2012年10月の記事
全4件 (4件中 1-4件目)
1
-
音楽と言葉
最近、移動中のヒマつぶしに岡田暁生氏の著作、「音楽の聴き方」（中公新書、2009年を読みはじめたところ、面白くて止まらなくなりました。岡田センセイは同書中で、「音楽を語る」とはどういうことなのかについて熱心に議論しています。曰く、「音楽の少なからぬ部分は語ることが可能である。それどころか、語らずして音楽は出来ない。」このお題、音楽評論家である岡田センセイにとっては、自身の存在理由を真正面から取り上げたというべきもので、読む方もスリルがあります。通常、音楽をもっぱら娯楽として享受する亭主のような素人は、「音楽を語る」と言っても「（演奏が）よかった〜」、「（音が）きれいだった〜」、「感動したぁ〜」といった印象記、あるいは（馴染みの曲であれば）「第二楽章のテンポが速すぎる」だの「あのフレーズはもっとピアニッシモでシッポリ引いて欲しかった」などといった演奏技術についての感想ぐらいです。これに対し、岡田センセイは指揮者がリハーサルでオケに対して用いるような「わざ言語」、音楽が人に引き起こす身体／運動感覚を再現するような比喩的な言葉を例に、音楽を言葉で表現することが「音楽体験」をより豊かにすると語ります。これは、例えばソムリエがワインのテイスティング際に、単に「美味い／不味い」ではなく、「少しタニンで、カシスやマスカットの香りが… 」などと様々な比喩を駆使してワインの味を表現しようとすることにも似ています。つまり、聴覚や味覚を通して呼び起こされる感覚という連続スペクトルを「分節化」し、そうして区別された感覚に表現を与えることが「語り」の第一歩となる、というわけです。この辺まで合点がいったところで、亭主は大昔に丸山圭三郎氏の「ソシュールの思想」（岩波書店、1981年）を読んでいた時に「なるほど〜」と思った一節を思い出し、本棚を調べて該当箇所を探し当てました。（学生時代の乱読も結構役に立つ？）ソシュールといえば、近代の言語学に大きな影響を与えた人ですが、彼の「記号理論」（ソシュールは言語学において言葉の起源として語られる伝統的な「言語命名論」、例えばアダムが様々な動物を傍に呼んで、それぞれに名前をつけた、といった言語の成り立ちを否定しました）を紹介した一節では、例として虹の色にまつわる話が出てきます。曰く、「我々にとって、太陽光線のスペクトルや虹の色が、紫、藍、青、緑、黄、橙、赤の七色から構成されているという事実ほど、客観的で普遍的な物理的現実に基づいたものはないように思われる。ところが、英語ではこの同じスペクトルをpurple, blue, green, yellow, orange, redの六色に区切るし、ローデシアの一言語であるショナ（Shona）語ではcipswuka, citema, cicenaの三色、ウパンギの一言語であるサンゴ（Sango）語ではvukoとbengwbwaの二色、リベリアの一言語であるバッサ（Bassa）語でも、huiとzizaの二色にしか区切らない」という事実を引いて、「言語はまさに、それが話されている社会にのみ共通な、経験の固有な概念化・構造化であって、各言語は一つの世界像であり、それを通して連続の現実を非連続化するプリズムであり、独自のゲシュタルトなのである。」（同書pp.118-119）と言語の構成原理を解説しています。さらに重要な指摘として、「コトバ以前には、コトバが指さすべき事物も概念も存在しない」と語ります。要するに、我々はコトバで現実を切り取ることで、その切り取った部分をようやく認識出来る、という訳です。丸山センセイのソシュール解説は、「言語の成り立ち」という極めて一般的な文脈でのものですが、これはそのまま「未だ言語化されていない音楽を語る」とはどういうことか、という岡田センセイのお題を鮮やかに解き明かしているようにも思えます。言語によっては虹の色が二色しかない、というのは衝撃的な事実ですが、亭主のような素人音楽愛好家の語る音楽とは、このような狭い言語空間の中にしかないのだ、というのはもっとショッキングです。もっとも、娯楽として音楽を享受している限り、快い感覚に身を委ねていればよいというお気楽な立場で何の不都合もありませんが…
2012.10.28
コメント(0)
-
つくばコンサート実行委員会
