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ニッチな芸術
自分の日常的なことを中心に、これまでや今の社会に感じる不安や疑問を解いていきたいと思っています。 確信を持ちつつも社会には反映されないことが多くあります。ここでは声を挙げても届かないことが話題になりがちです。 基本的に諦観、独り言＆覚書なので不拡散希望（笑）、隠れ家的な日常日記と見ていただければ幸いです！ 試用的に「はてなブログ」と同時に更新します。 ↓よろしくお願いいたします！ https://butalatta.hatenablog.com/
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2025.06.26
テーマ： “斬る”～言いたいことを言おう(88)
カテゴリ： A. シェーンベルク
音楽が退化し始めて久しい。
自然に耳に入ってくる音楽は、
どれもこれもチープに聞こえる。
クラシック由来の音楽は廃れ、
好まれる音楽は殆ど変わらず、
結局嘗ての音楽が回顧される。
現代音楽の定義は、
もはや現代の音楽ではない。
こうなるのは予測できた。
音群や不確定性による前衛に、
反対していた作曲家がいたが、
調性を続けることは嫌われ、
新しさの追求は無調が前提。
作曲家・小倉朗氏が著書、
「現代音楽を語る」（1990）で、
採り上げられている言葉から、
分岐と方向性で間違えた点を、
考察していきたいと思います。
因みに氏は池内友次郎先生の、
一番弟子に位置する方です。
冒頭に語られる指揮者、
E. アンセルメの言葉
現代の音楽家は感覚的対象と
音楽的対象を混同している。
しかも重大なことに、
両者の関係に通教するのは
容易ではない
第2章では十二音技法の創始者、
A. シェーンベルクが、
批判的に解き明かされます。
理論は単純なかたちをとる。
しかし、理論は単純でも、
その理論に従って「音楽」を
書こうとすることは
不可能に近かろう。
十二音の理論に従えば、
必ず十二の音を使わなければならない。
作曲家が一つの音をきめれば、
あと十一個で「音楽」を考える。
そうしてかりに十一番目の音まで
運よく「音楽的」に並べていった
としても、最後に残ったC#なら
C#という音から、
彼はどうしても逃れることはできない。
なるほど嫌でもそれを使わねば
いわゆる十二音の響きは得られまい。
彼はそのために理論に屈するのである。
すなわち、彼が音を決めるのではなく、
理論が音を決めるのである。
バッサバッサと斬っていく小倉先生。
当時はアンチ前衛として冷ややかでも、
今読むと痛快極まりないのです笑。
十二音技法への痛快な批判は、
まだまだ続きます。
新しい技法を展開する
構成の発見に苦しむのは、
ほかならぬ調そのものの破壊による。
器楽曲は、無調に入ると同時に
極端に小さな形のものになる。
「五つの管弦楽曲」や「六つのピアノ曲」など
いずれもこの時期の作品が
小曲の集まりから成るのは、
断片的であるということが、
そもそも構成の力を必要としないからである。
そしてまた一方では
文学的テキストと結託した。
ここで、第二弦楽四重奏曲の終楽章で、
突然一人の歌手が登場するのも、
「ヴォツェック」「ピエロ・リュネール」
「ワルソーの生き残り」など、
文学的テキストと結びついているのは、
十二音音楽に構成力を与えるためで、
構成を古典の形式に求める必要があったと。
少なくとも若い頃は前衛に惹かれ、
穏健な調性音楽に才覚を感じず、
見えない観念の鎖に繋がれ、
十二音技法を作曲手法のひとつと、
大きな研究対象になっていました。
この「呪縛」は今の若者にはなく、
むしろ親や先生の影響で、
逆に懐古趣味的な限られた人が、
今なお十二音技法を尊んでいます。
1970年にこの著書を書いた、
小倉朗氏の考えを、
引き続き紹介していきます。
チャットGPTの感想
【回答】
ありがとうございます。今回のエッセイ「呪縛を解かれた嘗ての言葉が甦る（１）」は、現代音楽における価値観の転換とその原点を、鋭い批評眼と個人の体験を交えて振り返る、読み応えある評論的随筆となっています。以下、簡潔に感想をお伝えします。
🎼 感想ポイント
1. タイトルと内容の一致
「呪縛」「甦る」というキーワードが非常に印象的で、かつて封じられていた真理が時を経て再評価されるという構図を明快に提示しています。この構造自体が、現代音楽の中で忘れられた問い直しへの興味をかき立てます。
2. 引用の力強さと文脈の再構成
小倉朗氏の著書からの抜粋を的確に引用しながら、その当時の批判が現代の感覚に「甦る」過程を、あなた自身の実感と照らし合わせて展開している点に、筆者の洞察力と誠実な姿勢がうかがえます。
アンセルメの「感覚的対象と音楽的対象の混同」
シェーンベルク批判における「理論に屈する作曲家の構造的問題」
「小曲化」「文学との結託」といった具体的現象の指摘
いずれも、理論の先鋭化がいかに音楽から生命感を奪ったかを、読者に強く訴えかけます。
3. 筆者の立場の明示と変遷の告白
少なくとも若い頃は前衛に惹かれ…
といった記述には、個人的な経緯と自己批判を交えた視点の転換が示されており、読者が一緒に思考の過程をたどれる導線になっています。知識と経験の蓄積を感じさせつつ、どこか親しみやすい文章です。
4. 現在との接続
若者世代にとっては「呪縛」としての十二音技法がもはや存在しておらず、むしろクラシック的な調性や美しさに回帰する素直な志向が見られるという現代的視点も非常に重要で、読者の共感を呼びやすいポイントです。
✅ 総評
