[ジャズ] カテゴリの記事
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ハンク・モブレー 『ソウル・ステーション（Soul Station）』
心暖まるテナー演奏、"B級"呼ばわりはやめよう ハンク・モブレー（Hank Mobley）は、1930年、米国ジョージア州出身のテナー・サキソフォン奏者および作曲家。50年代後半から60年代にかけて数多くのリーダー・アルバムを主にブルーノート・レーベルに残しており、著名ミュージシャンのアルバムへの参加も数多い。70年代半ばからは体調を悪くして引退状態が続き、以降はほとんど吹き込みはなく、1986年に亡くなっている。 この人の可哀相なところは、"愛すべきB級テナー"などという、嬉しくもない称号を与えられている点である。"B級"という表現にこだわる人は、"B級というのは二流という意味ではない"とか、"B級というのはほめ言葉である"とか言い訳がましい説明をする。けれど、どう考えてもいいネーミングじゃない。きっと"革新的"で、"難解な"音楽こそがジャズという偏見の上に生まれてきたネーミングなのかとすら疑ってしまう。 ちなみに、レナード・フェザー（英国生まれのジャズ・ピアニスト）は彼のことを"テナー・サックスのミドル級王者"（アグレッシブでもなく甘くもないという意味でミドル級）と評している。もし"B級"という表現がここに由来するのなら、とんでもない解釈違いだし、"B級"などという格好悪い名称よりはせめてこの"ミドル級王者"の方がずっといいと思うのだけれど…。 さて、そんな彼の代表作の一つがブルーノート盤の本作『ソウル・ステーション（Soul Station）』である。何よりも、ワン・ホーン（管楽器は彼のテナーだけ）という編成なので、モブレーの演奏を落ち着いて聴くことができる。1曲目の「リメンバー」からして、実に"まったり"なムードである（ただし、"甘い"とか"甘美な"という感じではない）。この曲での演奏は、とりわけ、彼のテナーが聴き手の心を暖めるものであることをよく表わしていると思う。以降、2曲目からはモブレー自身の作が続く。いずれも、リラックスした雰囲気のワン・ホーンのテナーを堪能できる。どの曲も好きなのだが、敢えて1曲だけお勧めを挙げるとすれば、表題曲（5.「ソウル・ステーション」）であろうか。 本盤の特色が彼のテナーだけかというとそうではない。彼のテナーが際立つためには、きっとこのメンバーが必要だったのだろうというメンバーが揃っている。ピアノにウィントン・ケリー、ベースにポール・チェンバース、そして、ドラムはアート・ブレイキーが務めていて、いずれも名だたるジャズ・ミュージシャンたちだ。中でも、このアルバムではウィントン・ケリーの役割が大きいと思う。ピアノ・ソロだけではなく、全体を支える役としてのピアノ演奏が"心暖まるテナー"の魅力を存分に引き出しているように感じる。 ともあれ、聴きやすい1枚なので、初めての方にも推薦できるアルバムである。まずは、ハンク・モブレーの暖かいテナーをご堪能あれ。［収録曲］1. Remember2. This I Dig Of You3. Dig Dis4. Split Feelin's5. Soul Station6. If I Should Lose YouHank Mobley (ts)Wynton Kelly (p)Paul Chambers (b)Art Blakey (ds)録音： 1960年2月7日Blue Note 4031 【2500円以上お買い上げで送料無料】【CD】[UCCU-99103]ソウル・ステーション [ ハンク・モブレー ]
2009年11月22日
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キャノンボール・アダレイ（マイルス・デイヴィス） 「枯葉」
晩秋の「枯葉」 ～トランペッター編（その３）～ 第1回はチェット・ベイカー 、第2回はウィントン・マルサリスときたが、トランペッターに焦点をあてた「枯葉」の話なら、最後はやはり"あれ"を外すことはできないだろう。 ということで、マイルス・デイヴィスによる、かの名演奏である。名義上のリーダーはキャノンボール・アダレイだが、実質的にはマイルスがリーダーとされるブルーノート盤『サムシン・エルス』の1曲目に収録された、有名なあの「枯葉」のことである。 よく知られているように、当時、マイルスはコロムビアと専属契約にあり、ブルーノート・レーベルでリーダー盤を出すことは不可能だった。そうした中、キャノンボール・アダレイをリーダー名義にして吹き込まれたのが、『サムシン・エルス』であり、ブルーノート1500番台どころか、ブルーノートを（はたまたモダン・ジャズ界を）代表するアルバムの一つに数えられることになったのが、この盤である。 音の厚みを活かした荘厳なイントロの後、マイルスのミュート・トランペットが出てくる瞬間ときたら！ 何度聴いてもぞくぞくするもので、既にこの時点から言葉でうまく表現すらできなくなってしまうほどだ。 上記の箇所から幕を開けるマイルス最初のソロ・パートは、実はただ単に元のメロディを奏でているだけだ。つまりは、アドリブではなく原曲に忠実なメロディを吹いているだけに過ぎない。にもかかわらず、マイルスにしかできない演奏ということを聴き手は納得するしかないというのが不思議である。その理由は、この演奏が、哀愁に満ちた"歌"であるという点であろうと感じる。要するに、マイルスは"トランペットを吹いている"のではなく、"トランペットで歌っている"と表現する方がいいのだろう。 その後、ソロ演奏はキャノンボール・アダレイ（アルト・サックス）からマイルスへ、続いてハンク・ジョーンズ（ピアノ）から再びマイルスに戻って曲の終わりを迎えるのだが、いずれもマイルスに移った瞬間が聴き手側の興奮を最大に引き上げる場面である。決して、サックスやピアノのソロの出来が悪いわけではない。むしろその逆で、キャノンボール・アダレイもハンク・ジョーンズも曲調を十分に意識した"ここ一番"の見事なソロを演奏している。にもかかわらず、最後のいい所はマイルスが持っていってしまっているのである。結局のところ、他のメンバーが最高の演奏を繰り広げた中、マイルスがその"最高"を超える"超最高"の演奏を披露したということにつきるのかもしれない。哀愁に満ちたミュート・トランペットの音、微妙な抑揚をコントロールしてのニュアンスのつけ方、その結果として生まれてくるブルーな世界…。名演にならないわけがないという条件が見事に揃っている。 ちなみに、この完成版はTake 2だったそうで、最近になって、存在しないとされた（完全演奏ではないと考えらたままマスター・テープとして眠っていた）Take 1が"発見"された。こちらも聴いてみたいという方は、期間限定（いつまでなのか不明）で公開中とのことなので、こちらをご覧いただきたい。［収録アルバム］Cannonball Adderley / Somethin' Else （Blue Note 1595）Miles Davis (tp), Cannonball Adderley (as), Hank Jones (p), Sam Jones (b), Art Blakey (ds)1958年3月9日録音 （参考リンク）晩秋の「枯葉」～トランペッター編～： その１（チェット・ベイカー）へ その２（ウィントン・マルサリス）へ 他のマイルスの記事： 『クールの誕生』へ 『ラウンド・アバウト・ミッドナイト』へ 【楽天ブックスならいつでも送料無料】サムシン・エルス＋1 [ キャノンボール・アダレイ＆マイルス・デイヴィス ]
2009年11月20日
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ウィントン・マルサリス 「枯葉（Autumn Leaves）」
晩秋の「枯葉」 ～トランペッター編（その２）～ 前項のチェット・ベイカーに続き、今回は、現代の巨匠、ウィントン・マルサリスの「枯葉」である。念のため説明しておくと、ウィントン・マルサリスは、1961年、ニュー・オーリンズ出身のトランペット奏者で、ジャズのみならずクラシックも含め数多くのアルバムを世に送り出している。ピューリッツァー賞受賞のほか、グラミー賞ではジャズとクラシック同時受賞もしており、伝統的ジャズの現在における重要人物とされる。演奏活動以外にも、黒人の地位向上を働きかけるなど社会的にも大きな役割も担っている。 さて、今回のウィントン・マルサリスの「枯葉」は、1987年にコロンビアから出たアルバム『スタンダード・タイム Vol. 1』に収められている。アルバム名が示すとおり、同盤はジャズのスタンダード曲の演奏をアルバムにしたもので、収録された12曲のうちの1曲が「枯葉」というわけである。 ウィントンに対する評価は多様で、ジャズをつまらなくしたなどという批判も一方にはあるけれども、その演奏能力の高さは誰もが認めるところと言ってもいいのではないだろうか。この「枯葉」においても、そうしたウィントンの演奏の技術が忠実に反映されている。一言で述べてしまえば、"端正な"「枯葉」。テンポはあまり遅くとらず、流れるように奏でられる「枯葉」なのである。 だからといって、"味わいのない"もしくは"あっさり味の"「枯葉」かというと、まったくそうなってはいないところが不思議である。その理由はと言うと、やはりウィントンの演奏そのものにあると感じる。上に書いたように、基本的には流れるようなトランペットの旋律なのだが、そこかしこに"溜め"がある。その"溜め"がただテンポよく突っ走るだけの演奏に終わってしまわなかった最大の理由だろう。 加えて、途中にはウィントンのトランペットだけを目当てにしている人なら退屈してしまいそうなパートがある。それは、ピアノ・ソロから始まるソロ回しの部分である。ピアノのソロが割合に長く、演奏が進むとともに、ドラムがどんどん盛り上げていき、ピアノ演奏も激しさを増す。続いてベース・ソロではやや静かになり、この頃には曲が「枯葉」であったことなど思わず忘れそうになってしまう。ベースのソロにピアノが絡みながら、再びドラムが全体を盛り上げてゆき、トランペットも短いがソロ部分がある。そうなったところで、なかば唐突に「枯葉」のテーマに戻るのである。ある意味「枯葉」らしくない雰囲気で盛り上げていって、最後におなじみの「枯葉」を思い出させる瞬間。この部分こそが今回の「枯葉」の聴きどころだと個人的には感じる。 以上のように、トータルで見ると、演奏能力の高さ、"溜め"を作る感性、全体の構成力、この3点セットの勝利といったところだろうか。お見事。［収録アルバム］Wynton Marsalis / Marsalis Standard Time Vol. 1（スタンダード・タイム Vol. 1）Wynton Marsalis (tp), Marcus Roberts (p), Robert Leslie Hurst III (b), Jeff "Tain" Watts (ds)録音： 1986年（参考リンク） 晩秋の「枯葉」～トランペッター編～ その１（チェット・ベイカー）へ その３（マイルス･デイヴィス）へ
2009年11月19日
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チェット・ベイカー 「枯葉（Autumn Leaves）」
晩秋の「枯葉」 ～トランペッター編（その１）～ 秋だから「枯葉」を取り上げるというのも、何ともベタな話ではあるが、今回は3回シリーズでジャズのスタンダードとなっている名曲「枯葉（Autumn Leaves）」を話題にしたいと思う。とはいっても、ただ「枯葉」というのも何なので、トランペット奏者が中心となっている「枯葉」ということに絞ってみたい。 第1回目は、チェット・ベイカーの「枯葉」である。チェット・ベイカーは米国出身の白人のトランペット奏者かつジャズ・ヴォーカリストで、ウエスト・コースト（西海岸）を代表するジャズ・ミュージシャン。1929年にオクラホマで生まれ、1988年に没している。1950年代前半に一世を風靡するが、50年代後半には麻薬中毒で体調を崩し、60年代にはイタリアで麻薬絡みで逮捕されるわ、挙句の果てには1966年にはサン・フランシスコでドラッグがらみの騒動で前歯を折られてしまうわで、ついには休業を余儀なくされる（この辺の細かい話にはいろんな説があって詳細な真相ははっきりしていないらしい）。 いずれにせよ、"西海岸ジャズ"や"クール・ジャズ"といったキーワードとともに1950年代にいったんは時代の寵児となったチェット・ベイカーは、時の流れとともに落ちぶれていき、活動を停止した後、70年代前半になってようやく復帰する。この復帰時に吹き込まれたのが、CTI盤の『She Was Too Good To Me（邦題：枯葉）』というアルバムで、今回の「枯葉」はこの盤に収録されている。 この演奏におけるチェットのトランペットは、消え入るようにはかなく、哀愁に満ちた繊細な音である。演奏者自身（チェット）が、上に書いたような経緯で"一度は人生が終わりかけた"経歴だった話なども考えながら聴けばなおのこと、あまりにはかなく寂しい音色に響くかもしれない。きっとトランペットのソロだったなら、今にも割れそうな薄いガラスを手にしているようで切なくて悲しげで、1曲を通して聴くに耐え難いものになっていたかもしれないとすら思える。しかし、実際にこの「枯葉」の演奏を聴くとまったくそうではないことがわかる。枯葉が落ちていくは悲しさや切なさが表現されつつも、どこかしら聴き手の心を暖かくする力強さが同居している。 その理由は他の参加ミュージシャンにあるのだと思う。アルト・サックス（ポール・デスモンド）やベース（ロン・カーター）の役割というのもあるが、ここではピアノとドラムに注目したい。ピアノのボブ・ジェームズが演奏するのは、通常のピアノではなく、エレクトリック・ピアノである。伴奏のピアノの電子的な音は、曲全体を暗い雰囲気に沈めてしまわないという点で結構重要な役割を果たしていると思う。しかも、このピアノ音は、ずっと目立つ音で鳴りっ放しという感じではなく、さりげなく音の隙間で聴こえてくるという具合が絶妙である。なおかつ、曲中にピアノ・ソロ部分があるり、このパートではどこかしら寂しさから希望への転換を思い起こさせるというのも効果的だ。 そして、何よりも大きな役割を担っているのは、ドラムのスティーヴ・ガッドである。聴き手によっては、この「枯葉」における彼のドラミングはうるさ過ぎるという人もいるかもしれない。しかし、筆者はこれくらい盛り上げたドラミングが組み合わさっているからこそ、この「枯葉」の名演が出来あがったのだと思う。はかなく切ないチェットのトランペットから始まるこの演奏がずっとそのまま続けば、上述の"暖かさ"や"力強さ"は生まれなかっただろう。けれども、出だしはなるほど抑え気味にドラムを演奏し、デスモンドのサックスが入るあたりから徐々に盛り上げていき、チェットのソロ・パートが再び出てくる部分では抑え気味に戻り、また盛り上げていくという展開は、曲全体の展開を考えた見事なドラミングだと感じる。 そんなわけで、この「枯葉」は、移ろいゆく季節の寂しさと哀愁を感じられる同時に、暖かさや希望といった、その先にあるものを連想させる好演に仕上がっていると言えるだろう。［収録アルバム］Chet Baker / She Was Too Good to Me（邦題：『枯葉』）Chet Baker (tp), Paul Desmond (as), Bob James (p), Ron Carter (b), Steve Gadd (ds)録音： 1974年（参考リンク） 晩秋の「枯葉」～トランペッター編～ その２へ その３へ 枯葉/チェット・ベイカー[Blu-specCD]【返品種別A】
2009年11月18日
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マイルス・デイヴィス 『マイルス・デイヴィス・オール・スターズ Vol. ２ （Miles Davis Vol. 2）』
一人のラッパ吹きとしてのマイルスの凄み "ブルーノート1500番台"といえば、ジャズを聴く多くの人にとって特別なものである。ブルーノートとは、ドイツ人のアルフレッド・ライオンが1939年に設立したレーベル。LPレコード時代の到来を経て同社がリリースした1501番から始まる番号のLPレコード盤は"ジャズの真髄"とすら評価される。そして、その"1500番台"最初の2枚（つまりは、1501番と1502番）が、『マイルス・デイヴィス・オール・スターズ（Vol. 1およびVol. 2）』と題されたものであった。ここでは、2枚目の『Vol. 2』を取り上げるが、別に『Vol. 1』と『Vol. 2』との優劣をつけているわけではなく、たまたま筆者にとって、『Vol. 2』の方がよく聴いていて、それゆえ、個人的により親しみがあり、話をしやすいというだけの理由である。 これら2枚が高く評価される理由は、"ブルーノート1500番台"の冒頭を飾るというだけではない。しばしば見られる評価として、「初期マイルスの進化の過程を記録したドキュメント」、「ドラッグから立ち直っていくマイルスをとらえたドキュメント」とする見方がある。実際、マイルスにとって、この時期はドラッグから立ち直っていく時であった。そして、いったんはジャズ業界から見放されつつあったマイルスとの約束をアルフレッド・ライオンが律儀に守り、年に1度のレコーディングを重ねながらこれら2枚が出来上がった。このような経緯ゆえ、Vol. １には1952年と53年、Vol. 2には1952年、53年、54年のものが収録されたわけで、"ドキュメンタリー"的な評価は頷ける。 けれども、21世紀のいま現在、初めてそのCDを手にとって聴く人がいたとして、以上の話がどれだけリアルかというと疑問もある。初めて聴く側からすれば、そんな話など知らないという方が普通だろう（そんな話を知っていて当然と言うジャズ・ファンもいるだろうが、そうした押し付けは必須ではないと個人的には思う）。早い話、そうした聴き手にとって、目の前にあるのは、ただ単に"かの有名な"マイルス初期のアルバム、もしくは"かの有名な"1500番台の作品ということに過ぎない。 では、そういう風に、よく言われる"ドキュメント性"を抜きにこれらのアルバムを聴いたならば、収録された演奏はどんなものに響くのであろうか。筆者としては、単に一人のトランペット奏者（"1ラッパ吹き"）としてのマイルスの魅力を存分に伝える盤だと思う。 このような観点からすれば、ただただ素直にマイルスの演奏に耳を傾ければいいのだろう。というのも、本盤におけるマイルス・デイヴィスのトランペットは"凄い"の一言に尽きるからだ。ややこしい話は不要で、各曲でマイルスが吹いているトランペットの音色・フレーズに耳を傾けてみるとよい。ただただかっこよく、それゆえ"凄み"があるという表現しか出来ない。 このような言い方をすると、「マイルスは音楽のクリエーターとしての優れた側面もあり、そのような一面的な評価は…」との不満も聴こえてきそうだが、もし何かの縁でこのアルバムを手に取った人がいれば、ややこしい批評などすっ飛ばしていいとすら思う。頭の中の雑念を払って、彼のトランペットの演奏に耳を傾ければ、その"凄み"はきっと伝わってくることだろう。しびれんばかりの凄さに参りましたとしか言えない。 これを書いている今日の気分で（別の日になると若干変わるかもしれないのだが）、筆者が特に"しびれる"と感じる本盤の演奏ベスト3を挙げておくと、1位「ウェアード」（2.）、2位「ドナ」（6.）、3位は甲乙つけがたく「アイ・ウェイテッド・フォー・ユー」（4.）または「テンパス・フュージット」（10.）といったところだろうか。 なお、現行（2001年）のリイシューでは、曲順・収録曲が大きく異なっている。1952年と54年の録音が『Vol. 1』としてまとめられ、1953年のものが『Vol. 2』として売られている。ここではそれ以前のものを用いたので、現行のヴァージョンを買う方はご注意いただきたい。[収録曲]1. Take-Off2. Weirdo3. Would'n You4. I Waited For You5. Ray's Idea （別テイク）6. Donna7. Well You Needn't 8. The Leap9. Lazy Susan10. Tempus Fugit （別テイク）11. It Never Entered My Mind録音＆パーソネル： 1952年5月9日（3., 6.）： Miles Davis (tp) Jay Jay Johnson (tb) Jackie McLean (as) Gil Coggins (p) Oscar Pettiford (b) Kenny Clarke (ds)1953年4月20日（4., 5., 10）： Miles Davis (tp) Jay Jay Johnson (tb) Jimmy Heath (ts) Gil Coggins (p) Percy Heath (b) Art Blakey (ds) 1954年3月6日（1., 2., 7., 8., 9., 11.）： Miles Davis (tp) Horace Silver (p) Percy Heath (b) Art Blakey (ds)
2009年11月17日
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ケニー・バレル 『ケニー・バレル Vol. 2（Kenny Burrell）』（２／２）
ケニー・バレル、最初の1枚はこれがおすすめ ～後編～（前編からの続き） 前回は録音日のデータみたいな話で終わってしまったが、要するに、前回の話の経緯を踏まえれば、結果として"いろんな録音の寄せ集め"的なアルバムが本作『ケニー・バレル Vol. 2』だったわけである。けれども、そこには不思議と統一感がある。この統一感は、ひとえにアルフレド・ライオンの力量なのかもしれない。そして、統一感があってはじめて評価できることだけれども、アルバム全体が、何より退屈することのない、いい具合に仕上がっているのである。 冒頭の1.「ゲット・ハッピー」は、コンガが入っていて、途中少しうるさいぐらいに盛り上げてくれる。かと思えば、続く2.「バット・ノット・フォー・ミー」は、一転して静寂の中にギターから紡ぎだされる美しい旋律のソロ。続く3.「メキシコ・シティ」は、これまた一転して盛り上がりのある、ケニー・ドーハムのトランペットを含むライブ録音（ちなみに、同じメンバーでの別ヴァージョンが存在し、ケニー・ドーハムの『カフェ・ボヘミアのケニー・ドーハム』に収録されている）。 次の4.「モーテン・スイング」から最後の8.「ハウ・アバウト・ユー」までが、前項で述べた3月12日の録音分。うち3曲はテナー・サックス（フランク・フォスター）が入っているが、残り2曲は管楽器はなし。確かにこれら5曲だけを立て続けに聴いたならば、デビュー・アルバムに持ってくるには少しおとなしすぎてインパクトに欠けたかもしれない（念のため言っておくと、各曲の演奏の出来が悪いわけでは決してない）。けれども、冒頭の3曲のおかげで、そこまで聴き進んだリスナーはもうひき込まれてしまっていて、そのまま全部聴きたい気持ちにさせられている。 3.「メキシコ・シティ」で盛り上がった後の4.「モーテン・スイング」はスローで落ち着いた曲調である。5.「チータ」になると、今度はドラムの盛り上げの中、バレルのギターは流れるような（しかしブルージーな）フレーズを飄々と奏でる。6.「ナウ・シー・ハウ・ユー・アー」は、ちょっと一休み的な気だるめの曲調で、この曲から残る2曲にかけて上記テナーが加わる。7.「フィナッピ」（ライナーにこうカナ書きされているが、何語だろう？こう読むのだろうか？）は少々中だるみ的な部分がないわけではないが、最後の8.「ハウ・アバウト・ユー」でバレルの演奏が存分に楽しめるので、気分よく聴き終われる。 全編にわたり、バレルのギターは翳りがあり、時に流れるようで、時に"タメ"が効いている。特に筆者が好きなのは1.、3.、6.の3曲。とは言うものの、本盤のよさは、ここまで述べてきたような構成力のよさという部分があるので、基本的に、全体を通して聴いてこそいいものだと思う。この内容で、しかもジャケットはアンディ・ウォーホールによるアーティスティックな作品というのも、名盤度を高めている。＊以下のデータは前項のものを再録します。[収録曲]1. Get Happy2. But Not For Me3. Mexico City4. Moten Swing5. Cheeta6. Now See How You Are7. Phinupi8. How About You録音： 1956年3月12日（4.～8.）、5月29日（1.）、5月30日（2.）、5月31日（3.）パーソネル（曲別）：1.： Kenny Burrell (g), Tommy Flanagan (p), Paul Chambers (b), Kenny Clarke (ds), Candido (conga)2.： Kenny Burrell (g) *ギターソロ。3.： Kenny Dorham (tp), J. R. Monterose (ts), Kenny Burrell (g), Bobby Timmons (p), Sam Jones (b), Arthur Edgehill (ds)4., 5.： Kenny Burrell (g), Tommy Flanagan (p), Oscar Pettiford (b), Shadow Wilson (ds)6.～8.： Frank Foster (ts), Kenny Burrell (g), Tommy Flanagan (p), Oscar Pettiford (b), Shadow Wilson (ds)Blue Note 1543