長年つくばで主にクラッシック音楽のコンサート招致・開催を手がけてきたボランティア団体である「つくばコンサート実行委員会」が、今年度一杯でその活動に終止符を打つことになった、という記事が地元広告紙「常陽リビング」（10月20日号）の一面に紹介されていました。記事によると、会の発足は1984年。前年に開館したノバホールを有効活用しようということで集まった三十人ほどの音楽愛好家たちによって活動が始まり、爾来およそ三十年近くにわたり続いてきたとのこと。実行委員会の代表であるK先生は、亭主が十数年前つくばに越して来た時、赴任先の研究所で所長を勤められていたのですが、当時はそんな「第二の顔」についてはつゆも知らない状態でした。その後しばらくして、ノバホールで何かのコンサートが開かれた折に会場に出かけてみると、何と入り口で我が研究所長先生がチラシを配っているのを見つけ、それこそ目が点になったことをよく覚えています。（その後も何度かノバホールでお目にかかりました。）1980年代前半と言えば、常磐高速道はまだ柏までしかなく（柏〜東京は一般道）、市中心部（現在のTXつくば駅周辺）は開発整備されつつあったものの、そこから鉄道の最寄り駅（土浦、荒川沖）までは一時間に数本の路線バスしかない、という文字通りの田舎町でした。このころまでに「研究学園都市」に越して来た人々は「旧」新住民と呼ばれ（実行委員会の方々も多分そういう世代）、その当時はクラッシックのコンサートどころか普段の買い物ですら不便で大変だった、というお話をよく聞かされます。それにしても、三十年の月日はつくばの状況を激変させました。特に新鉄道「つくばエクスプレス（TX）」が2005年に開通してからは、「田園地帯に隔絶されて広がる研究学園都市」というよりは、東京のベッドタウンとなった感があります。TXのおかげで、週末の昼間なら東京都心でのコンサートを聴きに行くのに亭主も特段の面倒さを感じなくなりました。ノバホールでのコンサートへの来場者が年々減少し、実行委員会が自らの役割を終える時が来たのも宜なるかな、と思われます。それにしてもこのノバホール、磯崎新の設計によるモダンな外観と良好な音響を誇るなかなかのコンサートホールだと思います。何か新しい活用法を考える人が出てくることを期待したいところです。
2012.10.21
コメント(2)
-
パーセルのハープシコード「レッスン」
先日、クラシカジャパンでイギリスのバロック音楽を集めた番組が流れているのを聴くともなく聞いていると、唐突にベンジャミン・ブリテンの有名な「青少年のための管弦楽入門」の主題になった旋律が、ハープシコードの独奏で聞こえてきました。言うまでもなく、ブリテンが主題として選んだのがヘンリー・パーセルの劇付随音楽「アブデラザール」の「ロンド」であることはよく知られています。（とはいへ、亭主もその原曲を聴いたのは比較的最近になってからで、自身が「青少年」であった頃には原曲はおろか、作曲家パーセルについても単に名前を知るだけの存在でした。）もちろん、「アブデラザール」の音楽自体がハープシコードの独奏曲のはずもなく、これは一体何だろうと思ってプログラムを眺めたところ、曲目に「ハープシコードまたはスピネットのための八つの組曲第４番（イ短調、Z.663）」とあります。組曲の中身はプレリュード、アルマンド、クーラント、サラバンドの四曲からなっており、最後のサラバンドが例の有名なテーマを含む曲でした。NAXOSのCDに付けられた解説文によると、「作曲家の死後に妻に出版が託された曲集」とあり、どうやらパーセル自身が自作をハープシコード独奏用に編曲していたもののようです。（調べてみると、レオンハルトもこの曲を録音していました。）かつてバッハはイタリアの作曲家の合奏協奏曲等をハープシコード（あるいはオルガン）独奏用の作品に編曲していましたが、自分の管弦楽作品の編曲は手がけていないように見えます。パーセルが楽譜の出版を目的としていた、ということから想像されることは、当時既にスピネット（ヴァージナル）やハープシコードといった鍵盤楽器がそれなりに広く普及し、楽譜を購入して演奏を楽しむアマチュア音楽家が数多く存在した、ということではないでしょうか。実際、有名なフィッツウィリアムのヴァージナル・ブックを紐解けば、16世紀〜17世紀に活躍した作曲家の鍵盤音楽が目白押しで、今日でも重要なレパートリーを形成しています。（例えばレオンハルトのCD「エリザベス朝のヴァージナル音楽」にはそのような名曲の数々が収められています。）おそらく英国は、大陸諸国に先駆けて鍵盤音楽に独自のスタイルを確立した先進国だったと思われます。それにしても、パーセルが三十六歳などという若さで他界せず、もっと長生きしてハープシコードの作品を書いていたらどんな曲を残しただろう、と想像したくなるのは亭主だけではないでしょう。
2012.10.14
コメント(0)
-
コンパクト・ディスクの未来
