを今回知った。今にも動物たちの爪が裸婦の肌を傷つけるんじゃないかと感触的な恐怖を感じるといったようなキャプションがあった。恐怖というよりは、ちぐはぐさ、不思議さ、動物たちの表情の面白さを感じるけれど。そして今回は同じモチーフで、後年の「夢」という作品も発見！これが素晴らしかった！眠っている女はよりしどけなく、ほとんど誘っているかのようだ。ここでは動物たちは、闇を背景に、ベッドの向こう側に身を寄せて頭だけのぞかせている。動物たちのひそひそ声が聞こえてきそうだ。女の投げ出された黒髪、心もち奥へ向けられた横顔、肌は得意の乳白色ではなく、香り立つような健康的な肌色、ちょっと神経質に感じられる細かな影の入った乳白色の肌よりこちらの肌のほうが、私は好きだなあ。体を形どるラインの見事さは健在で、むしろますます的確に女の体の輪郭を美しく描ききっているように感じられる。今回のちらしやチケットに取り上げられている「カフェにて」は、思ったよりずっと明るく美しく魅力的な絵だった。全体を覆う、黄色の雰囲気の美しさが印刷では出ていない。カフェのテーブルで頬杖をつく女、手紙を読んでいるのか、書こうとしているのか、インク壷と汚れた手紙がテーブルにあり、しばしこうして過ごしているのがわかる。ちょっとシニカルに左の唇をきゅっとひきしめていながらも、斜視ぎみの瞳が、女が放心状態にいることを示している。「ジャン・ロスタンの肖像」、うま過ぎる！と思ってしまった肖像画。自然科学者であるモデルの、眉間のしわ、固く結んだ唇、血管の浮いた手の甲、手にカエルをのせ、じっと難しい顔をして見つめている様子はユーモラスでもあり、自然のものすべてに好奇心と愛情と真摯さを持っているであろう人間性を感じさせる。子供を描いたコーナーがあり、最後に宗教画でしめくくり。こんなにたくさん宗教画を描いたことも、教会まで手がけたことも初めて知った。数多くの宗教画の中でも「マドンナ」、黒人のマドンナは意表をつかれた。親しみやすい表情のマドンナだった。まわりをぐるっと囲む天使たちも黒人の子供。子供のコーナーでは、少女や猫や天使、横顔など描いた染付けの皿がかわいく、センスがいいと思った。彼はこのように実用的なものもたくさん創ったという。今回は本当にフジタのいろいろな面を知る、貴重な機会だった。こんなに幅広い活動をしていたとは。乳白色だけでない、彼のあなどりがたい幅と深み、しかし深みのほうはまだまだ感じ取る余地があると感じた。それを体験するのはまたこれからの楽しみだ。「生誕120年藤田嗣治展」は竹橋・東京国立近代美術館にて2006年3月28日～5月21日まで。