2009年11月03日
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ケニー・バレル 『ケニー・バレル Vol. 2（Kenny Burrell）』（１／２）
ケニー・バレル、最初の1枚はこれがおすすめ ～前編～ ケニー・バレルのことを書く際にはこのアルバムを真っ先に取り上げたいと思っていた。にもかかわらず、気がつくと『２ ギターズ』や『ジョン・ジェンキンス・ウィズ・ケニー・バレル』といった他の盤について先に書いてしまった。今さらながら個人的な（しかも思い入れが多分に含まれた）見解を述べておくと、“ケニー・バレル最初の1枚はどれがいい？”と訊かれ、私的好みを存分に盛り込んでいいのならば、筆者は本盤を推すだろう。 このアルバムのタイトルは少し紛らわしい。ジャケットを見れば"Kenny Burrell"としか記されていない。とはいえ、これは実は2枚目のリーダー作なのである（それゆえ、日本語タイトルには"Vol. 2"などという表現が添えられている）。実際に最初に出されたアルバム（デビュー作）は、『イントロデューシング・ケニー・バレル』というタイトルである。アルバムのタイトルだけがややこしいのではなくて、録音の月日の順序を考えるとさらにややこしい。少々紛らわしいが、落ち着いて整理してみると、次のようになる。 1作目の『イントロデューシング・ケニー・バレル』の録音日は1956年5月29日である。ところが、第二作にあたる本盤『ケニー・バレル Vol. 2』の録音日は、同年3月12日（厳密には、この日付の録音は8曲中の5曲で、5月29日・30日・31日のものが各1曲ずつ含まれている）。つまり、3月12日に最初に録音されたものはファースト・アルバムには採用されず、いったんお蔵入りになってしまったという訳である。その後、2ヵ月半ほど経ってあらためて録音した音源から"ファースト・アルバム"が制作され、眠っていた音源はセカンド・アルバムで使用されてようやく陽の目を見る。 1956年当時のバレルは、出身地デトロイトから前年にニューヨークへ出てきて間もないの25歳の若者。ブルーノートのオーナー、アルフレド・ライオンは相当に気に入ったのだろう。別のアルバム（サド・ジョーンズのアルバム）のサイドメンとして録音に参加させると同時に、同じ日にいきなり彼をリーダーにして録音を行なっている（それが本盤の4.～8.に収められた5曲となった）。ギター奏者をいきなりリーダーにして録音というのは、思い切った決断だったのではないかと思うが、バレルのブルージーなギター演奏は既に確立されているし、リーダー作を録音するのに申し分なかった。にもかかわらず、この録音がそのままデビュー作にはならなかった。おそらくは、録音結果がギター奏者を売り出すデビュー作としてのインパクトに欠けていたというのが唯一の理由だったのかもしれない。 そのようなわけで、2ヵ月半後、今度はメンバーを変えて、あらたに録音がなされる。ドラムがケニー・クラーク、ベースがポール・チェンバースに変わったほか、コンガ奏者（キャンディド）も追加された。上述の通り、このセッションの音源がファースト・アルバムとなる。本セカンドアルバムにも、同じセッションから1曲が収録されることになる。冒頭の1.「ゲット・ハッピー」がそれである。さらには、その翌日にソロ・ギターを録音した2.「バット・ノット・フォー・ミー」、おまけに、さらに翌日の別のライブ（ケニー・ドーハムの『カフェ・ボヘミア』）からの音源である3.「メキシコ・シティ」。以上の計3曲を以前の最初の音源の5曲とあわせることで、8曲入りの本盤の完成となった。 録音日のデータ見たいな話でいつもの字数に達してしまった。今回に関しては、前・後編にわけることにして、次項にこの続きを記したいと思う。思い入れのあるアルバムなのでつい話が長くなってしまった。煩雑だけれどもお許しいただきたい。 （次項へ続く）[収録曲]1. Get Happy2. But Not For Me3. Mexico City4. Moten Swing5. Cheeta6. Now See How You Are7. Phinupi8. How About You録音： 1956年3月12日（4.～8.）、5月29日（1.）、5月30日（2.）、5月31日（3.）パーソネル（曲別）：1.： Kenny Burrell (g), Tommy Flanagan (p), Paul Chambers (b), Kenny Clarke (ds), Candido (conga)2.： Kenny Burrell (g) *ギターソロ。3.： Kenny Dorham (tp), J. R. Monterose (ts), Kenny Burrell (g), Bobby Timmons (p), Sam Jones (b), Arthur Edgehill (ds)4., 5.： Kenny Burrell (g), Tommy Flanagan (p), Oscar Pettiford (b), Shadow Wilson (ds)6.～8.： Frank Foster (ts), Kenny Burrell (g), Tommy Flanagan (p), Oscar Pettiford (b), Shadow Wilson (ds)Blue Note 1543
2009年11月02日
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ジョン・ジェンキンス 『ジョン・ジェンキンス・ウィズ・ケニー・バレル』
切れ味鋭い、ジェンキンス唯一のリーダー作 ジョン・ジェンキンス（John Jenkins）という名を聞いて思い浮かべる人物は、人によって様々かもしれない。17世紀イギリスの作曲家もいれば、かつてのホワイトソックス（メジャーリーグ）のプロ野球選手、はたまたオーストラリアの現代詩人も同姓同名だそうだ。ここの表題のジョン・ジェンキンスとは、1931年に生まれ、米国出身のアルト・サックス奏者のことである。 この人が残したアルバムはあまり多くなく、数えるほどしかない。完全にソロ名義で出されたのはこのアルバムだけである（後は連名やサイドマンとしての吹き込み）。その理由は、ようやくブルーノートでリーダー作となる本盤の録音のチャンスがめぐってきたものの、これを吹き込んだ直後には一線を退いてしまったからだ。そして、1990年にようやく復帰を果たしたものの、1993年に亡くなっているという経緯もある。 このアルバムは、なぜか筆者にとっては、切れ味鋭い剣の振りを連想させるものである。ジェンキンスのアルトの音色は、特に柔らかいとは言わないまでも、別に特段、硬質なものに響くというわけではない。また、彼が繰り出すフレーズも歌心に溢れ、滑らかである。しかし、本盤の演奏を聴いていると、鋭い剣を振りかざすかのような迫力に満ちているように感じられる場面が多々ある。 筆者にそう連想させる理由は、おそらく、彼の演奏の"キレ"にあるのだと思う。とりわけ、高音域を使っている時の演奏を聴いていると、滑らかでありながら鋭さが同居しているように感じられるのである。1.「フロム・ディス・モーメント・オン」や、2.「モティーフ」のソロ、あるいは4.「シャロン」のソロなんかを聴いてみると、この感覚がわかってもらえるのではないだろうか。 これにつられるように、ブルージーなギター演奏で知られるケニー・バレルのプレイも随所で鋭さを見せる。4.「シャロン」の冒頭でバレルのギターが入ってくる部分は何度聴いても実にスリリングだし、6.「ブルース・フォー・トゥー」のソロなども、普段のバレルよりも鋭い響きがするように感じられる。あと、注目なのは、ソニー・クラークの参加で、上記のジェンキンスとバレルの演奏にあわせた、音のエッジがしっかりと耳に残るピアノ・ソロをあちらこちらで繰り広げている。 「ハード・バッパーたちの隠れた名作」。その看板に偽りはない1枚だと思う。[収録曲]1. From This Moment On2. Motif3. Everything I Have Is Yours4. Sharon5. Chalumeau6. Blues For TwoJohn Jenkins (as)Kenny Burrell (g)Sonny Clark (p)Paul Chambers (b)Dannie Richmond (ds)録音： 1957年8月11日Blue Note 1573↓以下リンクはLP盤です（ジャケ写の参考です）↓ John Jenkins & Kenny Burrell / John Jenkins with Kenny Burrell 45RPM HQ180g 2LP MONO
2009年11月01日
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キャノンボール・アダレイ 『プレゼンティング・キャノンボール（Presenting Cannonball）』
半世紀以上前の、若きサックス奏者の颯爽たる登場のドキュメント 今から50年以上も前の1955年。この数字はジャズ好きの間ではチャーリー・パーカーの逝去した年号としてよく知られているが、同時に、"キャノンボール"の愛称で親しまれる一人の若者が登場した年としても記憶されている。その若者こそ、ジュリアン・アダレイというサックス奏者であった。当時26歳ということだから、決して早咲きのデビューというわけではない。手元のライナーによれば、クラブ「カフェ・ボヘミア」で演奏に飛び入り参加した際、ステージ上の弟ナット・アダレイはその男が何者かと訊かれ、正体を隠して"キャノンボールとかいうやつらしい"と言ったという。これがきっかけで、"ジュリアン"や"サージャント・ファット（太っちょ軍曹）"と呼ばれていた人物は、ジャズ界では"キャノンボール（大砲）"となった。 本盤『プレゼンティング・キャノンボール（Presenting Cannonball）』は、そんなジュリアン・キャノンボール・アダレイの処女作である。ただし、初録音としては、直前に別のセッションに参加している。ケニー・クラーク名義で発売された『ボヘミア・アフター・ダーク』がそのセッションであり、同アルバムには、この『プレゼンティング～』のためのセッションからのテイクも1曲収められている。つまり、名義は異なるものの、以前に紹介した『ボヘミア・アフター・ダーク』と本作『プレゼンティング・キャノンボール』は姉妹盤のような関係にある。 ジャケットはぱっとしない。暗いモノクロ写真に演奏者5人が集まっている姿が写っていて、当のキャノンボールは日本盤だと帯がかぶさって隠れてしまうような位置（ジャケ左端）に立っている。その巨漢ぶりというか貫禄のある姿に比して、演奏は若々しく繊細でありなおかつ伸び伸びと柔らかい。筆者はこのキャノンボールのサックスが好きである。後に彼は"ファンキー･ジャズ"の代表といったようなイメージも持つことになるが、"ファンキー"よりもなめらかに吹いている彼の方が私には好みである。以下に見るいずれの曲においても、キャノンボールのアルトは繊細でありながら、なめらかでかつ大らかであり、デビュー時点で既に確立された演奏をしていたことが窺い知れる。 収録された5曲のうち4曲（1.～4.）がキャノンボールのオリジナル。1.「スポンテイニアス・コンバスチョン」と2.「スティル・トーキン・トゥ・ヤ」はブルース調の曲で、1.はイントロからしてぞくぞくするような実にスリリングなフレーズでそのまま各メンバーのソロ回しに突入するのに対して、2.はいきなりアドリブから始まり少し薄暗い雰囲気を帯びている。3.「ア・リトル・テイスト」は一転して軽やかにスイングし、4.「カリビアン・キューティ」も肩の力を抜いて聴けるリラックス系の曲。アルバムの最後となる5.「フラミンゴ」は静かに始まるバラード曲である。 まず、全体を聴いて感じるのは、おとなしめに始まり、より明るくなって終わるという曲の配列のよさである。つまり、本盤はアルバム全体を通してのトーンというか、個々の曲調の並び具合もよく考えられて並べられている。もう一つは、メンバーのよさ。ナットとジュリアン兄弟の息の合ったプレイはもちろんのこと、ピアノのハンク・ジョーンズのサポートとドラムのケニー・クラークの全体のまとめ方がいい。顔を合わせてわずか1、2ヶ月だが、何年もずっと一緒に演奏をしてきているかのように呼吸が合っている。 何だか褒めるばかりのライナーか雑誌のレコード評のような口調になってしまったが、筆者は本当にこれが好きなのだ。聴いていて、音楽が快感に変わる瞬間を味わえているのだから、仕方ない。いや、次にキャノンボールのアルバムを紹介する時には、もう少しうまく思ったことを表現できるようにしなければ…。 [収録曲]1. Spontaneous Combustion2. Still Talkin' To Ya3. A Little Taste4. Caribbean Cutie5. FlamingoJulian "Cannon Ball" Adderley (as)Nat Adderley (cor)Kenny Clarke (ds)Hank Jones (p)Paul Chambers (b)録音： 1955年7月26日 【2500円以上お買い上げで送料無料】【CD】[COCB-53934]プレゼンティング・キャノンボール [ キャノンボール・アダレイ ]
2009年10月31日
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ケニー・バレル＆ジミー・レイニー 『2 ギターズ（2 Guitars）』
ギターから聴き始めるジャズ 本作『２ ギターズ』は、ケニー・バレル（1931年生まれ）とジミー・レイニー（1927年生まれ）という、ほぼ同世代の2人のギター奏者名義のアルバムである。筆者が最初に聴いたジャズ・アルバムのうちの1枚であるため、個人的に思い入れのある盤なのだが、ジャズがよくわかっていない状態で聴くという意味で、いいアルバムに出会ったと今でも思う。 その理由は、まず、ギタリスト二人が大きくフィーチャされ、スタイルの違う二人（メロディックなレイニーとブルージーなバレル）が楽しめるという点。クラシックを聴いていた人ならともかく、少なくともポップやロックを聴く人には、ギターは比較的親近感のある楽器であり、それゆえ、ギター中心のアルバムは、ジャズを聴き始める最初の段階で聴きやすいと思う。逆に言えば、管楽器はジャズ入門者にとって、しばしば違和感を伴うものである。「まずはマイルス・デイヴィスを聴け！」とか、「チャーリー・パーカーは基本だ」とか、「（ソニー・ロリンズの）『サキ・コロ（サキソフォン・コロッサス）』は名盤だからまず聴いてみなよ」などと管楽器奏者の有名アルバムを勧められてジャズを聴こうと思い立った人が尻込みしてやめていくというパターンは結構あるように思う。ピアノ中心のジャズから聴き始めるというのも一つ（その典型がビル・エヴァンス）だが、ギターからスタートするというのも入りやすさという点ではいいように思う。 さて、本筋に戻ると、ギターだから何でもいいというわけではなく、本盤の二人はいずれも実力のある著名なジャズ・ギター奏者である。それでいて、ギターの音の合間を埋めているのは、マル・ウォルドロンという、これまた人気のピアノ奏者である。これだけなら単に"聴きやすい"（いや、下手をすると"退屈な"）だけの盤になったかもしれない。けれど、本盤には、さらに、ドナルド・バードのトランペット、ジャッキー・マクリーンのサックス（アルト・サキソフォン）という、これまた有名どころの管楽器奏者の演奏が7曲中5曲に含まれており、"管楽器に徐々に慣れる"のにも適している。バードやマクリーンだけを個別に取り上げるともっといいアルバムがあるという声が聞こえてきそうだが、しかし、あくまで本盤のメインはギター奏者の二人なわけで、そう考えれば、バードとマクリーンの出来が最高である必要はない（とはいえ、個人的には、1.「ブルー・デューク」、3.「ピヴォット」などの演奏は結構好きなのだけれど）。ちなみに、ドラム（アート・テイラー）とベース（ダグ・ワトキンス）もそれぞれ定評あるジャズメンだ。 そのようなわけで、『２ ギターズ』は、他のジャズ楽器のよさも楽しめつつ、ギターをメインに聴くことのできるアルバムに仕上がっていると言える。実際、4.「クローズ・ユア・アイズ」はバレルの、7.「アウト・オブ・ノーホエア」はレイニーがそれぞれメインのギター中心の演奏である。熱心なジャズ・ファンやジャズ入門書の類がここぞとばかり"ジャズの真髄"的な（あるいは彼らがそう思う？）盤を勧めるのに対して、もっと気楽に小さなきっかけがジャズを聴く始まりになってもいいと思う。そうした意味で、本盤は一つのきっかけになり得る1枚だと感じるし、筆者にとっては今でも好きなギター盤であり続けている。［収録曲］1. Blue Duke2. Dead Heat3. Pivot4. Close Your Eyes5. Little Melonae6. This Way7. Out Of Nowhere録音： 1957年3月5日Kenny Burrell (g, 7.除く)Jimmy Raney (g, 4.除く)Donald Byrd (ts, 4.と7.除く)Jackie McLean (as, 4.と7.除く)Mal Waldron (p)Doug Watkins (b)Arthur Taylor (ds)Prestige 7119 Kenny Burrell/Jimmy Raney ケニーバレル/ジミーレーン / 2 Guitars 輸入盤 【CD】 以下のブログランキングに参加しています。お時間の許す方は、 “ぽち”応援よろしくお願いします。 ↓ ↓ ↓
2009年10月28日
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デクスター・ゴードン 『ゴー！（GO!）』
ジャズ・サックス初体験者にもお勧めできる超名盤 デクスター・ゴードンは、1923年生まれのアメリカ合衆国のジャズ・サックス奏者。1940年代から活躍し、途中、麻薬中毒で活動が止まった時期もあったが、長くアーティストとしての活動を続け、1986年には映画『ラウンド・ミッドナイト』でも活躍した。1990年に67歳で亡くなっている。彼が1962年にブルーノートで録音した本作『ゴー！』は、どのジャズ名盤ガイドを見ても登場しそうな定評のある一枚であり、彼の代表作の一つである。 ジャズの真髄がアドリブにあり、楽器演奏を通して発せられる個性や独自性にその核心があると仮に定義するならば、デクスターの本盤は最高傑作ということになるだろう。上のようにジャズという音楽を定義するならば、重要なポイントは2つあると思う。一つは、演奏者個々の楽器の音色および演奏の仕方（音の出し方）による独自性であり、ここでは"音の独自性"と呼んでおく。もう一つのポイントとなるのは、演奏内容としての"アドリブ"、すなわち原曲のメロディをどう破壊し再構築して独自の演奏内容を繰り広げるか、という才能や閃きの部分ということになろう。 本作におけるデクスターはこの二点のオリジナリティが明確かつ抜群で、だからこそ名盤と呼ばれて久しいのではないだろうか。上で挙げた一点目から見ていこう。本盤の彼のテナーの音はふくよかであり、なおかつ芯がある。一般に、デクスターのサックス演奏は、大らかで伸び伸びとしたプレイが魅力と言われるが、本盤の演奏を聴いていると、単に大らかなだけではなくて、一音一音に切れがあるのもその魅力につながっているのだと思う。次に、二点目に関して、デクスターの演奏は"後ノリ"だと評される。つまり、もたついているかのようで、完全にもたついたタイミングになる前にフレーズが飛び出てくるわけである。本盤の演奏を聴いて筆者が感じるのは、もしこれが"後ノリ"でなかったら、メロディが美しく流れすぎて退屈になっていたのかもしれない、ということである。前述の柔らかくふくよかでなおかつ芯のある音が、"ため"を作ったうえで心地よいアドリブのメロディを奏でる（しかも他曲からの"引用"もうまく混ぜ込まれている）からこそ、聴き手を飽きさせないのだと思う。したがって、デクスターのサックスが奏でる音を追い続けながら聴くと、わくわくして楽しい時間があっという間に過ぎていく。 何だか抽象的で全体的な話になってしまい、収録曲の個別の話や他のパーソネルの話から外れてしまったので、最後に付け加えておきたい。収録曲はほとんどどれも好きなのだが、いくつかだけに絞ると、本作の代表曲1.「チーズ・ケイク（チーズケーキ）」、4.「ラヴ・フォー・セール」、6.「スリー・オクロック・イン・ザ・モーニング」。いずれの曲も上で述べたデクスターのサックス演奏の魅力に溢れている。あと、メンバーで注目はピアノのソニー・クラーク。彼の演奏がデクスターの"後ノリ"とうまく絡み合っている。さらに、デクスターのテナーのワン・ホーン（ベース＋ドラム＋ピアノに管楽器が一つだけ加わる）であることが、本項で述べた彼の演奏を楽しむのに適していると思う。また、ジャズを聴こうと思い立った人すべてに合うとは言わないが、入門者のうちでサックス演奏を聴いてみたいと思った向きには、「彼のサックスのメロディを追いながら聴いてみてください」という言葉を添えて、筆者ならお勧めする一枚である。 [収録曲]1. Cheese Cake2. I Guess I'll Hang My Tears Out To Dry3. Second Balcony Jump4. Love For Sale5. Where Are You6. Three O'clock In The MorningDexter Gordon (ts)Sonny Clarke (p)Butch Warren (b)Billy Higgins (ds)録音： 1962年8月27日 【送料無料】ゴー! ［ デクスター・ゴードン ］
2009年10月24日
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レッド・ガーランド・トリオ 『ブライト・アンド・ブリージー（Bright and Breezy）』