CDが売れないそうです。先週末のA新聞ウィークエンド別刷り紙面トップに登場した山下達郎氏が語るには、インターネットによる音楽や映像の配信によって、メディアとしてのCDの役割がどんどん縮小し、CDの販売に依存していた音楽ビジネスが成り立たなくなりつつあるとのこと。少し長くなりますが、彼の言葉を引用してみましょう。「昔は、お相撲さんとか野球選手とか、有名人は必ずレコードを出したでしょ。音楽が文化の中心にあり、その人の認知度を高める勲章だったわけですが、CDはそういう役割を終えた。CDにアイドルの握手券が付いているんじゃなくて、握手券にCDが付いている。主従が逆。仮にCDが付いていなくても、買うんじゃないですか。 音楽を使って利益を生むというメカニズムが衰弱しています。ユーチューブやニコニコ動画でタダで聴けるなら、CDを買わないでしょう。でも、ユーチューブじゃ、ライブの空気感は再現できない。ライブという一期一会の体験旅行のための音楽。それ以外に利益を生む手段はないと思います。」偶然にも、今週10月6日号の「週刊ダイヤモンド」をめくると、その「日本を呑み込む支配者アップルの正体」と題された特集記事の中でも、iTuneが引き起こした従来型の音楽ビジネスモデルの崩壊が取り上げられており、そのような状況の直中にいる音楽関係者の言葉として、「もうライブしかない」という山下氏と全く同じ趣旨の発言が寄せられていました。このような事態を眺めながら亭主がまず思ったのは、今年ちょうど没後三十年を迎えたグレン・グールドがまだ生きていたら何を語っただろう、という問いです。よく知られているように、グールド（1932年〜1982年）はその演奏家人生の後半にコンサート活動から一切手を引き、レコード録音（ビデオドキュメンタリー等を含む）によってのみ自らの演奏を開示しました。「編集」により技術的なキズを取り除かれ、一分の隙もない「理想の演奏」の記録として世に送り出されるLPやCD。一方コンサートでは、レコード再生装置のように同じ作品を、しかも「理想の演奏」に限りなく近い形で、繰り返し聴衆の前で演奏させられることの徒労感。しかも、そこには何か奇蹟でも起きることを期待して演奏会に詰めかけ、演奏家にプレッシャーをかける聴衆がいます。グールドはどこで間違えたのでしょう？おそらくその鍵は「理想の演奏」という言葉にあるようです。以前にこのブログでも書いた気がしますが、こういった言説は、あたかも我々人間の体験とは独立した抽象的な「音楽」というものが存在する、という前提に立っているように見えます。特に西洋クラッシック音楽の世界では、「譜面上にデザインされた音楽（＝情報）」というその性質上、どうしてもそのようなアブストラクトな世界を「実在」と思いたくなります。（ここで言う「理想の音楽」は、例えるならプラトンの「イデア」みたいなものでしょう。）しかしながら、今日のインターネットによる音楽「情報」の氾濫があらわにしたことは、「理想の演奏」も含め、そのような抽象的な音楽（情報としての音楽、と言ってもよいでしょう）は、結局のところ我々人間の音楽体験の中ではほんの一部分を占めるに過ぎない、ということではないでしょうか。思うに、山下達郎氏をはじめ、音楽ビジネスの中心にいる人たちは、「録音技術」という前世紀の発明がもたらした幻想からようやく解放されて、自分たちの真の存在理由を知ることになったわけですが、それが従来のビジネスモデルの崩壊、という高価な代償を必要としたという点では何とも皮肉な状況です。ただし、ここであえて付け加えるならば、このような状況は一つの作品やアルバムで数十万枚、時に数百万枚という膨大な数のCDを売り上げていた大衆音楽の世界に起きたものであって、亭主が関心を寄せる西洋クラッシック音楽、それもバロック以前といったマイナーな世界ではしょせん他人事のようにも見えます。「理想の演奏」かどうかはともかく、音になったマイナーな作品が貴重な情報源であることは、メディアがCDであろうがインターネット配信であろうが変わりません。もともとCDでも大した数は出ていない世界でしょうから、大衆音楽が被りつつあるような激変からは無縁ではないか、と想像する次第です。実のところ、未音亭のCDコレクションは今まで通りの勢いで増大しつつあります。(^^;;;)
2012.10.07
コメント(0)
全4件 (4件中 1-4件目)
1
-
-
- ラテンキューバン音楽
- 文教大学第９回「歴史を彩る名ドラマ…
- (2026-06-18 13:50:49)
-
-
-
- 洋楽
- INDEXページの更新
- (2026-09-05 19:25:25)
-
-
-
- 田原俊彦さん・としちゃん・トシちゃ…
- KING of IDOL 踊るパワースポット！
- (2025-10-05 15:16:43)
-