若冲を堪能！三の丸尚蔵館「花鳥～愛でる心、彩る技」

一村雨さんのブログで知って、うらやましくてさっそく行ってみました、宮内庁三の丸尚蔵館「花鳥～愛でる心、彩る技」。副題にはさらに副題がついてて、＜若冲を中心に＞、そう、念願の“極彩色の若冲”を見る機会がやっと来ました～！今年はテーマの1つは「日本の画家の作品を見ること」で中でも若冲はその筆頭だったけど、上野の国立博物館とニューヨーク・バーク・コレクションで見たのはモノクロか、単色画に近いような淡い色彩の作品だったから若冲の強烈なカラー作品の本物を見るのは初めて。もうどきどき。天気も良く、まだ桜も残っていたり、山吹がお堀に鮮やかだったりして御苑内を人々はゆったりそぞろ歩いているのに尚蔵館へ向かう私は、若冲に会うために自然と急ぎ足に。尚蔵館内は予想よりもさらに小規模で、ほんとに小さな公民館ほどの広さ。けっこう人気で、若いカップル、今どきの男の子、年配のご婦人連、欧米人の旅行者たち、さまざまな人達が小さな空間で絵に見入っている。椿や桜を、品種別に丹念に描いた図録のようなものも興味深かったけれどやはりなんといっても若冲の花鳥画｢動植綵絵（どうしょくさいえ）｣が迫力あって、目が釘付けになる。驚きと感嘆と、不思議なざわざわ感が押し迫ってくる。30幅のうち、6幅ずつ5期に渡って展開されるという。大きな掛け軸で、小さな会場では見上げながらの鑑賞なのでより圧倒されるのかもしれない。「老松白鶏図」、鶏の羽の白のあでやかさにため息。白と言っても金泥のような色や、淡い褐色が施され、微細に羽毛が描かれている。パネルの説明では、これは「裏彩色」という技法が用いられているという。金泥などを表から塗ったのではなく、絹地の裏から黄土という黄褐色の顔料や、胡粉という白の顔料を塗り、絹の繊維の隙間から、裏面に塗った色が表にも透けて見える技法だという。ボリュームや透明感を出す効果があり、平安時代のころから仏画などに使われてきたらしい。そうした手法が、あんなにつややかで微妙な白、わずかに黄金がかっていたり、陰影がありながらもにごっていない白、を生み出しているのかあ・・改めて納得！ちなみに松の緑などには緑青（ろくしょう）が、幹などには代赭（たいしゃ）という赤褐色の顔料がやはり裏色彩として使われ、丁寧で凝った仕事ぶりがうかがえる。「南天雄鶏図」、黒い鶏が勇ましく両足をふんばり、たけだけしく鳴いている（もうほとんど吠えている）姿にもかかわらず、描き方は端整そのもの。ぴんと立ち、しなだれ落ちている尾羽の黒が、マットでなんとも上品なこと。体の羽毛は墨色の濃淡と豊かな筆づかいで描き分けられている。顔からとさかは赤く、白い斑点が緻密に描き込まれていて気色悪いほど(^^;)草間彌生（←ちょっと苦手・・）を思い出す。顔の赤は、背景のおびただしい南天の実の赤と呼応している。南天の実に劣らず、葉の細かい描き込みさえ、一見の価値あり！と感じてしまう。ところで、｢動植綵絵｣の一覧をざっと見ても、鶏が比較的多く画題として登場する。ずいぶん前に「美の巨人たち」で若冲が取り上げられたとき、鶏を見つめて1年、と言っていて驚いた。デッサンではなく、見つめることだけで1年を費やしたとは。それだけに鶏の描き方はとりわけ並々ならぬ凄みを感じられる気がする。「雪中錦鶏図」、雪に色鮮やかな錦鶏（キジ科の鳥らしいです）の図で、冬だというのに、緑はひのきの葉かな？花はぼたんのように見えるけど鳥も葉も花も色鮮やかに所狭しと描かれ、どこを見ていいかわからないほどにぎにぎしい雰囲気。次の「芦雁図」と共に、雪の描き方が非常に独特。「芦雁図」、今回の6幅の中では一番シンプルで空白のある構図。雪が芦につもり、したたり落ちる様子が、まるでクリームの溶けるが如く。こんな雪の表現は東西含めて、初めて見た！こうした造形（質感？）の面白さ（異様さ？）は本当に独特で、突出している。構図の面白さ。真下へ向かって雁が飛ぶ。下に氷の裂け目が描かれているから、えさの魚でも見つけたのかな？とも思ったが翼を広げて真下へ向かうことはありえないだろう。多分写実ではなく、こういう構図で鳥を描きたかったのだろう。昨年見た川端龍子の「南飛図」をちらと思い出したりした。構図の大胆さと裏腹に、首の茶色から胸元の白い羽毛へのグラデーション、白の羽毛の1本1本の描き方など、非常に繊細だ。溶けるクリームの雪とは別に、雪のしぶきを白であちらこちらに入れていて、とてもセンスがいい。その入れ方は走墨で入れるしぶきと非常に似ているので嬉しくなった。6幅すべて、絹地の色が渋い灰緑色で、無彩色的なトーンなので白や鮮やかな彩色が映え、格調高さをかもし出しているように感じられた。皇居東御苑内、宮内庁三の丸尚蔵館「花鳥～愛でる心、彩る技」は第1期は3月25日～4月23日まで。入場無料。9月10日まで、5期に分けて次々と展示替えするのでできれば｢動植綵絵｣全部見たいなあ！秋まで5回も贅沢な気分を味わえるなんて、今年はラッキーな1年だ★一村雨さん、貴重な情報をありがとうございます！このあと、桜や新緑を楽しみながらてくてく歩いて竹橋に戻り、東京国立近代美術館で「藤田嗣治展」を見ました。これはまた後ほど書きま～す。

光と時間のゆらめき「浅井忠展」

今日は日本橋高島屋で「浅井忠展」を見た。この間、新橋美術倶楽部「大いなる遺産美の伝統展」に浅井忠の「グレーの秋」という作品が展示されていて印象に残っていたけどそのときは彼のことはほとんど知らず、絵のタイトルも「秋をグレーととらえるかあ・・！すごい感性だ」と変なところに感心したりして。グレーが色のグレーgrayではなくて彼が好んで描いた、フランスの地名Grez-Sur-Loingとは後から知って、恥ずかしい(>_