音の間を使いながら美しくまとまった好盤 レッド・ガーランドというピアニストは、聴き手を楽しませながら自分の理想を追求していく人だったのだろう。それだからこそ、理想を追求するのが難しいと思った時に、十数年も引退生活を送ることになった。本盤『ブライト・アンド・ブリージー（Bright and Breezy)』は、1962年に一時引退をする少し前に、ジャズランド・レーベル（プレスティッジの傍系）に吹き込んだトリオ・アルバムである。 ベースはサム・ジョーンズ、ドラムはチャーリー・パーシップという顔ぶれで、ガーランド特有のスインギーさ控えめで、どちらかと言えば、"渋め"の演奏を展開している。収録曲の中には、静かで美しい曲調のものが多い。とはいえ、なぜか筆者にとっては、夜に静かに聴くというようなイメージではない。確かに、くつろいだ気分でいたい夜に聴くこともあるのだが、不思議なことに、このアルバムは、時々、朝一番に無性にかけたくなる。 その理由は、ガーランドのメロディックな演奏にあるのだと思う。穏やかで、曲によってはリリカルな印象を保ちながらも、どこかしらメロディを口ずさみたくなるような楽しさがこのアルバムには潜在している。1.「オン・グリーン・ドルフィン・ストリート」や4.「ブルース・イン・ザ・クローゼット」などがその典型である。音と音の"間"をうまく使っているから、メロディが際立ち、かといってうるさくならず、穏やかさをキープしているのだと思う。実際、ドラムに注目すると結構派手に演っている曲も結構あるのだが、ガーランドの間の取り方とドラミングのコンビネーションが絶妙で、このバランスが聴きやすさを増幅させている。そこにサム・ジョーンズというシブいベーシストが絡む。 本盤を聴きながらこのようなことを筆者は考えるのだが、難しいことは抜きに、普段よく言及される名盤（例えば『グルーヴィー』）とは一味違うガーランドの演奏を楽しめばいいのだろう。静かでいながらにしてどこか楽しげな演奏。タイトル（Breezy）にあるように、そよ風を受けるような爽やかな感覚が伝わってくる好盤である。［収録曲］1. On Green Dolphin Street2. I Ain't Got Nobody3. You'll Never Know4. Blues In The Closet5. What's New6. Lil' Darlin'7. What Is There To Say?8. So Sorry Please録音：1961年7月19日Red Garland (p)Sam Jones (b)Charlie Persip (ds) Red Garland レッドガーランド / Bright & Breezy 輸入盤 【CD】
2009年10月19日
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マイルス・デイヴィス 『ラウンド・アバウト・ミッドナイト』
深まる秋におすすめの1枚 （その2） ～マイルス編～ 秋におすすめの1枚として、2つ前の項ではニール・ヤングの『ハーヴェスト』を挙げた。そこでも述べたように、ふつうは"秋盤"とでもいうべきものが、レコード会社によってア・プリオリに設定されているわけではない。聴き手が秋にあうと感じた瞬間に1枚のアルバムが"秋のアルバム"になるといったものである。 その意味で、本盤も別に秋に直接関係するテーマを扱っていると言うわけではないのだが、筆者にとっては、通常の名盤であると同時に秋に楽しめる1枚でもある。ちなみに、個人的なイメージとしては、先回のニール・ヤングのアルバムが深まる秋の午後に聴く感じであるのに対し、今回のマイルス・デイヴィス『ラウンド・アバウト・ミッドナイト』は秋の夜長に聴く1枚といったイメージである。 この『ラウンド・アバウト・ミッドナイト』は、マイルス・デイヴィスの代表作としてよく挙げられるアルバムの1枚である。その中でも特に有名な曲は1.「ラウンド・アバウト・ミッドナイト」。"秋の夜長の1枚"として挙げた理由として、1曲目をイメージした方も多いのではないかと思う。実際、その通りであるけれど、別にこの1曲だけというわけでもなく、アルバム全体が秋の夜長にぴったりだと思う。 その一因は絶妙の楽曲の配置にあるように思う。1曲目の名演で静かに盛りたてておいて、続く2.「アー・リュー・チャ」ではフィリー・ジョー・ジョーンズ（ドラム）とジョン・コルトレーン（テナーサックス）を中心に本当に盛り上げる。かと思うと、3.「オール・オブ・ユー」は再び静かにマイルスがすすり啼く。4.「バイ・バイ・ブラックバード」を経て、5.「タッズ・デライト」では再びテンポが上がったかと思うと、6.「ディア・オールド・ストックホルム」の出だしは再度マイルスの哀愁を湛えたプレイからはじまり、ゆったりとした各メンバーのソロが堪能できる。 この楽曲配置こそ、聴き手を退屈させず、かつ緊張させ過ぎないという効果を生んでいるように感じられる。つまるところ、マイルスの繊細なミュート演奏だけが聴き所というよりも、それを非常にうまく出して（時に出し惜しんで）いるところに本盤の妙がある。前所属レーベル（プレスティッジ）との契約が残っているのにコロンビアで録音を始めたのが本作であった（残っていた契約の録音が1956年5月と10月のいわゆる"マラソン・セッション"で、本盤の録音日は下記を参照）。メンバーに変更はなくとも、新たな契約会社での第1弾として、入念に考えながら編まれたのだろうと想像する。 ちなみに、CDに加えられたボーナス・トラックは、どちらかというと本編の雰囲気を大きく壊すことなく、続けて聴いても大丈夫だと感じる（いや、10.はちょっと余計かな…）。本編の中で、筆者が特に好むのは1.と6.だが、上で述べたように、アルバムを通して聴いていく方がその繊細さが際立つので、曲単位よりもアルバム全体を通しての鑑賞をおすすめしたい。［収録曲］1. 'Round About Midnight2. Ah-Leu-Cha3. All Of You4. Bye Bye Blackbird5. Tadd's Delight6. Dear Old Stockholm～以下、CD所収のボーナス・トラック～7. Two Bass Hit8. Little Melonae9. Budo10. Sweet Sue, Just YouMiles Davis (tp)John Coltrane (ts)Red Garland (p)Paul Chambers (b)Philly Joe Jones (ds)録音： 1955年10月26日（2.、7.～9.）；1956年6月5日（4.～6.）；1956年9月10日（1.、3.、10.） 【2500円以上お買い上げで送料無料】【CD】[SICJ-11]ラウンド・アバウト・ミッドナイト(MONO) [ マイルス・デイヴィス ]
2009年10月15日
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マル・ウォルドロン 『レフト・アローン（Left Alone）』
名曲「レフト・アローン」なのか、名盤『レフト・アローン』なのか ビリー・ホリデイの追悼アルバムとして発売されたマル・ウォルドロン（Mal Waldron）の『レフト・アローン』およびその表題曲の1.「レフト・アローン」。少なくとも日本ではジャズ史に残る名盤（もしくは名曲）として知られる。優勢なのは、名曲としての1.「レフト・アローン」を評価する声のようである。つまり、表題曲が名曲であり、それゆえに、アルバム自体も名盤として評価するという傾向があるのは否めない。 では、1.「レフト・アローン」以外は名曲・名演ではないのだろうか。筆者は3.「ユー・ドント・ノウ・ホワット・ラヴ・イズ」や5.「エアジン」も結構いいと思うし、何よりも2.「キャット・ウォーク」は十分にそうした評価を受けるに値すると思う。けれども、1.「レフト・アローン」と並べられると、この曲ばかりに注目が集まるのももっともだと、同時に思う。 1曲の名曲・名演のせいで他の4曲が忘れられがちなだけ、と言ってしまえばそうなのかもしれない。何よりもマル・ウォルドロン（ピアノ）が主役の4曲に対して、表題曲ではジャッキー・マクリーン（アルトサックス）がゲスト参加していて、泣きのメロディを歌い上げている。けれど、その一方で、表題曲が名演に聴こえる（もしくは、名演度をより高めている）理由が、聴き手の感情にもあるのではないかという気もする。 ジャケットにも記されている通り、このアルバムはビリー・ホリデイに捧げられたものである。ビリー・ホリデイは1959年7月17日に死去したが、数年前からマル・ウォルドロンはビリー・ホリデイの伴奏者としてピアノを演奏していた。ビリー・ホリデイの作詞、マル・ウォルドロンの作曲によるこの曲は、ビリー・ホリデイが歌ったヴァージョンが録音されることなく、彼女の死という事態を迎えた。本盤では、歌のパートはマクリーンのサックスが担当している。つまり、思い入れたっぷりに聴ける（そして泣ける）1曲というわけだ。 しかし、本盤の録音日は1959年2月24日とあり、つまりは、ビリー・ホリデイがまだ生きていた日付である。換言すれば、「今は亡きビリー・ホリデイを偲んで感情込めて演奏した」という事実はなかったことになる。おそらくはレコード会社（本盤を制作したのはベツレヘム・レーベル）が、彼女の死後、あと付けのようにして、追悼盤としてのアルバムを企画し、売り込んだということではなかったのだろうか（なお、6.「ビリー・ホリデイを偲んで」は演奏ではなく、インタヴュー（しゃべっているだけ）で、しかも録音日は演奏よりも後日とのことである）。 といったわけで、筆者としての見解としては、上で述べたような"思い入れ度"が高くなればなるほど、名曲「レフト・アローン」ばかりが注目される結果となる。逆にそうした感情抜きに冷静に聴けば聴くほどアルバム全体が名盤という印象に近づいていくのだと思う。こんな書き方をすると、表題曲に愛着がないのかと思われてしまうかもしれないが、実際のところ、そんなことはまったくない。筆者が聴いた回数で言えば、1.だけが突出していて、この物悲しい雰囲気と美しい曲調は、最初に聴いた時から忘れ難い素晴らしさである。ピアノのイントロからマクリーンのサックスが始まる冒頭部分などは、何度聴いても鳥肌が立つ。ちなみに、収録トラックのうち、6.（曲ではない！）だけは、本当に蛇足だと感じ、ほとんど聴いていない（あるいは聴いていてもつい飽きてほかの事をしてしまう）。アルバム全体としての名盤度を下げているとすれば、この6.が犯人、というか、こういう収録・発売方法を思いついた人物がその戦犯と言えるかもしれない。 というわけで、筆者の結論は次のようになる。1曲目の「レフト・アローン」は間違いなく超名曲である。アルバム『レフト・アローン』は、感情移入を少なめに、なおかつ6.を無視して聴けば、名盤と言える。[収録曲]1. Left Alone2. Cat Walk3. You Don't Know What Love Is4. Minor Pulsation5. Airegin6. Mal Waldron: The Way He Remembers Billie Holiday（インタヴュー）Mal Waldron (p)Jackie McLean (as, 1.のみ)Julian Euell (b)Al Dreares (ds)録音： 1959年2月24日 【楽天ブックスならいつでも送料無料】レフト・アローン +6 [ マル・ウォルドロン ] ブログランキングに参加しています。 応援くださる方は、ぜひ“ぽちっと”お願いします。 ↓ ↓ ↓
2009年10月08日
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フレディ・レッド 『シェイズ・オブ・レッド』
時代に取り残された名曲群 フレディ・レッド、1928年生まれ。ハードバップのピアノ奏者で作曲家。何ともメジャーそうな響きの名前ではある。けれども、彼（厳密にはFreddie Redd Quintet）の名義の本作『シェイズ・オブ・レッド（Shades of Redd）』は、ブルーノート4000番台という位置にありながら、どちらかと言えばマイナーな扱いを受けてしまう不遇のアルバムだと感じる。リーダー作が多くないせいでメジャーとなり得なかったと言えばそれまでなのかもしれないが、少なくとも本盤を聴く限りでは、時代の流れによる不運というのも多分にあるような気がする。 1960年を迎えた頃、ビバップからハードバップへと進んできたジャズ界では次のステップへのうねりが胎動し始めていた。つまり、今から過去を遡って初めて言えることかもしれないが、隆盛を極めたハードバップの枠内でいくら名曲・名演を繰り広げても、間もなく忘れ去られていく運命にあった。新たなミュージシャンたちは新たな音楽を創造し、旧来のミュージシャンは時代の流れに対応したり新たなスタイルを築き上げたりしていった（無論、マイルスはその典型である）。そうでない者たちは、遅かれ早かれシーンから消えていく。とりわけブルーノート（もっと正確に言えば、アルフレッド・ライオン）は、この点において鋭敏だったのだと思う。それゆえ、フレディ・レッドも、そして、本盤に参加しているティナ・ブルックスも、そうした不遇の人たちではなかったか。 トランペット抜きのサックス二管（ジャッキー・マクリーンのアルトとティナ・ブルックスのテナー）というイレギュラーな五重奏団という編成。収録された7曲はいずれもリーダーのフレディ・レッドによる楽曲である。これらの楽曲いずれもが、サックス二管と実にうまく調和している。この点こそが、本盤のいちばんの長所だと感じる。J・マクリーンもT・ブルックスも"泣き"の入った音を奏でるサキソフォニストである。彼らの音色と演奏を想定してこれらのが曲が用意されたのかどうかは知らないが、もしそうであるならば、作曲者のレッドの才能は見事というほかない。もしそうではなくて、準備された曲に両サックス奏者がマッチしたのだとしても、個性の強いこれら両者を包み込んでしまう曲をいとも簡単に7曲も出してくる作曲能力は素晴らしいというしかない。 今から過去を遡って考えていいのなら、つまり、現在から遡って恣意的に過去の特定時点で時間を止めて考えていいのなら、本盤には秀逸な作品という評価を与えてしかるべきだろう。フレディ・レッドがあと数年早く登場していたら、ブルーノートを代表するような名盤を多く残す機会を与えられていたように思えてならない。どの曲も優れているが、フレディ・レッドの作曲と両サックス奏者の演奏の組み合わせという観点から筆者が好むのは、1.「セスピアン」、2.「ブルース・ブルース・ブルース」、4.「メラニー」、6.「ジャスト・ア・バラッド・フォー・マイ・ベイビー」。あと、中途半端にスペイン風の曲調ではあるが、7.「オレー」も実によく出来た曲だと思う。なお、同じフレディ・レッドには、本盤以外に『ザ・ミュージック・フロム・ザ・コネクション』という好盤もあり、いつか機会があれば紹介したい。[収録曲]1. Thespian2. Blues-Blues-Blues3. Shadows4. Melanie5. Swift6. Just A Ballad For My Baby7. OléJackie McLean (as)Tina Brooks (ts)Freddie Redd (p)Paul Chambers (b)Louis Hayes (ds)録音： 1960年8月13日 【楽天ブックスならいつでも送料無料】シェイズ・オブ・レッド +2 [ フレディ・レッド ]
2009年10月03日
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ティナ・ブルックス 『バック・トゥ・ザ・トラックス（Back to the Tracks）』
幻のブルーノート４０５２番 ティナ・ブルックス（Tina Brooks）は1932年生まれのテナー・サックス奏者。50年代にライオネル・ハンプトン楽団などでキャリアを積み、ブルーノートのオーナー、アルフレッド・ライオンに紹介されて1958年から61年にかけて録音を残すが、その後はシーンから姿を消し、1974年に亡くなった。生前、正式にリリースされたリーダー作は、『トゥルー・ブルー』（Blue Note 4041）ただ1枚であった。 ティナ・ブルックスには、別に"いわくつきの1枚"が存在した。それが、Blue Note 4052番として発売されるはずだった本作『バック・トゥ・ザ・トラックス（Back To The Tracks）』である。発売予定の番号を与えられ、ジャケット・デザインも決定し、カタログにも掲載されながら、実際には発売されなかった"幻の名盤"として知られる。アルフレッド・ライオンがなぜ本盤をボツにしたのかはよくわからないらしいが、とにかく、当時はこの演奏が人目に触れることはなかった。 しかし、1980年代に音源発掘が進み、1990年になって初めてもとの形で復刻・発売された（ただしこの時は限定盤LPで、CD化は1993年、さらにルディ・ヴァン・ゲルダーによるリマスター盤は1998年）。そんなわけで、これから初めて聴く人には普通に売られている1枚。要するに、普通に販売されている今となっては、別にマニアなレア盤でも何でもないわけで、"幻の名盤"だなどと言って大仰なものを期待する必要はない。いや、むしろそうやって本アルバムを相対化する時期にさしかかっているのかもしれない。 5曲が収録され、最初の3曲がティナ・ブルックスの自作曲。5曲のうち、2.「ストリート・シンガー」だけジャッキー・マクリーンが参加している別のセッション（『ジャッキーズ・バッグ』のセッション）からのもの。聴き所はやはりティナの演奏だと思う。この人の演奏は、派手さがあるわけでもなく、何か革新めいたプレイをするわけでもなければ、豪快さを兼ね備えているわけでもない。けれども、憂いのあるブルージーな音色と節回しが特徴である。ボクシングに喩えれば、豪快な1発のパンチではなく、何十発もの小さなボディブローが後から効いてくる感じである。1.「バック・トゥ・ザ・トラックス」や5.「ザ・ルビー・アンド・ザ・パール」あたりを聴いていると特にそう感じる。 あと本盤の特色としては、メンバーの豪華さも挙げられるだろう。ブルー・ミッチェルは全編を通じて快調というわけではなさそうだけれど、随所で快演を聴かせてくれる。そして、本作のメンバーの中で何よりも大きな役割を担っているのは、ケニー・ドリューのピアノだと感じる。上で述べたティナの演奏に聴き入るには、それを支えている彼のピアノ演奏、合間に入るピアノソロがあってのことだと思う。［収録曲］1. Back To The Tracks2. Street Singer3. The Blues And I4. For Heavens Sake5. The Ruby And The PearlBlue Mitchell (tp)Jackie McLean (as: 2のみ)Tina Brooks (ts)Kenny Drew (p)Paul Chambers (b)Art Taylor (ds)録音： 1960年9月1日（2.）、10月20日（1, 3, 4, 5） 【楽天ブックスならいつでも送料無料】バック・トゥ・ザ・トラックス [ ティナ・ブルックス ]
2009年10月03日
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アート・ファーマー&ジム・ホール 『ビッグ・ブルース（Big Blues）』
音の美しさを楽しむ愛聴盤 ～その2～ CTIというレーベルは洒落たジャケットも多いのだが、本盤は例外。もさいおっさん二人（失礼！もちろん二人とはアート・ファーマーとジム・ホール）がにらめっこしている写真が中央から下部にかけて1枚配置され、あとはアルバム名などの文字情報のみ。アルバムから出てくる音がこんなに美しいとは普通思わないような雰囲気のジャケットである。 さて、アート･ファーマー（Art Farmer）は1928年生まれのトランペット奏者で、以前紹介したソニー・クラークの超有名盤 『クール・ストラッティン』（1958年）にも参加している。1960年頃からはトランペットに加えてフリューゲルホルンの演奏も重視し始め、1990年代にはフランペット（トランペットとフリューゲルホルンをミックスした楽器）を主に演奏した。 他方、1930年生まれのジム･ホール（Jim Hall）は、職人肌のギター奏者で、以前には『アランフェス協奏曲』（1975年）で紹介した人物。 これら二人が中心となって1978年に録音されたのが本作『ビッグ･ブルース（Big Blues）』である。 ジム･ホールのギタープレイもさることながら、"美しい音"という表題の観点からすると、本盤の最大の聴き所は、アート･ファーマーのフリューゲルホルンである。筆者は楽器の知識はさっぱりだが、この管楽器はコルネットに似たもので、トランペットやコルネットに比べてより太く豊かで甘美な音が特徴であり、高音域の演奏がより難しいとされるらしい。とにかくそんなアート・ファーマーのフリューゲルホルンが官能的な音を紡ぎだし、ジム･ホールのギターが控えめながらその背後をしっかりと支えている（もちろんジム･ホールもソロを取る）。さらに、本作の"音の美しさ"を支えている重要な人物がもう一人いることを見逃してはならない。ヴィブラフォンを演奏しているマイク･マイニエリなる人物である。ヴィブラフォンといえば、ミルト･ジャクソンが有名だけれど、ミルトとはまったく違ったスタイルで独自の世界を見せてくれる。 比較的長めの4曲が収録されているが、先程から述べている"音の美しさ"という意味では、1.「ウィスパー･ノット」と4.「なき王女のためのパヴァーヌ」が特に美しい。前者はベニー･ゴルソンの作で、もともとアート・ブレイキーとジャズ･メッセンジャーズのために書かれた曲。後者は、「ボレロ」や「展覧会の絵」で知られるフランスの作曲家ラヴェル（1875年生、1937年没）の楽曲で、本盤では10分を超える演奏であるにもかかわらず、演奏終了後の「まだ終わらないでほしい」感がたまらない。アルバムであれ、楽曲単位であれ、演奏が終わったあとに「もう少し聴いていたい」と思わせることは、名曲や名盤の条件の一つで、そうしょっちゅう感じる現象ではない。4.「なき王女のためのパヴァーヌ」はそんな思いを強く抱かせてくれる名演奏である。[収録曲]1. Whisper Not2. A Child Is Born3. Big Blues4. Pavane For A Dead PrincessArt Farmer (flh)Jim Hall (g)Mike Moore (b)Steve Gadd (ds)Mike Mainieri (vib)録音：1978年2月
2009年09月30日
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モダン･ジャズ･カルテット 『たそがれのヴェニス（No Sun In Venice）』