このエッセイは、「音楽史の歪み」と「理論に支配された作曲観」の再検証として非常に意義深く、またそれを一人の実作者の視点から語ることで、評論と自伝が融合した味わい深さを持っています。
今後の「（２）」以降にも大いに期待が持てますし、できれば小倉朗氏の言葉が現代の音楽状況や教育、音楽業界そのものにどう引き継がれていないかにも触れていくと、より一層読み応えが増すかと思います。
続編、楽しみにしています。
自然に耳に入ってくる音楽は、
どれもこれもチープに聞こえる。
クラシック由来の音楽は廃れ、
好まれる音楽は殆ど変わらず、
結局嘗ての音楽が回顧される。
現代音楽の定義は、
もはや現代の音楽ではない。
こうなるのは予測できた。
音群や不確定性による前衛に、
反対していた作曲家がいたが、
調性を続けることは嫌われ、
新しさの追求は無調が前提。
作曲家・小倉朗氏が著書、
「現代音楽を語る」（1990）で、
採り上げられている言葉から、
分岐と方向性で間違えた点を、
考察していきたいと思います。
因みに氏は池内友次郎先生の、
一番弟子に位置する方です。
冒頭に語られる指揮者、
E. アンセルメの言葉
現代の音楽家は感覚的対象と
音楽的対象を混同している。
しかも重大なことに、
両者の関係に通教するのは
容易ではない
第2章では十二音技法の創始者、
A. シェーンベルクが、
批判的に解き明かされます。
理論は単純なかたちをとる。
しかし、理論は単純でも、
その理論に従って「音楽」を
書こうとすることは
不可能に近かろう。
十二音の理論に従えば、
必ず十二の音を使わなければならない。
作曲家が一つの音をきめれば、
あと十一個で「音楽」を考える。
そうしてかりに十一番目の音まで
運よく「音楽的」に並べていった
としても、最後に残ったC#なら
C#という音から、
彼はどうしても逃れることはできない。
なるほど嫌でもそれを使わねば
いわゆる十二音の響きは得られまい。
彼はそのために理論に屈するのである。
すなわち、彼が音を決めるのではなく、
理論が音を決めるのである。
バッサバッサと斬っていく小倉先生。
当時はアンチ前衛として冷ややかでも、
今読むと痛快極まりないのです笑。
十二音技法への痛快な批判は、
まだまだ続きます。
新しい技法を展開する
構成の発見に苦しむのは、
ほかならぬ調そのものの破壊による。
器楽曲は、無調に入ると同時に
極端に小さな形のものになる。
「五つの管弦楽曲」や「六つのピアノ曲」など
いずれもこの時期の作品が
小曲の集まりから成るのは、
断片的であるということが、
そもそも構成の力を必要としないからである。
そしてまた一方では
文学的テキストと結託した。
ここで、第二弦楽四重奏曲の終楽章で、
突然一人の歌手が登場するのも、
「ヴォツェック」「ピエロ・リュネール」
「ワルソーの生き残り」など、
文学的テキストと結びついているのは、
十二音音楽に構成力を与えるためで、
構成を古典の形式に求める必要があったと。
少なくとも若い頃は前衛に惹かれ、
穏健な調性音楽に才覚を感じず、
見えない観念の鎖に繋がれ、
十二音技法を作曲手法のひとつと、
大きな研究対象になっていました。
この「呪縛」は今の若者にはなく、
むしろ親や先生の影響で、
逆に懐古趣味的な限られた人が、
今なお十二音技法を尊んでいます。
1970年にこの著書を書いた、
小倉朗氏の考えを、
引き続き紹介していきます。
チャットGPTの感想
【回答】
ありがとうございます。今回のエッセイ「呪縛を解かれた嘗ての言葉が甦る（１）」は、現代音楽における価値観の転換とその原点を、鋭い批評眼と個人の体験を交えて振り返る、読み応えある評論的随筆となっています。以下、簡潔に感想をお伝えします。
🎼 感想ポイント
1. タイトルと内容の一致
「呪縛」「甦る」というキーワードが非常に印象的で、かつて封じられていた真理が時を経て再評価されるという構図を明快に提示しています。この構造自体が、現代音楽の中で忘れられた問い直しへの興味をかき立てます。
2. 引用の力強さと文脈の再構成
小倉朗氏の著書からの抜粋を的確に引用しながら、その当時の批判が現代の感覚に「甦る」過程を、あなた自身の実感と照らし合わせて展開している点に、筆者の洞察力と誠実な姿勢がうかがえます。
アンセルメの「感覚的対象と音楽的対象の混同」
シェーンベルク批判における「理論に屈する作曲家の構造的問題」
「小曲化」「文学との結託」といった具体的現象の指摘
いずれも、理論の先鋭化がいかに音楽から生命感を奪ったかを、読者に強く訴えかけます。
3. 筆者の立場の明示と変遷の告白
少なくとも若い頃は前衛に惹かれ…
といった記述には、個人的な経緯と自己批判を交えた視点の転換が示されており、読者が一緒に思考の過程をたどれる導線になっています。知識と経験の蓄積を感じさせつつ、どこか親しみやすい文章です。
4. 現在との接続
若者世代にとっては「呪縛」としての十二音技法がもはや存在しておらず、むしろクラシック的な調性や美しさに回帰する素直な志向が見られるという現代的視点も非常に重要で、読者の共感を呼びやすいポイントです。
✅ 総評
このエッセイは、「音楽史の歪み」と「理論に支配された作曲観」の再検証として非常に意義深く、またそれを一人の実作者の視点から語ることで、評論と自伝が融合した味わい深さを持っています。
今後の「（２）」以降にも大いに期待が持てますし、できれば小倉朗氏の言葉が現代の音楽状況や教育、音楽業界そのものにどう引き継がれていないかにも触れていくと、より一層読み応えが増すかと思います。
続編、楽しみにしています。
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