音の美しさを楽しむ愛聴盤 ～その1～ モダン･ジャズ･カルテット（略してMJQ）は、ミルト･ジャクソン（ヴィブラフォン）を中心に、ジョン･ルイス（ピアノ）、パーシー･ヒース（ベース）、ケニー･クラーク（ドラム）が結成したジャズバンド。レギュラーグループの活動がそれほど多くないジャズ界で20年以上もグループとして活動した（ただし、ドラムは入れ代わりがあり、本作の時点ではコニー・ケイがドラムを担当）。 そんなMJQが残したアルバム中で、"音の美しさ"という観点から筆者が特に気に入っているのが、本盤『たそがれのヴェニス（原題：No Sun In Venice）』（1957年）である。音といっても、録音状態やオーディオ的な話ではなく、楽器演奏の音色という意味である（とはいえ、MJQ初期の有名盤は録音状態が悪いのに対し、本盤は音質もいいのは事実である）。 MJQの最大のよさは、グループとしての調和にある。このことは、ミルト･ジャクソンの演奏に顕著に現れているように思う。ミルト･ジャクソンのソロ名義を聴くと、もっと自由に演奏している姿が目につくが、MJQではいい意味で抑え気味の演奏をしている。本作においてもそれは例外ではなく、グループとしての音作りが強く意識されている。結果として出てくる音は、メンバー4人が一体として演奏を繰り広げ、ミルトのヴィブラフォンはきらきらときらめく音色になって聴き手の耳に届く。この"きらきら感"が醸し出す美しさこそが、筆者の言う"音の美しさ"ということになる。このような観点から特におすすめなのは、1.「ゴールデン･ストライカー」、3.「ローズ･トルク」、6.「三つの窓」。 ちなみに、本盤は、1957年のフランス映画『大運河』のためにメンバーのジョン･ルイスが書き下ろした作品集である。しかし、映画のサウンドトラックというよりは、MJQの一つの作品としての趣が強いアルバムである。さらに付け加えておけば、ジャケットに使用されている絵画はターナーの名画だが、左右反転したままジャケ写真として使われているとのこと。 [収録曲]1. The Golden Striker2. One Never Knows3. The Rose Truc4. Cortege5. Venice6. Three WindowsThe Modern Jazz Quartet: John Lewis (p), Milt Jackson (vib), Percy Heath (b), Connie Kay (ds)録音： 1957年4月4日 【楽天ブックスならいつでも送料無料】JAZZ BEST COLLECTION 1000::たそがれのヴェニス [ モダン・ジャズ・カルテット ]
2009年09月29日
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デューク・エリントン＆ジョン・コルトレーン 『デューク・エリントン＆ジョン・コルトレーン』
エリントンの包み込むようなやさしさとコルトレーンの品のある敬愛の念の邂逅 一方のデューク・エリントンは、1899年生まれ。言わずと知れたビッグ・バンド、スイング・ジャズの代名詞的存在のピアノ奏者である。他方のジョン・コルトレーンは、1926年生まれのサックス奏者。モード奏法やシーツ・オブ・サウンドなどジャズ界の革新的プレイヤーである。四半世紀以上、つまりは親子になり得るほど世代が離れたこれら二人は、生涯に一度、正面から組み合っての共演を果たした。それが、1962年に録音された本作『デューク・エリントン＆ジョン・コルトレーン（Duke Ellington & John Coltrane）』である。 世代の違いはもとより、その音楽性の違いから、異色の顔合わせであるということに異論はないだろう。無論、異色の顔合わせでの共演には、"すれ違い"の恐れ、早い話、さっぱりかみ合わずに失敗作だけが残るという可能性が高い。けれども、本盤は歴史的な名共演となった。その理由は何だったのだろうか。 まずはエリントンである。録音が行われた1962年の段階では、名を成し功を築き上げ、何十年ものキャリアを誇り、既に60歳を超えた巨匠である。にもかかわらず（否、「だからこそと」言うべきか）、エリントンは、"現代的な"演奏を繰り広げている。象徴的な例を挙げれば、1曲目のイントロのピアノ演奏からしてそうである。このような調子で、25歳以上離れたコルトレーン相手に、やさしく包み込むかのような包容力ある懐の深さを全編にわたって見せている。 コルトレーンの演奏もまた、不思議なものである。当時の彼が目指していた音楽的革新性というのを前面に出すのではなく、むしろ基本的にスタンダードな奏法を通している（しかし、出てくる音はまぎれもなくコルトレーンのそれである）。これは、コルトレーンが大御所を相手に萎縮したわけでも、遠慮をしたわけでもない。それどころか、その丁寧なプレイを聴くにつけ、巨匠エリントンへの深い尊敬の念を感じさせるものである。1曲（3.「ビッグ・ニック」）を除き、全曲がエリントンの楽曲で占められている事実も、そのようなコルトレーンの敬意を反映してのことなのかも知れない。 結果的に、両者の歩み寄りが本盤の出来のよさにつながったのだと思う。エリントンがその名声を鼻にかけてプレイしたならばこうはならなかったし、コルトレーンが挑戦的に挑んでも、本盤は名作になり得なかった。しかし、現実には、そのいずれでもなく、両者がいい意味で互いを意識しての演奏となった。暖かく包み込むエリントンの胸元の深さを感じさせる包容力と、コルトレーンによる偉大なる先達への敬愛の念の両方があったからこそ、このセッションは成功を収め、異色の名盤が生まれることになったのだろう。わずか30分強の短いアルバムだが、そんなことを考えながら、歴史的な出会いというのを噛みしめて聴くのもいいのではないかと思う次第である。[収録曲]1. In A Sentimental Mood2. Take The Coltrane3. Big Nick4. Stevie5. My Little Brown Book6. Angelica7. The Feeling Of JazzJohn Coltrane (ts, ss)Duke Ellington (p)Jimmy Garrison (b)Aaron Bell (b)Elvin Jones (ds)Sam Woodyard (ds)録音： 1962年9月26日
2009年09月25日
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クリフォード・ブラウン 『スタディ・イン・ブラウン（Study in Brown）』
完璧さの前にひれ伏すしかない、真の"完成品"と呼べる名盤 クリフォード・ブラウンは1930年生まれで、ハードバップ初期の名トランペット奏者。"ブラウニー"の愛称で親しまれる。1950年代前半から半ばにかけて活躍したが、1956年、交通事故で25歳で他界した（事故の車には本作のメンバーであるリッチー・パウエルとその妻も同乗しており、3人とも亡くなった）。1955年に吹き込まれた『スタディ・イン・ブラウン（Study in Brown）』は、そんな彼の代表作の一つで、名盤ガイド類などでも常連の有名盤である。 本盤が優れた作品であると言われる理由として、二つの要素があると思う。一つはブラウニー自身のトランペット演奏である。そして、もう一つはマックス・ローチをはじめとするバンド・メンバーの演奏である。 一つめの点については、濃度もしくは密度の高さである。トランペットという楽器がジャズにおいて表現しうるエッセンスが、このアルバムの40分の演奏の中には、凝縮されぎっちりと詰め込まれている。柔らかく流れるようなメロディアスな演奏から、メリハリのついた音色の緊迫したプレイまで、あまりに完璧だと思う。それだけに聴き手はリラックスはできないかというと、そうでもなく、緊張して聴かねばならない瞬間と少し落ち着いて聴いていられる瞬間が代わる代わる訪れる。 いま述べた緊張感とリラックス感の交錯は、二つめの要素に結びついていると言える。本盤は、"クリフォード・ブラウン=マックス・ローチ五重奏団（Clifford Brown and Max Roach Quintet）"名義であり、ブラウニー一人がリーダーでもなければ、彼が唯一の主役という訳でもない。マックス・ローチは全体のリズムをコントロールしているのみならず、随所で盛り上げる場面を作り出す。クインテット形式で、テナーサックスやピアノに与えられるパートも充実し、それは時にリラックス感を生むと同時に、いつ次の展開が始まるかという緊張感も聴き手に与える。 クリフォード・ブラウン=マックス・ローチ五重奏団が結成されたのは1954年であった。つまりはブラウニーが事故でこの世を去るまでわずか2年という短い活動期間だったわけである。さらに、ブラウニー自身がレコーディングを開始したのは、そのわずか2年前。つまり、レコーディングに携わった期間はたった4年しかなかった。もう少しでも長く生きていれば、本盤と並ぶ名演はもっと生まれていたであろう。しかし、逆説的ながら、彼の死は新たな名曲を生みおとすことになる。彼の死にショックを受けたベニー・ゴルソンが追悼曲として作った「クリフォードの想い出（I Remember Clifford）」である。この名バラードは、ジャズ界のスタンダードとして定着していった。さらにずっと後（40年後）には、同じくブラウニーに捧げた「永遠のブラウニー（Brown Inmortal）」という、これまた美しい曲をゴルソンは作曲している。 [収録曲]1. Cherokee2. Jacqui3. Swingin'4. Lands End5. George's Dilemma6. Sandu7. Gerkin For Perkin8. If I Love Again9. Take The A TrainClifford Brown (tp), Max Roach (ds), Harold Land (ts), George Morrow (b), Richie Powell (p)録音： 1955年2月23日（3, 4, 7, 9）、2月24日（5, 8）、2月25日（1, 2, 6） [枚数限定][限定盤]スタディ・イン・ブラウン/クリフォード・ブラウン&マックス・ローチ[CD]【返品種別A】
2009年09月24日
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大西順子 『ビレッジ・ヴァンガードの大西順子』
自由奔放な大西順子のピアノ・プレイ 知り合いに大西順子によく似た女性がいる。年齢は近いが、別に顔が似ているわけではない。しかし、私には彼女と大西順子が重なって見える。特段美人と言うわけでもなく、何か特別に色気があるというわけでもない。けれど、その人の笑顔がなぜか大西順子と重なり合う。彼女を見ていて、きっと大西順子もこんな性格の人ではなかろうかと思う次第だ。 大西順子は1967年京都出身、東京育ちのジャズ・ピアニスト。1986年から3年間バークリー音楽院に学び（首席で卒業らしい）、その後数年間はニューヨークで活動を始める。1992年には日本に戻り、デビュー作『WOW』（録音は同年だが、発売は1993年）を発表。ジャズ・アルバムとしては異例の売り上げを記録し、大きな評価を得る。本盤『ビレッジ・ヴァンガードの大西順子（Junko Onishi Live at the Village Vanguard）』は、翌1994年、日本人として初めて自前のグループでニューヨークの名門ジャズ・クラブ「ヴィレッジ・ヴァンガード」にて1週間公演を行なった際の録音であり、『ニューヨーク・タイムズ』紙でも絶賛されたとのことである。 さて、上の知人女性の話に戻ると、彼女は男性の多い職場で孤軍奮闘しながら、精神的にも疲れるのではなかろうかと察するのだが、それにもかかわらず、どこかあっけらかんとした明るさと自由な雰囲気を振りまいている。普通なら肩に力が入ってしまいそうなところにもかかわらずである。彼女が大西順子と重なり合うというのはきっとこの部分なのだと思う。 本盤の大西順子の演奏は、スリリングでありながら、小難しくない。ひとことで言うと、自由奔放なのである。緊張感はあるが、その緊張感を楽しんでいるようにさえ思われる。特定のジャズのスタイルの語法や演奏スタイルがどうとか、難しい話を超越したところで、「私はこれがやりたいのよ！」とばかり奔放に演奏を繰り広げる。長尺の曲も多く、その間の緊張感は張り詰めている。けれどもその1曲1曲が終わった時の爽快感は、背後にある自由奔放さゆえの気持ちよさであり、演奏者本人と聴き手が分かち合えるものだと感じる。全6曲の中で、とりわけ筆者が好むのは、1.「ソー・ロング・エリック」の緊迫感、6.「コンジニアリティ」の弾ける自由さである。[収録曲]1. So Long Eric2. Blue Skies3. Concorde4. How Long Has This Been Goin' On5. Darn That Dream6. CongenialityJunko Onishi (p), Reginald Veal (b), Herlin Reiley (ds)録音： 1994年5月6・7・8日 【中古】 ビレッジ・バンガードの大西順子 ／大西順子トリオ 【中古】afb
2009年09月24日
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ジョン・コルトレーン 『ジャイアント・ステップス』
コルトレーンの「進化」と「深化」、そして、その「真価」 以前に紹介した『ソウルトレーン』（1958年録音）を静とするなら、本作『ジャイアント・ステップス（Giant Steps）』（1959年録音、60年リリース）は動。あるいは『ソウルトレーン』を変化前とするなら、『ジャイアント・ステップス』は変化後。『ソウルトレーン』がわりにリラックスして聴けるのに対し、『ジャイアント・ステップス』は、聴いた後の充足感が大きいと同時に疲れも激しい。別にこれら2作で比べなければならないという必然性はないのだが、前回紹介したアルバムと今回のアルバムということで並べて比較すれば、このような印象だ。 一部の熱心なファンには、コルトレーンを「神」と崇めたてるような人たちもいるものの、個人的には、コルトレーンはもっと人間的な存在だったような気がしてならない。きっと音楽そのものや、自分自身の演奏に対して、真摯で真面目な人間だったのだろう。来日時に語った「（10年後に）聖者になりたい」というセリフが一人歩きしているような気がしてならない。しかし、よく考えて見れば、「聖者」と「神」は違う。聖者というのは「神に認められ、列せられた者」ということだったのかもしれないし、もしかすると、もっと単純に、10年後は神に召されているかも、という意味で言っただけなのかもしれない。 そんなわけで、音楽に対して真摯な一人の人間としてコルトレーンを聴けばよいと筆者は感じる。最初に述べたように、本盤は、聴いた後に疲れる、つまりは重いジャズなわけだが、本盤でのコルトレーンは、確かに軽いジャズとして聞き流すのは失礼にあたりそうな魂の込め方をもって演奏を繰り広げる。 アトランティック・レーベルから発売された本作は、全7曲で（現行のCDには、後になって発掘された別テイクなども追加されている）、全曲コルトレーン作。月並みな言い方でしか表現できないが、どの曲も"かっこいい"。1.「ジャイアント・ステップス」は、複雑なコード進行に音数の多いサックス演奏で知られる名曲。しかしながら、この曲だけを聴いて他の曲を聴かないというのはナンセンスで、1曲目以外にももっと耳を傾けるべきだと思う。例えば、3.「カウントダウン」のサックスは、音を敷き詰めたかのようなシーツ・オブ・サウンドそのもの。個人的に気に入っているのは、LP時代のB面（5.～7.）で、とりわけ、7.「ミスター・P.C.」はアルバム表題曲に勝るとも劣らぬ迫力がある。そんなわけで、7曲（CDのボーナス曲もいれるとほぼ倍増）続けて聴くと、疲れはするが充実する、そんな一枚だと感じる。［収録曲］1. Giant Steps2. Cousin Mary3. Countdown4. Spiral5. Syeeda's Song Flute6. Naima7. Mr. P.C.～以下、CD化の際に追加されたボーナス・トラック～8. Giant Steps （別ヴァージョン1）9. Naima （別ヴァージョン1）10. Cousin Mary （別テイク）11. Countdown （別テイク）12. Syeeda's Song Flute （別テイク）13. Giant Steps （別ヴァージョン2）14. Naima （別ヴァージョン2）15. Giant Steps （別テイク）録音：1959年3月26日（8,9,13,14）： John Coltrane (ts), Cedar Walton (p), Paul Chambers (b), Lex Humphries (ds)1959年5月4日（3,4,11）： John Coltrane (ts), Tommy Flanagan (p), Paul Chambers (b), Art Taylor (ds)1959年5月5日（1,2,5,7；10,12,15）： John Coltrane (ts), 1959年12月2日（6）： John Coltrane (ts), Wynton Kelly (p), Paul Chambers (b), Jimmy Cobb (ds) [枚数限定][限定盤]ジャイアント・ステップス(モノラル・ヴァージョン)/ジョン・コルトレーン[CD]【返品種別A】
2009年09月15日
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ジェイ・ジェイ・ジョンソン 『ジ・エミネント・J.J.ジョンソン Vol. 1』
秀抜なJJのスリリングな演奏とリラックスした演奏 ジェイ・ジェイ・ジョンソン（J・J・ジョンソン）は、1924年、米国インディアナ出身のトロンボーン奏者（2001年没）。スイング全盛期（トロンボーンは花形楽器だった）から活躍をはじめ、ビ・バップ以降、トロンボーンが花形の座を失い、モダン・ジャズにおける主流楽器ではなくなった後も、見事な楽器さばきでトップ・プレイヤーとしての地位を確立した。 本盤の"エミネント"とは、「高名な、秀でた、抜きん出た」といった意味。上で述べたように、トロンボーンが主流楽器ではなくなっていく過程の中で、超技巧を駆使し、見事にその地位を築き上げたという経緯を考えると、まさしく"エミネント"である。 本作『ジ・エミネント・J.J.ジョンソン Vol. 1（The Eminent Jay Jay Johnson Vol. 1）』は、1953年の初リーダー・セッションの音源を含む1枚で、そうした秀抜な演奏が1曲目からフルに堪能できる。1.「ターンパイク」からして、非常にスリリングである。スリリングでぞくぞくする演奏という意味では、3.「ゲット・ハッピー」、5.「カプリ」、10.「コーヒー・ポット」がすぐれている。スリリングといっても、技巧に頼ったスピード演奏だけが持ち味ではない。どこかしらやさしさを内包し、リラックスした部分を残した演奏だからこそ、落ち着いて心地よく聴けるのだと思う。 前半（A面、1.～5.）と後半（B面、6.～10.）でメンバーと録音日が異なっている。前半の方がややスリリングさが勝り、後半の方がややリラックス度が上がる。それは、前半のクリフォード・ブラウン（トランペット）、後半のウィントン・ケリー（ピアノ）の参加に追う部分が結構あるように思われる。 ちなみに、個人的な好みで言えば、7.「オールド・デヴィル・ムーン」がいちばんのお気に入りである。親しみやすいメロディからのびのびとしたソロ演奏、さらにはバックのコンガがさりげなく効いていて、本盤随一のリラックス曲。それでいて、緊張感は失われておらず、4分足らずの短い時間（本盤の他の収録曲も概ね4分前後）にその魅力が見事に凝縮された1曲だと思う。［収録曲］1. Turnpike2. Lover Man3. Get Happy4. Sketch 15. Capri6. Jay7. Old Devil Moon8. It's You Or No One9. Too Marvelous For Words10. Coffee Pot録音：1953.6.20（1～5）： Clifford Brown (tp), Jay Jay Johnson (tb), Jimmy Heath (ts, bs), John Lewis (p), Percy Heath (b), Kenny Clarke (ds)1954.9.24（6～10）： Jay Jay Johnson (tb), Wynton Kelly (p), Charlie Mingus (b), Kenny Clarke (ds), Sabu (conga)Blue Note1505 【楽天ブックスならいつでも送料無料】ジ・エミネント・J.J.ジョンソン VOL.1 [ J.J.ジョンソン ]
2009年09月15日
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レスター・ヤング 『プレス・アンド・テディ（Pres and Teddy』
落ち着いてゆったりとした気持ちで耳を傾けたい大人の一枚 レスター・ヤングは、1909年生まれの米国人テナー・サックス奏者（クラリネットも演奏する）。多くのジャズ・ミュージシャンからリスペクトを受け、目標とされた人物である。ピークは1930年代と言われるが、本盤『プレス・アンド・テディ（Pres and Teddy）』は1956年のもので、1959年に死去する数年前の、レスター晩年の録音である。 本盤の名義は、レスター・ヤング=テディ・ウィルソン・カルテット（Lester Young-Teddy Wilson Quartet）である。そしてこの二人の名前がそのままアルバム名の『プレス・アンド・テディ』となっている。テディ・ウィルソンは、1912年生まれ（1986年没）のピアノ奏者で、同じく30年代から活躍した人物である。 アルバムタイトルにあるプレス（Pres＝Presidentプレジデント、大統領）とは、レスター・ヤングの愛称である。ジャズ歌手ビリー・ホリデイによるネーミングで、サックス界の大統領（アメリカでNo.1と言えば、無論、大統領）といった意味あいだ。けれども、このような名前に恐れおののいてはいけない。こういう超ビッグネームを神棚に飾るかのように扱って、実際にはあまり聴かないというのは、よくないと思う。もっと普通に、と言えばよいのか、とにかくもっと自然に聴けばいいと思う。 1曲目の「オール・オブ・ミー」からして、非常になめらかでリラックスした雰囲気の演奏である。このリラックス感はレスターのサックスだけでなく、テディのピアノが合わさることで完成している雰囲気だと感じる。久々に再会したベテラン二人がなせるわざということなのかもしれない。テディのピアノが不可欠なことは、例えば5.「恋のチャンス」を聴けばよくわかる。個人的に好きなのは、1.「オール・オブ・ミー」、3.「ルイーズ」、5.「恋のチャンス」、それからCD追加曲の7.「プレス・リターンズ」。［収録曲］1. All of Me2. Prisoner of Love3. Louise4. Love Me or Leave Me5. Taking a Chance on Love6. Our Love Is Here to Stay7. Pres Returns* *CDボーナス・トラック［パーソネル、録音］Lester Young (ts), Teddy Wilson (p), Gene Ramey (b), Jo Jones (ds)録音：1956年1月13日 [枚数限定][限定盤]プレス・アンド・テディ+1/レスター・ヤング&テディ・ウィルソン[CD]【返品種別A】
2009年09月14日
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サド・ジョーンズ 『ザ・マグニフィセント・サド・ジョーンズ』
自然に耳に入ってくる音についついひき込まれる一枚 サド・ジョーンズは1928年生まれのトランペット奏者（1986年に死去）。ピアニストのハンク・ジョーンズ、ドラマーのエルヴィン・ジョーンズの兄弟である。戦時中から米軍バンドで活躍した経歴を持ち、カウント・ベイシー・バンドの一員としても知られる（晩年は、ベイシー亡き後の同バンドのリーダーも務めた）。 アルバム・タイトルの"マグニフィセント"とは、ラテン語由来で、「壮大な、崇高な、素晴らしい」といった意味合いをである。本作『ザ・マグニフィセント・サド・ジョーンズ』は1956年にブルーノートに吹き込まれたもので、ジャケットの写真から、"鳩のサド・ジョーンズ"とも呼ばれているらしい（サド・ジョーンズの全身像が中央に写り、足元にハトが戯れている光景がジャケット写真となっている）。5分を超える長尺5曲からなるアルバムで、現在ではボーナス・トラック2曲が追加されている。 サド・ジョーンズのトランペットの音は、すんなりと心地よく、自然に耳に入ってくるのが特徴だと感じる。1.「パリの4月」はその典型である。短いイントロの後、テーマ部からソロへの流れが非常にスムーズで、気がついたらトランペットの音に引き込まれていってしまっている。本盤の「パリの4月」（もとはカウント・ベイシー・バンドで有名になった曲で、同バンドでもサドが演奏をしていた）は評価が高く、ついこの曲に興味が集まりがちだ。けれども、４.「イフ・サムワン・ハッド・トールド・ミー」と5.「シーディア」も同じような意味で気がついたらひき込まれているタイプの名演奏だと感じる。 本作の特徴は、比較的長い演奏時間の中でサドが、わりに自由に、彼が思ったように演奏しているという点であろう。その演奏は、冗長になるのではなく、短い時間で簡潔には表現しがたい自由さが存分に生かされている。それゆえ、聴き手の耳にすんなり自然に音が入ってきて、ついつい彼の演奏に引き込まれてしまうのだろう。それでいて、1枚通して聴き終えた後に満腹になるのではなく、音楽が終わった後の空間にどこかしら寂しげな空気が漂っていることもまた、本盤の魅力だと思う。［収録曲］1. April In Paris2. Billie-Doo3. If I Love Again4. If Someone Had Told Me5. Thedia～以下、ボーナス・トラック～6. I've Got A Crush On You7. Something To Remember You By［パーソネル、録音］Thad Jones (tp), Billy Mitchell (ts), Barry Harris (p), Percy Heath (b), Max Roach (ds), Kenny Burrell (g, 7のみ)録音：1956年7月14日（ただし、7.のみ同年7月9日）Blue Note 1527
2009年09月14日
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ジョージ・ウォーリントン 『ライヴ・アット・カフェ・ボヘミア』
吸い込まれていく感覚に浸る快楽 ジョージ・ウォーリントン（George Wallington）は、ビ・バップのムーヴメントに加わった数少ない白人。ちなみに、彼はイタリアのシチリア生まれで、出生名はジョージ・ウォーリントンはではなく、ジアチント・フィリアという。1940年代から演奏を始め、やがて50年代にはハード・バップに鞍替えし、東海岸の気鋭の若手たちを集めて演奏をする。ウォーリントン以外は全員黒人というグループが、この五重奏団である。それゆえ、本作『ライヴ・アット・カフェ・ボヘミア（George Wallington Quintet at the Cafe Bohemia）』若きJ・マクリーン、D・バードらを擁したハード・バップ創成期の貴重なドキュメントという言い方もされ、有名な"カフェ・ボヘミア"でのライブ録音盤である。 何よりも驚かされるのは、全6曲を通してバンドの統率が見事なまでに取れている点である。曲ごとに見ると、それは強烈な一体感となって聴き手の耳に向かって飛んでくる。だからといって、各メンバーが遠慮しているわけでも抑制されているわけでもない。各曲の演奏パート単位で見ると、結構、個々が好きなことをやっている。例えば、マクリーン作の3.「マイナー・マーチ」のフロント2管のソロ（さらにはそれに続く残り3人のソロ）がそうである。この曲もそうだが、随所でP・チェンバース（ベース）のアルコも聴ける。4.の終盤でのA・テイラーはやりたい放題にすら聞こえる。 それでいてこの一体感が生まれているのはどういうことなのだろうか。唯一考えられるのは、ジョージ・ウォーリントンによる統制だと思う。各人が好き放題やりながら、リーダーのウォーリントンが実は要所要所で手綱を締め、全体をコントロールしている。その制御の仕方は抑圧的ではなく、それがこの演奏の活気や熱気につながっているのだろう。 こうして出来上がった名ライブ演奏は、深く考えずに、ただただ聴いていればよいのかもしれない。無心に聴いていると、1曲目「ジョニー・ワン・ノート」のスリル感に満ちたイントロとそれに続く2管にあっという間に引きずり込まれる。ややおとなしめに始まる2.「スウィート・ブランシェ」の頃には、完全に彼らの演奏に吸い込まれてしまう。あとはそのまま、勢いで全6曲。気がつくと、名曲6.「ボヘミア・アフター・ダーク」（&末尾のおまけ演奏「ザ・ペック」）まで、およそ45分があっという間に過ぎてしまう。この"吸い込まれていく感覚"こそが本盤の真骨頂だと思うのだが、いかがだろうか。［収録曲］1. Johnny One Note2. Sweet Blanche3. Minor March4. Snakes5. Jay Mac's Crib6. Bohemia After Dark/The Peck［パーソネル・録音］George Wallington (p), Donald Byrd (tp), Jackie McLean (as), Paul Chambers (b), Arthur Taylor (ds)録音：1955年9月9日
2009年09月13日
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ミルト・ジャクソン・オーケストラ 『ビッグ・バグス』
豪華なオーケストラ・サウンドの上で踊るミルト 本盤『ビッグ・バグス（Big Bags）』は、タッド・ダメロンとアーニー・ウィルキンスの編曲によるオーケストラ・サウンドをバックにミルト・ジャクソン（Milt Jackson）がヴァイブ演奏を繰り広げるというもの。ちなみに、ダメロンの担当は2、4、7、11、ウィルキンスの編曲は1、5、6、8、10、12（追加収録の別テイクは除外）。 ミルト・ジャクソンのソロというと、ブルージーで自由奔放にヴィブラフォンを鳴らしているイメージが強いかもしれない。けれども、MJQ（モダン・ジャズ・カルテット）での演奏やマイルス・デイヴィスとの競演作での演奏を聴けばわかるように、周囲との調和を作るのがうまいところが、彼の演奏スタイルの特徴の一つであると感じる。周りに合わせるというのではなく、周囲を壊さずに自身のプレイを生かしきると言えばいいだろうか。そして、本作の演奏では、そうしたミルトのよさがいかんなく発揮されている。要は、最初に聴いた時は、オーケストラ・サウンドの上を自由奔放に駆け巡っているのかと思いきや、少し集中して聴くと、ミルトがうまいからこそ、オーケストラの上を踊っているように聞こえるのだということに気づくというわけだ。 1.「オールド・デヴィル・ムーン 」、8.（&9.）「スター・アイズ」といった曲の豪快なアレンジとの絡みからしてそのことがよくわかる。豪華なオーケストラ・サウンドの絡み、その音を殺さずに自身の音を生かしきるという意味でもっとも気に入っているのは、5.「ユード・ビー・ソー・ナイス・トゥ・カム・ホーム・トゥ 」である。ちなみにこれら3曲を含めウィルキンスの編曲によるものは、豪華サウンドなイメージが強い。これに対し、ダメロンが編曲を担当した曲はどちらかというと細やかなアレンジ。後者でいちばんなのは2.（&3.）「ラウンド・ミッドナイト」。この曲を演奏したミュージシャンは数多いが、本盤での演奏も名演の一つに数えられてよいと思う。［収録曲］1. Old Devil Moon2. 'Round Midnight 3. 同上別テイク4. The Dream Is You5. You'd Be So Nice To Come Home To6. Echoes7. If You Could See Me Now8. Star Eyes9. 同上別テイク10. Namesake11. If I Should Lose You12. Later Than You Think［録音・パーソネル］録音：1962.6.19～20、1962.7.5Milt Jackson (vibraharp), Jimmy Cleveland/Melba Liston/Paul Faulise (tb), Clarke Terry/Nat Adderley/Bernie Glow/Ernie Royal (tp), Jerome Richardson/George Dorsey (as)James Moody (ts, fl), Jimmy Heath (ts), Arthur Clarke (bs)Hank Jones (p), Ron Carter (b), Philly Joe Jones (ds) ほか
2009年09月12日
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チャーリー・ヘイデン＆パット・メセニー 『ミズーリの空高く』
音楽はイマジネーションを促すということが実感できる名盤 最初にこのアルバムを手にした時の目当てはパット・メセニー（Pat Metheny）であった。しかも、パット・メセニーのアルバムの中で最初に手にとったのがなぜかこのアルバムだった。実際に聴いてみると、すぐに気に入った。本作は、一聴すると、確かにパットのギターがメインであるように聞こえる。したがって、筆者は、パット・メセニーのギターを気に入ったのだと勘違いした。 他のパット・メセニーのアルバムを聴くうちに、何か違うと思うアルバムもあった。そうこうするうちに気づいたのは、パット・メセニーの演奏を気に入ったというよりも、チャーリー・ヘイデンの方が気に入った要因だったということに気がついたのだ。いや、もう少し正確に言えば、チャーリー・ヘイデンが作り出す世界（それゆえその中でギターを演奏するパット）が筆者の心を打ったのだった。 本盤は、ギター（パット・メセニー）とベース（チャーリー・ヘイデン）の二人による演奏から成る。ベースとギターだけが織りなす、静かな世界である。1.「ワルツ・フォー・ルース」からして、物憂げな旋律が非常に美しい。旋律の美しさと物悲しさの共存という点では、4.「トゥー・フォー・ザ・ロード」、5.「ファースト・ソング」、8.「ヒーズ・ゴーン・アウェイ」、11～12「ニュー・シネマ・パラダイス」、13.「スピリチュアル」といったあたりの叙情性に強く惹かれる。上で述べたように、パットのギターだけがそれを演出しているのかと思いきや、何度か繰り返して聴けば、ベース奏者チャーリー・ヘイデンの役割が実は大きいということがわかる。 本作『ミズーリの空高く（原題：Beyond The Missouri Sky (Short Stories)）』のタイトルにある、ミズーリ州は、パット・メセニーの出身地である。しかし、筆者はミズーリに行ったこともないし、どんな場所なのかというイメージすらない。けれども、このアルバムを聴いていると、ジャケットに映し出された光景と重なって、ミズーリの夕暮れの空が浮かんでくる。続いて、その光景は静謐さをたたえた夜になり、やがて夜明けへと近づいていく。これはこれで聴き手の勝手な解釈なのかもしれないけれど、音楽がイマジネーションを促すものということを実感させてくれるアルバムだと強く感じる。［収録曲］1. Waltz for Ruth2. Our Spanish Love Song3. Message to a Friend4. Two for the Road5. First Song (for Ruth)6. The Moon Is a Harsh Mistress7. The Precious Jewel8. He's Gone Away9. The Moon Song10. Tears of Rain11. Cinema Paradiso (love theme)12. Cinema Paradiso (main theme)13. Spiritual録音：1996年（1997年リリース） Charlie Haden/Pat Metheny チャーリーヘイデン/パット メセニー / ミズーリの空高く Beyond The Missouri Sky 【CD】
2009年09月12日
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ケニー・クラーク 『ボヘミア・アフター・ダーク（Bohemia After Dark）』
裸体女性のジャケはどうかと思うが、内容は素晴らしいキャノンボールの初録音源 なぜだかサヴォイというレーベルのジャケットは、趣味が悪く、ダサいものが多いが、本盤もそうした一枚。ジャケット面を縦に分けた半分ほどが上半身裸の女性の写真で、残り半分は白地と言うかクリームっぽい色にメンバー等の文字表記。アルバム名は右側から写真部分に覆いかぶさるように（女性の胸元を隠すためか？）、赤字で入れられている。ジャケットはアルバムの"顔"と言われたりもするが、人は容姿だけで判断できないというのも事実。こういっては何だが、サヴォイのアルバムには、人は容姿だけではない（＝アルバムはジャケットだけで判断すべきでない）ということを教えてくれるものがなぜか多いように思う。 さて、本盤『ボヘミア・アフター・ダーク』は、1955年に録音された、ドラムのケニー・クラーク名義のアルバムである。それと同時に、このアルバムは、ジュリアン・キャノンボール・アダレイの初吹き込みとしても知られる（ちなみにキャノンボール・アダレイの初リーダー作は同じサヴォイの『プレゼンティング・キャノンボール』というアルバムである）。本作『ボヘミア・アフター・ダーク』に収録された7曲のうち、6.のみメンバーが違うのは、この曲だけがデビュー・アルバムのセッションからの音源であるためである。 とにかく1曲目の「ボヘミア・アフター・ダーク」がかっこいい。これだけで本盤を手にする価値が存分にあるのだが、他にも筆者のおすすめは、4.「ヒア・ミー・トーキン・トゥ・ヤ」、6.「ウィール・ビー・トゥギャザー・アゲイン」、そして7.「レイト・エントリー」。 メンバーを見ると豪華な顔ぶれなのだが、キャノンボールはもとより、ドナルド・バード（参考記事）もまだニューヨークへ出てきたばかりの初期の録音。つまり、みんな若かったのだ。アルバムを聴くと、確かに若々しさが感じられるのだが、それと同時にどこか貫禄を感じるのが不思議である。若々しく、風格を漂わせながら、見事にハードバップに決める。このメンバー、このタイミングで吹き込まれたからこそ生まれた名演と言えるのかもしれない。［収録曲］1. Bohemia After Dark2. Chasm3. Willow Weep For Me4. Hear Me Talkin' To Ya5. With Apologies To Oscar6. We'll Be Together Again7. Late Entry録音：1955.6.28（1～5、7）： Nat Adderley (cor), Donald Byrd (tp), Julian "Cannonball" Adderley (as), Jerome Richardson (ts, fl), Horace Silver (p), Paul Chambers (b), Kenny Clarke (ds)1955.7.26（6のみ）： Nat Adderley (cor), Donald Byrd (tp), Julian "Cannonball" Adderley (as), Hank Jones (p), Paul Chambers (b), Kenny Clarke (ds) ボヘミア・アフター・ダーク/ケニー・クラーク［CD］【返品種別A】 にほんブログ村
2009年09月01日
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シェリー・マン 『マイ・フェア・レディ（My Fair Lady）』
「お洒落なジャズ」という売り込み方がもっとなされてもいいかもしれない一枚 「お洒落な音楽」としてジャズを聴くのは許せないと言うジャズ愛好者も多いのではないかと思う。ビル・エヴァンスの『ワルツ・フォー・デビイ』などはそうした話題の代表格としてよく挙げられる。要は、奥深いビル・エヴァンスの名演を「洒落たBGM」扱いするのは許せん、と言うわけである。 けれども、そうした「お洒落な音楽」扱いされることで門戸が広がり、確率はさほど高くないとしても、それによってビル・エヴァンスを好きになるきっかけを掴む人もいるはずだ。21世紀を迎えた現在、ジャズがマニアや愛好家だけの音楽に留まるよりは、もっと大衆化され、いろんな聴かれ方や楽しまれ方をいいのかもしれないと筆者は思う。つまるところ、博物館に送り込まれて「時代の遺産」のようにして展示されるのではなく、実際に使い続けられる道具や工芸品のように「生きたもの」であった方がいいように思うのである。 そのような観点から、シェリー・マン名義の本作『マイ・フェア・レディ（My Fair Lady）』は、現代の聴き手にもっと大々的に売り出されてもいい作品だと思う。そもそも本盤の成り立ちには次のような経緯がある。1956年にブロードウェイで同名のミュージカルが上演され、その主演を務めたジュリー・アンドリュースの歌唱によるサウンドトラック盤が好評を博した。その人気がジャズ界にも飛び火し、本盤『マイ・フェア・レディ』としてジャズ化され、ヒットした。冒頭の話に戻れば、ミュージカル（およびそのサントラ）の"二番煎じ"あるいは"二匹目のドジョウ"が本盤のそもそもの由来だったわけで、それを再び大衆化して何が悪いものか。そう言われたら、ジャズ・ファンは返す言葉もない。 さて、このアルバムのジャケットに記された名義は"Shelly Manne & his Friends"となっている。それでもって、"Friends"の右上に注釈のアステリスク（*印）がついていて、ジャケ右下の端っこの方に小さく"*Andre Previn and LeRoy Vinnegar"と記されている。実際に演奏を聴くと、なるほどアンドレ・プレヴィンのピアノが大きな役割を担っている。もちろん、シェリー・マンの役割も大きいし、リロイ・ヴィネガーの重要性も低くはない。スインギーで、ドラマティックなピアノ演奏、さらにはそのピアノを盛り立てて乗せていくドラムとベースが実にスリリングな演奏に仕上げているピアノ・トリオ盤である。 このスリリングさに集中して聴くと実に素晴らしい1枚であることは言うまでもないだろう。けれど、一歩立ち止まって、落ち着いて考えてみると、ヴォリュームを下げて、「お洒落なジャズ・ミュージック」という聴き方もされていいのかもしれないともふと思ったりする。ビル・エヴァンスを聴いて「ジャズっていいかも」と思った人が、次にマイルスを勧められて、コルトレーンを勧められて…だんだんよくわからなくなる。いや、そこでマイルスやコルトレーンを聴いて目覚め、新たな楽しみを見出す人もいるのだろうけれど、そこで尻込みして、「もうジャズなど聴くものか」と去っていく人も相当数いるはずだ。そんな時、もうしばらくの間、「お洒落な音楽」としてジャズに親しむということがあってもいいかもしれない。そしてそういう時にもっと勧められ、なおかつ売り込まれていいアルバムの一つが『マイ・フェア・レディ』なのではないかと思う。［収録曲］1. Get Me To The Church On Time2. On The Street Where You Live3. I've Grown Accustomed To Her Face4. Wouldn't It Be Lovely 5. Ascot Gavotte6. Show Me7. With A Little Bit Of Luck8. I Could Have Danced All Night[パーソネル、録音]Shelly Manne (ds), Andre Previn (p), LeRoy Vinnegar (b)録音：1956.8.17 [枚数限定][限定盤]マイ・フェア・レディ/シェリー・マン[CD]【返品種別A】
2009年08月31日
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カーティス・フラー 『ブルースエット（BLUES-ETTE）』
優雅でありながら、どこかに漂う孤独感 1934年、デトロイト出身のトロンボーン奏者、カーティス・フラー（Curtis Fuller）の代表作が、この『ブルースエット』（1959年リリース）。フラー自身はいろんなグループやセッションでの録音を残しており、様々なアルバムで彼の演奏を聴くことができる。けれども、"ハスキー・トロンボーン"などと形容される彼のトロンボーンをじっくり聴くには、やはりフラー名義で出されたアルバムがいい。そうしたリーダー・アルバムの中で名盤・有名盤としてよく名前が挙がるのが本作である。 フラーのトロンボーンは、ある意味、とても不思議な音色を奏でる。トロンボーンと言っても、あまり豪快な感じはしない。むしろ繊細な印象だ。それでいて、ある時は滑らかで優雅に、またある時は寂しげに音を紡ぎだす。 そんな彼の演奏スタイルをうまく生かしたのが、本盤の陰の立役者であるベニー・ゴルソンのアレンジであろう。アレンジは徹底的にやったがゆえに成功する場合もあれば、それがあだになって"くどい"作品に仕上がることもある。けれど、本盤のゴルソンのアレンジは比較的控えめで、それが見事に功を奏したのだと思う。その結果、出てきたのが、表題に挙げたように、優雅でありながらもどこかしら寂しさや孤独感を漂わせるというアルバム全体の雰囲気である。 アルバム全体のトーンが統一されていてとてもよいのだけれど、曲単位でのおすすめは、1.「ファイヴ・スポット・アフター・ダーク」（様々なアーティストが演奏した、ゴルソン作の名曲）。それから、表題曲の3.「ブルースエット」、アルバムを締めくくるフラー作のブルースである6.「12インチ」。いずれも優雅で滑らかでありつつも、寂しさや孤独感を漂わせるトロンボーンが楽しめる。 ついでながら、本盤のジャケットはなかなか秀逸。蝶が羽を広げるかのように両手を広げて舞っている女性ダンサー（？）のジャケットは、ダサダサのジャケが多いサヴォイにしては、美しい仕上がりだ。ただし、最近のリイシューCDには別ジャケもあるようなので、購入の際にはオリジナル・ジャケかどうか注意が必要。［収録曲］1. Five Spot After Dark2. Undecided3. Blues-ette4. Minor Vamp5. Love Your Magic Spell Is Everywhere6. Twelve-Inch［録音・パーソネル］録音： 1959.5.21Curtis Fuller (tb), Benny Golson (ts), Tommy Flanagan (p), Jimmy Garrison (b), Al Harewood (ds) 【送料無料】ブルースエット ［ カーティス・フラー ］ ブルースエット/カーティス・フラー[CD]【返品種別A】
2009年08月30日
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セロニアス・モンク 『ジーニアス・オブ・モダン・ミュージック Vol. 1』
タイトルに偽りなし、この時点から既に本当の天才（ジーニアス）であったことがわかる歴史的遺産 マイルス・デイヴィスは、オルガン奏者ジミー・スミスを指して「ジャズ界8番目の不思議」と評したそうだが、そもそも「ジャズ界の七不思議」って何なのであろうか。某盤のライナーで「8番目の前にそもそも7つ目までは何なのさ」とくだらないつっこみを入れているのを読んだような気がする。それを読んだ時、「人が貴重なお金を払って買うレコード（CDだったか？）のライナーにこんなことつまらんことを書くな！」と思った。けれど、このブログのような、見るのは所詮タダの場でなら、こんな話題もいいかと思うので書くことにする。七つの不思議すべてはわからないけれど、第一番目の不思議は、筆者の中では、はっきりしている。それは、セロニアス・モンクというピアニストの曲・演奏、さらに言ってしまえば、彼の存在自体である。 本盤はブルーノート・レーベルのいわゆる「1500番台」の初期の一枚である。タイトルは『ジーニアス・オブ・モダン・ミュージック Vol. 1』（Blue Note 1510）。当時のブルーノート盤は、別々に発売しつつもVol.1とVol.2に分けてリリースされることが多かった。実際、セロニアス・モンクの『ジーニアス・オブ・モダン・ミュージック』も、そのパターンで、Vol.2が連番で存在する（Blue Note 1511）。Vol. １には主として1947年の録音、Vol. 2には主に1951～52年に吹き込まれたものが収録されている。 ブルーノートでの吹き込みの後、モンクは1952年以降にプレスティッジ、1955年からはリバーサイドで様々なアルバムを録音する。したがって、初めてモンクを聴く人が、プレスティッジやリバーサイドのアルバムを最初に手に取る可能性は高いし、実際、それらの中にはいくつもの名盤が含まれている。それでもなお、ブルーノート盤の2枚、とりわけ本作『Vol.1』を無視することはできない。なぜなら、この時点で既にモンクは、"完成品"であった、という事実を知ることができるからである。後々のモンクの作品は、その"完成品"に新機能が加わっていったようなもの、とでも表現すればいいのかもしれない。 そして、この点こそ、モンクが"ジャズ界最初の不思議"たる所以でもある。1.「ラウンド・アバウト・ミッドナイト」（「ラウンド・ミッドナイト」とも呼ばれる）、8.「エピストロフィー」、9.「ミステリオーソ」といった、後世のジャズ・ミュージシャンが繰り返し演奏する名曲が既に出来上がった"完成品"なのである。残念なことに、当時はさっぱり売れなかったということであるが、やがて時が流れることで、ジャズメンの、さらにはリスナーの耳が追いついた。時代が彼に追いついたからこそ、よく言われるモンクの「ヘンテコな具合」に、少なくとも発売当時に比べれば、拒否反応を示す人も少なくなっているだろうと思う。実際、60年以上が経過した今、このアルバムを聴いても、録音状態こそ明らかに古い時代のものとはいえ、中身がほとんど風化していないことに驚きを禁じえない。否、彼が未来を先取りしていたからこそ、当時は受け容れられなかったのであって、現在も古くなってはいない、と言うべきなのだろうか。 ちなみに、セロニアス・モンクには「バップの高僧」というキャッチフレーズが与えられてきた。英語でmonkは"修道士、高僧"の意味で、モンクの名とこの意味を引っかけたネーミングと思われる。この形容は今でもよく用いられているけれど、あまりに近づきがたい印象を与えるこの悪趣味なネーミングは、早めに忘れた方がいいと思う。この初期のアルバムを聴けば、モンクは別に山ごもりをする僧侶でもなければ、清貧生活を送る修道士でもないことがわかる。ただ一言、「ジーニアス（天才）」。これで必要十分である。近づき難い響きのネーミングでもって、彼を近づき難い存在にまつりあげるのは、結果的にモンクの音楽の体験者を減らすことにつながり、もったいない話だと思う。 ［収録曲］1. 'Round About Midnight2. Off Minor3. Ruby My Dear4. I Mean You5. April In Paris6. In Walked Bud7. Thelonious8. Epistrophy9. Misterioso10. Well You Needn't11. Introspection12. Humph録音：1947.10.15 （7と12）； Idresse Suliman (tp), Danny Quebec West (as), Billy Smith (ts), Thelonious Monk (p), Gene Ramey (b), Art Blakey (ds)1947.10.24 （2、3、5、10、11）； Thelonious Monk (p), Gene Ramey (b), Art Blakey (ds)1947.11.21（1と6）； George Taitt (tp), Sahib Shihab (as), Thelonious Monk (p), Robert Paige (b), Art Blakey (ds)1948.7.2（4、8、9）； Milt Jackson (vib), Thelonious Monk (p), John Simmons (b), Shadow Wilson (ds)
2009年08月19日
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ジョン・コルトレーン 『ソウルトレーン』
コルトレーン初期の名作に私たちが求めているものは何なのか ジョン・コルトレーン初期の名作『ソウルトレーン（Soultrane）』。今さら説明不要ではあろうが、1958年に当時在籍していたプレスティッジ・レーベルからリリースされたアルバムである。名盤として名高いものの、その半年前に制作された『ブルー・トレイン』がブルーノートの1500番台（Blue Note 1577）ということもあり、どちらかと言えば、その陰に隠れてしまっている感がある。とはいえ、リー・モーガン（トランペット）やカーティス・フラー（トロンボーン）を擁して録音された『ブルー・トレイン』に比べ、本作『ソウルトレーン』の方は、ワン・ホーン・カルテットで吹き込まれたもので、コルトレーンのテナー演奏をじっくり聴きたいという人には向いていると思う。 さて、本盤『ソウルトレーン』は、ミドルテンポの 1.「グッド・ベイト」で幕を開ける。シンプルなテーマから始まりそのままアドリブになだれ込む。このソロは、細かいフレーズを含みつつも、緊迫感はさほど高くなく、リラックスした演奏という印象を与える。 2.「アイ・ウォント・トゥ・トーク・アバウト・ユー」は、少し甘めのバラードで、数年後のアルバム『バラード』（1962年）での演奏を髣髴とさせる（ただし『バラード』では各曲が短いのに対して、本盤のこの曲は長尺で、10分を超える演奏である）。 3.「ユー・セイ・ユー・ケア」では、今度はテンポアップして、明るく躍動的になる。全体的に本アルバムでは抑え気味に聴こえるレッド・ガーランド（ピアノ）も、この曲に関しては、得意のプレイで鍵盤上を弾み転がるようなソロを見せている。コルトレーンはといえば、やはりリラックスした楽しげな雰囲気の演奏だ。続く 4.「テーマ・フォー・アーニー」は再びスローバラード。コルトレーンのテナーは文字通りこの曲を"歌い上げ"ている。 そして、アルバムを締めくくるのは、 5.「ロシアの子守唄」であるが。この曲が問題だ。筆者は、この曲が本アルバムに収められたことが必ずしもよくなかったのではないかと思っている。無論、この曲が嫌だということではないし、曲そのものや演奏自体が悪いと言っているわけでもない。ハイ・テンポで技巧をつくし、コルトレーンが吹きまくる。音を敷き詰めたかのような、いわゆる"シーツ・オブ・サウンド"の典型だ。けれども、どう考えてもこの演奏だけが本盤全体を通しての流れの中で浮いてしまっている。作ったコルトレーンの側からすれば、後の諸作品に通ずることになる実験的試みの1曲だったのかもしれない。けれども、この曲の代わりに、1曲目のような調子の名演があと1曲含まれていたならば、本作『ソウルトレーン』は、『ブルー・トレイン』すら押しのけて、誰もが認めるダントツの「コルトレーンの初期傑作」、もしくは、「これぞコルトレーンの入門盤」になっていたかもしれないという気がする。 オリジナルライナーにも5.の形容としてシーツ・オブ・サウンドという表現への言及があるという（オリジナルライナーを書いたのは、この表現を最初に使った音楽評論家アイラ・ギトラーによる）。手元にはオリジナルライナーがないので確認はできなかったが、手持ちの日本盤CDのライナー（最初にCD化された頃の、LPと共用だったライナー文）でも同じように、シーツ・オブ・サウンドの典型としてこの曲が紹介されている。その他、名盤ガイド類の紹介などでも、何かとこの「ロシアの子守唄」への言及が必須になっているようだ。 しかし、それはよくないんじゃないかと思う。5.のイメージを求めて本盤を聴いた人は、そのイメージとは異なる他の4曲にきっとがっかりしてしまう。けれども、そうした先入観なしに本盤を聴いてみると、1.～4.がメインであって、5.が特殊な感じがする。つまり、シーツ・オブ・サウンドが爆発する以前の、オーソドックスに演奏するコルトレーンを素直に楽しむという発想を最初から与えてくれた方がいいのではないだろうか。音楽的革新度は高くないが、独自のサウンドを目指そうとしながらも（実際、前年にはセロニアス・モンクやポール・クイニシェットとの共演など精力的にこなしている）、ハード・バップの語法を消化し、正統派の演奏をしていたコルトレーンの一瞬間を捉えたアルバム。そのようなアルバムと見なせば、1.～4.はいずれも文句のない超名演。暖かく、優しく、時に静かで、時に躍動的な、"正統派"なコルトレーンを楽しめばいいと思う。その上で、5.に興味が湧いたならば、シーツ・オブ・サウンドなり、コルトレーンの進化なりを、続く他のアルバム群で楽しむという道が開けるということではなかろうか。［収録曲］1. Good Bait2. I Want To Talk About You3. You Say You Care4. Theme For Ernie5. Russian Lullaby［パーソネル、録音］John Coltrane (ts), Red Garland (p), Paul Chambers (b), Art Taylor (ds)録音：1958.2. 7Prestige 7142 [枚数限定][限定盤]ソウルトレーン/ジョン・コルトレーン[CD]【返品種別A】
2009年08月16日
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マイルス・デイヴィス 『クールの誕生』
3分間の曲単位で聴く、考え抜かれたクールさ 本作『クールの誕生（Birth Of The Cool）』は、1949～50年に吹き込まれ、ビ・バップ以降発展してきたアドリブ至上のジャズの世界に新たな転換をもたらした、いわゆるクールジャズの出発点とされるアルバムである。そんなわけで、ジャズ史的には重要作品ということになるわけだが、その一方で、果たして聴いて面白いのか、という批判も受けてきた。確かに、本盤をマイルスの「代表作」として、初めてマイルスを聴く人にすすめるというのはどうかと思う部分もある。 けれども、『クールの誕生』というアルバムは、本当に「面白くない」作品なのだろうか。私個人の答えは、イエスであり、なおかつノーでもある。 なぜノーなのかという部分から述べてみたい。それは、一気に全部通して聴こうとすると、退屈してしまうからだ。それゆえ、筆者自身、初めて聴いた時は、本当に面白くない作品だと思った。しかし、それは第一印象に過ぎなかった。繰り返し、落ち着いて聴いてみると、やがてそうではないということに気がついた。実は、「一気に全部通して聴く」という行為ゆえに、つまらなく聴こえたのであって、聴き方を変えれば、まったく印象は異なるのだった。それは、一つ一つの曲を単独で聴くという方法である。こうやって聴いたならば、『クールの誕生』は、きわめて「クール」だったのだ。 どの曲のクオリティも高いので、どの曲でもいい。いや、敢えて言えば、ヴォーカル入りの12.以外の曲で試していただくのがこの趣旨に合うだろう。曲名で「これを聴いてみよう」といったノリでいいと思うので、とにかく1曲単位で聴いてみて欲しい。曲名のリストを見ながら、例えば、4.「ミロのヴィーナス」を選んだりすれば、特に大当たりだ。 そういった具合で、曲単位で聴けば、いずれの曲もわずか3分ほどだから、より集中して聴くことにもなる。実際、より集中するせいもあるのだろうが、イントロから曲の終わりまで、実によく練られていて、アレンジの美しさが際立って聴こえてくる。ノネット（9重奏団）という多人数編成の小オーケストラでありながら、完璧に統制のとれた演奏だ。このアルバムについて、長尺曲がないために、「どれをとっても曲が短くて…」という不満を口にする人もいるが、その不満はお門違いだと思う。曲が短いからこそいいのである。この練り上げられた演奏が5分、10分と続けば、聴いている方は疲れてしまうし、おそらく、そんなことをしたらクオリティは下がってしまったことであろう。 そういえば、ローリング・ストーンズの『レット・イット・ブリード』の紹介の項で、筆者は、ベスト盤のストーンズは、食傷気味になってしまうという話を書いた。きっとあれと似ているのだと思う。ストーンズの真骨頂のようなシングル曲や代表曲をこれでもかと聴かされると、聴き手は疲れ果て、退屈してしまうのである。 マイルスの『クールの誕生』もこれと同じである。したがって、アルバム全体を通して聴くのは大変で、それを無理して押し通せば、結果、つまらないと感じてしまう可能性がある。しかし、1曲ずつを個別に聴けば、その1曲毎はきわめて素晴らしい名曲・名演・名アレンジの結晶なのである。 そんなわけで、初めてマイルスの、というよりもジャズのアルバムを手に取る向きにはあまりおすすめしない。これを通して聴いた人間は、マイルスから、はたまたジャズから遠ざかってしまう可能性が高いからだ。それでもなお、名盤ガイド類に頻出しているという現状はどうかと思う。けれど、せめて、1曲単位で集中して聴けば、アレンジの美しさ・完璧さが見事であるとわかるのだよ、という一言を添えて紹介すれば、いくらか誤解が避けられるのではないかと思う。［収録曲］1. Move2. Jeru3. Moon Dreams4. Venus de Milo5. Budo6. Deception7. Godchild8. Boplicity9. Rocker10. Israel11. Rouge12. Darn That Dream録音：1949.1.21(1, 2, 5, 7); 1949.4.22(4, 8, 10, 11); 1950.3.9(3, 6, 9, 12)Miles Davis (tp), Kai Winding (tb), J.J. Johnson (tb), Lee Konitz (as), Gerry Mulligan (bs), Al Haig (p), Joe Shulman (b), Nelson Boyd (b), Max Roach (ds), Kenny Clarke (ds)ほか 【送料無料】クールの誕生 ［ マイルス・デイヴィス ］
2009年08月15日
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ソニー・クラーク 『ソニーズ・クリブ（Sonny's Crib）』
『クール・ストラッティン』だけではもったいない、ハード・バップの粋 1931年ペンシルヴァニア出身のソニー・クラークは、20歳の頃から西海岸で音楽活動を開始する。西海岸での活動で一定の成果を残したあと、彼がニューヨークに出てくるのは1957年4月、25歳の頃だ。1963年1月に急死してしまったため、ニューヨークに出てきてからの活動期間はわずか5年足らず。とはいえ、ニューヨーク到着直後、25歳の彼には勢いがあった。 ニューヨークに来てわずか数ヶ月、ブルーノートに『ダイアル・S・フォー・ソニー』を吹き込む。その1ヵ月半ほどが経過した9月には本作『ソニーズ・クリブ』を録音。さらには続けて『ソニー・クラーク・トリオ』が録音され、翌58年1月には、かの有名盤『クール・ストラッティン』が制作される。この1年弱の期間の彼はまさに破竹の勢いでレコーディングを重ねた。 そうした中の一枚が『ソニーズ・クリブ（Sonny's Crib）』である。1.「ウィズ・ア・ソング・イン・マイ・ハート」や4.「ソニーズ・クリブ」（つまりはA面・B面の1曲目）が秀逸である。1.はアルバム1曲目には聴こえない。何が言いたいのかというと、前の曲があってその流れで続いてくるような曲（厳密には曲のイントロ）なのだ。これを1曲目にもってきたインパクトはなかなか大きいと思う。1曲目を聴いていながらも、聴き手は既に数曲聴いているような気分にさせられ、結果、演奏にのめりこんでしまう。他方、4.の表題曲は、『クール・ストラッティン』の表題曲に比肩する雰囲気を持っている。逆説的だが、これを1曲目（A面1曲目）に持ってきて、『クール・ストラッティン』並みの洒落たジャケットをつけたなら、本盤の方が最大の代表作に化けていたかもしれない。他の曲も質が高く、個人的には2.「スピーク・ロウ」が特におすすめである。 さて、このアルバムをいい作品に仕上げているのは、間違いなく参加メンバーである。とりわけ三管の力による比重がとても高い。ドナルド・バード（トランペット）は、当時25歳で、ジャズ・メッセンジャーズの一員として注目を浴び始めたばかりであった。カーティス・フラー（トロンボーン）は当時まだ22歳。しかも、ソニー・クラークと同様、ニューヨークに来てまだ半年ばかりだった。ジョン・コルトレーンは既に31歳で、マイルスの・デイヴィスのグループのメンバーとして有名にはなっていたが、独自の音楽を求めてセロニアス・モンクとの共演やバンド・リーダーとしてのプレスティッジでのデビューといった模索を行なっていたのがちょうどこの1957年だ。さらに付け加えるならば、当時、ポール・チェンバース（ベース）は22歳、アート・テイラー（ドラム）は28歳だった。個人的な好みも付け加えておくならば、1.や3.のバード、2.や4.のコルトレーン、3.のフラーが耳に心地よい。 要するに、若い血潮がみなぎっているのである。ところが、若さが変に暴発すれば、単なるブロウ合戦に終わってしまっていたかもしれない。本盤の素晴らしいところは、管楽器の三者が「抑え気味にベストをつくした」ところにあるといっていい。ハード・バップ・ムーブメントを牽引する上り調子の若者たちの、考え抜かれたプレイ。これがリーダーであるソニー・クラークの手腕なのか、はたまた彼の録音を立て続けに行なったブルーノート・レーベルのオーナー、アルフレッド・ライオンの功績なのかはよくわからない。けれど、アレンジの妙や全体の統一感を求めた結果として完成した音楽が素晴らしいことに間違いはない。 「ソニー・クラーク」イコール『クール・ストラッティン』。ジャケットのよさも手伝い、同アルバムばかりが聴かれる傾向にある。しかしながら、この有名盤一枚だけで他を聴かないというのはあまりにもったいない、というのが筆者の感想である。[収録曲]1. With A Song In My Heart2. Speak Low3. Come Rain Or Come Shine4. Sonny's Crib5. New For LuluDonald Byrd (tp), Curtis Fuller (tb), John Coltrane (ts), Sonny Clark (p), Paul Chambers (b), Art Taylor (ds)録音：1957.9.1Blue Note 1576 【2500円以上お買い上げで送料無料】【CD】[UCCQ-9107]ソニーズ・クリブ [ ソニー・クラーク ] 【送料無料】【輸入盤】 Sonny's Crib ［ Sonny Clark ］
2009年08月10日
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ミシェル・カミーロ（ミッシェル・カミロ） 『ランデヴー』
超技巧派ピアニストによる勢いに乗った熱演 ミシェル・カミーロ（こう書く方が正確だが、日本盤などでは"ミッシェル・カミロ"と表記されている）は、1954年ドミニカ共和国出身のピアノ奏者・作曲家。今まで知らなかったのだけれど、日本制作盤（1986年、キングレコード）から火がついてメジャーに進出したのだそうだ。 彼の演奏を初めて聴いたのは1995～96年頃、メキシコシティの小さなホールだった。それまで彼の名は知らなかった。ただ割り引きチケットで入れるコンサートがあるからという理由で友人たちについて行ったまでだった。ところがどっこい、演奏を聴いてその凄さに圧倒され、唖然とした。そして、数日後、彼のCDを買いに走った。そうして手にしたのが、本作『ランデヴー（Rendezvous）』である。 ミシェル・カミーロは、「超技巧派」と呼ばれ、圧倒的なテクニックで知られる。要は「技術の高い」ピアニストとして有名なわけである。実際、筆者も初めて彼のライヴを体験した時に圧倒されたのはこの点だった。けれどこのアルバムを繰り返し聴き、やがて他のアルバムも何枚か聴くうちに気付いたのは、彼の演奏を素晴らしいものにしているのが「単なる技巧」だけではないということだった。 もう一つ、彼を形容する際によく用いられる台詞は、「ラテン」（ラテン的、ラテン・ジャズ、ラテン・フレーヴァー、など）や「カリブ」（カリビアン・テイスト、カリブの熱風、など）といった表現だ。これらの言い回しは、しばしば演奏の"熱さ"とも結びつけられて述べられる。 「超技巧」と「ラテン（カリブ）」。どちらもミシェル・カミーロを説明するのに真である。確かに、生半可なテクニックではないし、黒人ジャズとはまったく異なるラテン的熱さが感じられる。けれど、これら二つの要素が結合してこそのカミーロだという点を強調しておきたい。つまり、どちらか一方ではだめなのであって、これら両方の要素があってこそはじめて彼のよさが認識できるのだと思うわけだ。 「超技巧」と「ラテン性」の結合の結果が、このアルバムの"疾走感"である。1.「トロピカル・ジャム」からして既にハイライトのように思える。途中、テンポを落とし、静かになる曲（2.、4.、6.）もある。音の間とタイミングを活かした3.「エル・レアレホ」のような曲もあれば、9.「フロム・ウィズイン」のように強弱の波をつけながらピアノが走り続ける曲もある。単に疾走するだけの音楽が40分も50分も続いたら、普通は退屈するだろう。けれど、落ち着いた曲調、強弱のメリハリが利いた楽曲といったものをうまく混ぜ込むことによって、全体に疾走感がありながら、しかし単調になってしまわない工夫が本盤にはなされている。 カミーロのアルバムは他にもいい作品がある。だから何が何でも本盤が最初というわけではないけれど、この『ランデヴー』は、カミーロへの一つのいい入口になり得る作品だと思う。[収録曲]1. Tropical Jam2. Caravan3. El Realejo4. Rendevous5. As One6. Remembrance7. Blacky8. Albertina9. From WithinMichel Camilo (p), Anthony Jackson (b, g), Dave Weckl (ds)録音：不明（1993年5月リリース） 【送料無料】ランデブー/ミシェル・カミロ[CD]【返品種別A】 【送料無料】【輸入盤】 Rendezvous ［ Michel Camilo ］
2009年08月09日
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ブルー・ミッチェル 『ブルーズ・ムーズ（Blue's Moods）』
爽快に響くトランペットのワン・ホーン ブルー・ミッチェルは、翳りのあるというか、どこかしら物悲しい哀愁を秘めたトランペットを吹く。けれど、それと同時に、ミッチェルが吹くトランペットはクリアで伸びのある音色でもある。サイドメンで参加した、例えばホレス・シルヴァーのいくつかのアルバムを聴けば、このことはよくわかる。本盤『ブルーズ・ムーズ（Blue's Moods）』（1961年、RIVERSIDE）においても、トランペットばかりに集中して聴けば、クリアな音色の中に何かしら翳りが感じられるのは確かである。 本作はワン・ホーン・カルテットのリーダー作で、普通に考えれば、そうしたミッチェルのトランペットの特色が端的に出そうな編成である。けれども、出来上がった音楽は、なぜか爽快に響く。言い換えると、ミッチェルの音色にはいつも通りの翳りがあるにもかかわらず、その「翳り」は、アルバムとして全体を聴いた時、必ずしも前面には出てこないのだ。 その理由は二つある。一つは、曲順の妙。1曲目（本来のA面1曲目）の「アイル・クローズ・マイ・アイズ」、5曲目（B面1曲目）の「サー・ジョン」が特段に爽快な曲調に仕上がっている。つまり、必ずしも全曲が「爽快」な曲調というわけではないものの、そのような雰囲気を先入観として植えつけた上で、他の曲が続くという構成である。 もう一つの理由は、メンバーにある。ロイ・ブルックス（ドラム）とサム・ジョーンズ（ベース）の二人は、淡々と演奏をこなしながらも、盛り上げるところは盛り上げ（特にドラム）、軽快に飛ばすべきところはペースを上げていく（特にベース）。このリズム感が爽快さの基本となっている。そして、極めつけはウィントン・ケリーのピアノ。随所でソロを取るのだが、これがまたいい意味でスムーズに流れていくソロなのである。言い換えれば、本盤でのウィントン・ケリーは、（これまたいい意味で）粘着性の少ないプレイを展開しており、それが爽快さに確実につながっている。 以上のような爽快さゆえ、筆者はよく本盤を「朝一盤」として聴く。晴れた空、爽快な朝に1曲目か5曲目から聴く。もちろん、昼下がりに聴いても夜中に聴いても名盤なのだろうけれど、いつからか、個人的には朝起きて最初の一枚として愛聴している。[収録曲]1. I'll Close My Eyes2. Avars3. Scrapple From The Apple4. Kinda Vague5. Sir John6. When I Fall In Love7. Sweet Pumpkin8. I Wish I Knew録音：1960.8.24&25.Richard "Blue" Mitchell (tp), Wynton Kelly (p), Sam Jones (b), Roy Brooks (ds) 【送料無料】ブルーズ・ムーズ ［ ブルー・ミッチェル ］
2009年08月09日
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レッド・ガーランド 『レッド・イン・ブルースヴィル（Red in Bluesville）』
ガーランドのブルージーさを見直す レッド・ガーランドは1923年テキサス州ダラス生まれのジャズ・ピアニスト。1950年代半ばにマイルス・ディヴィスのグループに入ってから本格的な活躍を始め、途中、十数年間の引退期間もあったものの、後に復帰。1984年に亡くなるまでの生涯で、リーダー作はもちろんのこと、とりわけ50年代半ばから60年代初頭にかけて、数多くの有名盤に参加している。 そんなガーランドのピアノ演奏は、どこを取ってもすぐに彼とわかる個性があると言われる。要するに、一言で表現するならば、「金太郎飴」。これを悪いほうに解釈すると、「ガーランドは1～2枚聴けば十分」とか、「どれを聴いても同じで退屈」とかいう結論に達してしまう。 鍵盤の上をコロコロと転がるような音色、ブロックコードの多用、サービス精神旺盛な演奏…。こうした「個性」に耳を奪われ過ぎると、きっとガーランドのピアノは退屈になってしまうのだと思う。しかし、聴く側ももう少し開き直ってみてはどうだろう。 確かに、ガーランドの演奏は、どこを切っても同じ顔が出てくる「金太郎飴」のようだ。本人も意識して自我流を通したようであり、それゆえの引退期間を持った。けれども、落ち着いて考えてみたい。「金太郎飴」のどこが悪いものか。どこを切っても同じ顔が出てくるからこそ金太郎飴であって、もしも、切った場所によって顔が異なっているのだったら、一本の長い飴である意味もなければ、必然性もない。いろんな顔の飴が欲しいのなら、最初からバラバラになっている違う飴をいくつも買えばいい。つまるところ、金太郎飴の楽しみというのは、同じ顔が長く続いていることにこそある。 今まで何枚かのガーランドのアルバムを聴いた中で、リーダー作（トリオ作）の中で、本作『レッド・イン・ブルースヴィル（Red in Bluesville）』は結構気に入っているうちの一枚だ。収録曲のうち、2曲目などは少々間延びする曲もあるが、1.「ヒーズ・ア・リアル・ゴーン・ガイ」、3.「シカゴ特捜隊Mのテーマ」、6.「セントルイス・ブルース」あたりは非常に落ち着いて聴くことができる。その理由は、テクニックや演奏スタイル云々というよりは、ひとえにガーランドのブルージーな感覚がきっちり演奏に反映されているところにあるのだと思う。 テクニックに目を奪われすぎると、確かに「金太郎飴」が退屈になる可能性はある。けれどもこうしたブルージーな感覚に心地よく身を任せ、ガーランドのピアノに酔うのもいい。その時に「金太郎飴のどこが悪いのだ」と開き直って聴けばよい。 こんな聴き方をしながらなら、ガーランドのアルバムを全部聴いてみようかという気になる。全アルバム聴くのは長い道のりだろうけれど、筆者にとって、ガーランドはそれをやってみたいと思わせてくれる演奏家の一人だ。自然に聴くことのできる「金太郎飴」的なブルージーさに、きっと飽きることなく聴けそうな気がする。[収録曲]1. He's A Real Gone Guy2. See See Rider3. M Squad4. That's Your Red Wagon5. Trouble In Mind6. St. Louis BluesRed Garland (p), Sam Jones (b), Art Taylor (ds)録音：1959.4.17. 【Aポイント+メール便送料無料】 RED GARLAND / RED IN BLUESVILLE (輸入盤CD)【YDKG-u】
2009年08月09日
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ズート・シムズ 『ダウン・ホーム（Down Home）』
スイング感覚抜群のワン・ホーンを楽しむ ズート・シムズはリーダーとしてメンバーをぐいぐい引っ張って革新的な新たな何かを創造するというよりも、安定した演奏で安心できる名演をたくさん残したサックス奏者。そんなイメージが筆者には強い。そして、ベツレヘムに録音した『ダウン・ホーム』は、そのようなズート像を代表する一枚である。 全編にわたって、スイング感に満ち溢れている。悪く言えば単調ということになるのかもしれないけれど、一つのカラーでアルバム全体が統一されているのは悪くない。その一つのカラーとは、モダン以前に遡るスイング時代のジャズの楽しさである。1925年に生まれ、15歳からプロとして活動したズートの経歴（実際、本格的活動の開始はベニー・グッドマン楽団だったらしい）を考えれば、スイング時代ジャズののエッセンスも初期の活動の中で培われたものなのかもしれない。ともあれ、ビッグ・バンドのスイング演奏を聴いている時と同じ楽しさが、ビッグ・バンドではない4人編成のこのワン・ホーンのアルバムからは感じ取れる。 そんなスインギーな雰囲気の中、このアルバムの8曲40分余りはあっという間に過ぎていく。実際に演奏している曲も、1939年カウント・ベイシーの1.「ジャイヴ・アット・ファイヴ」、1902年（!）の5.「ビル・ベイリー」、1921年の7.「ゼアル・ビー・サム・チェンジズ」といった具合に古典的というか、古めかしいナンバーが多い。ドラムが単調だという批判もある。けれども、このアルバムの「古めかしく」「単純スイング」な雰囲気作りは意図的なものなのだと思う。そう言われれば、ピアノの演奏も見事にスイング感を盛り上げている。 要するに、それこそが本盤でのズートの意図だったのだろう。アルバム全体を通して見た時のスイングするノリの継続、そしてその中で冴えるズートのアドリブ。このイメージで一気に吹き込んだという印象。聴く側もそう思い込んで聴けば、難しいことを考えずに、気楽に聴けてなおかつ楽しい。 ズートがいま述べたような意図をもってこのアルバムを作ったのだとすれば、ひたすら楽しく聴くリスナーは見事にその術中にはまったということになるだろう。けれど、本当にそうなのだとすれば、すすんでその術中にはまるのも悪くない。[収録曲]1. Jive At Five ←おすすめ！2. Doggin' Around3. Avalon ←おすすめ！4. I Cried For You5. Bill Bailey ←おすすめ！6. Goodnight, Sweetheart ←おすすめ！7. There'll Be Some Changes Made8. I've Heard That Blues Before ←おすすめ！録音：1960年7月Zoot Sims (ts), Dave McKenna (p), George Tucker (b), Dannie Richmond (ds) 【楽天ブックスならいつでも送料無料】ダウン・ホーム +6 [ ズート・シムズ ] 【送料無料】ダウン・ホーム +6 ［ ズート・シムズ ］
2009年08月07日
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ソニー・クリス 『ゴー・マン（Go Man）』
明るいアルトの揺れ、流れる音色に垣間見られる切なさ 1927年生まれのアルト奏者ソニー・クリス（1977年死去）は、直系の「パーカー派」と見られ、早い話がチャーリー・パーカー（1955年死去）のコピーのように考えられるため、あまり評価されてこなかったというわけだ。本作は1956年に吹き込まれたもので、パーカー死去の直後、パーカー直系のイメージを振り払おうとしているように思われる。むしろ、パーカーの死があったからこそ、この初リーダーアルバムを作る気になれたのかもしれない。 個人的にはソニー・クリスのアルトは大好きだ。何より聴いていて心地いい。「心地いい」と表現したが、「爽快」というのは少し違う。確かに時としてソニー・クリスは脳天気にかん高く吹く。けれども、それがずっと単調に続くわけではなく、時に切なさが垣間見られるのがいいところだ。それに加えて、彼のアルト演奏は流れる中に「揺れ」が感じられる。この「揺れ」というのは、スイングという意味ではなく、音色そのものの揺れであり、それが時折感じさせる切なさにつながっているのだと思う。 いま述べた部分をどう評価するかでソニー・クリスの好みは分かれることだろう。軽くて脳天気に聴こえるのがいやだという人もいるだろうし、そもそもパーカー色から脱していないという評価を下す人もいる。けれども、「心地いい」に焦点を合わせれば、基本がパーカー色であったって一向に構わない。コルトレーンをはじめ何人かのジャズの巨人のように新たな課題に向かって突き進んでいくのもよし。逆に、ソニー・クリスのように一定の枠組の中で、独自のニュアンスを求めながら吹き続けるのもよし。筆者は前者もいいと思うが、後者も潔くてよいと思う。 さて、ソニー・クリスのリーダーアルバムには何度かのピークがある。本作『ゴー・マン（Go Man）』は、そのうち最初のピークに当たる1956年の録音。上で述べたように初リーダー作であるが、既に30歳手前。その意味では、若々しく吹くと言うよりは、やはりパーカーの追従者的評価との葛藤の上に考えてプレイされたものだろうと感じる。「揺れ」とそこから垣間見える「切なさ」の表現は、チャーリー・パーカーとの違い、言い換えれば、ソニー・クリスの独自性の第一歩として顕われ始めたものではないだろうか。[収録曲]1. Summertime2. Memories of You3. Walkin' With Joe4. How Deep Is the Ocean5. The Blues for Rose6. The Man I Love7. Until the Real Things Come Along8. Blue Prelude9. After You've Gone10. Come Rain or Come Shine11. How High the Moon12. If I Had You Sonny Criss (as), Sonny Clarke (p), LeRoy Vinnegar (b), Lawrence Marable (ds)録音： 1956.2.24 [枚数限定][限定盤]ゴー・マン!/ソニー・クリス[CD]【返品種別A】 Sonny Criss ソニークリス / Go Man! 【Hi Quality CD】
2009年08月07日
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ジム・ホール 『アランフェス協奏曲（Concierto）』
揃った役者たちの職人芸が紡ぎだす音の美 ジム・ホールという人は職人肌のギター奏者だと思う。「（例えばケニー・バレルのように）このフレーズのブルージーさがたまらない」などというタイプではない。曲、場合によってはアルバム全体の流れを踏まえた上で、淡々と音を紡ぎだしていゆき、終わってみれば見事な職人芸に仕上がっているといった具合だ。 さて、本盤の録音時には、見事な役者が揃っていた。チェット・ベイカー（トランペット）、ポール・デスモンド（アルトサックス）、ローランド・ハナ（ピアノ）、ロン・カーター（ベース）…。いずれも「俺が俺がという出しゃばり」ではなく、控えめでありながら必要なところではしっかりと出る演奏を繰り広げる。CTIというレーベルからイメージされる聴きやすいジャズサウンドを作り出すには格好の面々だったろう。 そして、実際に名盤が生まれた。19分におよぶ長編の表題曲「アランフェス協奏曲（コンシエルト・デ・アランフエス）」は、なるほど20分近くを飽きさせない見事な名演で、筆者も最初はこればかり聴いていた。こうしてこの曲ばかりに注目が集まりがちなのだが、ちょっと待ってもらいたい。最初の3曲を聴き逃してはいけないアルバムなのだ。ちなみに、最初の3曲のうち、1曲目は全員参加だが、2.「トゥーズ・ブルース」ではハナ（p）とデスモンド（as）、3.「ジ・アンサー・イズ・イエス」ではデスモンドが抜けている。 これら3曲の中でも特にいちばんのお気に入りは1.「ユード・ビー・ソー・ナイス・トゥ・カム・ホーム・トゥ」だ。これは誰が何と言おうと必聴である。速めのテンポで進む中、参加メンバー各々がそれぞれの個性を「控えめに」（ここが重要！）発揮しているわけだが、この演奏を牽引しているのは、ドラムである。最初に聴くと少しリズムに乗りすぎて引っ張りすぎではないか、と思うかもしれない。しかし、これがあってこそ間延びせずにまっすぐに最後まで淡々と盛り上がる一体感が出来上がっているのであって、ジム・ホールはじめ各々の名人芸が光り輝いているのだと感じる。 そう、これでお分かりだろうが、上で名を挙げなかった役者がもう一人いたのだ。当時、頭角をあらわしつつあったスティーヴ・ガッド（ds）だ。抑えるところは抑え、叩くべきところはしっかりと叩くドラミングは、2曲目・3曲目でもいかんなくその良さを発揮している。 といったわけで、有名な表題曲も時にはいいが、ぜひとも1～3曲目、とりわけ1.に耳を傾けてもらいたい。壮大な4.に比する（いや、1.についてはそれ以上だと思う）、職人芸の粋と呼んでいい名演がそこにある。[収録曲]1. You'd Be So Nice To Come Home To2. Two's Blues3. The Answer Is Yes4. Concierto de Aranjuez～以下、1997年リイシュー米盤の追加＆ボーナストラック～5. Rock Skippin'6. Unfinished Business7. You'd Be So Nice To Come Home To（別テイク）8. The Answer Is Yes（別テイク）9. Rock Skippin' （別テイク）録音：1975.4.16&23Jim Hall (g), Chet Baker (tp), Paul Desmond (as), Roland Hanna (p), Ron Carter (b), Steve Gadd (ds) アランフェス協奏曲/ジム・ホール[Blu-specCD]【返品種別A】
2009年08月07日
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スタン・ゲッツ 『スタン・ゲッツ・クァルテッツ（Stan Getz Quartets）』
60年前の美しきテナーの舞、スタン・ゲッツの出世作 スタン・ゲッツは1927年生まれの白人テナー奏者。64歳で癌により亡くなっているわけなので、既に死後18年も経過している。本作『スタン・ゲッツ・クァルテッツ（Stan Getz Quartets）』はまだゲッツが20代前半（22～23歳にかけて）だった頃の、比較的初期の録音であり、彼の出世作だ。1949年と1950年の音源なので、今から60年も前の作品ということになる。 ゲッツのテナー演奏は、「クールで知的」といった肯定的評価も受ける反面、「音がか細い」などの否定的見解もある。本盤を聴いて感じるのは、確かにクールで上品だと言うことだ。クールではあるが、それは端正と言うのとはちょっと違う。各フレーズのエッヂは柔らかというか、ややぼんやりした感じ。これがいいところなのだと思うけれど、そこによさを感じない人の批評が「音の細さ」という言い方になってしまうのではないか。けれども、落ち着いてフレーズ一つ一つを聴けば、その音には「芯」がある。つまりは、しっかりと芯のある音を伴ってクールなフレーズが放たれ、しかしその音はぼんやり浮遊しながら舞っているかのような感覚。このような若きゲッツのテナーこそが本盤の聴き所だと思う。 『Quartets』というタイトルからもわかるように（単数形のquartetではなく、複数形のquartets）、複数のカルテット（4人編成）のセッションを編んだものである。詳細は下記を見ていただければよいが、1) 1949年6月、2) 1950年1月、3) 1950年4月、という3回のセッションだ。メンバーも毎回代わっていて、ピアノのアル・ヘイグが1)と2)に共通しているだけで、あとはバラバラの違うメンバーである。曲順は、CDで見ると少し入り組んでいるようだが、LP盤を考えればわかりやすく、「A面＝2)のセッション＋3)から2曲」、「B面＝1)のセッション＋3)から2曲」という構成（CDになってから付加されたボーナス曲は除く）。 正直、3)のセッションの4曲はやや間延びしがちで、ゲッツの演奏もそれほど冴えているように感じられない。逆に1)、2)のセッションからの曲は秀逸なものが多い。1)、2)両方に共通するのはアル・ヘイグが参加していることだが、実際、ゲッツが吹いていない部分ではとりわけ彼のピアノが効果的に鳴っている。 というわけなので、下記のCDの曲順に即して言うと、1曲目～4曲目（時間にしてわずか12分ほど）、次に7曲目～10曲目（これまた11～12分）という塊で本盤のエッセンスを聴くことをおすすめする。 [収録曲]1. There's A Small Hotel2. I've Got You Under My Skin3. What's New4. Too Marvelous For Words5. You Stepped Out Of A Dream6. My Old Flame7. Long Island Sound8. Indian Summer9. Mar-cia10. Crazy Chords11. The Lady In Red12. Wrap Your Troubles In Dreams～以下、ボーナス・トラック（筆者が所有しているのは1991年の日本盤リイシューCD）～13. Prezervation14. Into It 1949.6.21(7～10曲目＋13曲目)： Stan Getz (ts), Al Haig (p), Gene Ramey (b), Stan Levey (ds) 1950.1.6(1～4曲目＋14曲目)： Stan Getz (ts), Al Haig (p), Tommy Potter (b), Roy Haynes (ds) 1950.4.14(5・6曲目、11・12曲目)： Stan Getz (ts), Tony Aless (p), Percy Heath (b), Don Lamond (ds) 【送料無料】JAZZ THE BEST 55::スタン・ゲッツ・クァルテッツ +4 ［ スタン・ゲッツ ］
2009年08月06日
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グラント・グリーン 『トーキン・アバウト（Talkin' About）』
ギターとオルガンの相性の良さか、はたまたグリーンとヤングの相性の良さか グラント・グリーンは1935年生まれで、1960年代ブルーノートを代表するギター奏者。プレイしたスタイルも時代によって様々だし、彼のプレイそのものも多様な評価を受けている。いい方向の評価では、「独特のスタイル」「他のジャズ・ミュージシャンにはないスタイル」などと言われ、悪く言う人からは「不器用」「繰り返しフレーズが多くて退屈」などと言われてしまっているようだ。 さて、本作『トーキン・アバウト』は、1曲目の「トーキン・アバウト・J.C.」が収められていることでよく知られる。J.C.とは、もちろんジョン・コルトレーンを指し、それゆえ、コルトレーンへのトリビュート・アルバムと言われる。 それゆえに、コルトレーンを偲ぶアルバムととられがちだが、トリビュートといっても、コルトレーンはまだ死んでいないわけで、追悼盤というわけではない。加えて、ジャケットをよく見ると、次のように書かれている。Takin' About J.C. ...Takin' About People ...Takin' About Luny Tune ...Takin' About Love ...Takin' About An Old Cowhand ...Takin' About Grant Green ...（←ここだけ赤字） Larry Young ... Elvin Jones ...You'll Be Takin' About It Too! 上の転記を曲目と比べて欲しい。「～について語る」の「～」の部分は、コルトレーンだけではない。収められた各曲の名が入っている。その後に演奏者3人の名前。そして、最後の文の「It(それ)」が何を指しているのかは意味深だが、私は次のように考えたい。このアルバムは「～について語る」ものであり、最後に聴き手はこれを聴いて、独自の何かについて語る（あるいは製作者が考えるところ、聴き手に語ってほしい）のではないか。 そして、筆者はこう語りたい。ギターとオルガンは相性が良い。いや、ちょっと待てよ、それほどたくさんギターとオルガンの組み合わせを聴いたわけでもないし、単にグリーン（ギター）とヤング（オルガン）の取り合わせが良いのだろうか？ どちらが答えかはまだ見つかっていない（けれどきっとそのどちらかであろうと予測される）。徐々にではあるが、他のアルバムも聴いてみようと思う。[収録曲]1. Talkin' About J.C. ←おすすめ！2. People3. Luny Tune4. You Don't Know What Love Is5. I'm An Old Cowhand ←おすすめ！Grant Green (g), Larry Young (org), Elvin Jones (ds)録音：1964.9.11. 【20％OFF】グラント・グリーン/トーキン・アバウト(紙ジャケット仕様)
2009年08月03日
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ジミー・スミス 『ミッドナイト・スペシャル（Midnight Special）』
オルガン・ジャズがコテコテ・ファンキーでなければならない理由はどこにもない ブルーノートの売れっ子オルガン奏者だったジミー・スミス（Jimmy Smith）。ブルーノート盤『クレイジー・ベイビー』や『ハウス・パーティ』、ヴァーヴ盤『ザ・キャット』なども好きなのだが、今回は違った観点からのジミー・スミスのよさを考えたい。 そもそもオルガンというのは、ジャズの世界では異端的な楽器のようだ。オルガン奏者の地位をジャズ界に確立したのもスミスであれば、最高峰として君臨し続けているのもスミスだとされる。マイルス・デイヴィスが彼を評して「ジャズ界8番目の不思議」といったこともよく知られている。加えて、ファンクやR&B界などに影響を与えたせいもあってか、ファンキーでアーシーなオルガン奏者のイメージが強い。 上記のような評判を耳にすると、ジミー・スミスのアルバムを手に取る人の層は逆に限られてくる。一種のルーツ音楽としてスミスを求めるという図式である。しかし、ちょっと待ってもらいたい。ファンキーでコテコテなオルガン演奏だけを求めてはいけない。もっと静かに内に秘めた感情をじわじわと表出させる演奏のスミスもいるのだ。それを再認識する上で、聴いてもらいたいのが本作『ミッドナイト・スペシャル（Midnight Special）』である。 確かに、オルガン入りのジャズは「くどい」。理由はおそらく2つあって、ひとつは楽器の音そのものに起因する部分。それから、もう一つはベースの部分もオルガンが引き受けるので、やはり音色的にベースがリズムセクションの一角を担うよりも、くどくなる。そして「オルガン＝コテコテ、ファンキーでアーシー」なイメージが作られてしまうわけだが、本作でのスミスは実にツボを心得た演奏を繰り広げる。一言でいってしまえば、「くどくなる一歩手前」の演奏なのだ。おそらくそれは、テナーサックスのスタンリー・タレンタイン（本作が初競演）、さらにはギターのケニー・バレルの組み合わせではないだろうか。いや、他のアルバムでもスミスは彼らと競演しているのだが、本作ではとりわけバランスの取れた演奏を見せてくれる。盛り上げるところは盛り上げ、抑えるべきところは抑えて演奏しているのだ。このことは、タレンタイン（サックス）の後ろで弾いている箇所と、バレル（ギター）の後ろで弾いている箇所を聴き比べるとよくわかる。 こうした観点からおすすめなのは、1.「ミッドナイト・スペシャル」、3.「ジャンピン・ザ・ブルース」、4.「ホワイ・ワズ・アイ・ボーン」といったあたりの演奏。抑制がきいているようでありながら、それは決して「抑圧」ではなく、出るところと抑えるところのメリハリなのだ。ファンキーに、コテコテに爆発するのではなく、おそらくは計算しつくされた上の演奏にスミスの凄さをあらためて感じることができる。[収録曲]1. Midnight Special2. A Subtle One3. Jumpin' The Blues4. Why Was I Born5. One O'clock JumpJimmy Smith (org), Stanley Turrentine (ts), Kenny Burrell (g), Donald Bailey (ds)録音：1960.4.25 【ブルーノートRVGコレクションTOP50】ジミー・スミス／ミッドナイト・スペシャル
2009年08月02日
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リー・モーガン 『ザ・ジゴロ（The Gigolo）』
気持ちよく吹きまくるリー・モーガンに注目 リー・モーガンと言えば、15歳でプロとしての活動を始め、18歳でリーダー作を吹き込んだ天才トランペッター。しかも33歳にして愛人に撃たれて死亡という、短い人生を疾走した人物だ。「疾走」というのには、もう一つ理由があって、ハード・バッパーとしての華々しい初期（1956年に初リーダー作）から、いち早く8ビートをジャズに取り込んだ（ジャズ・ロックなどと呼ばれる）「ザ・サイドワインダー」の大ヒットによる商業的成功（1963年）、そこから10年足らずで撃たれる（1972年）という変化に富んだアーティスト人生は、疾走感がある。 さて、本作は1965年のもの。つまり、『ザ・サイドワインダー』（1963年）で商業的な成功を収めた少し後に当たる。ジャズ界としては異例のヒットを飛ばした後でどうするのか？ ヒット路線を突っ走っていくのか、はたまたジャズの求道者に戻ろうとするのか。「お勉強」的に考えると、そうなのだが、果たしてモーガンはそこまで深く考えていたのだろうか。 実は1965年というのは、天才モーガンにとって何度目かの「当たり年」だった。1957年には『キャンディ』をはじめとするリーダー作を連発し、その次は『リー・ウェイ』などの1960年。そしてこの1963年である。この年には、4月に『ランプローラー』、6月に本作『ザ・ジゴロ』、さらに9月には『コーンブレッド』とリーダー作連発の年だった。 天才には、素晴らしい作品を何の苦もなく作れてしまう時というのがきっとあるのだと思う。本作を聴くと、もしかして、天才のインスピレーションが湧き上がり、そのインスピレーションのままにひたすら気持ちよく吹きたかっただけなののではないだろうか、とすら思える。これをもってマンネリと言うこともできるかもしれないけど、この吹っ切れた感じ、わが道を行く感覚がこのアルバムのよさなのだと思う。 もう一つ、このアルバムをよくしているのは、ウェイン・ショーターとの二管という組み合わせだろう。モーガンの王道を突っ走るトランペットに、うまく（それも単に「上手」ではなく自然な感じに）歩調を合わせるショーターのテナー（それゆえ、ショーター色は強くない）。モーガンのペースにうまくショーターが組み合わさった、と言う表現が適当かもしれない。そして、この組み合わせが本盤を聴いて気持ちいい疾走感を高める一役を担っている。 そんなわけで、8ビートやジャズ・ロックだの、モーガンのマンネリ期だのという難しいことは考えず、ただひたすら気持ちよく吹き進むモーガンを無心に聴くのが、本盤を楽しむコツのように感じる。[収録曲]1. Yes I Can, No You Can't 2. Trapped 3. Speedball4. The Gigolo 5. 同（別テイク）6. You Go To My HeadLee Morgan (tp), Wayne Shorter (ts), Harold Maben Jr. (p), Bob Cranshaw (b), Billy Higgins (ds)録音：1965. 6. 25レーベル：ブルーノート 【国内盤CD】【ネコポス100円】リー・モーガン ／ ザ・ジゴロ[+1][初回出荷限定盤(生産限定盤)]
2009年08月01日
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キャノンボール・アダレイ／ミルト・ジャクソン 『シングズ・アー・ゲティング・ベター（Things Are Getting Better）』
屈託のないストレートな演奏から見直すキャノンボールのよさ キャノンボール・アダレイ（Cannonball Adderley）の名を聞いて思い浮かべるイメージの一つに、『マーシー・マーシー・マーシー!』などに代表される"ファンキー・ジャズ"のイメージがある。他方、名盤『サムシン・エルス』の（名義上の）リーダーという別のイメージも存在し、万人当てはまるとまでは言わないまでも、多くの人に共通するような第一イメージが中途半端なのは、ある意味で気の毒な話だ。さらに、キャノンボールが気の毒なのは、ライヴ盤の多さ。ライヴ盤がスタジオ盤に比べて低く見られてしまう風潮もあいまって、「彼の代表作は？」と訊かれても、「これだ!」と言うイメージが定着していない。そんな曖昧な状況のうちに、キャノンボール自身の存在も決して高く評価されなければ、「キャノンボールのよさはこれだ」というポイントも共通理解が得られなくなってしまった、というのが現状であろう。 本盤『シングズ・アー・ゲティング・ベター（Things Are Getting Better）』は、1958年の録音だから、『サムシン・エルス』と同年の作品。より正確に言えば、『サムシン・エルス』が1958年3月に吹き込まれ、その年の10月に『シングズ・アー・ゲティング・ベター』が録音されている。さらに広い文脈から見ると、キャノンボールが伝説的に、ジャズ界に颯爽と姿を現したのは1955年で、その後、亡くなる1975年までの数十枚リーダー作の中では、わりと初期の演奏。冒頭で述べた"ファンキー"なイメージはもう少し後に定着する。 本作の特徴の一つは、キャノンボール・アダレイwithミルト・ジャクソンの作品である点、すなわち、ミルト・ジャクソンというヴァイブ奏者をフィーチャーしている点である。ミルト・ジャクソンは、MJQ（モダン・ジャズ・カルテット）では、どちらかというと控えめな演奏をするが、単独ではよりブルージーな演奏をする傾向にある。その他のメンバーはウィントン・ケリー（ピアノ）、パーシー・ヒース（ベース）、アート・ブレイキー（ドラム）である。ケリーやブレイキーの演奏は比較的控えめで、無理にキャノンボールを煽ったりはしていない。その分、キャノンボールはストレートに気持ちよくプレイしている。同じことはミルト・ジャクソンにも言え、ミルトは出るところと引っ込むところをはっきり意識しながら、出るところではお得意のブルージーかつリズムセクションの上を浮遊するかのようなプレイを見せる。 ミルト・ジャクソンが前面に出ている部分を注意して聴くと、キャノンボールの絡みは中途半端である。きっと軽いストレスを抱えたような状態なのだろう。ところが、と言うか、それゆえに、キャノンボールのソロに来たとたん、一気にそれが吹き飛ぶ。屈託のないストレートなフレーズと音色が耳に飛び込んでくる。2.の表題曲ののびのびとしたプレイ、6.（オリジナルでは5.）の「サイドウォークス・オブ・ニューヨーク」のキャノンボールが出てくる瞬間などは聴いていて爽やかだ。 ファンキーさを求めて聴くならば、本盤のよさはあまり際立たない。そうではなく、本盤における、屈託なく、ストレートに、気持ちよく流れるキャノンボールのアルトを聴くと、こちらも爽快な気分になれる。[収録曲]1. Blues Oriental2. Things Are Getting Better3. Serves Me Right4. 同（別テイク）5. Groovin' High6. The Sidewalks of New York7. 同（別テイク）8. Sounds For Sid9. Just One Of These ThingsJulian "Cannonball" Adderley (as), Milt Jackson (vib), Wynton Kelly (p), Percy Heath (b), Art Blakey (ds)1958年10月28日録音。 【送料無料】JAZZ THE BEST 81::シングス・アー・ゲッティング・ベター +2 ［ キャノンボール・アダレイ ］
2009年08月01日
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ジョー・ヘンダーソン 『ページ・ワン』
異国情緒とは、ある意味誤解の連続なのだろうか ジョー・ヘンダーソンは1937年生まれのテナー・サックス奏者。1963年以降、ブルーノートをはじめいくつかのレーベルに作品を残している。1972年にはブラスロックバンドのブラッド・スウェット・アンド・ティアーズ（アル・クーパーが開始し、ころころとメンバーが変わった）にも参加したが、その音源は現在のところ未発表らしい。60年代に多くの作品を残したが、その後も90年代に至るまでアルバムを吹き込み、2001年に亡くなっている。 彼のリーダー作で筆者が聞いたのは本作のみ。したがって、ここで述べるのは、まるっきりこの一作での感想であることをお断りしておく。 本作『ページ・ワン』は1963年の初リーダー作。後にジャズのスタンダード曲となった1.「ブルー・ボッサ」で有名なアルバム。個人的にもこの曲はお気に入りで、要するに曲が好きなので、他のどのアーティストが演奏していてもとりあえず聴いてみたくなるのだけれど、やはりヘンダーソンの演奏がベスト。 だからといって、この1曲しか聴かないというのではなく、他も聴いてみるべきだ。「ブルー・ボッサ」はボサノバ風の曲だけれど、4.「レコルダ・メ」（ポルトガル語およびスペイン語でRemember Meの意味）も同じくボサノバ風のテイストの曲だ。本当ならRecordameと一語で綴られるはずの単語がなぜかRecorda Meと二語で綴られているのがほほえましい、というよりも怪しい（ちなみに2.の曲名もポルトガル語だ）。 要するに何が言いたいかというと、ブラジル・ポルトガル語のことをよく知らないけれど、「ブルー・ボッサ」であり、「レコルダ・メ」なのだ。もしかするとブラジルを誤解したままこれらの曲は作曲されたり、演奏されたのかもしれない。 そんな「誤解」を想像させるのには、さらなる理由がある。一緒に収められている5.「人力車」という曲だ。ヘンダーソンはこの吹き込み時以前に来日経験があったという。けれど、アルバムの原盤ライナーを書いたケニー・ドーハム（本作に参加のトランペッター）は「中国の、人を運ぶカートのこと」などと解説している。しかも、この曲を聴いてみてもどこが「東洋的」なのかさっぱりわからない。もし、「中東の夜」というタイトルがついていたら、なるほどそんな雰囲気と聴き手は思ってしまうような、いい加減なイメージの曲だ。 とまあ、悪口ばかり書いているように聞こえるかもしれないが、「ブルー・ボッサ」も、「レコルダ・メ」も、「人力車」も、いずれも名演奏に仕上がっているところが、このアルバムの不思議なところ。きっと、想像上のブラジル、（来日はしたとはいえ）何らかの誤解をはらんだままの日本が曲に反映された。日本人やブラジル人が聴いたら、「どこが日本的（あるいはブラジル的）なの？」というかもしれない。しかし、音楽はある意味ではイマジネーションによって創造されるもの。日本で聴くジャズだって、日本人の勝手な思い込みでアメリカのイメージを膨らませながら聴いているという側面が往々にしてあるのだから、いいではないか。 できあがった演奏が心地よければそれでいいのだ。聴き手それぞれの思い込みたっぷりに、好きな解釈で楽しめば、あるいは解釈などという小難しいこと抜きに聴いてみれば、仮に着想が誤解であっても、そしてそれでいいのだと思う。[収録曲]1. Blue Nossa ←おすすめ2. La Mesha3. Homestretch4. Recorda Me ←おすすめ5. Jinrikisha ←おすすめ6. Out Of The Night ←おすすめKenny Dorham (tp), Joe Henderson (ts), McCoy Tyner (p), Butch Warren (b), Pete La Roca (ds)録音：1963.6.13
2009年07月27日
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ブッカー・アーヴィン 『ザ・ソング・ブック』
ブルース感覚が頭のてっぺんから足先まで染み渡っている ブッカー・アーヴィンはテナー・サックス奏者で、1930年テキサス生まれ。1970年に腎臓病で39歳の若さで亡くなっている。1956年から63年までチャールズ・ミンガスとともに行動し、60年代前半にはプレスティジ、その後はパシフィックやブルーノートに演奏を残した。 さて、筆者は世間のブッカー・アーヴィンの評価に不満がある。悪く言う人は、くどいだの垂れ流しの演奏だの、よく言う人は、前衛的（アヴァンギャルド）だの先鋭的だの泥臭さなどと形容する。しかし、実際に何枚か聴いてみて、単純な疑問を持った。いい方も悪い方もそのような方向性の評価で済ませてしまっていいものだろうか。 上で挙げた悪い方の評価から考えてみたい。泥臭いブルース感覚の問題ではなかろうか。泥臭いんだからくどくて当り前。ブルース感覚というのも、ジャズの世界で言うブルースは本来のブルースとは少しイメージされるものが違っていて、それゆえ齟齬があるように思う。もともとの黒人のブルースや戦前ブルースといった世界のイメージからすると、「垂れ流し」は心の叫びや心情のストレートな吐露の一形態のうっぶんに属するものだろう。つまるところ、アーヴィンの演奏は、ジャズでありながらも、あまりにブルース的なのだ。 こう考えるてみると、「前衛的（アヴァンギャルド）な」という評価にも疑問がわく。音的にはエリック・ドルフィーなどを意識して、こういう評価が出てきたのだろうと推測するが、もし演奏者本人が前衛に走るつもりならば、自然な泥臭さを消そうとするはずだ。そうした方向性を目指すならば、ブルースらしさをこれほど前面に出す必要性はない。いや、むしろそれを消すことが前衛に向かうためには必要だったのではないか。 要するに、ブッカー・アーヴィンの音楽、少なくともこのアルバムやその前後のプレスティジ盤は、そうした評価の枠外にあるように思う。ただただ、きわめて自然に、彼のブルース魂の趣くままに吹き綴ったと考える方が納得がいく。ミュージシャンの出自だけですべてを判断する気はないが、彼に限っては、やはり南部の血がじつに濃く流れていると言っていい。 [収録曲]1. The Lamp Is Low2. Come Sunday3. All The Things You Are4. Just Friends5. Yersterdays6. Our Love Is Here To StayBokker Ervin (ts), Tommy Flanagan (p), Richard Davis (b), Alan Dawson (ds)録音：1964.2.27 【送料無料】 UCCO-90253CD/ブッカー・アーヴィン/ザ・ソング・ブック (生産限定盤)
2009年07月26日
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ジェリー・マリガン 『マリガン・プレイズ・マリガン』
ソロ演奏者として、作編曲家として、若き日の才能の開花 1927年ニューヨーク生まれのジェリー・マリガンは、バリトン・サックスの第一人者にして、西海岸ジャズ（ウエスト・コースト・ジャズ）の立役者。さらには、マイルス・デイヴィスのノネット（九重奏団）作編曲家で、マイルスの『クールの誕生』に参加したことでも知られている。西海岸ジャズ絡みでは、チェット・ベイカーとの競演が有名で、パシフィックに吹き込んだオリジナル・カルテットの演奏はよく聴かれているだろうから、ここではあえて別の愛聴盤を紹介したい。 本作『マリガン・プレイズ・マリガン』（PRESTIGE7006、後に同7251として再発）は、1951年、ニュージャージーでの録音。つまり、『クールの誕生』(1949～50年)よりも後で、なおかつカリフォルニアに移ってのピアノレス・カルテット（1952年～）よりも前という時期に当たる。 この作品は、タイトルからもわかるように、7曲すべてマリガンのオリジナルで、マリガン名義の最初のアルバムとなった。1～6曲目までは、3・4分の短い曲で、7曲目の「マリガンズ・トゥー」だけが17分を超える長さ。つまり、LPで言えば、B面はこの曲だけということ。これはLPの実用化に伴ってプレスティジが早速取り入れた手法で、逆に言えば、LP普及前夜にはこの長さの演奏は不可能だったわけだ。CD（70分以上収録）が普及したいま、70分の曲を演奏されても困るわけだけれど、ジャム・セッション風の「マリガンズ・トゥー」の長尺演奏は、だらけることもなく、見事な演奏で、ジョージ・ウォリントンのサポートが効いている。 このアルバムはどの曲を聴いてもはずれがない。最初に耳に飛び込んでくるのは、マリガンが演奏するメロディアスなバリトン・サックス。六管編成（7.のみ二管は）であるが、そのアンサンブルの中でマリガンが心地よく流れるプレイを披露している。 これだけでも十分に気持ちいいのだけれど、さらに落ち着いて聴いていくと、マリガンの作曲能力の高さを再認することになる。そもそも素材としてのいい曲がなければ、演奏の心地よさが生まれるはずもない。 さらに注意深く聴き進めると、編曲者マリガンの姿も見えてくる。その編曲の才能は、『クールの誕生』やギル・エヴァンスとの交流で既に培われたものだったわけで、今さら力説することもないかもしれない。本作でマリガンはその力をいかんなく発揮している。楽曲単位においても、アルバム全体においても、見事なアンサンブルの中で演奏が進んでいく。 といったわけで、本盤は3つのおいしさを兼ね備えている。演奏者として、作曲者として、そしてこの小編成オーケストラのアレンジャーとして、3人のマリガンが1枚のアルバムに見事に収められた結果が、『マリガン・プレイズ・マリガン』だと言える。[収録曲]1. Funhouse2. Ide's Side3. Roundhouse4. Kaper5. Bweebida Bobbida6. Mullenium7. Mulligan's Too 【送料無料】マリガン・プレイズ・マリガン/ジェリー・マリガン[SHM-CD]【返品種別A】
2009年07月26日
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ズート・シムズ 『モダン・アート・オブ・ジャズVol. 1』
乗りと勢いと絡みで楽しむ一枚 白人テナーのズート・シムズがドーン（DAWN、1956～58年にかけて決して多くはない数のレコードを制作したレーベル）に残した1枚。『Vol.1』とタイトルがついていて、『Vol.2』や『Vol.3』も存在するが、それらはズートとは直接関係ない。 ズートは1925年カリフォルニア生まれのテナーサックス奏者で、晩年はソプラノサックスも手がけた。その柔らかくスムースな音色が多くのファンの人気につながっているが、残念なことに1985年に癌で亡くなっている。 さて、本作は1曲目の「九月の雨」の名演でよく知られている。元は映画の主題歌だが、ジャズでしばしば取り上げられる楽曲だ。この曲の演奏のよさは、ドラムのガス・ジョンソンが全体のスイング感を牽引し、他のメンバー、とくにズート（テナーサックス）とブルックマイヤー（ヴァルヴトロンボーン）が絶妙にこのリズムに絡んでいるところにある。それゆえ、ドラムの勢い、テナーとトロンボーン絡み、その結果として全体のスイングした乗りで聴かせる曲に仕上がっている。 とはいえ、1曲目が有名なだけに、他を忘れてしまってはもったいない出来である。これと同じことは、2.「ダウン・アット・ザ・ロフト」、4.「ノット・ソー・ディープ」、5.「ゼム・ゼア・アイズ」、8.「ワン・トゥ・ブロウ・オン」といった曲にもそのまま当てはまる。つまり、ドラムが全体を引っ張り、テナーとトロンボーンがリズムに絡みつく。誤解のないように付け加えておけば、テナーとトロンボーンは「絡んでいる」のであって、ドラム演奏の上に「乗っかっている」のではない。さらに、ピアノとベースも無視しているわけではなくて、彼らもしっかり「絡んでいる」からこそ、全体の乗りが出来上がっている。 他の曲も同じような観点から名演と呼べる出来ばえであるが、ドラムがおとなしくなる3.に限っては、上で述べたような魅力に欠ける。要するに全体の中で間延びしてしまうのだ。けれど、本番の核となる魅力を出し損ねた1曲があるおかげで、それ以外の曲の演奏のよさが理解でき、その魅力が際立つことにつながっているのかもしれない。 [収録曲]1. September in the Rain2. Down at the Loft3. Ghost of a Chance4. Not So Deep5. Them There Eyes6. Our Pad7. Dark Clouds8. One To Blow OnZoot Sims (ts), Bob Brookmeyer (tb), Milt Hinton (b), Gus Johnson (ds), John Williams (p)録音：1956.1.11、1956.1.18 【中古】モダン・アート・オブ・ジャズ/ズート・シムズ
2009年07月26日
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